REY LEAR
Del dolor a la alegría

FOTOS BASE: ROS RIBAS	ALFREDO ALCÓN

Rey Lear (The King Lear) de William Shakespeare – comenzada en 1605 y representada a finales de 1606 - se articula en el proyecto inicial del Centro Dramático Nacional: la colaboración con Juan Mayorga como adaptador de los clásicos conjugando un enorme respeto y a la vez una mirada contemporánea. Divinas palabras de Valle Inclán y Un enemigo para el pueblo de Ibsen han sido los títulos precedentes.

• De las tres obras, Rey Lear es la apuesta más arriesgada – reconoce Gerardo Vera, director de este montaje -, al ser la más compleja. Es obra clave y de las más completa de Shakespeare. Muestra cómo se llega al ser humano a través del dolor hasta la alegría. Es obra sobre la vejez, por lo tanto un mundo que termina y sobre cómo  la gente joven arrincona a los viejos. El cómo avanzamos en un camino tortuoso cuando ya no nos queda tiempo. En Lear hay un grandísimo caudal humano. Shakespeare, hombre de tremenda sensibilidad, escribe una obra de gran complejidad.

REY LEAR,
LA MISERIA Y SOLEDAD
COMO METÁFORA DEL MUNDO

	Su fuente más directa es King Leir, un anónimo que sube al escenario en 1594 y se imprime en 1605, aunque s bastante diferente de la versión de Shakespeare. En esa fuente no está el tema de Gloucester y acaba felizmente. Pero ésta bebe de la Historia Regum Britanniae (1135) de Godofredo de Momouth, de origen celta. El tema fundamental es el mismo: la ingratitud filial, la vejez y la locura.
	CRISTINA MARCOS/MIRYAM GALLEGO /CARMEN ELÍAS ALFREDO ALCÓN FOTO: ROS RIBAS

Según Gerardo Vera:

• En el Rey Lear está todo: los griegos, el teatro barroco, Becket con su Final de Partida y todo esto lo he tenido presente sin saber por qué. Rey Lear cuenta la miseria y soledad como metáfora del mundo. Hay también tramas argumentales de gran importancia y 8 papeles protagonistas que hilvanan la obra. Para esos personajes he podido contar con actores que son un lujo, empezando por Alfredo.

ALFREDO ALCÓN,
MODERNO, HONDO, TIERNO Y VERDADERO

Alfredo, Alfredo Alcón, es actor argentino con muchos títulos en su maleta de ida y vuelta: España - Argentina. Fue actor muy requerido en España en los años inmediatos y posteriores a la muerte de Franco, cuando nuevas formas de teatro subían a nuestros escenarios. Ahora es el Rey Lear.

Sin Alfredo no lo hubiera hecho. Al decidirme por esta obra pensé en él, pero estaba muy liado con otros trabajos en Argentina. Ajustó fechas y ha sido posible. Para Lear necesitaba un actor complejo, moderno, con gran hondura, ternura y verdad. Maestría, bondad y ternura eran las cualidades necesarias y Alfredo las posee. Igualmente me he rodeado de la gente que he querido. Doy gracias a todos, porque he partido de una propuesta muy limpia que todos ellos llenan con su verdad.

ALFREDO ALCÓN FOTO: ROS RIBAS

De tal modo el actor ha pasado a ser crucial en este montaje que, según Gerardo.

• Cada vez que metía un objeto, la dinamicidad del espacio lo escupía. En realidad el objeto del espacio lo crean los actores.  

Alfredo Alcón manifiesta cierta preocupación que expresa con un

MIRYAM GALLEGO/ ALFREDO ALCÓN FOTO: ROS RIBAS

Me gustaría estar a la altura de lo dicho sobre mí. Hacer Lear es un ejercicio de humillación. Te das cuenta de que nunca llegarás como actor, pues con ese texto tratas de subir un escalón más. Quiero agradecer la generosidad que ha tenido  España conmigo. Sólo un poeta podría expresar tal agradecimiento con síntesis y belleza. Nunca podré pagar el afecto que mis compañeros de trabajo me han dado. Y esto desde el principio cuando me llamó José Luis Alonso (*) – director español de teatro de gran talla y buceador de nuevas formas de dirección y títulos -, ya que no me tomaban como si viniese de fuera, sino como uno de ellos. Me han cuidado: si tengo sed o no, si necesito una silla y tantos detalles…Son regalos que no se pagan. Espero que mi trabajo se acerque a lo que se espera de mí. Quiero ser agradecido y estar alerta por el afecto que procede de la generosidad del otro y no de mi valor.

GERARDO VERA:
ME INTERESABA ABORDAR LA TRAGEDIA
POR LO QUE TIENE DE PROFUNDIDAD Y LIMPIEZA

El por qué Rey Lear lo explica Gerardo Vera

• Ya hecho comedia y otros géneros. Quería tocar una obra que está en el límite del melodrama y la tragedia. Estaba preparado para el melodrama, es algo que fluye, pero la tragedia supone profundidad y limpieza. Pasar de un estado de ánimo a otro en segundos, que no es sino producir la catarsis. La hace al ir viajando del miedo al dolor. Por eso, al hacer el reparto lo hice de modo muy consciente. Con algunos que conocía tenía una serie de afinidades personales y de otros que no conocía ya tenían el caminito andado.

Según Gerardo Vera, éste era un proyecto que anidaba en su cabeza hacía tiempo.

Cuando me viene un proyecto lo dejo descansar y después veo si vuelvo o no. Yo siempre me levanto muy temprano y a las siete de la mañana, por ejemplo, me lo planteo y  tomo notas que se me ocurren. Este proyecto me obsesionaba y veía que tenía que hacerlo, pero con alguien muy concreto. Si no lo tienes en ese momento, pues esperas. Ahora se han dado las condiciones y aquí estamos para hacerlo sobre todo desde la tragedia contemporánea.

ALFREDO ALCÓN/MIRYAM GALLEO FOTO. ROS RIBAS

Quien versiona el texto es Juan Mayorga de quien Gerardo Vera comenta:

• Juan Mayorga y yo somos pareja de hecho, puesto que sin Juan, el Centro Dramático Nacional no hubiera tenido sentido. Tenemos una extraordinaria comunicación y un modo De entender el teatro y la vida en cuanto que la vida sin el teatro no tiene sentido.

El texto original tiene una duración considerable que se ha reducido a dos horas

• Esta reducción – precisa Gerardo – hubiera sido imposible sin Juan que ha redactado el texto en lenguaje contemporáneo remitiéndose siempre al original y sabiendo que hacemos una obra de William Shakespeare.

JUAN MAYORGA,
CABALGA ENTRE SUPRODUCCIÓN PROPIA
Y LA VERSIONES

Juan Mayorga alterna- difícil saber de dónde saca el tiempo – obras propias como autor, versiones de otras obras y dramaturgias. Estas últimas parece que le pueden robar el tiempo para sus creaciones propias.

Claro que me lo roba – confirma Juan -, pero no hay mejor escuela de dramaturgia que adaptar los textos clásicos. Allanar la intimidad con las grandes dramaturgias ya es una escuela poderosísima. Pero sobre todo, lo hace a uno más humilde y te hace sentirte cuán pequeño eres y crecer en ambición, pues se ve hasta dónde puedes llegar. Asombra el ver cómo se ha hecho dueño de toda la experiencia. Se te ensanchan los pulmones. Es una experiencia extraordinaria sin que se absorba la pequeña voz propia.

JUAN MAYORGA

Con motivo de Rey Lear a Juan Mayorga le viene a la memoria Fahrenheit 451, la novela que Ray Bradbury escribió en 1953. En ella el bombero Guy Montage y su equipo tienen como misión quemar libros, por orden del gobierno, que piensa que la literatura hace infelices a los hombres por crear angustia y les desvela que son diferentes. A los 233º centígrados el papel se inflama y arde, de ahí el título. En uno de los incendios Guy se guarda un libro y después más. Descubre en un parque a un viejo profesor, con el que trazan un plan para salvar los libros. (**)

FARENHEIT 45 PELÍCULA de FRANÇOIS TRUFAUT

• Yo quisiera ser ese vagabundo de Fahrenheit 451 – señala Juan Mayorga – que conserva en su cabeza textos para librarlos del fuego. Y,de entre ellos me pido Rey Lear. En él están todos nuestros sueños y pesadillas y todo lo que podemos hacer sobre la tierra. Resume todo lo anterior a Shakespeare y lo posterior. Es Pinter, Becket y tantos autores posteriores…Lo que hacemos los escritores que venimos después, no es sino un comentario a pie de página de lo que Shakespeare hizo.

VERSIONAR O VIOLAR

Traducir, versionar o adaptar, para cualquier escritor sensato, siempre tiene algo de violación, ya que cada vocablo de la otra lengua esconde indescifrables secretos. No es casual que, en los momentos de límites de la vida o de  intimidad, el ser humano recurra a su lengua materna.

FOTO: ROS RIBAS

Cuando te pones a versionar – insiste Juan – y puesto que no conocemos el inglés de la época y las frases de entonces han perdido su elocuencia, sientes un enorme vértigo. Al superar este vértigo, se asume el trabajo con una gran responsabilidad y humildad. Es como cuando se entra en un templo. No puedes invadirlo con una idea preconcebida, sino recordar que es una obra maestra. Nos sentimos satisfechos de escribir algunas de sus escenas. Hay que conservar la riqueza  y la complejidad que tiene. Nunca puedes pretender competir con Shakespeare, porque siempre sales derrotado. Hay que buscar un lenguaje tan hondo que pueda mostrar la nostalgia del original. Hay que aproximarlo sin empequeñecerlo.

Para precisar más este oficio de adaptador Juan se remonta a la película Pulp Fiction (1994) dirigida por  Quentin Tarantino.

• Como adaptador me he sentido como el personaje de Pulp Fiction que limpiaba las huellas del crimen. Por lo regular el director te pide esto y esto es un crimen. El concepto de contemporaneidad invade a lo clásico y se hace un centrifugado. Sólo se toma lo que encaje. Esto en Gerardo Vera no es así. Ha habido une esfuerzo de escucha al que he intentado ser leal. Pero el escuchar y ser fiel, a veces, es contradictorio: ser fiel al texto original y al espectador contemporáneo no siempre es fácil. Decir que hay palabras superfluas en Shakespeare es mentira, pero sí aspectos más relevantes que otros y eso es lo que hemos buscado. Hemos pretendido que el espectador recibiera el texto en toda su complejidad.

Juan vuelve a reiterar lo que en toda traducción es regla de oro.

La mayor lealtad para con un texto no es ser literal al original. Por ejemplo en el teatro de El Globo que regentaba Shakespeare, el personaje del bufón era algo importante. Hoy no tiene gracia si lo trasladamos literalmente. Hay que buscar el dramatúrgico efecto que aquello producía, pero no lo literal. En definitiva hay que rescatar lo que Shakespeare nos intentó entregar.

FOTO: ROS RIBAS

EL VERSO SHAKESPERIANO,
SUSTITUIDO POR LACONCEPCIÓN POÉTICA

Es frecuente en las versiones shakeperianas – al menos en España - que el verso se deje de lado. En esta versión…

• …no hemos manejado estrofas, pues no nos parecía contemporáneo, pero sí está la palabra en su concepción poética elevada, sin caer en la pedantería. Nos  hemos valido del cuerpo de la experiencia del cuerpo del actor para que transmita su propia experiencia poética. Hay un poema de palabras, cuerpos, espacio sonoro y luces en escena y todos ellos construyen el poema shakesperiano en el espacio y el tiempo.

VERSIONAR EL ORIGINAL,
PERO ¿EXISTE?

Hace algún tiempo, ahora menos, la crítica cotejaba la fidelidad con el original. Lo que sucede en estos autores clásicos – de la nacionalidad que sean – no es fácil saber cuál es el original. Por lo general se referían a la obra impresa, años después, lo cual no quiere decir que ese lo fuese para el autor, porque estos hombres de teatro abarcaban la totalidad del teatro: autor, director, actor y como dueños y señores de su pluma, cambiaban según la representación. En el caso de Rey Lear Juan Mayorga declara que…

• He partido directamente del original, lo cual es difícil afirmarlo, porque hay dos versiones y una completa la otra. Faltaban escenas en una y otra. Los montajes que se han ido representando son una combinación de una y otra. He leído también las traducciones en las lenguas  que conozco. Ninguno se acercaba a la producción original y sólo se puede intentar moverse por el territorio shakesperiano. 

FOTO: ROS RIBAS

Rey Lear es el resultado de la simbiosis Vera-Mayorga. Si para Vera la versión de Mayorga es un punto clave, para éste…

• …Rey Lear es un espectáculo importante y Gerardo muestra en él una gran madurez como creador  y manifiesta esa madurez con humildad. El montaje es hermosos y basado en el cuerpo y las voces de los extraordinarios actores. Por parte del teatro español tenemos una deuda con Argentina y se lo debemos a Alfredo Alcón. Al verlo actuar veo a los grandes personajes que un día nos entregó. Ha trabajado desde el talento y la humildad. Desde la escucha del texto En Lear hay una tormenta que atraviesa el Rey y pierde la razón, la cual le trae lucidez: comprende lo que nunca ha comprendido. Esto es el texto: comprenderlo bajo otra luz. La tormenta trae la embriaguez y el paso a la luz. Está acompañado por un reparto formidable.

ESCENA DE LA TORMENTA
PINTURA de  WILLIAM DICE (1806 – 1864)	REY LEAR (2008) FOTO: ROS RIBAS

LA EXPERIENCIA
SIRVE PARA POCO.
IMPORTA EL MOMENTO QUE SE VIVE

A pesar de la larga experiencia de Alfredo Alcón en interpretar personajes nada fáciles, piensa que…

• … Nunca he hecho Rey Lear, y con las experiencias hay que tener cuidado. Sirven para poco. Si uno vive este momento de hoy, no vive el otro. Lo leo como algo nuevo. Importa el director para corregir junto con los actores y no imponer algo como predeterminado o indicarte cómo lo hizo fulano. No venimos con preconceptos u ocurrencias, ya que esto es un modo endeble de trabajar.

EL RESTO DE LOS ACTORES,
COMPONENTES DEL POEMA SHAKESPERIANO

Carmen Elías es Gonerill, una de las interesadas hijas de Lear.

CARMEN ELÍAS FOTO: ROS RIBAS

Hace mucho tiempo - declara Carmen -, que Gerardo me llamó para hacer una de las hijas y me dijo que Mayorga y Alcón estaban en el montaje. Yo nunca había hecho Shakespeare y tenía curiosidad por hacerlo. Es una experiencia muy interesante la versión de Mayorga, ya que tiene la esencia de todo lo que les pasa a los personajes. Mi Gonerill, como los demás personajes, pasa por muchos estadios: envidia, poder, ambición, dolor de la hija con el padre. Y si eres capaz de relajarte y escuchas a tu compañero fluye un torrente, por el que te dejas arrastrar. Trabajar con Alcón es un honor y es un ejemplo de disciplina y creatividad. Es un placer estar con él.

CRISTINA MARCOS

Cristina Marcos viene de interpretar el éxito de varias temporadas en cartel. El método Grönholm de Jordi Galcerán y dirigido por Tamzin Towsend. Un gran currículo en cine que inició con Maravillas (1980) de Manuel Gutiérrez Aragón, títulos  destacados en teatro y colaboraciones en televisión. Es poseedora de diversos Premios de cine, fundamentalmente. En Rey Lear es Regan, otra de las hijas. Contenta de hacer Rey Lear, de la versión y de trabajar con Alfredo Alcón. También quiero agradecer el buen trabajo de los 26 actores. Tengo mucho vértigo. Eso es todo.

El Conde de Kent es Pedro Casablanc. No es la primera vez que interviene en textos de Juan Mayorga – Hamelin, Últimas palabras de Copito de nieve -, y es frecuente verlo en repartos de títulos emblemáticos. Su último trabajo fue Marat-Sade, la versión de Animalario para el Centro Dramático Nacional en la temporada 2007.

FOTO: ROS RIBAS

• Estoy muy contento. A Alfredo Alcón lo vi por primera vez en El Público de Federico García Lorca y pensé “quiero ser así”, y verlo ahora como compañero es un lujazo. Con Gerardo Vera ya había heho Shakespeare: La Noche XII (Noche de Reyes) y ahora Lear. Me ha sido muy fácil trabajar con él.

Albert Triola es Edgar, el hijo legítimo de Gloucester. Procedente de la promoción de 1996/97 del Institut del Teatre de la Diputació de Barcelona, inició su andadura bajo la dirección de Carmen Portaceli con Pat’s Room de mala mort de Nùria Amat. Su último trabajo ha sido en2007 con God is a DJ, de Falk Richter, dirigida por Juan Carlos Martel Bayod.

• Es un gran placer el estar con todos ellos. Al decirme que iba a interpretar a Edgar me dije “¡qué bonito, pero qué difícil!” Hay quien ha dicho de Edgar que “ningún actor lo puede interpretar”. Me he atrevido al sentirme arropado por mis compañeros.

Juan Mayorga añade a la observación de Albert

• Albert ha comentado lo difícil de Edgar, por insertarse lo humano en él. Pero es que Rey  Lear es una enciclopedia de lo humano. Las pasiones más altas y las más bajas, las formas más luminosas del amor y las más oscuras del egoísmo, todos nuestros deseos y todos nuestros miedos, lo que soñamos y aquello que nos asalta en las pesadillas, todo lo humano está en el microcosmos que construye Shakespeare en la más bella y terrible de sus piezas. Lo que tenemos que hacer es no ensombrecerlo.

FOTO: ROS RIBAS

(*)
Obras con José Luis Alonso:
El zapato de raso  de Paul Claudel  (1965)
A Electra le sienta bien el luto de Eugene O’Neill (1965)
La ciudad cuyo príncipe es un niño de Henry de Montherlandt (1973)

(**)
En 1966 el cineasta francés François Truffaut la llevó al cine.
En 2004 Michael Moore realizó el documental Fahrenheit 9/11, premio Palma de oro en el Festival de Cannes 2004. Se trata de una dura crítica a la administración Busch.