ESCENA CONTEMPORÁNEA VI FESTIVAL ALTERNATIVO DE LAS ARTES ESCÉNICAS CICLO MÚSICA Del 13 al 16 febrero de 2006

Programación
del Círculo de Bellas Artes

Lunes 13 de febrero
17.30 h: Ex Oriens Lux, un encuentro con Daniel Charles, a través de Rubén López Cano.
20 h: La gran noche japonesa. Primera parte: Yoshiro Hanno. Segunda parte: de Christophe Charles. Tercera parte: Shibuya Keiichiro.

Martes 14 de febrero
17.30 h: Ex Oriens Lux, un encuentro con Daniel Charles, a través de Carmen Pardo.
20 h: El séptimo sello. Primera Parte: Alfa y Omega de la voz humana. Idea y realización de A. Cabot. Segunda Parte: concierto de percusión por el grupo "Drumming" (Portugal).

Miércoles 15 de febrero
17.30 h: Ex Oriens Lux, un encuentro con Daniel Charles, a través de José Luis Carles.
20 h: La guitarra: olvidos y libertades. Primera Parte: Heiko Plank. Segunda Parte: Erhard
Hirt y Claus van Bebber (Alemania)

Jueves 16 febrero - 20h
17.30 h: Ex Oriens Lux, un encuentro con Daniel Charles, a través de Santiago Torres.
20 h: Músicas Verbales. Una soirée futurista, dadaísta, letrista y otras vanguardias
vocales. Trío EXVOCO (Alemania).

Obras de Raoul Hausmann, Francesco Cangiullo, Georges Aperghis, Michel
Seuphor, Vassili Kamenski, Giacomo Balla, Maurice Lemaître, Antonin Artaud, Mauricio Kagel, Hans Arp, Dieter Schnebel, Hugo Ball, Fortunato Depero, Richard Huelsenbeck, Marcel Janko, Tristan Tzara, Pierre Albert-Birot, Alexei Kroutchenykh y Kut Schwitters.
 

LOS ARTISTAS INVITADOS AL FESTIVAL.

Daniel Charles.
Músico, alumno de Olivier Messiaen, funda en 1968, el departamento de música de la Sorbona de París. Su saber hacer cuaja en miles de artículos, en dirigir revistas imprescindibles como la “Revue d’esthetique” o publica decenas de libros y opúsculos sobre las cuestiones mas entusiasmantes de la música de un hoy que es presente y comunión. Este hombre, digo, con vocación de intemperie y alma de infante es también compadre serio de cuanto nazca fuera del tiesto, de cuanto crezca con más tesón que clarividencia, de cuanto madure con más barbarie que cultura, de cuanto envejece sin enmudecer, de cuanto muere convertido en derivas sin defunción posible. Daniel, más bosque que árbol y mas que pájaro bandada, mil gracias por acompañarnos, vela en mano, también a nosotros en este festival de orfandades.

Las escurridizas músicas de María y Keiichiro Shibuya. María se presenta a sí misma como “sound artist” que se deleita en el silencio. Schibuya como músico/compositor que investiga la “música de variaciones y movimientos basados en la teoría física no lineal”. Ambos conciben y montan “instalaciones sonoras”, ambos se confiesan concernidos por el son como textura y ritmo, y ambos fundan un sello independiente “ATAK” donde publican a gente como GOEM, Kim Casone, etc. Y ambos confluyen en un dúo “laptop” (o dúo de artistas sonoros cuya orquesta es el ordenador portátil) que lleva por título “SLIPPED DISK”, esto es disco que se mueve con suavidad y sigilo. Y así es su música: un son que perfuma el aire sin casi ganas ni necesidad, ni por lo tanto premura, una brisa semitransparente de vuelo gallináceo que se camufla con la también casi nada.

Más información

   http://atak.jp/en/about/shibuya.html

Yoshihiro Hanno.
Una música del tiempo. Este músico que gusta de sonar en “la diversidad de la música”, una diversidad que remite al jazz, al hip hop, al reggae, al electromínimal, al dub, al rap, etc. La música de Hanno es brillante, se nutre de la mezcla y la complicación de todo tipo desde que en 1977 se dio a conocer con su “Multiphonic Ensemble”, o en 1998 realiza su primera banda sonora para el
mundo del cine (“Flores de Schangai” de Hou Hsiao-Hsien) lo que le llevó a competir en el Festival de Cannes, comenzando así su densa colaboración con el cine.

En el 2000 comienza a trabajar con Ryuichi Sakamoto al tiempo que crea su propio sello discográfico (“Cirque”) que le dispensa fama mundial por su cuidada selección de música elaborada con ayuda de computador. Desde 2001 vive y trabaja entre París y Tokio multiplicando sus actuaciones en vivo y sus propuestas en un mundo ya global, numérico y más que mestizo ubicuo y mas que móvil estático. Un
empequeñecido globo donde ya el aquí y el allá no existe, se finge.

Más información

   http://www.yoshihanno.com/profile.html

Christophe Charles.
Músico latino, nacido en Marsella, pero que vive en Japón desde hace 20 años. En efecto, desde fines de los 80 la tecnología, lo digital, agazapado en cómodos ordenadores portátiles permite a un músico como Charles una flexibilidad insospechada: la cocina inmediata, esto es, un hacer florecer ante nuestras propias narices los mas sugestivos aromas. Es lo que los músicos llamamos “composición en tiempo real”. Christophe practica la electroacústica, la síntesis, el collage sonar. Es el espacio que el son crea, un espacio, en el sonar de Charles, sin centro ni dirección ni acabamiento previo. Cada quién, pues, lo experimentará por sí mismo. Y consecuente con todo ello, la música que Charles nos prepara será una música no dirigida, una música de coincidencias, contextual. Una música que “se sostiene sola” como diría sugestivamente John Cage. Experto pues en provocar situaciones de escucha excepcionales que escudriñan los lindes de la intención, o mejor de la ausencia de intención, alguna de las instalaciones sonoras permanentes que Christophe realiza se hallan expuestas en lugares significativos: en el Centro de Información de la ciudad de Osaka (1999), o en el Atrium central del Aeropuerto de Narita (2001).

Más información

   http://home.att.ne.jp/grape/charles/

DRUMMING –
Grupo de Percussào. La palabra “drumming” que en inglés expresa cacofónicamente la acción de sacar sonido de algo golpeándolo, es también una palabra emblema para muchos músicos de hoy, pues es el título de una propuesta compositiva de Steve Reich que a comienzos de los años 70 significó la culminación de una estética tan estricta como transparente, la del desfase gradual, quizás la
lectura mas significativa y suculenta de eso que pronto dimos todos en llamar minimalismo. Pero junto a este chorro de connotaciones que el término “drumming” despierta, este grupo de percusión que emergió en nuestro vecino Oporto, y que dirige el admirado Miguel Bernat, se presenta a sí mismo bajo el lema latino “musicam renovare cupimos...et inaudita imponere”, esto es “nos proponemos renovar la música...e imponer lo inaudito”. Drumming es un grupo que se lee a sí mismo recorriendo todas las poéticas del espectáculo, sin hacer diferencias de valor entre ellas. De ahí que su hacer guste de las músicas contemporáneas, el rock-jazz, las world music, las músicas para danza, o la colaboración con otras agrupaciones musicales. En el programa que nos presenta figura un estreno, encargo del Instituto Valenciano de la Música (IVAM), se trata de una pieza de Polo Vallejo, uno de esos músicos de los que podemos afirmar que para él sonar/escuchar es arriesgarse, es entrar en la piel del otro y de lo otro.

Ensemble EXVOCO, Expanded Voice Company de Stuttgart.
El grupo EXVOCO es ya un clásico, también un superviviente que nos alivia del manto de olvidos en que tanta exultante alegría quedó sepultada. No en vano es hijo, también él de esa segunda gran ola de creatividad en los márgenes de lo conveniente que cuajó allá por los años sesenta.

EXVOCO ya visitó España en los setentas. Ofreciendo su singular carga de desbordes y acumulaciones. Hoy vuelve con similar cantar para que nada ni nadie se prive de gozar unas horas de llamas, que en el fondo postulan la urgencia de vivir de muy otras maneras.

Heiko Plank,
un músico que desde 1997 dirige en Kaiserslautern su propio estudio de grabación y su sello “Acoustic Arts” afirma: “Nunca puedo predecir exactamente que música me gustaría tocar en un concierto”, y esa ración mayúscula de incertidumbre, Heiko la cubre acercándose y descansando sobre o junto a un buen montón de apoyos sobre los que hilvanar lo nuevo, “improvisaciones libres,
interpretaciones de composiciones clásicas como por ejemplo Bach, improvisaciones sobre composiciones propias, piezas de otros compositores, o sencillamente fragmentos grabados del vivo, que van y vienen, y que me inspiran nuevas improvisaciones”.

Erhard Hirt.
Reinvención y melancolía. Este improvisador cuyas herramientas son la guitarra y la electrónica en vivo encuadra su labor en una línea lingüística que, alejándose de las magníficas certezas del pasado atisba otras morfologías, libres, texturales y entrecortadas, desde una querida perdida de aura. Así, en la línea de Derek Bailey, o Evan Parker, Hirt construye su singular mensaje sonoro mimando
cada nacer y desaparecer sónico, variando hasta el infinito los parámetros y ángulos del crecer, encresparse, aletargarse y zafarse de nuestro oído de esa masa sónica que el quiere artesanal y siempre en insospechadas metamorfosis. Al tiempo que postula una nueva relación con el tiempo y la realidad.

Vivenciando desde cerca el trabajo de Hirt, recorremos un buen trecho de historia: esa que va desde la moderna aceptación de la soledad desde la que estamos obligados a conformar nuestra agónica libertad.

Una libertad que más allá de la originalidad va poblándose de nuevas melancolías y lastres, sobre todo ahora que de nuevo nos enfrentamos a nuevos paradigmas, nuevos instrumentos, nuevas posibilidades de manipulación y puede que nuevas maneras de leernos como artistas y como seres tocados de actitudes – también cambiantes – éticas.

Antonio CABOT.
Este artista plástico de formación académica y cargado de posos mediterráneos, se vive a sí mismo en curiosidad desbordante. Su gran entusiasmo y generosidad encuentra siempre motivos para cargar sobre el mundo que le rodea mil y un proyecto. He aquí uno que le ha tenido ocupado los últimos años, el de hacernos bien palpable la música de un Ramón Barce que a los seguidores de este festival le resulta ya familiar. De ahí que Cabot nos cante la melismática música vocal de esta “OLEADA” de cabotajes plenos de vellocinos de oro y otros talismanes, con una muy plástica y colorística escenografía.