FESTIVAL DE OTOÑO 2008
MÚSICA

LA SERPENTA CANTA SONGS OF EXILE SWEENEY TODD GUSTAV SWEET BILLY PILGRIM JOSH WELLER HOLA A TODO EL MUNDO LAS GRANDES CIUDADES BAJO LA LUNA STIFTERS DINGE (LAS COSAS DE STIFTER) I WENT TO THE HOUSE BUT DID NOT ENTER CANTOS DE AMOR EL PERSEGUIDOR PARIS BUKAREST

 “SI TUVIERA QUE PERDER EL TIEMPO EXPLICANDO
A IMBÉCILES POR QUÉ MI MÚSICA NO ES BLASFEMA,
NO TENDRÍA TIEMPO PARA HACER MÁS MÚSICA BLASFEMA...”
Diamanda Galás. Signal to noise

FOTO: KRISTOFER BUCKLE

Diamanda Galás, compositora, virtuosa del piano y diva vanguardista que ha obtenido fama internacional gracias a sus grandes interpretaciones de jazz, blues o gospel cargadas de denuncia, política y provocación presenta con La serpenta canta un programa de canciones trágicas que evocan amores destrozados, obsesiones cegadoras y una melancolía inmensa.

La voz y el piano de Galás desgranan versiones de piezas que hablan y estremecen... canciones de resurrección, muerte y desafío. Un arsenal vocal y un piano para moldear canciones desgarradoras, entre las cuales se encuentran temas de su último trabajo, Guilty Guilty Guilty.

Galás nació en San Diego, hija de padres procedentes de  Anatolia y Grecia. Creció escuchando música popular griega y las canciones del coro de gospel que su padre dirigía. Demostró desde niña un virtuosismo musical espectacular y se formó en piano clásico antes de adentrarse en los misterios del blues y el jazz. En 1979, la que fuera niña prodigio hacía su debut internacional en el Festival d´Avignon, encarnando el papel principal en la ópera Un jour comme un autre, del compositor Vinko Glabokar, basada en la documentación de Amnistia Internacional sobre el arresto y tortura de una mujer turca por presunta traición. En 1990, culminando una carrera llena de irreverencia, compromiso político y vanguardia, se subió al altar de la catedral Saint John Divine de Nueva York, se cubrió el torso de sangre y cantó su Plague Mass, un concierto in memoriam para las víctimas del sida. De esta “gran diva de la oscuridad” la crítica ha dicho que “su voz y su formidable golpe de piano son emocionantes en su invención y en su descarado desprecio de las restricciones del género musical”.

SOBRE LA COMPAÑÍA

FOTO BASE: K. BUCKLE

Aclamada por la crítica como “un raro genio, absolutamente cautivadora y evocadoramente hermosa”, Diamanda Galás es conocida internacionalmente por sus creaciones operísticas, de gran originalidad y compromiso político, así como por sus singulares interpretaciones de blues y jazz. De raíces mediterráneas, reside en Nueva York desde 1989. Tras su debut en el Festival d´Avignon en 1979, publica su primer trabajo en 1982. Sus numerosas obras teatrales y musicales incluyen Plague Mass (1990), una inquietante misa dedicada a las personas enfermas de sida; Vena Cava (1992), un trabajo sobre la demencia, el sida y el aislamiento, y más recientemente Defixiones, Will and Testament (2004).

Actualmente está trabajando en la composición y puesta en marcha de la ópera Nekropolis. Entre sus trabajos discográficos encontramos Guilty Guilty Guilty, trágicas y homicidas canciones de amor y You´re my Thrill, con canciones de amor popularizadas por Peggy Lee, Billie Holiday, Chet Baker, Edith Piaf y Marlene Dietrich. Entre otros galardones ha recibido, en el año 2005, el prestigioso premio italiano Demetrio Stratos a toda su carrera.

Diseño de Iluminación: Nigel Edwards
Dirección Técnica: Kamal Ackarie
Ingeniero de Sonido: Jasen Hattams
Producción Asociada: Quaternaire/ Sarah Ford
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
www.diamandagala.com
www.madrid.org/clas_artes

“NO QUIERO PERTENECER AL GUETO DE LA NUEVA MÚSICA...
NO QUIERO PERTENECER A NINGÚN GUETO...”
Diamanda Galás. Arthur

FOTO BASE: K. BUCKLE

Con Songs of Exile, Diamanda Galás, virtuosa del piano y diva vanguardista, presenta un concierto para piano y voz que investiga al poeta, al músico y al compositor condenado al exilio, enfrentado al proceso creativo lejos de su patria. El programa incluye amanedhes (lamentos improvisados típicos de Asia Menor y Oriente Medio) y composiciones de Galás basadas en textos de poetas expatriados de todo el mundo como Adonis, Celan, Michaux, Gerard de Nerval, Vallejo, Pier Paolo Pasolini y el guerrillero salvadoreño Miguel Huezo Mixco. Todos ellos vistos con los ojos de esta mujer que la crítica ha calificado de “volcánica”, “exhortadora del infierno” y “gran diva de la oscuridad”.

Esta “reina reptil que clama venganza por los muertos”, tal y como la calificó The Age of Australia, canta en inglés, francés, español, italiano y griego y combina en un concierto estremecedor blues, música clásica, contemporánea, gótica, ópera y temas de compositores como Udi Hrant, Papioannou, Manolis Xiotis y Naftule Brandwin. Girando en torno a la lamentación, arias de Bach, Mozart y Arrigo Boito completan este espectáculo que se estrenó en Arts International (Nueva York) en 2002.

Dramática, deslenguada y controvertida, Diamanda Galás ha estado en España en numerosas ocasiones, presentando los trabajos Malediction, Guilty Guilty Guilty y La serpenta canta, también en esta edición del Festival de Otoño de Madrid.

Diseño de Iluminación: Nigel Edwards
Dirección Técnica: Kamal Ackarie
Ingeniero de Sonido: Jasen Hattams
Producción Asociada: Quaternaire/ Sarah Ford
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
www.diamandagala.com
www.madrid.org/clas_artes

FOTO: ROS RIBAS

Esta versión de Mario Gas cuenta con más de veinte premios de las artes escénicas, entre ellos el Nacional de Teatro de la Generalitat de Cataluña, el Premio de la Crítica de Barcelona y los Max de la SGAE a la Mejor Dirección Escénica y al Mejor Musical. Stephen Sondheim, uno de los grandes compositores musicales del siglo XX, estrenó Sweeney Todd en  Broadway en 1979. El éxito fue inmediato; ha sido reconocido con ocho premios Tony - incluido el de Mejor Musical - y un Grammy.

SOBRE LA COMPAÑÍA

Mario Gas (nacido en 1947 en Montevideo, Uruguay, durante una gira musical de su padre) es actor y director escénico. Ha desarrollado su carrera artística en el teatro, el cine y la televisión.

Creador polifacético, formado en los teatros universitarios e independientes de los años sesenta, ha montado más de un centenar de espectáculos entre teatro, ópera, zarzuela y music-hall a lo largo de su dilatada trayectoria. Entre sus montajes más recientes destacan Homebody/Kabul, de Tony Kushner; Adiós a la bohemia, de Sorozábal y Pío Baroja; A Electra le sienta bien el luto, La Orestiada, Las criadas, La mare Coratge i els seus fi lls, Full Monty o Lulú. Entre las óperas, encontramos Il turco in Italia, Il barbiere di Siviglia, Il trovatore o La traviata, entre otras.

Ha recibido decenas de premios a lo largo de su carrera. Como gestor teatral ha estado al frente del Festival Grec ’76, del Teatre Condal y ha sido director de las tres ediciones del Festival de Tardor y del Festival Olimpic de les Arts. Actualmente es director artístico del Teatro Español de Madrid, en el que recientemente ha estrenado Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny, de Bertolt Brecht y Kurt Weill, pieza con la que inauguró las Naves del Español Matadero Madrid.

Adaptación: Christopher Bond
Traducción: Roser Batalla/ Roger Peña
Vestuario: María Araújo
Escenografía: Jon Berrondo
Intérpretes: Pedro De Los Ríos, Joan Crosas, Teresa Vallicrosa, Vicky Peña, María del Mar Maestu, Xavier Ribera-Vall, Pedro Pomares, Ruth González, Esteve Ferrer, Tony Cruz Y Andrés Navarro
Dirección Musical: Manuel Gas
Dirección: Mario Gas
Idioma: español
Duración aproximada: 2 horas y 50 minutos (con intermedio)
www.esmadrid.com/teatroespanol

SWEET BILLY PILGRIM. Liderado por el guitarrista y cantante Tim Elsenburg -colaborador habitual en los discos y giras de Steve Jansen y David Sylvian -, se ha convertido en una de las sorpresas del panorama musical británico, comparado por la crítica con grupos como Radiohead y Colpdlay. A medio camino entre lo terrenal y lo etéreo, los integrantes de esta fulgurante revelación del indie rock acarician las cuerdas y crean música en sus portátiles, evocando a Blue Nile, King Crimson y Elbow.

Duración aproximada: 1 h. y 10 minutos
www.sweetbillypilgrim.com
www.lacasaencendida.com

GUSTAV. Esta artista vienesa produce música en su portátil, toca todo tipo de instrumentos y canta con un poder único e irresistible. Su música es una mezcla de pop con toques electrónicos y aires naif de neo-folk del siglo XXI. Sus canciones son universales, canta en inglés, alemán y francés. Su segundo disco, Verlass die Stadt (2008), es, según ella, más oscuro política y emocionalmente, aunque sea difícil percibirlo en la primera escucha. Los temas alternan de una manera extrañamente natural diferentes géneros posibles (e imposibles): experimentaciones sonoras con el laptop, música tradicional austríaca, mandolinas sicilianas, auténticos himnos pop. Todo ello con un trasfondo de canción protesta adaptada a las actuales formas de expresión musical.

Duración aproximada: 1 h. y 10 minutos
http://www.myspace.com/gustavofficial
www.lacasaencendida.com

JOSH WELLER. Joven talento agitador de la escena londinense del momento, es habitual de los clubes de la nueva zona cool de la capital británica. Su personal estilo puede recordar al primer Elvis Costello o a Randy Newman.

Duración aproximada: 1 h. y 10 minutos
www.myspace.com/joshweller
www.lacasaencendida.com

HOLA A TODO EL MUNDO. Convertidos ahora en sexteto, estos madrileños con apariencia de pandilla feliz y aires popfolk se disponen a crear una comunión con el público que acuda a verles, de forma que cuanta más gente baile y cante, más grande e intenso será el deleite musical.

Duración aproximada: 1 h.
www.myspace.com/holaatodoelmundo
www.lacasaencendida.com

“UN ESPECTÁCULO QUE CELEBRA NUESTRA ÉPOCA
DE INDIFERENCIA E INJUSTICIA...” –
Eugenio Barba

FOTO: TONY d-URSO

Odin Teatret, liderado por el teórico, director y antropólogo teatral Eugenio Barba (Italia, 1936), presenta en esta edición del Festival de Otoño de Madrid Las grandes ciudades bajo la luna, pieza estrenada en septiembre de 2003 en Bielefeld, Alemania. En los últimos años, Odin Teatret ha actuado en cincuenta y ocho países y creado más de setenta espectáculos, muchos de ellos sobre la base del trueque cultural, con la intención de, en palabras de la compañía, “desafiar los prejuicios, las dificultades lingüísticas y las diferentes formas de pensamiento, juicio y comportamiento”.

En lo alto, la luna observa. Observa y se balancea sobre ciudades en llamas, sobre metrópolis de Europa y Asia, desde Hiroshima a Halle, desde la China imperial a Alabama. Su voz suena burlona o sorprendida. A veces indiferente, a veces dolorosa. Fría o incandescente, no sabe de melancolías pero tampoco conoce el consuelo. El heterodoxo Odin Teatret, famoso por su potente labor social, ofrece este espectáculo con textos de Bertolt Brecht, Jens Bjørneboe y Ezra Pound; con música y poemas que glorifican las tragedias de nuestro tiempo.

SOBRE LA COMPAÑÍA

El Odin Teatret nació en octubre de 1964 de la mano del teórico y director teatral Eugenio Barba (Italia, 1936). El grupo empezó ensayando en un refugio antiaéreo de Noruega hasta que el pueblo de Holstebro (Dinamarca) invitó a la troupe a crear un laboratorio teatral en una granja del lugar. Desde 1974, Odin Teatret ha desarrollado su particular forma de acercarse a las artes escénicas, con la práctica de lo que el propio Barba ha denominado “teatro de trueque”, un intercambio con la comunidad mediante una actuación. Algunas de las piezas más populares de la compañía son Ferai (1969), Min Fars Hus (1972), Brecht´s Ashes (1980), The

Gospel According to Oxyrhincus (1985), Talabot (1988), Kaosmos (1993) y más recientemente Ur-Hamlet (2006). Eugenio Barba emigró a Noruega en 1954, país en el que se graduó en Francés, Literatura e Historia de la Religión por la Universidad de Oslo. Se formó teatralmente en Polonia, donde trabajó durante tres años con Grotowski y en la India, convirtiéndose en experto en kathakali, forma tradicional de teatro de este país, antes de fundar la International School of Theatre Anthropology en 1979.

Interpretación: Kai Bredholt, Roberta Carreri, Jan Ferslev, Tage Larsen, Augusto Omolú, Iben Nagel Rasmussen, Julia Varley, Torgeir Wethal, Frans Winther Y Donald Kitt
Idioma: español, alemán e italiano
Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)
www.odinteatret.dk
www.teatroabadia.com

“LA GENTE TIENE A VIOLETA NO COMO A UNA SANTA,
PERO SÍ COMO UNA IMAGEN DE REBELDÍA,
QUE LOS REPRESENTA POR EL CONTENIDO DE SUS CANCIONES”
Ángel Parra. El Observador

ÁNGEL PARRA

Hijo y nieta de Violeta Parra miman canciones de amor y lucha de la diva chilena. Ángel y Javiera, junto a cinco músicos y una herencia que incluye clásicos como Gracias a la vida, La jardinera, Corazón maldito o Volver a los 17. Y en la intimidad del concierto, un documental de la Televisión Suisse Romande, grabado en 1964, detallará el ideario artístico de Violeta Parra en sus propias palabras, gracias a una entrevista que repasa, junto a su más conocida experiencia musical, aspectos de su variada obra plástica: “En él Violeta canta, explica sus pinturas, baila. Es algo muy emocionante, sobre todo para los jóvenes que no la han visto nunca y que nunca la han escuchado hablar. Verla en pantalla grande es muy emocionante”, asegura Ángel, que interpreta la trascendencia de las canciones de su madre: “Cuando habla de amor, busca la comprensión de la pareja; cuando habla de injusticias, está denunciando, de una manera drástica y definitiva a los chupa sangres de este país (Chile). Y lo hace con tanta propiedad que la gente tomó estas canciones como un discurso propio”. Padre e hija cantarán juntos y por separado, a veces en tono folclórico, a veces rockero. Ángel Parra comenzó su carrera artística precisamente junto a su madre y su hermana siendo aún adolescente. Ha trabajado con otras grandes leyendas de la canción latinoamericana, como Pablo Milanés, Atahualpa Yupanqui o Víctor Jara. Su hija Javiera ha conseguido importantes éxitos con su grupo Javiera y los Imposibles. “Para mí esto es como la continuación de un asado el domingo en casa, donde sale una guitarra y empiezan a aparecer las canciones. Creo que a la Javi le llegó el momento de empezar a cantarle a su abuela”.

SOBRE LA COMPAÑÍA

Ángel Parra es autodidacta en la interpretación de la guitarra y en el canto, y versátil en formatos y temática. Un entorno privilegiado unido a la influencia de su madre lo convirtieron en artista e investigador precoz. Ha publicado, entre Chile y Europa, más de setenta discos.

En los años noventa, sus creaciones abarcaron canciones infantiles, eróticas, reivindicativas y folclóricas, siempre dedicando especial atención al contenido del mensaje. Su figura se relaciona tanto con clásicos de la canción hispanoamericana -Yupanqui, Milanés o Jara - como con nombres del rock, como el grupo Los Tres, del que forma parte su hijo Ángel. Este polifacético artista ultima la publicación de una novela, una ficción enmarcada en los primeros años de la dictadura chilena. La carrera de Javiera Parra comenzó en 1987, con varios grupos chilenos. Fue en los años noventa cuando consiguió un público masivo tras ganar el Festival Internacional de Viña del Mar. Con el grupo Javiera Parra y los Imposibles ha lanzado canciones de gran éxito, como Te amo tanto y Compromiso.

Violonchelo: Ángela Acuña
Piano: Matías Pizarro
Guitarra Eléctrica: Ángel Parra, Hijo
Percusiones: Hernán Saavedra
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
http:/angelparra.wordpress.com
www.circulobellasartes.com

FOTO: MARIO DEL CURTO

Bach, William S. Burroughs, Claude Lévi-Strauss, Malcom X, Paolo Ucello y Ruisdael son los anfitriones de, en palabras del propio Goebbels, “un espectáculo que cree en su propia realidad”. El compositor alemán - que ya en la edición anterior del Festival de Otoño de Madrid acercó a los espectadores Schwarz auf Weiß (Negro sobre blanco) - cuenta en esta ocasión con la colaboración artística y técnica del equipo del Théâtre Vidy-Lausanne para llevar a escena una instalación musical que es, al mismo tiempo, un particular homenaje a los objetos y una experiencia de los sentidos, enfrentados al universo de lo inanimado.

Thierry Kaltenrieder ha desarrollado en Stifters Dinge (Las cosas de Stifter) una técnica que aúna pilotaje y robótica para crear un artefacto de pianos autónomos que supera la tradicional maquinaria teatral y vigoriza la idea que late en el corazón

de la pieza: hay momentos y lugares en los que al ser humano no le queda más remedio que admitir que ha perdido el control sobre las cosas... Stifters Dinge se estrenó en septiembre de 2007 en el Théâtre Vidy de Lausanne (Suiza).

SOBRE LA COMPAÑÍA

De renombre internacional, el Théâtre Vidy-Lausanne se ha constituido desde hace años como una de las principales instituciones culturales de Suiza. Construido por Max Hill, es uno de los raros vestigios de la Exposición Nacional de 1964. Sus cuatro salas presentan una treintena de espectáculos al año, ofreciendo un amplio repertorio de registros, con un total de cuatrocientas representaciones anuales. Peter Brook, Heiner Goebbels, Matthias Langhoff, Lukas Hemleb, Josef Nadj, Jacques Lassalle o Irina Brook han presentado sus espectáculos en Vidy-L, “el más hermoso teatro del mundo”, según Michel Piccoli.

Heiner Goebbels (Neustadt/ Weinstrasse, 1952) es compositor y director, catedrático y gerente del Instituto para las Ciencias Aplicadas de Arte Dramático de la Universidad de Justus Liebig, además de presidente de la Academia de Hessia y miembro de la Academia de Bellas Artes de Berlín. En su fructífera trayectoria artística ha trabajado como compositor para teatro, cine y danza, con títulos como Eraritjaritjaka, Eislermaterial o Surrogate Cities, obteniendo multitud de premios, como el Herald Angel Award 2004 o el Grand Prix de la Critique 2005.

Escenografía, iluminación y vídeo: Klaus Grünberg
Elaboración musical y programación: Hubert Machnik
Espacio sonoro: Willi Bopp
Asistente: Matthias Mohr
www.mataderomadrid.com

“LO IMPORTANTE ES ABRIR LOS TEXTOS,
ENCONTRAR IMÁGENES QUE EXPANDAN LA VISIÓN...”
Heiner Goebbels

FOTO: KLAUS GRULÊMBERG

La intensa interpretación musical del Hilliard Ensemble - reconocido internacionalmente por su repertorio medieval y renacentista a cargo de dos tenores, un contratenor y un barítono - y la dirección del compositor Heiner Goebbels anclan esta obra sin trama lineal que sólo completa su significado al ser vista y escuchada. Un concierto en tres actos, erigidos en unidades narrativas independientes dedicadas a tres textos literarios del siglo XX: The Lovesong of J. Alfred Prufrock (La canción de amor de J. Alfred Prufrock), uno de los más famosos poemas de T.S. Eliot; The Madness of the Day (La locura del día), un diálogo de Maurice Blanchot en el que las identidades se diluyen y Worstword Ho, una utopía de la forma estética a cargo de Samuel Beckett. Un tema compartido y un yo anónimo construido con multitud de voces para enganchar al espectador en un no tiempo, de un no lugar, en el que transcurre una historia imposible, un viaje que nunca se emprende, una alegoría del antihéroe. La fascinación por la insistencia vocal fue el punto de partida de esta última composición de Goebbels, desarrollada con el Théâtre Vidy-Lausanne y con Klaus Grünberg, Florence von Gerkan y Willi Bopp, el mismo equipo creativo que le ha acompañado en sus más recientes piezas de música-teatro. I went to the house but did not enter (Fui a la casa pero no entré) se estrenará el 28 de agosto de 2008 en el Edinburgh International Festival, primera parada de una gira que continuará en Alemania, España, Italia y Francia.

SOBRE LA COMPAÑÍA

Heiner Goebbels (Neustadt/ Weinstrasse, 1952) es compositor y director, catedrático y gerente del Instituto para las Ciencias Aplicadas de Arte Dramático de la Universidad de Justus Liebig, además de presidente de la Academia de Hessia y miembro de la Academia de Bellas Artes de Berlín. En su fructífera trayectoria artística ha trabajado como compositor para teatro, cine y danza, con títulos como Eraritjaritjaka, Eislermaterial o Surrogate Cities, obteniendo multitud de premios, entre ellos el Herald Angel Award 2004 o el Grand Prix de la Critique 2005.

El Hilliard Ensemble es, desde que comenzara su andadura en la década de los ochenta, uno de los más importantes grupos vocales de cámara. Con aproximadamente cien conciertos al año en Europa, Japón, Estados Unidos y Canadá, el Hilliard ha colaborado con orquestas de la talla de la London Philarmonic Orchestra, la Munich Chamber Orchestra y la Dresden Philarmonic Orchestra. Entre sus trabajos encontramos Officium, Morimur y Perotir and the Ars Antiqua.

Escenografía e Iluminación: Klaus Grünberg
Asistente de Escenografía: Carolina Espirito Santo
Vestuario: Florence Von Gerkan
Sonido: Willi Bopp
Asistente: Wolfram Sander
Con El Hilliard Ensemble: David James, Rogers Covey-Crump,Steven Harrold y Gordon Jones
www.vidy.ch
http://teatrodelazarzuela.mcu.es

“ME PARECIÓ NATURAL PEDIR A UNOS COREÓGRAFOS
ACOMPAÑARNOS EN ESTAS DOS OBRAS QUE CANTAN EL AMOR.
LAS ESCRITURAS MUSICALES SON FUERTES, RÍTMICAS,
LLAMAN A LA DANZA”
Denis Gautheyrie

Cantos de amor constituye un tríptico compuesto por dos partes de canto y baile y una puramente vocal. Cinq Rechants, creada por Olivier Messia en 1948, es considerada una obra de referencia de la música vocal del siglo XX; fue la primera escrita para un coro de cámara de doce voces solistas. Se trata de una celebración del amor, un amor sublimado y místico, que combina el francés con un idioma inventado. Desde el punto de vista melódico, la obra procede de dos fuentes: el harawi o yaravi, canto de amor folclórico de Perú y Ecuador y el alba, alborada de la Edad Media; el amor es revisado también a través de dos clásicos franceses, La vie en rose, de Edith Piaf, y Ne me quitte pas, de Jacques Brel.

Estas dos adaptaciones para coro han sido escritas por Jean-Philippe Dequin; Oscuro amor, de Enrique Muñoz, basado en los Sonetos del amor oscuro, de Federico García Lorca, convierte este sentimiento en una locura carnal, vibrante, una obsesión y una tragedia con ecos flamencos. Lorca se alimenta de referencias literarias, como San Juan de la Cruz o Quevedo, pero su poesía es nueva y poderosa. Dos coreógrafos y bailarines, Gianni Joseph - danza contemporánea – y Francisco Velasco - danza española y flamenco - comparten y enfrentan técnica e inspiración. Hacerles trabajar juntos tiene como objetivo integrar en esta coreografía la dimensión flamenca, que extiende su influencia tanto en el texto como en la música compuesta por Enrique Muñoz, y enfrentarla con otra visión y otro universo coreográfico. Se trata de “expresar - según el director artístico Denis Gautheyrie - el choque sentido al escuchar los sonetos de Lorca”.

SOBRE LA COMPAÑÍA

Soli-Tutti fue creada en 1988. Está formada por doce cantantes profesionales y dirigido por Denis Gautheyrie. Esta formación realiza un trabajo sorprendente con la música contemporánea: su pasión por la creación musical y la puesta en escena transforma y remodula la fórmula clásica de concierto. El conjunto vocal francés ha trabajado con numerosos creadores, entre ellos, Eveline Andréani, Jean-Phillipe Bec, Antoine Bonnet, Régis Campo, Edith Canat de Chizy, Jams Dilllon, Thierry Escaich... Soli-Tutti explora también músicas del mundo entero inspiradas en obras populares, colaborando, por ejemplo, con el caboverdiano Vasco Martins, los cubanos del Orfeón Santiago o los Zulúes de Colenso Abafana. Sus últimos espectáculos son Au Bois Lacté, ópera de François Narboni, y los conciertos Órgano y voz con Thierry Escaich y Música sacra del Barroco y del siglo XX. Denis Gautherye estudió piano, canto y contrabajo. Da clase en la Universidad Paris Saint-Denis y es también director artístico de varias formaciones musicales, como el conjunto instrumental DensitéS y el Petit Choeur de Saint-Denis. Le apasiona el repertorio de los siglos XX y XXI y el teatro musical.

Vestuario: Michelle Amet
Iluminación: Julien Jedliczka
Conjunto Vocal: Soli-Tutti
         Sopranos: Frédérique Epin, Cécile Côte Y Hélène Denis
         Altos: Caroline Tarrit, Elise Bédènes Y Valérie Wuillème
         Tenores: Alexandre Pecastaing, Christophe Ferveur Y Arnault Cuisinier
         Bajos: Nicolas Dangoise, Jeanphilippe Dequin Y François Sikirdji
Dirección Musical: Denis Gautheyrie
Idioma: Francés y español (sin sobretítulos)
Duración aproximada: 1 h. (sin intermedio)
www.solitutti.com
www.ayto-getafe.org

“UNIR PALABRA Y MÚSICA RESULTA TERRIBLEMENTE GRATIFICANTE
CUANDO EL PUNTO DE PARTIDA ES UN TEXTO DE JULIO CORTÁZAR
Y EL JAZZ DE CHARLIE PARKER”
Lurdes Barba

Julio Cortázar y Charlie Parker, palabra y jazz en busca de la eternidad. La vida delprotagonista, Johnny Carter - el propio Parker -, su dependencia del alcohol y las drogas. Su obsesión por traspasar el tiempo, por conseguir la inmortalidad a través de la música. Carter interrumpe la secuencia espacio - tiempo y choca una y otra vez con la frustración de no poder ganarle la partida a la muerte. Frente a él, Bruno, el crítico, testigo privilegiado de la genialidad y la autodestrucción, representa la comodidad de la vida material, más cercano a la tierra que a los sueños. Julio Cortázar vive entre los dos, entre la exploración de nuevas formas y la búsqueda de bienestar y reconocimiento. Los temas musicales componen un puzzle, una mirada distorsionada de algunas piezas de Parker, más algunas composiciones de Dani Nel.lo inspiradas en el espíritu del Be-bop, movimiento del que Charlie Parker fue máximo representante; una gran revolución del jazz, no del todo accesible, sobre todo para el público blanco. Fue entendida por los críticos del momento como un ejercicio de aislamiento y defensa de los músicos afroamericanos. Según algunos historiadores y musicólogos, la combinación de sustancias psicotrópicas y música suponía la búsqueda de un nuevo estado de consciencia, la entrada en un espacio mental al que no se accede siempre que se quiere. Johnny Carter persigue a la vez que es perseguido, aunque nadie sabe lo que persigue. Quizás, un universo absoluto a través de la música. El perseguidor es una creación de Barcelona ad libitum para su ciclo Música de Libros.

SOBRE LA COMPAÑÍA

Barcelona ad libitum es una división de la Agencia Literaria Carmen Balcells S.A. cuyo afán es estimular el talento musical y la búsqueda de nuevas ideas que aporten una visión original del formato y la puesta en escena.

Entre los espectáculos que ha producido se encuentra el ciclo Música de Libros cuyo principal objetivo es tender un puente sonoro entre lector y oyente, entre silencio de la lectura y la música que se esconde tras las palabras. El ciclo se inició con el espectáculo La música que Cervantes habría escuchado en la radio, coincidiendo con el cuarto centenario de la publicación de El Quijote. En 2005 se puso en escena El pianista basado en la novela homónima de Manuel Vázquez Montalbán con Juan Diego, el pianista Jordi Masó y dirección de Xavier Albertí.

Lurdes Barba inició sus estudios teatrales en la escuela Nous Estudis de Albert Boadella. Ha colaborado con conocidos directores, como Rafael Durán y Carme Portacelli y ha obtenido varios premios en su doble faceta de intérprete y directora.

Dirección Musical: Dani Nello y Jordi Prats
Músicos: Jordi Prats, Dani Nel.Lo, Ramón Ángel Rey Y Miguel Ángel Cordero
Diseño de Iluminación: María Doménech
Escenografía: Max Glenzel Y Estel Cristiá
Ayudante de Dirección: Daniela Corbo
Interpretación: Gonzalo Cunill Y Pedro Gutiérrez
www.barcelonaadlibitum.com
www.teatropradillo.com

“ME PARECIÓ ESENCIAL TRABAJAR SOBRE UNA PIEZA
QUE ABORDARA LOS TEMAS
DE LA MEMORIA Y LA TRANSMISIÓN...”
Maurice Durozier

FOTO: MARCHE LA ROUTE

Maria Tanase (1913-1963) era una niña cuando aprendió las canciones que entonaban los trabajadores cíngaros de Bucarest, contratados por sus padres agricultores. Tenía treinta y cinco años cuando su voz se escuchó por primera vez en la radio rumana. Y treinta y siete cuando todas sus grabaciones fueron destruidas y vetadas del panorama escénico por causas políticas. Murió con cuarenta y nueve años y aún hoy es idolatrada en Rumanía como la memoria cantada de la vorágine histórica del siglo XX y conocida popularmente como la Edith Piaf del este de Europa.

Rememorando el Bucarest cosmopolita de los años treinta y cuarenta, la cantante francesa Nathalie Joly lleva a escena un repertorio cíngaro de baladas y leyendas populares. Canciones que hablan de la opresión, de los grandes amores, del dolor de la pérdida, de los destinos trágicos y las existencias épicas.

FOTO: MARCHE LA ROUTE

Sobre el escenario, una mesa, una silla y un acordeón. Un espectáculo lleno de melancolía, recuerdos del cabaret y diversidad para testimoniar el punto de encuentro, pero también de fractura, entre Oriente y Occidente. Tal y como dice su director, Maurice Durozier, “es a la vez la sabiduría y el conocimiento afi lado de los miedos y las pasiones humanas de los pueblos nómadas rumanos lo que me ha llevado a restituir esta evocación de Maria Tanase”.

Paris Bukarest - del que también se ha publicado un CD y que ha sido distinguido con un Label Francophonie - se estrenó en el Instituto Francés de Casablanca en el año 2006 y ha estado de gira en el Festival de Avignon, el Festival Underground de Transilvania, el Instituto Francés de Bucarest y en la capital de Afganistán, entre otros muchos lugares.

SOBRE LA COMPAÑÍA

A lo largo de su carrera artística, Nathalie Joly se ha inspirado en la combinación de narración y música para crear espectáculos en los que alternan composiciones inéditas y canciones de repertorio de los años treinta y cuarenta. Entre sus piezas encontramos Je sais que tu es dans la salle, sobre Yvonne Printemps y Sacha Guitry; J´attends un navire y Cabaret de l´exil, sobre Kurt Weill y Cafés Cantantes, con canciones de superstición andaluzas. Acaba de crear con motivo del ciento cincuenta aniversario del nacimiento de Freud y por encargo de la Société Psychanalytique de París, Je ne sais quoi, que se representará en noviembre y diciembre de este año en el Théâtre de la Tempête de París. Entre otros  galardones, esta actriz y cantante ha obtenido por unanimidad el Primer Premio de Canto en el CNR de Boulogne Billancourt. También ha trabajado con directores como P. Adrien, M. Rostain, A. Françon, M. Durozier y L. Wurmser, así como con compositores como M. Ohana, C. Sebille y P. Legoff. Sus espectáculos, en la frontera entre el teatro y la música, llevan a escena a personajes que recuerdan la tradición del cabaret. Su búsqueda abierta a las culturas del mundo ha dado lugar a una película documental titulada Tashakor, realizada en Kabul, Afganistán.

Acordeón y Arreglos: Thierry Roques
Técnico: Bishop
Idioma: francés y rumano
Duración aproximada: 1 hora y 15 minutos (sin intermedio)
www.ifmadrid.com