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ESCENA CONTEMPORÁNEA
VI FESTIVAL ALTERNATIVO
DE LAS ARTES CONTEMPORÁNEAS
Del 30 de enero
al 25 de febrero de 2006 |
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INAUGURACIÓN
VI EDICIÓN FESTIVAL ESCENA CONTEMPORÁNEA |
Atlas (o antes de llegar a Barataria)
Danza
Círculo de Bellas Artes
(Teatro Fernando de Rojas)
30 enero: 21 h
ATLAS
(O ANTES DE LLEGAR A BARATARIA) |
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FOTO: JORDI BOVER |
Danza |
Compañía Mal Pelo –
Catalunya (España) |
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Círculo de Bellas Artes
(Teatro Fernando de Rojas)
(Madrid)
31 enero: 21 h |
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El Instituto Cervantes
presenta el proyecto ganador del concurso convocado con motivo
del IV Centenario de la publicación del Quijote: Atlas (o
antes de llegar a Barataria).
Como en trabajos previos de Mal Pelo, parte de elementos
sólidos. Las referencias de Atlas han sido el estudio
Cuerpo y gesto en el Quijote de Cervantes de Bénédicte
Torres, la película inacabada Don Quijote de Orson
Welles y la idea de un viaje compartido a ninguna parte. Un
viaje, para indagar en la relación entre dos hombres y
reflexionar sobre cómo el cuerpo es el lugar donde ocurren las
tensiones entre la imitación de la literatura y la realidad.
La intención, en este caso, de Mal Pelo, ha sido partir
de una situación dramática de dos personajes, de dos intérpretes
masculinos en escena, sin hacer una representación de los
personajes de la obra de Cervantes, sino construyendo un
mundo de contraste entre la presencia real de los intérpretes y
un mundo de artificio en el que ambos pueden ser un mismo
personaje y juntos construir una visión poliédrica de una
personalidad y una corporalidad compleja. Hay también una
intención de vincular la realidad cervantina con nuestro tiempo
a través de la necesidad de desnudar la apariencia y la
necesidad de desarrollar una picaresca para crear estrategias de
supervivencia.
Atlas es un espectáculo dirigido por Pep Ramis y
María Muñoz, codirectores de Mal Pelo. Autoría
compartida que ha dado como resultado más de 25 espectáculos
hasta el momento y es uno de los rasgos distintivos del grupo.
Pep Ramis y Jordi Casanovas son los intérpretes
que muestran sus cualidades actorales, sus registros de
movimiento y su larga experiencia compartida en la creación
escénica.
Mal Pelo se forma como grupo de danza en 1989, que se
rodea de colaboradores, siempre con un mismo propósito: trabajar
el cuerpo como herramienta principal, investigando
permanentemente, tratando de contar los temas de siempre, de una
manera siempre distinta, para llegar a nuevos paisajes. Todo
ello con una mirada intimista llena de historias cotidianas y
detalles, una mirada tierna y dura al mismo tiempo. Un lenguaje
en el que se mezclan diferentes disciplinas, para elaborar un
tipo de construcción dramática que ofrezca al público la
posibilidad de hacer una lectura más asociativa.
Ficha artística y técnica
Dirección y espacio escénico: María Muñoz, Pep Ramis
Creación e Interpretación: Pep Ramis, Jordi Casanovas
Música: Steve Noble
Ayudante de dirección: Cristina Cervià
Iluminación: Ramón Rey (A.A.I.), August Viladomat
Técnico de sonido: Lluis Robirola
Escenografía: Ben Heinzel-Lichtwark
Colaboración vídeo: Núria Font
Colaboraciones artísticas: Anna Subirana, Julyen
Hamilton
Imágenes vídeo: Mal Pelo
Vídeo animación: Dirk Van de Vondel
Vestuario: Ariadna Papió
Fotografías: Jordi Bover
Promoción y coordinación artística: Eduard Teixidor
Gestión económica y producción: Mar Senespleda
Ayudante de producción: Susanna Saguer, Meritxell
Yanes
Agradecimientos: Bénédicte Torres, Pep Pujol.
Producción: Instituto Cervantes, Mal Pelo y GREC 2005.
Con la colaboración del Teatre de Salt.
Duración: 50 minutos
Más información
www.malpelo.org
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Danza |
Compañía Enclave-Roberto Oliván
Bélgica |
Sala Cuarta Pared
(Madrid)
31 enero y 1 febrero: 21 h
Auditorio Víctor Jara
Arganda del Rey
4 febrero: 20.30 h |
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El tercer trabajo del coreógrafo
Roberto Oliván. De Farra es una fiesta de siete
bailarines y un hombre “orquesta” presentado de una forma
sorprendente. Es una representación híbrida de placer y alegría,
una representación que hace sonreír e intenta llevar y abrazar
al público. La obra narra las distintas maneras de vivir la
fiesta de un grupo de amigos, que viajan juntos de una ciudad a
otra. La diversidad cultural de los bailarines enriquece la
manera de interpretar la celebración y la diversión, creando una
mezcla de danza contemporánea y tradicional muy interesante y
divertida. Podemos decir que es una obra claramente apoyada en
los personajes que la interpretan. La danza es un elemento de
relación y comunicación entre los intérpretes. Aunque con
distintos bagages culturales detrás y maneras de entender y
afrontar la vida, todos ellos pasan un día en el que la
comprensión y la diversión no necesita de otros elementos,
miradas cómplices, ritmos, alegría y ganas de pasarlo bien. La
marcada personalidad de cada carácter hace que durante la obra
la improvisación juegue un papel importante enriqueciendo cada
representación y dándole un juego enorme a cada nueva situación
escénica.
De Farra destila vitalidad, propone huir de la rutina,
vivir una nueva experiencia. Es una aproximación a la alegría.
Un pequeño momento de gratitud; una pausa en el ruido de las
máquinas de hacer dinero.
En las creaciones de Roberto Oliván aparece el mestizaje
cultural mezclado con la interdisciplinariedad de lenguajes.
Constantes en el trabajo de este coreografo catalán, residente
en Bélgica. Desde muy temprano abandona la ciudad condal para
estudiar danza contemporánea en Bruselas. Allí colabora con
Robert Wilson, y la coreógrafa neoyorquina Trisha Brown.
Posteriormente, es invitado a formar parte del teatro Het Net,
como coreógrafo residente. A partir de cuando comienza su
producción propia, donde De Farra es su última creación.
Ficha artística:
Dirección: Marc Olivé
Dirección artística: Roberto Oliván
Música escrita e interpretada: Pierre Bastien
Interpretación: Martin Kilvady, Cruz Mata, Ben "Fury",
Roberto Oliván, Valeria Garré, Peter Jasko, Laida Aldaz;
Asistente Diseñador de Luces: Thomas Walgrave
Fotografía: Herman Forgelossos
Diseñador vestuario: Isabelle Lhoas & Frederick,
Denis;
Dramaturgia: Marianne Van Kerkhoven
Técnico de iluminación: Manu Martínez
Técnico de sonido: Jan Vanbal
Producción ejecutiva: Marc Olivé; Distribución: Fani
Benages, Projectes Artístics
De Farra es una producción HET NET
Coproducido por: Concertgebouw (Brugge) y Mercat de
les Flors (Barcelona)
Con el soporte de SACD con el programa 1500 horas para la
danza.
Duración: 80 minutos.
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ALTE MAENNER+SPUREN DER MACHT |
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Danza |
Compañía Gerhard Maass
Alemania |
Teatro Pradillo
(Madrid)
31 enero y 1 febrero: 20.30 h |
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Alte Maenner y Spuren
der Macht forman parte de un programa doble del creador
alemán Gerhard Maass.
En Alte Maenner su particular estilo se muestra en un dúo
a base de contorsiones y movimientos mínimos. Dos bailarines en
escena, actúan el uno contra otro. La pieza reflexiona sobre la
insuficiente afectividad de cada uno de ellos.
En Spuren der macht, a través de la precisión del
bailarín, Michael Kellenberger, sale a relucir el
impresionismo de los trabajos del coreógrafo alemán. Solo cuyas
composición e iluminación están muy cuidadas y recuerdan a
espacios minimalistas, lo cual le otorga una gran fuerza
expresiva. Ambos son montajes caracterizados para un espacio
sonoro contundente.
Ficha Artística ALTE MAENNER
Coreografía: Gerhard Maass
Interpretación: Michael Kellenberger, Gerhard Maass
Música: Christian Meinke
Iluminación: Benjamin Schälike
Producción: Tanztage Berlin
Duración: 30 min
Ficha Artística SPUREN DER MACHT
Coreografía: Gerhard Maass
Interpretación: Michael Kellenberger
Producción: Tanztage Berlin
Duración: 30 min
En Madrid con el apoyo del Goethe Institut.
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LA BARRACA-CANTINA MUSICAL |
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Nuevo Circo |
Compañía Théâtre Dromesko-Hnos. Forman
República Checa/Francia |
¡MIRA!
Instalaciones Deportivas Canal Isabel II
(Madrid)
31 enero, 1, 2, 3, 4 y 5; 8, 9 y 10 febrero: 20.30 h
Temporada de la Escena Checa en Madrid Festival VEO VALENCIA
Tramo 9 del cauce del Río Turia
Del 16 al 26 de febrero juev, vier, sáb y lun: 20.30 h.
Domingos 19 h |
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La Barraca, se asienta como
una pequeña taberna ambulante, en donde los actores se deslizan
entre las mesas. La intención del montaje no es buscar el
entendimiento, sino la sorpresa de estar todavía aquí
compartirlo con los comensales de cada noche. Para lo cual
utilizan las palabras adecuadas, sin tener justificarse a cada
momento.
Lily, Igor, Shani, Jantchi, Jenö, Monique, los Forman,...
algunos cuervos, Charles el Marabú, y otros muchos , van a
colarse entre el público. Publico, que se convierte en cómplice,
casi amigos o futuros conocidos. Con su ritmo, La Barraca
provoca encuentros y fuerza el azar. Todos se juntan alrededor
de una mesa para echar un trago, tomar algo esperando que no sea
la última, y prestan atención a una música que con la atenta
escucha les será devuelta. De modo que los habitantes de cada
noche se imaginan todavía que el día de pasado mañana, mañana,
será ayer.
En este proyecto, el famoso Thèâtre Dromesko francés se asoció
con el Teatro Hnos. Forman, de la República Checa. Desde su
fundación, La Barraca actuó como compañía invitada casi en todas
las capitales europeas, gozó de gran éxito, por ejemplo, en
Bruselas en el 1998 (festival Europalia). España es uno de los
pocos países europeos donde La Barraca hasta ahora no ha sido
presentada.
En 1995, termina La Volière, y se inventa La Barraca Cantina
Musical (La Barraque Cantine Musicale). En este proyecto,
Thèâtre Dromesko se asoció con el Teatro Hnos.
Forman, de la
República Checa.
Desde su fundación, La Barraca actuó como compañía invitada casi
en todas las capitales europeas, gozó de gran éxito, por
ejemplo, en Bruselas en el 1998 (festival Europalia). España es
uno de los pocos países europeos donde La Barraca hasta ahora no
ha sido presentada.
Al Teatro Hnos. Forman, los españoles tuvieron la oportunidad de
conocerlo únicamente a través de la obra teatral Ópera Barroca,
con la que la compañía recorrió algunos lugares en España en el
año 2003 y en mayo de 2005.
En el marco de Praga 2000, Dromesko se asocia de nuevo con el
Teatro de los Hermanos Forman paracrear un espectáculo sobre un
barco que navega sobre el río Vltava: Les Voiles Écarlates,
cuento ruso de Alexander Grin, que gira en toda Europa hasta
2005.
Ficha Artística
Benoît Goñi, Marie-Christine Lavina-Gonin, Sandor Berki, Ferenc
Lakatos, Jenö Soros, Petr Forman, Matej Forman, Milan Forman,
Izabela Schenkova, Alain Demoyencourt, Philippe Tivillier.
Duración: 3 horas
Idioma: Español
En Madrid con el apoyo del Centro Checo y la Embajada Francesa
Más información
www.festivalveo.com
www.escenacontemporanea.com
VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN
O 1080 RECETAS DE MIERDA |
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Teatro |
Compañía Teatro del Temple
(Aragón) España |
Sala Cuarta Pared
(Madrid)
3 y 4 febrero – 21 h |
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Ventajas de viajar en tren
mezcla realismo e imaginación. Contradicciones que
paulatinamente, invadirán la escena. Una mujer sube al tren tras
haber internado en una clínica mental a su compañero coprófago,
y entabla un extraño diálogo con un psiquiatra que le cuenta su
vida. La vertiginosa sucesión de cuentos encadenados y de vidas
propias o ajenas, se funde en este extraño coloquio donde las
personas se mezclan entre sí y dejan de ser lo que son. De
repente su efímero compañero baja del tren y deja abandonada una
carpeta con una serie de historias clínicas.
Teatro del Temple, compañía formada por Carlos Martín,
director escénico, Alfonso Plou, dramaturgo, y José
Tricas, productor, muestra en su bagaje inicial 1990-1993
montajes como Calígula, de Camus, dirigida por Martín
(coproducida con el Centro di Ricerca Teatrale de Milán), Sé
que estas ahí, de Martín y Tricas (estrenada
en el Festival Internacional de Teatro de Zaragoza) y ¿Qué
quiere quien te quiere? (finalista del Premio Nacional de
Teatro) y Carmen Lanuit, de Plou.
Antonio Orejudo (Madrid, 1963) ha publicado dos novelas,
Fabulosas Narraciones por Historias (Madrid, Lengua de Trapo,
1996), que fue galardonada con el Premio Tigre Juan a la mejor
primera novela del año; y Ventajas de viajar en tren (Madrid,
Alfaguara, 2000), ganadora del XV Premio Andalucía de Novela. Es
colaborador semanal en la edición andaluza del diario El País y
del suplemento cultural Babelia del mismo periódico. Licenciado
en Filología Hispánica, se doctoró en Estados Unidos, y durante
siete años trabajó como profesor en diferentes universidades de
aquel país. Hoy es profesor titular de literatura en una
universidad española, y ha publicado diferentes trabajos
relacionados con su especialidad.
Ficha Artística
Dirección: Carlos Martín
Adaptación teatral: Carlos Martín y José Tricas
Ayudante dirección: Amór Pérez Bea
Interpretación: Gema Cruz, Jaime Ocaña, Francisco Fraguas, Laura
Plano, Francisco Fraguas, Manuel Escosa
Diseño iluminación: Bucho Cariñena
Diseño escenografía y vestuario: Oscar Sanmartín Vargas
Diseño técnico escenografía: Novo Design (Ana Bendicho, Antti
Pitkanen, Anne Roussel)
Realización escenografía: Luezar y Arantxa Horno
Realización vestuario: Amor Pérez Bea, Oscar Sanmartín, Ángela
Pérez-Grueso
Música original y espacio sonoro: David Angulo
Realización y edición vídeo: Bambino Films (Ángel Luis Martínez
Saló, Jonás Pérez, Álvaro Mazarrasa)
Diseño gráfico: Oscar Sanmartín Vargas
Imprenta: Navarro & Navarro Impresores
Caracterización: Virginia Maza
Dirección técnica, luminotecnia y sonido: Bucho Cariñena
Regiduría y técnico vídeo: Manuel Escosa
Producción: José Tricas
Ayudante producción: Escosa
Distribución: Belén Álvarez
Duración: 75 min
Idioma: Español.
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PROGRAMA DOBLE en Teatro Pradillo:
Milli Bitterli y Saskia Hölbing |
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WHAT REMAINS OF ME? PART 2 |
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Danza |
Compañía Milli Bitterli
Austria |
Teatro Pradillo
(Madrid)
3 y 4 febrero – 20.30 h |
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¿Existe una coreografía de las
emociones? Mili Bitterli plantea que ciertas posiciones y
posturas físicas evocan unas emociones específicas. Movimientos
y gestos, que colocan al cuerpo en un estado de sentimientos. De
modo que toda acción física está conectada a una sensación o
emoción.
La pieza es un autorretrato de encuentros. El bailarín es
observado en una situación íntima, y la cámara graba a los
espectadores. En esta particular situación, la audiencia puede
ver el baile en vivo, al mismo tiempo que a los espectadores en
el vídeo. Situación que crea una libertad para ambos: intérprete
y público.
En Abril de 2004 Mili Bitterli era artista residente el
la Rote Fabrik y en la Tanzhaus Wasserwerk de Zürich. A raíz de
una investigación en el campo de “Las Emociones y el
Movimiento”, la coreógrafa empieza este trabajo junto a
bailarines suizos. El solo, What remains of me? Part 2 es
el resultado del proceso de colaboración en la creación junto a
Jack Hauser.
Ficha artística
Concepto, coreografía e interpretación: Milli Bitterli
Creación: Milli Bitterli y Jack Hauser
Grabación: Christine Marinelli
Música: Neil Young, Pink Floyd, Bionic Breaks
Agradecimientos especiales: Rote Fabrik, Theater
Zürich y Tanzhaus Wasserwerk Zürich
Duración: 35 min
En Madrid con el apoyo del Foro Cultural de Austria en
Madrid.
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FOTO: ERIC VIGIER |
Danza |
Compañía Dans.Kias-Saskia Hölbing
Austria |
Teatro Pradillo
(Madrid)
3 y 4 febrero – 20.30 h |
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Una plataforma blanca en escena:
no sabemos si es arena o un monumento. Pero Saskia Hölbing
aparece, y profundiza exhaustivamente en este espacio. Comienza
un nuevo tiempo. Un tiempo regresivo, una vuelta a los orígenes,
al nacimiento de la memoria todavía no subjetiva. Una memoria
del cuerpo. El cuerpo de Saskia Hölbling recuerda. Piensa
que no es suyo todavía. Su cara parece ausente, elude la mirada
por una disposición física tan extraña como cautivadora.
Recuerda, a base de sacudidas.
No es un movimiento suave, sino convulsivo. Es una confrontación
con la experiencia de la fragmentación del cuerpo. Cada miembro,
cada parte muestra su división, cubre una autónoma existencia
que no niega la totalidad, pero pretende olvidar la
autosuficiencia orgánica. Con su cuerpo Saskia investiga las
leyes dérmicas, las celdas de la memoria, mientras se refleja en la
identidad física. Exhibe el cuerpo sin la intención de mostrar
una mujer. Se desvía de lo constituido en base a una
recuperación de lo minúsculo que constituye su identidad.
Con este solo Saskia Hölbing continúa la búsqueda de la
subjetividad del propio cuerpo, que empieza en un rasgo
distintivo. Por su memoria, por sus recuerdos espirituales y
materiales, a los que le apetece acercase. Convencida de que
todas las experiencias recuerdan y conservan en cierto modo, una
física existencia de sí mismas, pero en una amplia escala una
existencia de nosotros mismos, conservada inconscientemente en el olvido del ser.
Saskia quiere evocar el pasado en forma de imagen, para lo cual
uno tiene que saber abstraerse de los hechos presentes, tiene
que ser capaz de valorar lo inútil, tiene que querer soñar.
Ficha artística
Coreografía e interpretación: Saskia Hölbling
Texto: Stéphanie Chaillou
Música: Heinz Ditsch
Iluminación: Krisha
Fotografía: Eric Vigier
Coproducido: Encuentros coreográficos internacionales de
Seine-Saint-Denis
Con la ayuda de: Centre Choréographique National de
Franche-Comté à Belfort
Dans. Kias está subvencionada por la ciudad de Viena
Duración: 28 min
En Madrid con el apoyo del Foro Cultural de Austria en Madrid.
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Danza |
Compañía Juan Domínguez –
(Comunidad Madrid) España/Alemania |
La Casa Encendida (Patio)
(Madrid)
4 y 5 febrero: 22 h |
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The application es la puesta en escena del proyecto
escrito para la próxima pieza de Juan Domínguez, titulada
shichimi togarashi. The application es una pieza, un
resultado y se presenta como tal. Al mismo tiempo es un intento
de encontrar una vía para producir su siguiente proyecto, sin
los pasos intermedios convencionales que se siguen al solicitar
subvenciones a instituciones públicas o privadas. Así que,
The application es “la solicitud” para shichimi togarashi.
En The application la partitura está traducida a
acciones, que no son necesariamente las acciones que se
desarrollarán en la futura pieza. Esto crea una relación
compleja entre The application y shichimi togarashi
y propone la pregunta ¿dónde está la
frontera entre ellas? Además, ilustra el concepto
principal de esta pieza: ¿cómo pasar de
la escritura a la coreografía?
Ficha artistica
Concepto y dirección: Juan Domínguez
Interpretación: Eva Meyer-Keller, Amaia Urra,
Catherine Mullins, María Jerez, Rico Repotente, Oliver Benn,
Juan Domínguez
Diseño de iluminación: Bruno Pocheron
Música: Randy Newman, Tchaikovsky, Maria Mckee.
Duración: 90 min
Idioma: español e inglés.
LA FUNDICIÓN (Bilbao)
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TODOS LO BUENOS ESPÍA TIENEN MI EDAD |
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Compañía Juan Domínguez
Comunidad Madrid España/Alemania |
La Fundición (Bilbao)
11 y 12 enero: 20.30 h |
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Teatro |
Compañía Cambaleo Teatro
(Comunidad de Madrid) España |
La Nave de Cambaleo
(Madrid)
4 y 5 febrero – 21 h
Collado Villalba (Casa de Cultura)
18 febrero – 19 h |
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Al pie de la letra
reivindica la pasión por gobernar nuestra vida y reclama nuestro
sentido de la responsabilidad, la habilidad de hacer algo con la
vida, de amar la vida. Desde una perspectiva muy cotidiana es un
alegato contra el fundamentalismo capitalista, en contra de esa
moral de los que en una hecatombe ven una oportunidad de
negocio. Al pie de la letra explora la posibilidad de
otra intuición sobre la muerte y cuestiona si otro mundo es
posible mediante un lenguaje directo y profundo.
Cambaleo Teatro con Al pie de la letra se afianza
aún más en el camino de intuir qué somos, no desde un punto de
vista simplista, sino asumiendo contradicciones y sobre todo
contando con el aporte de la ciencia en detrimento de las
creencias. Hoy no se puede establecer una hipótesis filosófica,
ética o estética sin tener en cuenta los descubrimientos
científicos. Hay que desligarse del mal llamado “sentido común” y
empezar a pensar de otra manera.
Cambaleo Teatro lleva más de 20 años en activo, afianzando sus
líneas de trabajo en varios ámbitos: teatro para adultos; teatro
para niños, teatro de calle, espectáculos especiales,
performances, pedagogía teatral, además de gestionar y programar
la Sala Alternativa La Nave de Cambaleo. A lo largo de este
tiempo, han desarrollado con sus múltiples montajes una apuesta
teatral basada en la continuidad del equipo de trabajo, y en la
búsqueda de un lenguaje teatral propio, reflexionando siempre
sobre el mundo que les rodea.
Ficha artística
Texto y dirección: Carlos Sarrió.
Actores: Arsenio Jiménez, Antonio Sarrió, Begoña Crespo, Carlos
Sarrió, Julio C. García.
Espacio escénico y vestuario: Pablo Almeida y Gonzalo Buznego.
Iluminación: Carlos Sarrió.
Técnico de iluminación y sonido: Francisco Ruiz.
Diseño gráfico y vídeo: David Ruiz.
Distribución: Josiane Hebden.
Producción: Antonio Sarrió para Cambaleo Teatro
Duración: 1 hora
Idioma: Español
Más información
www.cambaleo.com
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FOTO: FERRÁN MATEO |
Teatro |
Compañía Cía. Sala Beckett
Catalunya (España) |
Sala Cuarta Pared
(Madrid)
6 y 7 febrero: 21 h |
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Esta es una pieza de teatro
político, teatro que se alimenta de la actualidad, teatro hecho
para sacudir los pensamientos acomodados. Magda Puyo ha escogido
el texto de un autor contemporáneo porque plantea situaciones
delimitadas y muy personales sobre el tema de la inmigración, y
descubre una gran cantidad de significados que se amplían de una
forma infinita e inquietante. Esta riqueza de significados nos
hacen viajar por diversos conceptos: la soledad, la
incomunicación, la perversidad del poderoso, la ignorancia, el
miedo, los secretos, la sumisión... Todos estos temas aparecen
de una manera u otra, con sutileza, y a la vez, con
contundencia. Animales Nocturnos nos descubre, con ironía, que
la barbarie, bajo una capa de normalidad, está “en el piso de al
lado”.
Magda Puyo es directora y dramaturga teatral. Licenciada en
Filosofía y Ciencias de la Educación por la Universitat de
Barcelona. Estudió Dirección Escénica en el Institut del Teatre
de la Diputació de Barcelona. Ha tenido una larga trayectoria
por la vida teatral catalana como miembro del Consejo Asesor del
Teatre Nacional de Catalunya (1998-2001), y directora del
Festival Sitges Teatre Internacional-Creació Contemporània (2001-2004). Actualmente desarrolla su
actividad como directora de escena, dramaturga, y como profesora
y jefe de la especialidad de Dirección y Dramaturgia de la
Escola d’Art Dramàtic de l’Institut del Teatre de la Diputació
de Barcelona. Además, ha estrenado diversos trabajos como
directora en el TNC, Teatre Lluire y la Sala Beckett: El
Professional, de Dusan Kovasevic; T’estimaré infinittt, de Gemma Rodriguez;
Excés, de Neil Labute;
Tractat de Blanques, d’Enric Nolla, Sala Beckett;
Fedra+Hipòlit
a partir de textos de Racine, Sarah Kane.
Ficha Artística
Autor: Juan Mayorga
Dirección: Magda Puyo
Asistente de dirección: Ginette Muñoz-Rocha
Interpretación: Pep Jové, Teresa Urroz, Pep Pla y Mercè Mariné
Escenografía e iluminación: Ramon Simó
Asistente de escenografía: Martí Torras
Música original y sonido: Alex Polls
Vestuario: Mariel Soria
Asesoramiento lingüístico: Raquel Carballo
Construcción: Arts-cenics
Fotografía: Ferran Mateo
Producción: Sala Beckett y Festival Grec 2005
Duración: 80 min
Idioma: Español.
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Teatro-Danza |
Compañía Cia. Buissonnière
Suiza |
Centro Cultural Paco Rabal
Palomeras Bajas
(Madrid)
8, 9 y 10 febrero: 20.30 h |
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Un clima de magia a través de
interpretación, danza, música, canto, luces, interacción entre
acción filmada y escénica. Cisco Aznar, al frente de la
Compagnie Buissonnière de Lausanne, nos invita a
descubrir su ecléctico universo personal, a través de esta
declaración de amor. Parce que je t'aime es un
espectáculo transdisciplinario que se adentra en el túnel que
Federico García Lorca comenzó a excavar con El público.
Un viaje sideral que nos transporta al "teatro bajo la arena"
para volver a hablarnos de amor y verdad: ¿Nos amamos lo
suficiente, como para poder pasearnos en público sin máscaras?
¿O el teatro de las apariencias, nos obliga a transformar
nuestra vida en un cementerio de deseos e ideales?
Ficha Artística
Concepción, dirección, y coreografía: Cisco Aznar
Interpretación: Laure Dupont, Odile Foehl, Leila
Pfister, Eleonora de Souza,
Cisco Aznar, Leonard Bertholet, Jean-Philippe Guilois, Jordi Ros
Asistente: Luis Lara
Películas: David Monti, Luis Lara, Cisco Aznar
Iluminación: Samuel Marchina
Música original: Laurent Waeber
Banda de sonido: Andreas Pfifner Cisco Aznar
Vestuario, máscaras y accesorios: Luis Lara
Coproducción: Théâtre Vidy-Lausanne E.T.E, Compagnie
Buissonnière con el apoyo de La Ville de Lausanne, L'Etat de
Vaud, La Loterie Romande, Banque Cantonal Vaudoise, Winterthur
Assurance, Pro Helvetia, Landesausstellung 1939
En Madrid con el Apoyo de: La Ville de Lausanne, Pro
Helvetia- Fundación Suiza por la Cultura
Duración: 73 minutos
Idioma: Francés con subtítulos en español
Más información
www.cie-buissonniere.com
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Danza |
Compañía Lupita Pulpo
Alemania |
Sala Cuarta Pared
(Madrid)
9, 10 y 11 febrero: 21 h |
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Todo el mundo está conectado a una
influencia diaria, semanal o mensual, la cual otorga
acompañamiento, todos los días de nuestra vida y nos concede un
ritmo, una periodicidad. Series que juegan una regla
significativa. Vivimos, reímos y lloramos con series de héroes.
Creamos un nuevo mundo a través de las series, tan pronto como
otras llegan a su fin.
Por tanto, la performance BOB, se presenta como una serie
de cuatro episodios sucesivos. De episodio a episodio, uno es
arrastrado profundamente al mundo de BOB. BOB está
lleno de bordes ásperos y el prolongado tiempo narrativo ayuda a
descubrirlos. Finalmente la pregunta que emerge es: ¿Quién o qué
es BOB?
Lupita Pulpo es fundada en 2001 por Ayara Hernández
y Felix Marchand. Presentan sus trabajos Raw Moments
On the Table y La Chica del Pastel en Europa y
Sudamérica.
Ficha artística
Concepto y dirección: Ayara Hernández, Felix Marchand
Coreografía e interpretación: Kay Grothusen, Ayara
Hernández, Felix Marchand, Ji-Huyn Youn
Invitados: Martin Clausen, Paula Giuria, Martin
Nachbar
Compositor: Peter Memmer
Iuminación: Benjamin Schaelike
Vestuario: Katherina Beth
Diseño gráfico: Gabriele Altevers
Producción: Tanztage Berlin
Con la ayuda de Tanzwerkstatt Brunswick y Tanzfabrik
Berlin.
Duración: 80 minutos
En Madrid con el apoyo del Goethe Institut.
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Performance |
Compañía Sonia Baptista
Portugal |
¡MIRA!
Teatro El Canto de la Cabra
(Madrid)
9 al 12 febrero: 21 h |
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La performace de Sonia Baptista
consiste en una representación de pequeños poemas leídos y
pequeñas piezas de vídeo, que se alternan a lo largo del
montaje. Esos pequeños poemas, llamados Haikus, se
escriben en japonés con muy pocas palabras, y representan una
simplicidad aparente, cargada de sentido como tantas cosas
pequeñas, cuyo significado va más allá de su nimiedad. Sus
haikus respiran y se construyen con una resistencia a prueba
de bomba, como balones blindados, insistentes, que asaltan la
cabeza y no hay forma de expulsarlos. Son historias de aquello
realmente importante, que oxigena el cerebro, a la vez que
acaricia el corazón. La característica del haiku, es que
dice cosas sin pronunciarlas.
La performace consiste en una presentación de piezas cortas en
directo, intercaladas con piezas de vídeo. Primero presenta una
pieza en vivo, seguida de otra en vídeo, y así sucesivamente.
Sonia Baptista nace en Lisboa, donde cursa estudios de
danza y comienza a colaborar en sus primeros trabajos, junto a
Aldara Bizarro. Se mueve por el terreno de la danza
contemporánea portuguesa, en montajes de Vera Mantero,
Wil Swanson y Antonio Carallo. Sus Haikus han
viajado por territorios brasileños, franceses, ingleses,
italianos, españoles y portugueses.
Ficha Artística
Concepción e interpretación: Sonia Baptista
Vídeo: Rui Ribeiro
Iluminación: Pedro Machado
Producción: Bomba Suicida
Producción ejecutiva: Stalker
Co-Producción: Danças na Cidade
Duración: 50 minutos.
En Madrid con el apoyo de la Embajada de Portugal y el
Instituto Camões.
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Teatro |
Compañía Pe Mellado Danza
Chile |
Casa de América
(Anfiteatro Gabriela Mistral)
(Madrid)
10 y 11 febrero: 22 h |
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En la obra Lugar del deseo (2001),
cuatro personas cohabitaban en un mismo espacio enfrentados a sí
mismos. Se muestra la idea del cuerpo como la máxima expresión,
como el contenedor de toda lectura y cultura, y susceptible de
ser permanentemente investigado y descubierto. Cuatro actores
jóvenes que danzan con un vocabulario simple, explícito y muy
verbal. El cuerpo es el territorio escénico, la escena es el
soporte del desarrollo de la acción o es la zona de
representación, el cuerpo funciona como espacio escénico de la
propia historia.
La Cía. Pe Mellado Danza se forma con la intención de
desarrollar un trabajo de investigación en la búsqueda de una
metodología nueva, ya existente en los trabajos anteriores de la
directora de la compañía, Paulina Mellado, como en Cuerpos
Febriles. En este último grupo surge un interesante
entrecruzamiento de técnicas y formas ya que los integrantes de
la compañía, actores de escuela se
contraponen a la directora, bailarina de formación. Así
experimentan hasta encontrar un sistema de creación acorde a las
necesidades de intérpretes y director.
Ficha Artística
Dirección: Paulina Mellado
Interpretación: Paula Villagrán; Carola Flores, Paulina Mellado,
Cristian Espejo, Jorge Becker
Artista visual: Nury González, Paz Agua
Iluminación: Kilo Fierro
Diseño gráfico: Rodrigo Dueñas/e23
Producción: Marcelo Soto Auspicia
Duración: 30 min
Más información
www.ciapmellado.cl
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Ópera |
Compañía La fiesta de los locos
(Comunidad de Madrid) España |
Teatro Pradillo
(Madrid)
11 y 12 febrero: 20.30 h
La Nave de Cambaleo
(Madrid)
18 y 19 de febrero: 21 h |
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Sodom aborda la
problemática de la ópera como un rito en el que hoy no se cree.
Una disciplina que en tiempos modernos carece de todo tipo de
interés, ya que se nos muestra en idiomas ajenos, nos habla de
asuntos que no nos conciernen e, independientemente de la
brillantez de la ejecución, sabemos que todo lo que vemos y
escuchamos no va a ninguna parte, no nos afecta. Sodom es
un proyecto que pretende devolver la fe a la experiencia de
asistir a la ópera, contar historias que interesen al público de
hoy sin volver la espalda a los lenguajes escénicos
contemporáneos.
Eduardo Costa decide componer esta ópera en el momento en
el que en España se promulga la Ley que permitía el matrimonio
entre personas del mismo sexo. Lo cual le sirve de idea
principal para reflexionar sobre la tolerancia y la intolerancia
hacia la homosexualidad. Temáticamente, el montaje pretende dar
respuestas a diversas preguntas: ¿Cómo
pueden en un mismo país darse posturas tan encontradas? ¿Dónde
reside el escándalo?
Respecto a su forma, parte de una dramaturgia contemporánea de
la imagen. A través de un argumento ficcional se busca construir
una escena viva y verdadera para conmover al público de hoy.
Ficha Artística
SODOM
Ópera de Eduardo Costa (música) y Darío Facal (libreto)
ella, soprano: Claudia Yepes
él, barítono: David Arilla
hombre 1, barítono: José Antonio García
Julián Elvira (flautas); Mª Carmen Cano (clarinete); Sergio Sola
(viola); Mónica Terrer (violonchelo); Javier Belinchón
(percusión)
Dirección artística: Julián Elvira
Dirección de escena e iluminación: Ana Contreras
Dirección musical: Eduardo Costa
Escenografía y vestuario: Diego Costa
Cámara: Eduardo Lagotti
Sastra: Isabel Gete
Characterización: S. Bercovich para shaigon.com
Producción: Raúl Arbeloa
Agradecimientos: Guillermo Bautista
Producción: güell, en coproducción con Escena
Contemporánea y Escena Abierta
Duración: 1 hora
Idioma: Español
Más información
www.musicadehoy.com
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Teatro |
Compañía Teatro en el Aire
(Comunidad de Madrid) España |
Casa de América
(Anfiteatro Gabriela Mistral)
(Madrid)
16 y 17 febrero: 19.30 y 21 h |
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La cama es un espectáculo
que nos adentra en un universo en el que los sentidos ayudan a
viajar por la memoria. En algunos casos, ayuda a reencontrarse
con la propia vida y, en otros, a disfrutar de un mundo
imaginario.
La cama como sudario de enfermedades, gabinete
psicológico en los que los problemas irresolubles encuentran
salida, tatami dónde se celebran peleas a muerte, remanso de paz
en el que la pereza halla su paraíso, acuario diminuto para
aquellas personas que no consiguen sacar la cabeza y escapar del
laberinto en el que les encierran sus obsesiones... La cama como
plaza de toros, escenario de grandes faenas, de fabulosas
corridas, de aliños de circunstancia, de salidas por la puerta
grande, de escapadas por el pasillo oculto. En la cama hay quien
se queda clavado. Otros levitan y algunos se hunden y no
consiguen levantar de nuevo el vuelo. Cama, prólogo y epílogo de
la vida. La primera visión del bebé que nace. La última
instantánea entrecortada que se alcanza a entrever cuando los
ojos se Cierran para no volver a abrirse.
Compañía residente en la sala La Nave de Los Locos, en el
barrio de Carabanchel de Madrid, al frente de la cual se
encuentra la chilena, Lidia Rodríguez. Investiga en sus
montajes una línea de trabajo centrada en la percepción
sensorial.
Ficha artística
Dirección artística: Lidia Rodríguez Correa
Dramaturgia: Lidia Rodríguez, Carlos Javier Sarmiento y Jesús
Nieto sobre relatos de José Luis Corretjé, José Henríquez y
Álvaro Vicente.
Intérpretes: Lidia Rodríguez Carlos, Javier Sarmiento, Ana
Ramos, Jesús Nieto, Cristina Peregrina
Espacio Escénico: Lidia Rodríguez
Impresiones olfativas: Carlos Javier Sarmiento.
Impresiones táctiles: Ana Ramos
Impresiones sonoras: Jesús Nieto
Diseño de producción: Lidia Rodríguez, Ana Ramos, Jesús Nieto.
Prensa: Stéphanie Chiron
Duración: 1 hora
Idioma: Español
Aforo reducido: 25
Más información
www.teatroenelaire.com
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DISECCIÓN POÉTICA EN PÚBLICO |
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Performance |
Compañía Marina Oroza
(Comunidad de Madrid) España |
Teatro El Canto de la Cabra
(Madrid)
16 (22 h) del 17, 18 y 19 febrero: 21 h |
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Con el espectáculo “Disección Poética en Público” crea un
diálogo entre las diferentes maneras de expresar su poesía en
público. Logra conmover con un concierto poético en el que
desdobla su identidad proyectando un documental de ella misma
como poeta vagabunda.
La poeta española Marina Oroza, es también actriz, recitadora y
performer. Durante toda su trayectoria ha desarrollado un
trabajo de investigación como poeta oral con sus textos.
Colabora con grupos de acción poética, con artistas visuales y
músicos. Encarna su obra en festivales de spokenword, ciclos de
teatro, festivales de poesía, universidades, centros culturales,
cafés-teatro, espacios no convencionales y fundaciones. Destaca
su peculiar puesta en escena, utilizando en sus recitales las
nuevas tecnologías, imágenes y voces pregrabadas, efectos
especiales de sonido, superposición de discursos… Una
ciberpoeta.
Ha publicado el poemario Pulso de Vientos, en Ketres editora, y
Así quiero morir un día, en Huerga y Fierro, 2005. Además, parte
de su obra se encuentra en diversas revistas de poesía.
Ficha artística
DISECCIÓN POÉTICA EN PÚBLICO
Interpretación: Marina Oroza, basado en la selección de poemas
extraídos de sus libros: Así quiero morir un día (Huerga y
Fierro), Pulso de vientos (Ketrés), Muerde Muerte (La Luz Roja)
Tema musical poema “Piedras” de La Banda Inaudita.
Tema musical poema “Aunque me fuera la vida”
de Gema Hassen-Bey.
Proyección Documental
SI ME UNTO EL CORAZON CON GLICERINA RONCO
Textos, guión y realización: Carmelo Espinosa
Poeta vagabunda: Marina Oroza
Periodista: Mabel Morales
Cámara: Nicéforo Ortiz
Montaje: Josefa Punkitel
Producción: Stico Films
Duración: 1 hora
Idioma: Español
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Teatro |
Compañía Teatro del Velador
Andalucía (España) |
Sala Cuarta Pared
(Madrid)
17 y 18 febrero: 21 h
Teatro Salón Cervantes
(Alcalá de Henares)
19 febrero: 20.30 h |
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En una cocina de una institución de acogida, las camareras y
cocineros bajo el yugo del jefe mafioso, preparan la fiesta del
patrón de dicha Institución. Todo parece torcerse y entre gritos
y requerimientos del jefe de cocina, entre amores y odios la
cocina toma su propia vida arrastrando a todo el mundo al
caos...
En 1990 Juan Dolores Caballero crea la compañía El VELADOR. En
la búsqueda de un lenguaje propio la compañía ha investigado
sobre los orígenes y raíces de la cultura andaluza siempre en la
línea de un “teatro bruto” donde prima la deformidad y lo
grotesco. En los últimos año la compañía ha recibido numerosos
premios (entre ellos premio al mejor espectáculo y mejor
Dirección por la Cárcel de Sevilla en la Feria de Teatro en el
Sur/2003) y han participado en diferentes Festivales y Ferias.
Ficha Artística
Dramaturgia y dirección: Juan Dolores Caballero
Intérpretes: Luis Ruiz-Medina, Benito Cordero, Mustapha Bahja,
Eva Moreno, Rebeca Torres, Juanjo Macías
Diseño de Escenografía: Ana Luisa Sánchez
Iluminación: Antonio Valiente
Vestuario: Mai Canto
Música original: Inmaculada Almendral
Producción: Compañía El Velador
Producción Ejecutiva: Pedro Domínguez
Distribución: Escena Distribución Granda
Proyecto en colaboración con: Junta de Andalucía. Consejería de
Cultura
Duración: 65 min
Idioma: Español.
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Danza |
Compañía DACM
Francia |
¡MIRA!
La Casa Encendida (Patio)
(Madrid)
18 y 19 febrero: 22 h |
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I Apologize nace de la
reconstrucción de un accidente. Esta reconstrucción es la base
de la que derivan varias versiones de un mismo evento, con la
intención de definir qué es verdad y qué realidad. Las
diferentes versiones tienen una borrosa identidad, entre la
representación de un hecho real y la de una fantasía. Un reflejo
de la realidad y de las posibles representaciones de ésta.
Un joven es el responsable de estas versiones de la realidad,
dirigiendo a un hombre y una mujer, dos iconos roqueros
barrocos, y chicas de 12 años, todas representadas por muñecas
articuladas. La confusión, lentamente, se introduce en nuestra
percepción de la realidad, la cual aparece como un mundo de
aproximaciones y subjetividad, cuyos profundos agujeros
rellenamos a base de fantasías.
El escritor americano Dennis Cooper ha elaborado poemas y
monólogos especialmente para este montaje teatral, que
cuestionan la unión real o imaginaria entre éstos y los hechos
que se suceden en la escena. El mismo autor se encarga de leer
los textos, que están perfectamente acompasados por la música
creada por Meter Rehberg. Tanto los textos como las
interpretaciones interactúan con imágenes asociadas a deseos
sexuales, muerte y crimen. Crean impresiones sobre la
imaginación en relación a la fantasía y su imposible ejecución.
La música y los textos están como fondo de la obra, y los
cuerpos y las muñecas se presentan como el eje central del
montaje. El trabajo está diseñado para ser una exploración de
las emociones que nacen de la unión entre lo erótico, la muerte
y la incómoda quietud de las marionetas.
Gisèle Vienne ha coreografiado y representado
Splendid's (2000), Showroomdummies (2001),
Stéréotypie (2003) y Tranen Veinzen (2004) con
Etienne Bideau-Rey. DACM centra su trabajo en la relación
entre cuerpos naturales y artificiales. Ahora, con I
Apologize pretende explorar los tópicos de forma más amplia
y trabajar al mismo tiempo con la idea de rareza e incomodidad,
a través de la reconstrucción de un accidente.
Ficha Artística
Creación: Gisèle Vienne
Textos escritos y leídos: Dennis Cooper
Música: Peter Rehberg
Iluminación: Patrick Riou
Maquillaje: Rebecca Flores
Muñecas: Raphaël Rubbens, Dorothéa Vienne-Pollak,
Gisèle Vienne.
Textos traducidos: Laurence Viallet
Interpretación y creación en colaboración con:
Jonathan Capdevielle, Anja Röttgerkamp, Jean-Luc Verna
Productor asociado: DACM
Co-producción: Les Subsistances /2004/ Lyon,
WP-Zimmer/Antwerp. Con la ayuda y el soporte del Centre
Chorégraphique National de Grenoble y Accueil Studio 2004, del
Ministère de la Culture/ Drac Rhône-Alpes, el Conseil Régional
Rhône-Alpes, el Conseil Général de l’Isère, y el de ske/Austria.
Agradecimientos: The Ateliers de construction du
Théâtre de Grenoble, Boutique Catherine Lafon – Lyon, the
Institut International de la Marionnette, Vidya Gastaldon,
Robrecht Ghesquière, Mark Harwood, Jean-Paul Hirsch, Martin
Lecarme, Antoine Masure, Paul Otchakov-Laurens, Isabelle
Piechaczyk, Béatrice Rozycki, Estelle Rullier, Yury Smirnov,
Alexandre Vienne, Jean-Paul Vienne, and Villa Gillet.
Duración: 75 min
Idioma: Francés con sobre títulos en español.
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Danza |
Compañía Cuqui Jerez
Comunidad de Madrid (España) |
Sala Cuarta Pared
(Madrid)
20 y 21 febrero: 21 h |
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The Real Fiction de
Cuqui Jerez propone su juego a través de un proyecto que
investiga en los trufados de la bontínica y la oregomática. La
herramienta que nos resulta más frutesílica es el culifi. El
culifi significa kurzo, y el kurzo vuelve más delgado el límite
entre alobi y bodenda. El culifi es lo que nunca puede merxear
en escena. Los intérpretes sericumean durante horas para que el
culifi nunca se dicada, ya que si se dicadiera el espectador
podría botinar desde el mundo del alobi al mundo de la bodenda.
Los culifis y los joerolos son fascinantes porque ziponean todo
lo que está pasando en escena y los lumos son cuestionados. Por
esa tatesa resulta una herramienta tan importante ya que supone
el ñus de la imagen, el límite entre alobi y bodenda. La
transformación del ziponeo hacia un espacio wombeado por la
imaginación del espectador y de vuelta al sísero real; y por
encima de todo acerca del frotipeyo de la sorpresa.
Ficha Artística
Concepto y dirección: Cuqui Jerez
Creación en colaboración con: María Jerez, Amaia Urra
y Gilles Gentner
Interpretación: María Jerez y Amaia Urra
Diseño de iluminación y técnico: Gilles Gentner
Producción: Cuqui Jerez
Coproducción: Plateaux – new positions in
international performing arts/ Mousonturm, Frankfurt. Dirección
General de Promoción Cultural de la Consejería de Cultura y
Deportes de la Comunidad de Madrid. María Jerez y Amaia Urra.
Con el apoyo de Aula de Danza de la Universidad de
Alcalá de Henares y La Casa Encendida.
Duración: 120 minutos.
Idioma: Español.
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TODO ES DISTINTO DE CÓMO TÚ PIENSAS |
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Teatro |
Compañía Carlos Fernández
Comunidad de Madrid (España) |
Sala Cuarta Pared
(Madrid)
23, 24 y 25 febrero: 21 h
La Fundición
(Bilbao)
21 y 22 enero: 20.30 h |
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Todo es distinto de cómo tú
piensas se interroga por la naturaleza de las imágenes y
sobretodo por su representación, con el deseo absurdo de
transformar la escena con imágenes imposibles construidas desde
la palabra. Gira en torno a la libertad de pensar y hablar; el
pensamiento y la palabra como una de las pocas formas de
rebelión que nos queda en una sociedad habituada a la
apropiación y la manipulación del espacio personal, las
relaciones y el lenguaje. Es una obra inspirada en Enrique IV
de Shakespeare. Toma prestada la figura protagonista,
Falstaff y algunas de las relaciones que plantea el
drama para hacer una libre reflexión sobre el artista y la
sociedad que le rodea, sobre la propia escena y las imágenes que
genera y por encima de todo, sobre la libertad individual.
Todo es distinto de cómo tú piensas es el quinto trabajo
escrito, dirigido y producido por el autor y director de escena
Carlos Fernández López, que ha trabajado como intérprete
de teatro y danza con Carlos Marquerie, Elena Córdoba, Antonio
Fernández Lera, Olga Mesa, Ángel Gutiérrez y Etelvino Vázquez,
entre otros. Los trabajos de Carlos Fernández López usan el
espacio escénico como parte
fundamental e indivisible de la dramaturgia y como generador de
intensidades y percepciones, ajenas a lo simbólico o decorativo.
Utilizan la palabra y el movimiento, la profundización en la
percepción escénica de ambas y en su organicidad, para encontrar
formas de comunicación en las que ambas puedan fundirse en un
solo cauce de expresión, que ambas cosas confluyan y tengan la
misma capacidad efectiva de comunicar. Suele trabajar desde
espacios no codificados, abiertos y personales para trasmitir
esencias y energías que tengan su base expresiva en la
organicidad del intérprete. Parte de lo subjetivo, lo personal,
lo privado con el propósito de llegar a un terreno de
reconocimiento objetivo de la identidad y de todo aquello que
puede provocar y ser reconocible para el espectador.
Ficha artística
Texto y dirección: Carlos Fernández
Interpretación: Emilio Tomé, Quique Castro, Miguel
Ángel Altet
Espacio sonoro: Nilo Gallego
Espacio escénico e iluminación: Carlos Marquerie,
Carlos Fernández
Un proyecto ganador del Premio Casa de América- Festival
Escena Contemporánea de Dramaturgia Innovadora 2005
Cuenta con una Ayuda a la producción de la Consejería
de Cultura y Deportes de la Comunidad de Madrid.
Duración: 2 horas
Idioma: Español.
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FOTOS: OLGA PLANAS,
PERE THOMÁS |
Teatro-Danza |
Compañía Amaranto
Catalunya (España) |
Teatro El Canto de la Cabra
(Madrid)
23, 24 y 25 febrero: 21 h |
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Indignos es una performance, una
instalación y un documental que se desarrolla en un mismo
espacio transformado. La utilización de varios elementos como
soporte, es la línea de trabajo de investigación que la compañía
pretende desempeñar en este nuevo proyecto. Indignos es una
exposición consciente y personal de los artistas sobre las
medidas que no alcanzamos, la ignorancia que poseemos y las
palabras que no entendemos... Un discurso digno de olvidar…
partiendo de la oposición. Una oposición que es la base de la
puesta en escena. Desde este asentamiento se polemiza sobre
juicios para poner en evidencia la inoperancia de algunos
valores sociales inmersos en los sistemas de convivencia
vigentes y aceptados. Se cuestiona la idea mítica de dignidad, el
molde estrecho al cual los valores sociales imperantes la
someten. Es un itinerario por los barracones donde no faltarán
ni el animal, ni la mujer enana, ni el hermafrodita... ni
tampoco la vergüenza ajena, el sentimiento de culpa, la venta de
carne humana y demás actos cotidianos...
Con Indignos la Cía, Amaranto se propone, como viene siendo
habitual en sus proyectos, una nueva confrontación con el
público, para compartir reflexiones con éste en el espacio y
tiempo presente que el formato performance ofrece. Pretenden
llevar a cabo este propósito apoyándose en un flujo de signos y
pulsiones que vendrá dado desde la interacción en un mismo
espacio de diferentes soportes expresivos: proyección de
imágenes (fijas y en movimiento), acciones, música, sonidos,
objetos y textos. El habitual uso de la tecnología en escena,
viene dado por la búsqueda de un lenguaje acorde con las nuevas
y desarrolladas capacidades perceptivas del individuo
contemporáneo.
Ficha Artística
Interpretación y creación: Ángeles Císcar, David Franch, Lidia
González Zoilo
Realización de vídeo: Joan López Lloret, Alba Mora Roca
Edición de vídeo y sonido: Jordi Arqué
Animación: Eva Roca, Julian Lipman
Diseño y confección de vestuario: Marta Pelegrina
Música: Valle Piñero, Carlos Santos
Fotografías: Olga Planas, Pere Thomás
Comunicación: Ana Sánchez
Dirección y dramaturgia: Cía. Amaranto
Colaboran en el proyecto: Xavi Serrano, Cesc Casanovas, Mercé
Moreno, Gisela Plana, Raúl Sebastián, Jordi Solé, Carlo-Mô,
Vander Lemes
Coproducción de L’Antic Teatre, La Generalitat de Catalunya,
Ass. Artistes Guaranà y Cía Amaranto.
Colabora l’Estruch de Sabadell.
Duración: 90 minutos
Idioma: Español.
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DRESS-CODE + ME LLAMO WALTER |
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FOTO: KIKE SEGUROLA |
Danza |
Compañía Erre que Erre
Catalunya (España) |
Teatro Pradillo
(Madrid)
24 y 25 febrero: 20.30 h |
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El Dress-code es la excusa,
y el contexto, para hacer una reflexión sobre las relaciones que
surgen en esos ambientes donde la persona se sacrifica
voluntariamente en función del estereotipo. La apropiación de
signos externos para crearse una identidad y buscar relaciones
nos muestra una realidad generalizada y en aumento en las
sociedades contemporáneas: la soledad y el aislamiento, la
fuerte individualización y la necesidad que éstas generen una
búsqueda de formas de relacionarse interpersonalmente que nos
permitan la ilusión de estar con otros (incluso de manera
íntima) sin necesidad de dejar de estar solo.
Teresa Navarrete presenta Me llamo Walter, un nuevo solo en el
que muestra su particular sensibilidad creadora. En esta ocasión
realiza un auténtico streeptease emocional para hablar de todo
los que nos hace sentir el amor y su ausencia.
Me llamo Walter es la tercera entrega de la trilogía que comenzó
con Lágrimas de Ciervo y continuó con Sólo lo que veo debajo de
las piedras. Tras la colaboración de Guillermo Weickert en
“A.P.A.A.I.”, éste vuelve a trabajar en un nuevo proyecto de la
compañía. Creado e interpretado por Guillermo Weickert y
Mario
G. Sáez a partir de la anécdota de los Dress-code (códigos de
vestimenta) presentan una pieza sobre la pérdida de identidad,
el individualismo, la pertenencia a determinados códigos y cómo
nos creamos jaulas de las que estar continuamente escapando.
Ficha Artística:
Me llamo Walter de Teresa Navarrete
Coreografía e interpretación: Teresa Navarrete
Iluminación: Carles Rigual
Técnico de iluminación: Carles Rigual
Estilismo: Jorge Pérez y Lidia Mombiela.
Espacio escénico: Erre que erre
Música: Maga, Barry Adamson, Plastikman, Mum.
Secuenciación y mezcla musical para “Me llamo Walter”: David
Crespo
Producción: Myriam Swanson
Fotografía: Kike Segurola.
Agradecimientos: Fran M. Cabeza de Vaca, y al resto de erre que
erre.
Me llamo Walter: 30 min.
(Pausa para cambiar espacio escénico)
Dress-code de Guillermo Weickert y Mario G. Sáez
Coreografía e interpretación: Guillermo Weickert y Mario G.
Sáez.
Iluminación: Erre que erre.
Técnico de iluminación: Carles Rigual
Estilismo: Jorge Pérez y Lidia Mombiela.
Espacio escénico: Candela Reymundo.
Música: Maga, Barry Adamson, Plastikman, Mum.
Producción: Erre que erre.
Fotografía: Kike Segurola.
Agradecimientos: Fran M. Cabeza de Vaca, y al resto de erre que
erre.
Duración: 45 min.
Erre que Erre sccl esta subvencionada por: Generalitat de
Catalunya; Ministerio de Educación y Cultura (INAEM); Institut
de Cultura, Ajuntament de Barcelona.
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FOTO: JOCHEM JURGENS |
Performance |
Compañía Veenfabriek
Países Bajos |
La Casa Encendida (Patio)
(Madrid)
25 y 26 febrero: 21 h |
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Voet es un proyecto musical
con textos de Antoon Pollman, poeta de Leiden, Holanda.
Es una performance con música en directo y claqué de Meter
Kuit. Kuit es un bailarín internacionalmente
solicitado y conocido por su novedosa técnica de zapateado, su
paciente y potente carisma. Es también conocido bajo el nombre
de “El Master”, por los americanos. Ambos, suelo y zapatos, son
sus instrumentos. El suelo, está compuesto por diferentes tipos
de madera, que producen continuamente diferentes sonidos.
La técnica del zapateado de Kuit no es tan envolvente
como que contiene un lenguaje rítmico muy físico. Todo es
relatado por la poesía de Antón Pollman, poeta autista y
esquizofrénico que vivió en una institución mental durante gran
parte de su vida. En Voet, Rik Elstgeest, recita
la poesía de Pollman. Los pies de Kuit y las
palabras de Pollman describen el pensamiento trastornado
de Pollman y su visión personal de la vida y el amor.
Veenfabriek es un conjunto que va más allá del concepto
musical, cuyo tipo de arte se mueve por diferentes disciplinas,
que se integran en la puesta en escena de sus montajes. Es un
grupo que apuesta por un tipo de creaciones vanguardistas e
inusuales, que reflejan una estética que pretende impactar sobre
el espectador. Veenfabriek, presenta anualmente
espectáculos, caracterizados por la diversidad creativa y la
multiplicidad de materias.
Ficha Artística:
Interpretación: Paul Koek, Peter Kuit, Rik Elstgeest, John van
Oostrum, Ton van der Meer
Texto: Antoon Pollman
Fotografía: Jochem Jurgens
Duración: 1 hora
Idioma: Holandés
En Madrid con el apoyo de la Embajada Real de los Países Bajos
Más información
www.veenfabriek.nl
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FOTO: LIDIA MOMBIELA |
Performance |
Compañía Rui Silveira
Portugal |
¡MIRA!
Casa de América (Salón Simón Bolívar)
(Madrid)
3 y 4 febrero: 19.30 y 21 h |
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Insider habla de las
distintas formas en que construimos nuestra intimidad,
sexualidad e identidad, a la vez que invita al espectador a
cuestionar el concepto de "diferencia humana". Es decir: ¿Qué
aspectos de nosotros mismos o de de nuestra intimidad, podremos
identificar en el otro? Es una especie de diario íntimo hecho
público, que explora la relación entre espectador e intérprete
al margen del voyeurismo, pero en la cual el voyeurismo, no
existe con el objetivo de chocar o escandalizar al espectador,
sino de invitarlo a identificar, asociar o reconocer reflejos de
sí mismo o aspectos de su propia intimidad. En Insider un
espacio privado e íntimo -una habitación- se hace público y en
él, una cama funciona como foro y el cuerpo como un campo de
batalla en la cohabitación entre espectador e intérprete.
Ficha Artística
Idea, concepción, dirección artística e interpretación: Rui
Silveira
Asistente de dirección artística: Abraham Hurtado
Música original y manipulación sonora en tiempo real: Iván Roca
Cors
Espacio escénico: Iván Roca Cors con Rui Silveira
Diseño de iluminación: Vicente Pouso
Asistencia de ensayos: Laia Galdón
Fotografía: Lidia Mombiela
Co-producción: Degrau Zero (Lisboa), La Mekanica (Barcelona),
C.E.N.T.A - Centro de Estudos Para Novas Tendências Artisticas
(Vila Velha do Ródao, Portugal), Número - Arte e Cultura /
Festival Portugais 2005 (Lisboa, Point Ephémère - Centre de
Dynamiques Artistiques (Paris).
Duración: 45 min
Aforo reducido: 25 butacas
En Madrid con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto
Camões.
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OF ALL THE PEOPLE IN ALL THE WORLD, EUROPE |
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Instalación |
Compañía Stan´s Café
Reino Unido |
Madrid Chamartín
Estación FF.CC (Cota 13)
6 al 11 febrero: De 15 a 20.30 h
Festival VEO (Valencia)
Naves del Greenspace 1
Del 17 al 25 de febrero: de 16 a 21 h |
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Of All The People in all
the world se presentó en el Thetre De Welt acumulando 104
toneladas de arroz.Cada grano representa a cada persona del
plantea. En el transcurso de tres semanas, esta enorme cantidad
de arroz se dividió en montones clasificados, organizados por un
rango de estadísticas populares.
El espectáculo se presenta en España por primera vez. Se usarán
12 toneladas de arroz, un grano por cada persona del continente.
Un grupo de performes combinará local, nacional e
internacionalmente las estadísticas, históricas y
contemporáneas, triviales y profundas, para hacer una muestra
del desarrollo y evolución del planeta, que debe cambiar la
forma en que miremos al mundo en adelante.
Stan’s Cafe vive y trabaja en Birmingham, desde allí
concibe sus extraordinarias experiencias teatrales que después
lleva de gira por todo el mundo.
Ficha artística
Interpretación: Sarah Archdeacon, Eva Bredow, Heather
Burton, Alison Carney, Stjepan Durkin, Volker Gebhard, Charlotte
Goodwin, Ina Granzow, Mike Kirchner, Inna Mantel, Jake
Oldershaw, sula Predft, Craig Stephens, Vannesa Valk
Iluminación: Paul Arvisdson
En Madrid con el apoyo del British Council y ADIF
Más información
www.festivalveo.com
www.escenacontemporanea.com
www.stanscafe.co.uk
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UNTITLED ACTION FOR FESTIVAL ESCENA CONTEMPORÁNEA 2006
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Performance |
Compañía Kira O´Reilly
Reino Unido |
ARCO (AVION… Nave Cultural)
(Madrid)
Previa reserva en AVION
(1 persona cada 12 min)
9 y 10 febrero: de 15 a 20.30 h |
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La artista inglesa Kira
O´Relilly, practica un lenguaje teatral influenciado por un
arte soterrado, empleando la instalación y la videocreación.
Utiliza el cuerpo como método y lugar de narración de sus
performances, para explicar que el elemento físico es el
material básico donde se suceden las permutaciones personales,
sexuales, sociales y políticas.
Trata de acortar el diálogo entre espectador y artista a través
de un intercambio dinámico dentro de sus montajes, que es a su
vez la forma de generar sus proyectos. Gracias a su intimidad,
permite la intervención del receptor y consigue que la
participación sea en algunas ocasiones tierna, en otras
inquietante, pero siempre reveladora.
Untitled Action for Festival Escena Contemporanea 2006 se
divide en la audiencia (el TÚ) y el artista (el YO),
compartiendo algunos momentos delicados y otros más tirantes.
Planteando como cuestión principal del trabajo las distintas
posibilidades del “dónde termino yo y dónde empiezas tú”.
Ficha artística
Creación e interpretación: Kira O´Reilly
Ayudante: Kim Ellen Simons
Duración: 12 min.
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Video Instalación |
Compañía No me compliques la vida
Reino Unido/España/Brasil |
El Ojo Atómico
(Madrid)
9 al 18 febrero: de 18 a 22 h (juev,vier. y sáb).
Otros días reserva en: 91.41522.91 |
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Love Party es una exposición anual
que reúne obras sobre género, (trans)sexualidad y
representaciones de lo romántico en la sociedad actual. En esta
edición participan diez artistas que abordan los temas citados
desde diferentes perspectivas.
En esta edición henos invitado a varios artistas que abordan los
temas citados desde diferentes perspectivas: Eduardo Bonito
(Brasil), Philippe Meste (Francia), María María Acha
(Perú/España), Niña Yhared (México), Young-Hae Chang Heavy
Industries (Corea), Carlos Ranc (México) y Annie Sprinkle y Beth
Stephen.
Eduardo Bonito, brasileño, presenta Gizon Galdua 1, junto con el
colectivo No Me Compliques La Vida. La obra Gizon Galdua 1 fué
realizada entre los meses de junio y septiembre de 2003 en el
País Vasco.
Este proyecto investiga qué hay detrás de los anuncios sexuales
que solemos ver en los periódicos y utiliza esta cuestión como
excusa para investigar sobre la cuestión de lo público y lo
privado, tema de actualidad en un mundo en donde la invasión de
la privacidad por parte de los medios de comunicación y la
proliferación de reality shows, web cams, etc. nos convierte a
todos en voyeurs pasivos.
En sus trabajos, No Me Compliques La Vida, reflexiona a través
del proceso artístico acerca de cuestiones que preocupan al
colectivo: el sexo como performance, la utilización del espacio
privado en un contexto artístico, la hipocresía de la sociedad
con respecto a la prostitución, la posibilidad de introducir
producción artística sexualmente explícita en espacios dedicados
al high art. El colectivo considera que el arte puede ser un vehículo para una visión alternativa de la
sexualidad, un vehículo para la revisión de las diversas
estéticas y políticas de la representación sexual contemporánea.
No Me Compliques La Vida, nace en Londres (2003) como un
colectivo de artistas provenientes de diferentes ámbitos
artísticos. Sus integrantes pretenden usar sus propias
experiencias personales como inspiración artística y fuente de
desafíos en sus vidas cotidianas. El motor del colectivo es la
curiosidad personal y el deseo de alimentar esta curiosidad de
una manera lúdica, desarrollando un trabajo que acompañe las
preocupaciones y la experiencia del día a día de sus
componentes. Su trabajo va dirigido nuevos formatos y medios de
comunicación que puedan transmitir esta relación vida/arte.
Además de este colectivo participan, entre otros, María María
Acha (Perú), con un fotografía tamaño natural de la serie
Bathroom; Carlos Ranc (México), con Papel Tapiz, un papel
decorativo para paredes; Philipe Meste (Francia), que desde hace
años solicita al público masculino para sus exposiciones de
arte; además del programa de vídeo: X-treme Kiss (Annie Sprinkle
y Beth Stephen)
Las obras se presentan en un escenario construido dentro de la
sala de exposiciones del Antimuseo de Arte Contemporáneo, que
representa el interior de un pequeño departamento. Todos los
trabajos quedan integrados como elementos propios de este
ambiente, sumiendo al espectador en un mundo en el que la sexualidad y todos sus conflictos adquieren una presencia
abrumadora.
Ficha artística
Autor colectivo: No me Compliques la Vida.
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Instalación |
Compañía Phillippe Meste
Francia |
¡MIRA!
El Ojo Atómico
(Madrid)
9 al 18 febrero: de 18 a 22 h (juev,vier. y sáb).
Otros días reserva en: 91.41522.91 |
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Philippe Meste, es un artista
plástico nacido en Rennes, que vive y trabaja en París.
Establece las premisas de una guerrilla crítica decididamente
urbana utilizando nuevas armas artísticas. Sus temas más
recurrentes son las armas, la guerra, el sexo y la pornografía.
En esta ocasión Philippe presenta en Madrid su proyecto
Spermcube que pretende reunir 1 metro cúbico de esperma
congelado preservado en un cubo transparente refrigerado. Se
trata de un proyecto colectivo, internacional, abierto a la
participación de todo interesado.
El artista ya presentó sus proyectos en intervenciones en forma
de stand de información al público en varios festivales y
galerías.
Ficha artística
Concepto y creación: Philippe Meste
En Madrid con el apoyo de la Embajada de Francia
Más información
www.spermcube.org
www.g-a-s-m.org
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PARADISE 2 – EL SONIDO INCESANTE DE UN ÁRBOL CAÍDO
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FOTO: MAGDALENA USA |
Performance |
Compañía Rosa Casado
Comunidad de Madrid/La Rioja (España) |
ARCO (Nexo 5-7 / Chill out)
(Madrid)
10 y 11 febrero: 14 h |
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Rosa Casado en colaboración con el
artista visual Mike Brookes, ha creado un espectáculo que
reflexiona sobre el turismo y la migración. Esta
creadora/performer confronta su propio viaje de vacaciones de
España a Mali con el desplazamiento migratorio del Señor Boyé a
España.
Rosa Casado es una artista preocupada por sacar a escena
paisajes sonoros y desplazamientos humanos, con la intención de
descubrir nuevos planos de percepción. Creadora independiente y
performer, su trabajo artístico tiene dos líneas de acción
fundamental: la re-escritura de la realidad a través de acciones
cotidianas des-contextualizadas que exploran nuevas maneras de
“pensar” y “hacer”; y el desarrollo de espacios
interdisciplinarios que promueven la diseminación de la práctica
artística contemporánea.
En 1975 inicia sus estudios de danza; en 1992 su formación
actoral en España, que continua en el Istituto d’Arte Scenica
(Italia), Nordisk Teater Laboratorium/Odin Teatret (Dinamarca) y
Studium Actoris (Noruega). Además, ha participado en diversos
proyectos de investigación y creación escénica en Holanda,
Italia, Suecia, España y USA. En 1998 inicia su trabajo de
piezas unipersonales con el montaje Jo-O. Y más tarde, colabora
con la creadora escénica galesa Jill Greenhalgh y con el artista
visual inglés Mike Brookes, trabajando juntos en diferentes
proyectos. En 2003 traslada su residencia a Peroblasco, La
Rioja, donde está desarrollando el proyecto La Casa del Burro,
una sala de creación artística y un proyecto de residencia para
creadores.
Ficha artística:
Creación e interpretación: Rosa Casado
Desarrollo: Mike Brookes y Rosa Casado
Texto: Rosa Casado inspirado en el corto documental Ilha das
Flores
Ayudante técnico: Luis Fernández
Fotografía: Magdalena USA.
Duración: 40 minutos
Idioma: Español.
ESPECTÁCULO NATURAL 2-ME GUSTAN TUS HUESOS,
TU ALMA Y TU CEREBRO. CONVERSACIONES CON ANIMALES
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Performance |
Compañía Sonia Gómez
Catalunya (España) |
ARCO (Nexo 5-7 / Chill out)
(Madrid)
10 y 11 febrero: 19 h |
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El espectáculo recorre
cuatro gabinetes, con cuatro colaboradores en cada uno de ellos.
En los gabinetes se presenta: una puesta en escena sencilla, una
conversación y la serie de acciones titulada: Take my body.
Sonia Gómez pasa por cada uno de estos gabinetes y se presta
como objeto de arte normal. Se presenta ante ellos como una
persona corriente, formada por huesos, alma y cerebro, materias
primas comparables al barro, al lienzo o al vídeo. Es decir,
como identidad compleja, pero maleable dentro de unas
coordenadas propuestas por la artista.
De esta manera, Sonia Gómez, cuestiona la identidad, la
construcción de uno mismo y la forma de encontrarse de un modo
contrastado: es decir, esa que se ve no soy yo, es mi imagen.
Algo dificulta ese cara a cara con el espectador, es ese diálogo
entre ella y la cámara, el tiempo -directo o diferido- que cabe
en el espacio de un plano fijo.
En los montajes de Sonia Gómez aparecen habitualmente la
identidad, la profundidad, el movimiento y el ritmo. Y todo lo
trata de una manera muy irónica. Preocupada por la búsqueda de
la idiosincrasia, en particular de sí misma, conduce al
espectador a plantearse la personalidad propia. Vídeo, textos
poéticos o no, y una potente energía física se desprende en los montajes
de esta artista catalana.
Ficha artísitica:
Creación: Sonia Gómez,
Dramaturgia: David Cauquil
Textos: Sonia Gómez y Ceferino Galán
Iluminación, escenografía y vestuario: Emily
Selección musical: djd!,
Audiovisuales: Txalo Toloza
Colaboradores: Eduardo Miravalles, Ceferino Galán, David Cauquil
y Joan Morey
Natural 2 es una producción de M.O.M-El Vivero y Sonia Gómez
Duración: 70 min
Idioma: Español
Más información
www.martaoliveres.com
www.ciasoniagomez.blogspot.com
LA FUNDICIÓN (Bilbao)
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BASS, CONCIERTO DE ANIMALES (DANZA) |
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Compañía Sonia Gómez
Catalunya (España) |
La Fundición (Bilbao)
4 y 5 marzo: 20.30 h |
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TEMATICA DRAG QUEEN Y KING |
En la sexta edición del festival se produce un encuentro
novedoso de temática drag, queer y king. Cuatro representantes
de una escena apartada de los montajes teatrales se unen para
mostrar términos transgresores a cerca de la sexualidad y la
transformación.
El encuentro comienza con el Taller DRAG KING, dirigido por:
Diane Torr, Beatriz Preciado (King Beto Sterona), con la
presencia de Victor Little King, y continúa al día siguiente con
las actuaciones en directo Huevos de purpurina: show drag king
de Diane Torr, Victor Little King y Bridge Markland.
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FOTO: SUSANA P. ALONSO
INÉS MARTÍN |
PERFORMANCES |
Compañía Beatriz Preciado y Diane Torr
Reino Unido/España |
La Juguetería
10 febrero: de 14 a 22 h y
11 febrero: de 12 a 15 h
(Previa inscripción)
Inscripción |
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El Taller Drag King está abierto a
la participación de 20 bio-mujeres, lesbianas, mujeres
transgéneros y transexuales. Las participantes deberán aportar
ropa y zapatos masculinos y un calzoncillo de caballero.
Horario: 14h- 22h
Este Taller Drag King trata de explorar desde la práctica
colectiva (feminista, post-feminista y queer) la construcción
preformativa de la masculinidad, sus beneficios sociales y
corporales y sus posibilidades para la acción política. Las
participantes aprenderán a practicar la performance de la
masculinidad y podrán experimentar el acceso diferencial al
espacio público y a la palabra. Los objetivos de esta práctica
preformativa son: poner de manifiesto el carácter construido de
la masculinidad, generar una forma de acción y de visibilidad
política de las mujeres que difiere de la del esencialismo
feminista y que permite la re-citación subversiva de ciertos
códigos culturales de la masculinidad. De este modo, se trata de
potenciar el júbilo político y sexual para las mujeres, las
lesbianas, las transgéneros y transexuales, para intervenir
colectivamente en las tecnologías performativas de los códigos
culturales del género en la memoria y en la acción corporal.
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HUEVOS DE PURPURINA: SHOW DRAG KING |
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FOTO: CATHY PEYLAN |
Performance |
Compañía Diane Torr, Vitor Little King y Bridge Markland
Reino Unido /Francia/Alemania |
¡MIRA!
EL Perro de la parte de atrás del coche
(Madrid)
11 febrero: 24 h |
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Diane Torr Artista
interdisciplinar, performer, curator y profesora. Activa en la
escena performativa de Nueva Cork desde hace 25 años y pionera
de la cultura drag king. Codirige junto con Bridge Markland
“Godrag!”, el primer Festival Internacional de mujeres sobre las
performances de la feminidad, de la masculinidad, de la
androginia y la cultura del drag. Actualmente dirige su propia
compañía de teatro en Glasgow.
Victor Little King, También conocido como Mister PIG, se define
como performer y activista King. Su trabajo desvela la
construcción bio-social de los estereotipos de género dejando al
espectador cara a cara frente a sus propias paradojas de
normalización y fallo en la repetición de los rituales de la
feminidad y la masculinidad. Sus performances cuestionan la
mediatización de la identidad gay, los códigos de la pornografía
dominante, la mercantilización del queer chic o la racialización
de la homofobia. Ha actuado en las escenas King de París y Nueva
York, con, entre otros, Antonia Baehr, King Murray Hill y Los
Kinas del Berry.
Bridge Markland, Artista alemana, que trabaja en el terreno de
la performance transgresora y crítica. Actriz y cantante
camaleónica, cuya especialidad en la transformación, le otorga
una enorme eroticidad encima del escenario. El humor forma parte
de sus montajes, que buscan la ambiguedad y la dualidad de
los andróginos. Montajes que proponen una diversidad sexual y que
juegan con la transformación de la intérprete con la intención
de sacar a relucir los mundos de cada género y cuestionarlos de
manera provocativa.
Más información
www.bridge-markland.de
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Performance visual |
Compañía Petr Niké
República Checa |
La Casa Encendida (Patio)
(Madrid)
10, 11 y 12 febrero: 22 h |
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Camera Obscura es una performance
audiovisual, no verbal que encadena imágenes al azar, las cuales
necesitan la atención activa de los espectadores. Un collage de
microhistorias imaginativas, sin guión previo, en las que el
artista Petr Nikl desempeña el papel de un pescador errante, que
en un baño de luz pesca trocitos de asociaciones. Gracias a un
efecto óptico, cámara obscura, en un instante se puede convertir
en una ilusión bidimensional y translucida en la pantalla. Las
cosas y objetos que le rodean cobran distintos contextos y
pierden su significado original. El artista trabaja con ellos
según cómo lo exige la situación. De esta manera, se convierte
en un niño con cuerpo de adulto, en alguien que percibe la
realidad como si fuera la primera vez y mantiene un diálogo
silencioso y abierto con los objetos.
El objeto, es la superficie de agua con espejos, que da lugar a
reflejos luminosos en movimiento, proyectados en la pantalla. El
juego es siempre abierto por el hecho de que ningún espectáculo
es idéntico, aunque se usan los mismos medios y elementos, ya
que su constelación es irrepetible. El artista parte de las
posibilidades que le ofrece el propio espacio del juego, su
disposición y sus particularidades.
Ficha artísitica
Creación: Petr Nikl
Duración: 1 hora
En Madrid con el apoyo del Centro Checo
En el marco de la Temporada de la Escena Checa en Madrid.
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Vídeo Instalación |
Compañía No me compliques la vida
Reino Unido/España/Brasil |
La Juguetería
(Madrid)
11 al 22 febrero: de 14 a 22 h |
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Rapidinha es un trabajo de No Me
Compliques La Vida con imágenes grabadas desde un balcón
enfrente de la playa de Copacabana en Rio de Janeiro. Rapidinha
es un término muy común en Brasil para referirse a una relación
sexual rápida y casual (en inglés quickie).
En la video-instalación se muestra al público las imágenes
grabadas por un artista del colectivo desde el momento que este
decide hacer una rapidinha, escoge a una persona al azar en la
playa, habla con ella y acaba teniendo relaciones sexuales, todo
ello en un espacio de tiempo de 30 minutos. El formato de la
obra es una proyección tríptica en loop de diez minutos donde se
muestra simultáneamente las tres etapas del ligue. Con diálogos
metartísticos, el artista y su invitado especial anónimo hablan
de arte y sexo en esta situación insólita y divertida.
No Me Compliques La Vida, nace en Londres (2003) como un
colectivo de artistas provenientes de diferentes ámbitos
artísticos. Sus integrantes pretenden usar sus propias
experiencias personales como inspiración artística y fuente de
desafíos en sus vidas cotidianas. El motor del colectivo es la
curiosidad personal y el deseo de alimentar esta curiosidad de
una manera lúdica, desarrollando un trabajo que acompañe las
preocupaciones y la experiencia del día a día de sus
componentes. Su trabajo va dirigido nuevos formatos y medios de
comunicación que puedan transmitir esta relación vida/arte.
Ficha artística
Autor colectivo: No Me Compliques La Vida
Duración: 10 minutos
Idioma: Portugués con subtítulos en español.
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Danza |
Compañía Miguel Camacho
Comunidad de Madrid (España) |
El Ojo Atómico
(Madrid)
23, 24 y 25 febrero: 20.30 h |
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Poner un título es un acto más de
la necesidad de clasificar las palabras por su significado.
Untitled indica que con palabras no se puede y no se debe
explicar. ¿Se puede desnombrar una obra? El desnombramiento
implica que en otro momento tuvo nombre y que éste ahora se
queda obsoleto, como si fuera que lo que sucede, en el instante
de su revelación, supera su propio título. Entonces, no es lo
mismo que no tener nombre.
Miguel A. Camacho, quiere con Untitled plantear una propuesta
arriesgada pero, a la vez, sincera y de un gran reto profesional
y personal. Una situación que encierre un sentido de estética y
emociones muy profundas, sin evitar reacciones polémicas. Habla
de lo difícil de entender el cuerpo, el deseo, el sexo y la
masturbación. Y cómo ese cuerpo bello, pleno de deseo, se va
transformando con el paso del tiempo, en menos bello, mas
flácido, menos apetecible, donde el sexo va jugando un papel
cada vez menos importante y, a pesar de ello, la masturbación
puede perdurar como una forma de placer solitario, en una
sociedad como la nuestra, donde lo individual es cada vez más
predominante.
En Untitled, la coreografía, entendida como movimiento
organizado y estructuración del espacio, sirve, sobre todo, como
vehículo que conduce el vínculo entre lo inmóvil, lo poco móvil
y lo móvil. La coreografía da movilidad a una situación donde no
hay necesidad de crear drama, rompe con lo estático y utiliza la
acción y la espera para aportar otra capa de tensión al cuadro.
El cuerpo es el argumento, no hay que dar argumento al cuerpo.
Ficha artistica:
Dirección: Miguel Camacho
Coreografía e interpretación: Michelle Man
Espacio escénico: Miguel Camacho
Iluminación: Miguel Camacho
Vestuario: Elisa Sanz
Duración: 15 min.
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CICLO PERFIL: PAULO CASTRO
Portugal
Teatro y Performance |
El Ciclo Perfil es una de las secciones del festival que se
ocupa de una figura escénica y analiza algunos de sus montajes
más representativos en el ámbito de la creación contemporánea.
Esta edición ha seleccionado al autor, director, actor y
bailarín portugués, Paulo Castro. La retrospectiva de este
creador pretende dar a conocer su línea de trabajo a través de
la representación de diversos montajes.
Paulo Castro, de nacionalidad portuguesa, mantiene cierta
actividad en el entorno teatral europeo (Berlín, París, Oporto,
Madrid…). Ha dirigido en el Teatro Nacional de Oporto, textos de
autores como Lars Noren, Edward Bond and Heiner Müller y ha
llevado a cabo piezas para grupos independientes con textos de:
Arrabal, Dagerman, Bughner.
En sus montajes predomina una temática centrada en la política y
la violencia de los tiempos modernos, con un estilo corrosivo.
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Teatro |
Compañía Paulo Castro
Portugal |
¡MIRA!
Teatro El Canto de la Cabra
(Madrid)
4 y 5 febrero: 21 h |
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En Wake up-Hate, un hombre regresa
de la muerte para filmar la vida con sus propios ojos. Todo lo
que graba, todo lo que realiza, está siendo observado. Cree que
es un ángel intocable, y se mueve como tal en un entorno cargado
de repeticiones. Con un corrosivo y solitario discurso, pretende
atacar el voyeurismo de la humanidad.
Ficha Artística
Dirección e interpretación: Paulo Castro
Basado en el texto: Angel of Death, de Jan Fabre
Fotografía: Nuno Patinho
Duración: 1 hora
Idioma: Español y portugués.
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ESPECTÁCULO NIGHTING-GALE IN THE CATHOLIC CHURCH
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FOTO: NUNO PATINHO |
Teatro |
Compañía Paulo Castro
Portugal |
¡MIRA!
Teatro Pradillo
(Madrid)
6 y 7 febrero: 20.30 h |
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Nighting-gale es una pieza de
teatro sobre un grupo de mujeres que viven en una iglesia
abandonada, convertida en un hospital psiquiátrico. Un lugar de
soledad y religiosa reverencia, donde lo profano y lo sagrado
van unidos. Los personajes viven en este sanatorio, en delirio y
con la creencia de que están alojados en un gran hotel. A través
de la obra, un pintor va trabajando sobre un largo lienzo de
Cristo, en la pared de la iglesia, y el psiquiátrico se vuelve
una verdadera obsesión con su fresco. Entusiasmado por su fe, el
pintor elabora una profunda charla sobre la vida y el arte. Los
personajes tratan de encontrar la forma más religiosa para
llevar adelante sus vidas. Obsesionados por la dependencia de su
fe son conducidos a la distracción. Creer en dios es su
comodidad contra la catástrofe inminente.
Ficha artística
Dirección y texto: Paulo Castro
Basado en la novela Fabulación de Passolini y otros trabajos.
Interpretación: Jo Stone, Paulo Castro, Sven Seeger, Sara De
Castro, Miguel Moreira
Co-Producción: Teatro Vila Real-Portugal, Compañía Utero
Lissabon-Portugal, Mimem Zentrum Berlin, Sophiensaele Berlin,
Escena Contemporánea
Duración: 1 hora
Idioma: Inglés, portugués y español.
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CEASAR FERNÁNDEZ,
SILVIA Y KAREN
FOTO: ALISTAIR BONNIN |
Performance |
Compañía Paulo Castro
Portugal |
¡MIRA!
Teatro Pradillo
(Madrid)
8 y 9 febrero: 20.30 h
La Nave de Cambaleo
(Madrid)
11 y 12 febrero: 21 h |
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La acción de B-File, se sucede
en una habitación claustrofóbica de un aeropuerto de algún lugar. Un grupo
de pasajeros son sometidos a un riguroso, absurdo y violento interrogatorio
forzados por la autoridad. La policía comienza a abusar de su poder según la
gente aterriza de diferentes países. En una situación de preguntas y
respuestas, el juego comienza a ser más peligroso según la estructura
narrativa avanza.
Ficha artística
Dirección: Paulo Castro
Textos: Deborah Levy, & Interpreters
Interpretación: Jo Stone, Karen Lawrence, Paolo Dos Santos, Paulo Castro,
Sylvia Pinto Coelho
Interrogatorios directamente traducidos por la policía a cada uno en el
lenguaje del país donde se representa.
Fotografía: Ceasar Fernández, Silvia y Karen por Alistair Bonnin
Co-Producción: Tanzfabrik-Berlin, Casa Das Artes De Famalicao-Portugal,
Teatro De Vila Real-Portugal
Duración: 1 hora
Idioma: Varios.
En Madrid con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões |
