FESTIVAL DE OTOÑO 2008
DANZA

PITIÉ! IDIOTAS VOLLMOND (LUNA LLENA) SWAN LAKE (2º ACTO)/PAS DE DEUX/ LE GRANDPAS DE QUATRE/MAJÍSIMAS L’HOMME ASSIS DANS LE COULOIR UPRISING/IN YOUR ROOMS CANTOS DE AMOR HIBIKI SOLO A CIEGAS SUTRA H2 OPENING NIGTH

“ESTA OBRA MAESTRA
[LA PASIÓN SEGÚN SAN MATEO DE BACH]
TRANSFORMA LA HISTORIA DE LA PASIÓN DE CRISTO
EN MÚSICA SUBLIME...”
H. de Vuyst

La palabra compasión es un término polémico que, intoxicado con demasiados matices, se asocia con frecuencia a la  condescendencia. Sin embargo, cuando la vida (y la muerte) se vuelven insoportables, anhelamos el cobijo de los otros, que sientan con nosotros… que nos compadezcan. La compañía belga Les Ballets C. de la B., el coreógrafo Alain Platel y el compositor Fabrizio Cassol, que ya unieron talentos en vsprs (2006), presentan esta vez Ptié!, una pieza basada en La pasión según San Mateo de Bach. El espectáculo no sigue estrictamente la narración del evangelista, ni tampoco la versión poética del libreto de Bach.

Pitié! es sobre todo la exploración del dolor de una madre, enfrentada al inevitable sacrificio de su descendencia. Diez bailarines, una soprano, una mezzosoprano y un contratenor consiguen dibujar el interrogante de una pregunta, ¿por quién estaríamos dispuestos a sacrificar nuestra propia vida? La coreografía, que traduce en movimiento la exaltación de las emociones y aspira a trascender más allá del individuo, se estrenará el 2 de septiembre de este año en el ámbito de la Ruhr Triennale de Bochum, Alemania.

SOBRE LA COMPAÑÍA

El coreógrafo Alain Platel (1956, Gante, Bélgica) fundó Les Ballets C. de la B. en 1984. Desde entonces, esta compañía belga ha cosechado éxito y admiración entre crítica y público dentro y fuera de sus fronteras. Con el paso de los años, se ha convertido en una plataforma artística para una gran variedad de coreógrafos que toman su inspiración no sólo de Alain Platel sino también de Christine De Smedt y Koen Augustijnen. Hans Van de Broeck y Sidi Larbi Cherkaoui han sido también miembros de Les Ballets Contemporains de la Belgique. Aún hoy, veinticuatro años después de su nacimiento, el grupo mantiene intacto su proyecto fundacional: facilitar que jóvenes artistas provenientes de distintas disciplinas formen parte de procesos creativos dinámicos. Esta compañía inclasificable consigue con su “mezcla única de visiones artísticas interrelacionadas” llevar a escena coreografías con un particular estilo de la casa, popular, anárquico y comprometido.

Entre los últimos espectáculos de Les Ballets C. de la B. se encuentran vsprs (Alain Platel/Fabrizio Cassol), Import Export (Koen Augustijnen) y Patchagonia (Lisi Estaràs).

Dramaturgia: Hildegard De Vuyst
Dramaturgia Musical: Kaat Dewindt
Escenografía: Peter De Blieck,
Vestuario: Claudine Grinwis Plaat Stultjes
Iluminación: Carlo Bourguignon
Sonido: Caroline Wagner Y Michel Andina
Música: Fabrizio Cassol,
Interpretación y Creación: Elie Tass, Emilejosse, Hyo Seung Ye, Juliana Neves, Lisi Estarás, Louis-Clément Da Costa, Mathieu Desseigne Ravel, Romeu Runa, Rosalba Torres Guerrero Y Quan Bui Ngoc
Cantantes: Laura Claycomb, Monica Brett-Crowther, Serge Kakudji Y Magic Malik
Música Interpretada Por: Aka Moon (Fabrizio Cassol, Michel Hatzigeorgiou Y Stéphane Galland), Airelle Besson, Philippe Thuriot Y Michael Moser, Alexandre Cavalière
Duración aproximada: 2 h. (sin intermedio)
www.lesballetscdela.be
www.cataderomadrid.com

“¡MIRADME BIEN! SOY IDIOTA, SOY UN BROMISTA
SOY UN CUENTISTA MIRADME BIEN (...)
 ¡SOY CO MO TOD OS VOSOTROS!
Tristan Tzara

FOTO: LAURENT PHILIPPE

Toméo Vergès propone en esta obra que compartamos la idiotez en vez de la sensatez. Conociendo su particular elocuencia, divertida, chirriante, incluso cómica, pero que de repente puede convertirse en una tragedia espantosa, Idiotas presagia una buena y abundante ducha fría. La idiotez lleva a los confines de lo humano, a esa franja en la que la razón se confía y tropieza. Y el espectador disfruta con el hombre que cae, se equivoca o se pierde; la burla confunde los pormenores del espectáculo: a quien actúa y a quien contempla. ¿Todos idiotas? Idiotas se estrenó el 16 de febrero de 2008 en Francia.

SOBRE LA COMPAÑÍA

Toméo Vergès, de origen catalán, se instala en Francia en 1980. Conoce a Maguy Marin, en cuya compañía se transforma en personaje beckettiano para la célebre May B. Trabaja con coreógrafos como Régine Chopinot, Carolyn Carlson y François Verret, entre otros. Realiza incursiones en el teatro con Jean Jourdheuil y Jean-François Peyret. En 1992 crea su propia compañía, Man Drake, donde su trabajo artístico juega en la frontera entre teatro y danza.

Desde sus primeras obras, Vergès pone color a una trayectoria que retrata sin realismo al hombre preso en la absurdidad del mundo, creando así Chair de poule (1992) y Salto mortal (1996). Cercanas a la estética surrealista, sus piezas nos transportan a un universo en el que no hay realmente historia. Si propone situaciones dramáticas con su cohorte de símbolos compartidos por todos es para poder destruirlos mejor y dirigirse al imaginario de cada uno: un intento de hacerse entender sin palabras. Entre sus creaciones destacan Asphyxies(1998), Pas de panique (1999), Pièce(s) détachée(s) (2002) o Body Time (2006). Vergès es también autor de espectáculos concebidos para eventos o lugares específicos, como French Chicken.

Colaboración Artística: Véronique Petit
Escenografía: Olivier Mendili y Toméo Vergès con La Participación de Thomas Walgrave
Construcción de Decorado: Jean Opfermann
Costura del Decorado: Claire Odelain
Luces: Léandre Garcia Lamolla
Espacio Sonoro: Thomas Fernier
Interpretación: Julien Fouché, Marc Lacourt, Sandrine Maisonneuve, Álvaro Morell y Toméo Vergès
Vestuario: Sophie Hampe
www.Ifmadrid.Com

“BAUSCH ES UNA COREÓGRAFA QUE HA EXPANDIDO
LAS POSIBILIDADES DE LA DANZA MODERNA,
ABRIENDO EL GÉNERO A FRAGMENTOS DE DIÁLOGO,
VISIONES E INTRUSIONES DE LA VIDA COTIDIANA...”
The Guardian

FOTO: LASZLO SZITO

Pina Bausch (Solingen, 1940), maga del escenario, figura emblemática de la danza contemporánea, pionera desde los años setenta en la creación de coreografías que acarician los límites de lo teatral, presenta en esta edición del Festival de Otoño Vollmond (Luna llena), estrenada en Wuppertal, Alemania, en el año 2006.

Una pieza intensamente acuática, física y visualmente sobrecogedora en la que trece bailarines juegan, resbalan y comparten durante más de dos horas música, poesía y danza en estado puro. Acompañada por sus colaboradores habituales -Peter Pabst, encargado de la escenografía y Marion Cito, del vestuario - Bausch, coreógrafa y demiurgo, artífice de títulos míticos como Café Müller (1978), Palermo Palermo (1989) o Nefés (2003), nos conduce, con la potencia de las imágenes, con la brillantez extremada de la puesta en escena, a este universo de agua, vida y luna llena.

Entre los últimos premios recibidos por Bausch, se encuentran el Laurence Oliver Award por Carnations en el año 2006, Laurea Honoris Causa por la Juilliard School de Nueva York en el mismo año, Orden al Mérito Artístico y Cultural Pablo Neruda del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes de Chile y el Kyoto-Prize de Artes y Filosofía, por la Fundación Inamori de Kioto, estos dos últimos galardones en el año 2007.

SOBRE LA COMPAÑÍA

Pina Bausch (Solingen, Alemania, 1940), figura emblemática de la danza contemporánea, se forma en Alemania con Kurt Jooss. Tras una temporada en la Juilliard School de Nueva York, vuelve a su país y comienza a trabajar en el Tanztheater de Wuppertal, que dirige desde 1973.

Ya lejos de los movimientos de ballet tradicionales, impulsa un género pionero, el teatro-danza, que fusiona la danza con fragmento de diálogo y canciones. Desde los años ochenta realiza junto a todos sus bailarines las conocidas como “residencias”, estancias de varias semanas en la ciudad elegida, experiencia de la que siempre surge un nuevo espectáculo.

Roma, Palermo, Madrid, Hong Kong o Estambul -origen de Nefés, presentada en la edición 2006 del Festival de Otoño - han sido algunas de sus sedes. Entre sus montajes destacan Café Müller (1978), Palermo Palermo (1989), Água (2001), Ten Chi (2004), Rough Cut (2005) y Bamboo Blues (2007), una coproducción con el Instituto Goethe de la India. Pina Bausch ha participado en E la nave va (1982), de Federico Fellini y en Hable con ella (2001), de Pedro Almodóvar.

Decorados: Peter Pabst
Vestuario: Marion Cito
Colaboración Musical: Matthias Burkert yAndreas Eisenschneider
Asistentes de Dirección: Marion Cito, Daphnis Kokkinos y Robert Sturm
Músicas: Amon Tobin, Alexander Balanescu Y El Balanescu Quartett, Cat Power, Carl Craig, Jun Miyake, Leftfield, Magyar Posse, Nenad Jelic, René Aubry Y Tom Waits
Intérpretes: Pieza Para Doce Bailarines
Duración Aproximada: 2 Horas y 30 Minutos (Con Intermedio)
www.pina-nausch.de
www.madrid.org

“SI TE GUSTA EL BALLET, TE GUSTARÁN LOS TROCKS;
SI ODIAS EL BALLET, TE GUSTARÁN TODAVÍA MÁS...”
Extracto de la entrevista radiofónica
de John Frame a Tory Dobrin,
director artístico de Los Trocks

FOTO: SASCHA VAUGHN

Una hermosa princesa convertida en cisne por un maligno hechicero. Un príncipe valiente empeñado en salvarla. Un fantasmagórico y elegante conjunto de variaciones alineadas con la música. Swan Lake (El lago de los cisnes) - el más popular de los ballets compuestos por Tchaikovsky (1840-1893) - es una historia de metamorfosis y amor que vio la luz en el Teatro Bolshoi de Moscú en 1877. En esta ocasión, más de un siglo después de su estreno, el príncipe Sigfrido es interpretado por un aguerrido bailarín. Y la princesa Odette... también. El lago de los cisnes es el trabajo más representativo de Les Ballets fadero de Monte Carlo, una troupe de bailarines profesionales, todos varones, especializados en el repertorio clásico y en los originales rusos. Enfundados en sus tutús, explorarán las misteriosas y patéticas cualidades de la heroína, salpimentadas con el encanto y el glamour del ballet ruso del siglo XIX. La comicidad se alcanza, no tanto por el hecho evidente de la masculinidad de los protagonistas, sino por la exageración hilarante de las circunstancias narrativas, por los accidentes y las incongruencias de las coreografías de la danza clásica.

El original Pas de Quatre se bailó sólo cuatro veces (La reina Victoria y el príncipe Alberto asistieron a la tercera representación) pero sirvió de modelo para las celebraciones rituales de danza académica que hoy llamamos “ballet abstracto”.

Sobrevive como uno de las más locas y encantadoras evocaciones del ballet romántico de 1840.

Por otra parte, Majísimas, con música de Jules Massenet, se ambienta en el segundo acto de El Cid, la ópera de 1885.

Una demostración de seducción y exotismo que juguetea con la intrincada belleza del ballet clásico.

SOBRE LA COMPAÑÍA

En 1974 un grupo de entusiastas de la danza clásica se unieron con el propósito de parodiar las formas tradicionales de ballet con un peculiar “estilo travesti”. Así nació Les Ballets Trockadero de Monte Carlo, dirigidos por Eugene McDougle y conocidos popularmente como los Trocks. Desde su fundación, sucesivas críticas en The New Yorker, The New York Times, Village Voice, Variety y Vogue colaboraron a forjar el éxito internacional de esta troupe masculina armada con tutú y dotada de un asombroso virtuosismo técnico sobre las puntas. En estos treinta y cuatro años han visitado más de treinta países y trescientas ciudades, participando en festivales de danza en Madrid, Montreal, Nueva York y París y también en distintos programas televisivos, con Shirley MacLaine y los Muppet Babies, entre otros.

En el año 2006 recibieron el Premio a la Excelencia en los Theatrical Management Awards (TMA), así como el Premio al Mejor Repertorio de la Coalición de Críticos de Danza de Londres. Un año después, fueron galardonados con el prestigioso Massina/ Positano Award en Italia.

Swan Lake
Música: Tchaikovsky
Coreografía: L.I. Ivanov
Vestuario: M. Gonzales
Decoración: J.Courson
Iluminación: K. Marsch
Le Grand Pas De Quatre
Música: C. Pugni
Coreografía: Según J. Perrot
Vestuario: M. Gonzales
Decorado e Iluminación: K. Marsh
Majísimas
Música: J. Massenet
Escenografía Y Coreografía: R.Morra
Vestuario: C. A. Vergara
Iluminación: J. Messenger
Duración aproximada: 2 horas y 15 minutos (conintermedio)
www.trockadero.or
www.madrid.org/clas_artes

FOTO: K. BLANC

SOBRE LA COMPAÑÍA

La directora, coreógrafa y bailarina Razerka Ben Sadia-Lavant comenzó su carrera en el mundo del maquillaje para moda (Lagerfeld, Gauthier), el teatro (Pradinas) y la danza (Philippe Découflé y Francesca Lattuada). En 1999 crea la compañía Objet Direct. Desde entonces pone en escena, sobre todo, obras de Nicolas Fretel:

Un garçon sensible (2000-2001), Taire (2002), Le projet H.L.A. (2003-2006). Sarah Crépin estudió danza clásica y contemporánea en el conservatorio de Grenoble. Desde 1998 compagina su carrera de bailarina con la de creación coreográfica. Entre otras piezas, ha interpretado Adieu, Sin arrimo y con arrimo (François Raffi­not), We can build you (Johanne Leighton), Miroir sans tain, Lajeune fil/e et la mort, Carmencita, Partitions au patio (Myriam Naisy), In food we trust (Xavier Lot) y Les demoisel/es du Dr. Kru (Anja Hempel).

Escenografía: Jane Joyet
Vestuario: Razerka Ben Sadia-Lavant
Iluminación: Koert Vermeulen - Act Design
Sonido: Michel Ochowiak-Philippe Mallier
Asistente de Dirección: Pauline D’ollone
Producción: Théâtre National De Chaillot /Théâtre De Nîmes /Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg
Producción Delegada: Compagnie Objet Direct con la Ayuda De Culturesfrance
Bailarina: Sarah Crépin
Bailarín Invisible: Alexandre Théry
Voces: Jacques Dutronc y Tal Beït-Halachmi
Duración aproximada: 50 minutos (sin intermedio)
www.ifmadrid.com

“TRATA SOBRE LA FALTA DE COMUNICACIÓN...
SOBRE NUESTROS PATÉTICOS ESFUERZOS PARA
COMUNICARNOS...”
Hofesh Shechter

Hofesh Shechter es una estrella imparable en el panorama dancístico británico. Tras su paso por la Batsheva Dance Company y la Jasmin Vardimon Dance Company, comenzó a crear sus propias coreografías, bailadas con un vocabulario nuevo que sitúa a las piezas en la frontera entre la grandeza y la fragilidad de la existencia humana. Ha sido finalista de los Place Prize en 2004 y artífice de piezas para The National Theatre, Channel 4 y The Royal Court Theatre, entre otros.

Con Uprising presenta un trabajo vigoroso para siete bailarines que cruzan la escena con un salvaje instinto de esperanza más allá de la sombra de la desesperación. Una coreografía compleja y de realidades múltiples que envuelve con el latido de su banda sonora y consigue sobrecoger al público con su épica y humanidad.

En In your rooms una verdadera estructura social emerge sobre el escenario. Mientras, la atmósfera intensa presenta un mundo subterráneo y sutil de automatismo y mentalidad gregaria. Doce bailarines sustentan un mosaico de comunicación y de incomunicación, de situaciones, lugares, rituales y secretos, rompiendo de la luz a la oscuridad, de la masa al individuo, del pasado al presente, con la dinámica precipitada de una visión, con la lógica imposible de los sueños.

IN YOUR ROOMS FOTO. ANDREW LANG

SOBRE LA COMPAÑÍA

Hofesh Shechter nació en Jerusalén. Se graduó en la Jerusalem Academy for Dance and Music y después se trasladó a Tel Aviv donde se unió a la Batsheva Dance Company, trabajando con el director artístico Ohad Naharin y los coreógrafos Wim Vandekeybus, Paul Selwyn-Norton, Tero Saarinen e Inbal Pinto. También en Israel estudió batería y percusión, lo que le permitió participar en la ambientación sonora de varios proyectos europeos. En 2002, Shechter llega a Reino Unido y se une a la Jasmin Vardimon Dance Company. Su debut coreográfico, Fragments, para el que también compuso la música, estuvo de gira en Reino Unido, Italia, Finlandia, Portugal, Suiza, Polonia, Corea y Estados Unidos. En 2004 crea el sexteto Cult. De 2004 a 2006 colabora con The Place y recibe el encargo de la Fundación Robin Howard para la creación de Uprising, su trabajo más popular. En 2007, tres de los más importantes espacios escénicos de Londres, The Place, Southbank Centre y Sadler´s Wells, colaboraron en la producción de In your rooms, pieza estrenada el año pasado en el Sadler´s Wells Theatre.

Uprising
Coreografía: Hofesh Shechter
Música: Hofesh Shechter Y Vex´D
Diseño De Iluminación: Lee Curran
Bailarines: Leon Baugh, Chris Evans, Phil Hulford, Elias Lazaridis, Bruno Guillore, Gavin Coward Y Hofesh Shechter
In Your Rooms
Corerografía: Hofesh Shechter
Música: Hofesh Shechter
Arreglos De Cuerda: Nell Catchpole
Diseño de Iluminación: Lee Curran Vestuario: Lizzie
Bailarines: Leon Baugh, Winifred Burnet-Smith, Chris Evans, Gavin Coward, Phil Ayguade Farro
Músicos: Yaron Engler, Norman Jankowski, Christopher Allan, Alison Dods Y Lucy Shaw
Duración aproximada: 1 h. y 25 minutos (con intermedio)
www.hofesh.co.uk
www.madrid.org/clas_artes

“ME PARECIÓ NATURAL PEDIR A UNOS COREÓGRAFOS
ACOMPAÑARNOS EN ESTAS DOS OBRAS QUE CANTAN EL AMOR.
LAS ESCRITURAS MUSICALES SON FUERTES, RÍTMICAS,
LLAMAN A LA DANZA”
Denis Gautheyrie

Cantos de amor constituye un tríptico compuesto por dos partes de canto y baile y una puramente vocal. Cinq Rechants, creada por Olivier Messia en 1948, es considerada una obra de referencia de la música vocal del siglo XX; fue la primera

escrita para un coro de cámara de doce voces solistas. Se trata de una celebración del amor, un amor sublimado y místico, que combina el francés con un idioma inventado. Desde el punto de vista melódico, la obra procede de dos fuentes: el harawi o yaravi, canto de amor folclórico de Perú y Ecuador y el alba, alborada de la Edad Media; el amor es revisado también a través de dos clásicos franceses, La vie en rose, de Edith Piaf, y Ne me quitte pas, de Jacques Brel.

Estas dos adaptaciones para coro han sido escritas por Jean-Philippe Dequin; Oscuro amor, de Enrique Muñoz, basado en los Sonetos del amor oscuro, de Federico García Lorca, convierte este sentimiento en una locura carnal, vibrante, una obsesión y una tragedia con ecos flamencos. Lorca se alimenta de referencias literarias, como San Juan de la Cruz o Quevedo, pero su poesía es nueva y poderosa. Dos coreógrafos y bailarines, Gianni Joseph - danza contemporánea – y Francisco Velasco - danza española y flamenco - comparten y enfrentan técnica e inspiración. Hacerles trabajar juntos tiene como objetivo integrar en esta coreografía la dimensión flamenca, que extiende su influencia tanto en el texto como en la música compuesta por Enrique Muñoz, y enfrentarla con otra visión y otro universo coreográfico. Se trata de “expresar - según el director artístico Denis Gautheyrie - el choque sentido al escuchar los sonetos de Lorca”.

SOBRE LA COMPAÑÍA

Soli-Tutti fue creada en 1988. Está formada por doce cantantes profesionales y dirigido por Denis Gautheyrie. Esta formación realiza un trabajo sorprendente con la música contemporánea: su pasión por la creación musical y la puesta en escena transforma y remodula la fórmula clásica de concierto. El conjunto vocal francés ha trabajado con numerosos creadores, entre ellos, Eveline Andréani, Jean-Phillipe Bec, Antoine Bonnet, Régis Campo, Edith Canat de Chizy, Jams Dilllon, Thierry Escaich... Soli-Tutti explora también músicas del mundo entero inspiradas en obras populares, colaborando, por ejemplo, con el caboverdiano Vasco Martins, los cubanos del Orfeón Santiago o los Zulúes de Colenso Abafana. Sus últimos espectáculos son Au Bois Lacté, ópera de François Narboni, y los conciertos Órgano y voz con Thierry Escaich y Música sacra del Barroco y del siglo XX. Denis Gautherye estudió piano, canto y contrabajo. Da clase en la Universidad Paris Saint-Denis y es también director artístico de varias formaciones musicales, como el conjunto instrumental DensitéS y el Petit Choeur de Saint-Denis. Le apasiona el repertorio de los siglos XX y XXI y el teatro musical.

Vestuario: Michelle Amet
Iluminación: Julien Jedliczka
Conjunto Vocal: Soli-Tutti
         Sopranos: Frédérique Epin, Cécile Côte Y Hélène Denis
         Altos: Caroline Tarrit, Elise Bédènes Y Valérie Wuillème
         Tenores: Alexandre Pecastaing, Christophe Ferveur Y Arnault Cuisinier
         Bajos: Nicolas Dangoise, Jeanphilippe Dequin Y François Sikirdji
Dirección Musical: Denis Gautheyrie
Idioma: Francés y español (sin sobretítulos)
Duración aproximada: 1 h. (sin intermedio)
www.solitutti.com
www.ayto-getafe.org

“ LA RESONANCIA NACE DE LA TENSIÓN/ LA TENSIÓN,
DE LA COLISIÓN/ DOS CUERPOS TENSOS QUE SE GOLPEAN...”
Ushio Amagatsu

FOTO: SANKAI JUKU

Quiero envolver al mundo con la danza" dice el coreógrafo Ushio Amagatsu (Japón, 1949), que presenta en sus pro­yectos una visión abstracta del infinito y de la relación del cuerpo con la gravedad. Así, cada trabajo de Sankai Juku -compañía japonesa de butoh fundada por Amagatsu en 1975- es un intento de medir la belleza inconmensurable del paso del tiempo. En Hibiki (Ecos del más allá), llega primero la quietud. Después, gotas de agua tamborilean lentas y rítmicas, como la música del compositor Yoichiro Yoshikawa y del pianista de jazz Takashi Kako. En el paisaje soñado por Amagatsu, los bailarines -impactantes figuras de cabeza afeitada, cubiertos con maquillaje blanco- concentran y contienen sus movimientos casi sin tocarse, reteniendo una luminosa y poética belleza. El resultado es una sobrecoge­dora experiencia lírico-sensorial que envuelve con su precisión minimalísta y perfecta.

Construida como un viaje, Hibiki trata sobre la comprensión interna del amor, de la muerte y de la vida y de su traducción en movimientos externos. La contención, los principios de gravedad y estabilidad, de continuidad y armonía son las bases de esta producción de tintes épicos que pertenece a lo que el propio Amagatsu ha denominado "danza de la intuición". Creada en 1998 y co­producida por el Théatre de la Ville de París, el Hancher Auditorium de la Universidad de Iowa y el Biwako Hall Center for the Perforining Arts de Shiga (Japón), obtuvo en febrero de 2002 un Laurence Olivier Award en la categoría de Mejor Producción de Danza.

SOBRE LA COMPAÑÍA

El butoh es una forma de arte contemporáneo japonés que evolucionó desde 1960 como una expresión de la percepción, que trata sobre todo el apocalíptico potencial de la exis­tencia humana. Sankai Juku, fundada en 1975 por Ushio Amagatsu, pertenece a la segunda generación de compañías de butoh japonesas y desde su nacimiento suscitó el interés de Occidente, atraído por su enigmático lenguaje, particular estilo y riqueza visual y metafóríca. La compañía estrena una nueva pieza cada dos años en el Théatre de la Ville de París. Desde 1982, este teatro francés le ha encargado once producciones, Jomon Sho (1982), Netsu No Katachi (1984), Unetsu (1986), Shijima (1988), Omote (1991), Yuragi (1993), Hiyomeki (1995), Hibiki (1998), Kagemi (2000), Utsuri (2003) y Toki (2005). Sankai Juku ha participado en varios festivales internacionales, visitando cuarenta y tres países y más de setecientas ciudades en todo el mundo. Ushio Amagatsu, fundador y director artístico, se formó tanto en danza clási­ca como moderna antes de trabajar en su propio butoh, que le gusta definir como "lenguaje del cuerpo".

Música: Takashi Kako Y Yoichiro Yoshikawa
Técnico de Escenario: Kazuhiko Nakahara
Asistente de Técnico de Escenario: Satoshi Ono
Técnico de Iluminación: Genta Iwamura
Técnico de Sonido: Akira Aikawa
Asistencia a los Bailarines: Dai Matsuoka y Nobuyoshi Asa
Bailarines: Ushio Amagatsu, Semimari, Sho Takeuchi, Akihito Ichihara, Taiyo Tochiaki e Ichiro Hasegawa
www.sankaijuku.com
www.madrid.org/clas artes

“OLGA MESA HA COMPUESTO UNA PIEZA ESCÉNICA QUE FUNCIONA
COMO UNA CONSTRUCCIÓN CUIDADOSAMENTE REALIZADA
MEDIANTE EL AGREGADO DE PEQUEÑOS PERO SÓLIDOS OBJETOS.
LOS OBJETOS SON INMATERIALES, EXISTEN SÓLO CUANDO
EL ESPECTADOR ASUME QUE YA NO ESTÁ AHÍ PARA MIRAR,
SINO PARA TOCAR LO QUE EN SU IMAGINACIÓN SE VA CONFORMANDO.”
José Antonio Sánchez.
Extracto del texto La danza que se toca

FOTO: BÉNÉDICTE ZANON

“Solo a ciegas, ¿por qué este título? Quizás porque mi mirada quiere situarse de nuevo en mi cuerpo a través de una práctica intuitiva (no) visible y comprometida con el espacio escénico, simplemente”. Así se acerca la coreógrafa, bailarina, música, actriz y artista visual asturiana Olga Mesa a este espectáculo que nos sumerge en un universo de evocaciones, de presencias limítrofes, invitándonos a un nuevo espacio de escucha y de percepción del cuerpo. La memoria del abuelo Antón, “el Argentino”, que desaparece bajo la sombra de una historia inacabada en tierras porteñas, con Buenos Aires de fondo, unos años antes de la Guerra Civil Española. Una memoria compartida con el público, compañero de este tango -poema inventado, de historias fragmentadas y reveladoras, con invitados de viaje como Puccini, Pasolini, Verlaine, Walser y Monteiro.

Tras sus solos Daisy Planet (1999) y Suite au dernier mot (2003), en los que Mesa ya investigaba la relación entre el observador y el objeto observado, llega este Solo a ciegas (con lágrimas azules), un objeto inesperado que reúne todas las herramientas de su investigación escénica y que se estrenó en el Teatro Culturgest de Lisboa el 14 de marzo de este año.

SOBRE LA COMPAÑÍA

Coreógrafa y artista visual, Olga Mesa funda su compañía en 1992 en Madrid. Desde entonces ha creado doce piezas escénicas, a menudo reunidas bajo grupos temáticos como la trilogía del cuerpo Res, non verba (Las cosas, no las palabras) 1996-1999, realizada en colaboración con el artista visual Daniel Miracle. Destacan sus vídeo - creaciones Lugares intermedios (1993) y Europas (1995) que introducen de manera decisiva la presencia de la cámara en todas sus obras escénicas posteriores. Realiza el proyecto Mas publico, mas privado (2001-2006) formado por cinco movimientos, siendo el dúo La danse et son double (2006) el último de ellos. En 2001 es invitada por el Thêàtre de la Ville en Paris a llevar a cabo la reposición de su solo estO NO es Mi Cuerpo (1996), iniciando una nueva etapa de colaboraciones con diferentes estructuras de producción y centros coreográficos en Francia. En 2005 es invitada por el Théâtre Pôle Sud de Strasbourg como artista residente durante dos años, formulando nuevos espacios de visibilidad para su trabajo: El cuerpo próximo (laboratorio itinerante) y Le prochaine regard (film documental). También en 2005 crea la asociación Hors Champ/ Fuera de Campo, en Francia. Sus creaciones han sido presentadas en España, Portugal, Francia, Suiza, Alemania, Italia, Inglaterra, Uruguay, Chile, Brasil y Estados Unidos (Nueva York).

Difusión Y Montaje Sonoro: Jonathan Merlin
Montaje Vídeo: Matthieu Holler Música: Puccini Y Tangos Clásicos Diseño De Luz: Isabelle Fuchs Y Olga Mesa con la colaboración de Cristophe Lefèbvre
Textos: Olga Mesa Y Robert Walser
Director Técnico: Christophe Lefèbvre
Duración aproximada: 1h. y 15 minutos (sin intermedio)
www.lacasaencendida.com

“ME HE INSPIRADO EN LA COMPRENSIÓN DEL MOVIMIENTO DE SHAOLIN,
EN SU COMPLETA IDENTIFICACIÓN CON LOS SERES VIVOS,
EN SU HABILIDAD PARA TRANSFORMARSE
EN LA ESENCIA DEL TIGRE, LA GRULLA O LA SERPIENTE...”
Sidi Larbi Cherkaoui

FOTO: KOEN BROOS

En mayo de 2007, el joven coreógrafo belga Larbi Cherkaoui visitó por primera vez el Templo de Shaolin, en China, hogar de monjes budistas desde el 495 antes de Cristo. El viaje se convirtió en una experiencia sensorial completamente distinta a todo lo que había vivido antes. Inspirados en la figura de Bruce Lee y en la fuerza y espiritualidad de aquel entorno, Cherkaoui, el escultor Antony Gormley y el compositor Szymon Brzóska alumbraron una coreografía mística más allá del cuerpo, la tradición y la modernidad. Sobre el escenario cajas de madera altas como hombres. Cajas que son al mismo tiempo camas, ataúdes, paredes y templos. Huecos que proporcionan profundidad, cobijo y perspectiva. Cajas llenas o vacías. Cajas que esconden posibilidades infinitas. Y el poder de la meditación, la energía de las emociones, las artes marciales y el budismo.

Dice Sidi Larbi Cherkaoui que con Sutra sintió que emprendía un viaje colectivo y un periplo interior junto a los monjes, Brzóska y Gormley. Un viaje que le resultó al mismo tiempo extraño y familiar y que terminó con un descubrimiento... quizás la distancia entre el mundo de los monjes y el nuestro no es tan grande como  creíamos.

El estreno mundial de Sutra -título que proviene del termino pali “sutta”, cuyo significado primigenio hace referencia a los sermones narrativos de Buda- tuvo lugar el 27 de mayo de este año en Sadler´s Wells, Londrés.

SOBRE LA COMPAÑÍA

El Sadler´s Wells de Londres afirma cada año que pasa un programa contemporáneo dedicado en exclusividad a la mejor danza internacional.

El edificio en el que se encuentra situado, en Rosebery Avenue, abrió sus puertas en 1998. Tras el aspecto moderno de las nuevas instalaciones se esconden más de trescientos años de historia y seis edificios anteriores que siempre han llevado el nombre de Sadler´s Wells, desde el primero de todos ellos, que vio la luz en 1863, hasta el actual.

El escenario de este teatro, una de las salas de referencia en Europa, ha ofrecido a los londinenses espectáculos de danza contemporánea, tango o flamenco, entre otras disciplinas, y acogido entre sus paredes a nombres de la talla de Merce Cunningham, Marcel Marceau, el Kabuki Theatre, el Dance Theatre of Harlem y los Kodo Drummers, de Japón, entre otros muchos.

Bajo la dirección artística de Alistair Spalding, Sadler´s Wells frecuentemente colabora, produce y presenta trabajos como zero degrees, PUSH y más recientemente, Sutra.

Asistentes de Coreografía: Ali Ben Lotfi Thabet, Satoshi Kudo, Damien Fournier Y Damien Jalet
Creación Visual y Diseño: Antony Gormley
Música y Piano: Szymon Brzóska
Violín: Alies Sluiter y Olga Wojciechowska
Chelo: Laura Anstee
Percusión: Coordt Linke con Monjes del Templo Shaolin
Duración aproximada: 1 h. y 10 minutos (sin intermedio)
www.sadlerswells.com
www.mataderomadrid.com

“CONSIGUE UNA DANZA NUEVA, HÍBRIDA,
LLENA DE INTERROGACIONES Y CAMBIOS...”
Sonia Schoonejans, bailarina y coreógrafa

FOTO: A. V. KOIIJ

H2 es hip hop pero no es sólo hip hop. En H2 hay top rock, popping, foot work y street dance. Pero no es lo único que hay. Más allá de las figuras emblemáticas de las danzas callejeras, más allá de la virilidad explosiva de estos universos dancísticos, H2 trasciende todos los límites y sorprende por su hibridez y acercamiento a la danza contemporánea.

Suena El vuelo del moscardón de Nikolai Korsakov. Suena la percusión de Naná Vasconcelos. Suenan los franceses de CQMD. Un ciclorama blanco se ilumina al ritmo de los bailarines. Luces verdes y violetas. Al fondo, una frase: “Hip hop loves the beat of music”. Los bailarines de Grupo de Rua vuelan, caen, se levantan. Conducidos por una espectacular fuerza motriz alternan equilibrio, poesía y velocidad en una coreografía que muestra la belleza del infinito potencial del hip hop, una vez liberado de prejuicios y etiquetas. H2 es la quinta pieza del coreógrafo brasileño Bruno Beltrão. Doscientos cincuenta candidatos se presentaron a las audiciones en Río de Janeiro, Sao Paulo, Belo Horizonte, Belém do Pará y Curitiva. De ellos, sólo doce bailarines de la calle fueron seleccionados para interpretar esta pieza de la que la crítica ha dicho que “consigue, en dos minutos, convertir a un público heterogéneo en un muro de aplausos”. Coproducida por Springdance Festival, Hebbel Theater, Kunstenfestivaldesarts, Wiener Festwochen, Le Festival d´Automne à Paris y La Ferme du buisson, H2 se estrenó en el Springdance Festival de Utrecht en abril de 2005.

SOBRE LA COMPAÑÍA

El Grupo de Rua fue fundado en julio de 1996 por los coreógrafos Bruno Beltrão y Rodrigo Bernardi. Durante sus primeros años estuvo integrado por jóvenes estudiantes de danza que participaban frecuentemente en festivales de Río y en diversos eventos y programas de televisión. Desde su fundación combinan la vivencia intensa del universo del hip hop, las técnicas del street dance y la voluntad de trabajar ambos géneros fuera de los límites de su definición tradicional. En el año 2000, Bruno Beltrão ingresa en la Facultad de Danza de la Universidad de Río de Janeiro, donde entra en contacto con herramientas e ideas nuevas que reestructuran su entendimiento del hip hop. En 2001 la compañía recibe el encargo de crear un trabajo para Duos de Dança no SESC en Río de Janeiro. Do Popping ao Pop sirvió de tarjeta de presentación de Bruno y la compañía y fue un punto de inflexión en la trayectoria de Grupo de Rua. Otras de las piezas del grupo son Euemeu coreógrafo no 63 (2001), Too Legit to Quit (2002) y Telesquat (2003). Han presentado sus trabajos en más de veinte países, entre ellos Portugal, España, Francia, Alemania, Japón, Corea, Marruecos, Egipto y Jordania.

Escenografía: Gualter Pupo
Asistente de Escenografía: Dennis Neto
Iluminación: Renato Machado
Vestuario: Marcelo Pies
Banda Sonora: Bruno Beltrão con Canciones De Cqmd, Naná Vasconcelos Y Rimsky Korsakov
Diseño: Thiago Hortala Y Bruno Beltrão
Animaciones De Vídeo: Liana Brazil Y Russ Rive
Proyecciones: Marcelo Carvalho Y Stefan Pfaffe
Producción Ejecutiva: Mariana Beltrão
Asistente De Coreografía: Gabriela Monnerat
Bailarines: Bruno Duarte, Bruno Williams, Danilo D´Alma, Eduardo Hermanson, Filipi Morais, Glison Nascimento, Hugo Oliveira, Kleber Gonçalves, Kristiano Gonçalves, Luiz Carlos Gadelha Y Thiago Almeida
Duración aproximada: 50 minutos (sin intermedio)
www.grupoderua.com
www.madrid.org/clas_artes

“RECUERDO DE LO QUE FUE Y PLACER DE LO QUE ES.
ESO ES LO QUE PRESENTAMOS EN ESCENA.
INTERPRETAMOS, NOS ESCUCHAMOS, PROPONEMOS
Y, SOBRE TODO, BAILAMOS JUNTOS,
CONTANDO NUESTRAS HISTORIAS”.
Les SlovaKs Dance Collective

FOTO: NORO KNAD

En el escenario, cinco jóvenes grandullones y un violinista miran al público. Surge un nudo de emociones individuales y  colectivas. Una invitación a participar en su forma de expresión, su forma de ser, su amistad y su historia. Atentos a cada detalle, a cada gesto. Un poco significa mucho. Su espacio es la fragilidad. Dibujan líneas, caminos personales, pero sin marcharse nunca muy lejos de casa.
“Recuerdo de lo que fue y placer de lo que es”, así lo explican. Todo lo que une a estos cinco bailarines desde que se conocieron, a los cinco años de edad, en un festival de danza folclórica en su Eslovaquia natal. Continuaron entonces su formación como bailarines, encontrándose más tarde en la escuela internacional de danza P.A.R.T.S. en Bruselas y luego como profesionales en Rosas, Última Vez, Akram Khan y otras renombradas compañías. Tras quince años de danza y siete de vida en común, ahora desde Bélgica, Martin Kilvady, Peter Jasko, Anton Lachky, Milan Herich y Milan Tomásik presentan Opening Night (Noche de estreno), su primer espectáculo colectivo protagonizado por una danza arrebatadora que conjuga novedad, tradición y poesía. Una pieza en la que cada bailarín se acerca a los otros, manteniendo al mismo tiempo su autonomía, en un campo abierto de posibilidades de movimiento.

Una refinada oda a sus raíces, a su amistad y a su cultura. Amor por la danza, por lo que comparten y disfrutan, la composición y la interpretación. Y por la música, fuente fundamental de su inspiración.

SOBRE LA COMPAÑÍA

Les SlovaKs es un colectivo formado por cinco bailarines procedentes de Eslovaquia. Su compañía, afincada en Bélgica, se dedica a la enseñanza, la creación y la interpretación. Han compartido formación, talento, diversión y espacio durante más de veinte años. En 2003 se separaron, en busca de nuevos horizontes y conocimientos. Tres años después se reagruparon en Les SlovaKs.

Martin Kilvady (1974) trabajó en varias producciones del Teatro Nacional Eslovaco; en 1997 se unió a ROSAS y desde 2003 ha sido miembro de la compañía de Thomas Hauert Zoo. La experiencia profesional de Peter Jasko (1982) abarca compañías de danza contemporánea, ballet de ópera y performances. En 2007 se unió a Larbi Cherkaoui para crear Myth. Tanto Kilvady como Jasko han bailado con Roberto Olivan. Anton Lachky (1982) ha formado parte de la compañía de Akram Khan y creado sus propias piezas. Milan Herich (1980) ha bailado con la compañía Dance Studio, Última Vez y con Larbi Cherkaoui. Además, junto a Peter Jasko, colabora con David Zembrano. Milan Tomásik (1981) colabora con la coreógrafa alemana E. Weissmann y la compañía holandesa MAPA. Ha bailado con Iztok Kovac y creado dos piezas: Within (2006) y Baga Basta (2008

Música: Simon Thierrée
Escenografía: Les Slovaks Dance Collective
Iluminación: Hans Valcke Y Joris De Bolle
Vestuario: Mat Voorter y Pepa Martínez
Director Técnico: Joris De Bolle
Duración aproximada: 1 h. (sin intermedio)
www.teatropradillo.com