XXII FESTIVAL DE OTOÑO de MADRID y la COMUNIDAD DE MADRID DEL 6 de OCTUBRE al 6 de NOVIEMBRE de 2005 100 X 100 SERRAT (Estreno en la Comunidad de Madrid) INAGAUGURACIÓN DEL XII FESTIVAL DE OTOÑO Intérpretes: Joan Manuel Serrat (voz y guitarra) y Ricard Miralles (piano). 6 de octubre: 20,30 horas.

• MINGUS, CUERNAVACA
  (Estreno absoluto)

Intérpretes: Chete Lera, Carolina Solas, Amaranta Osorio y cuarteto de jazz.
Música original: Jean Marc Padovani (Charlie Minghus)
Dirección: Emilio del Valle
País: España (Comunidad de Madrid)
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 45 minutos (sin intermedio)
 

Enzo Cormann recrea las últimas horas de vida del contrabajista de jazz americano Charles Mingus, en Cuernavaca (México), donde el músico negro se refugió los últimos meses de su vida, para que nadie viera su decadencia física, derivada de la esclerosis atrófica que sufría y que le condujo a la muerte a los 56 años. Mingus, postrado en una silla de ruedas, busca desesperadamente remedio en la brujería y la medicina de los curanderos. Charles Mingus hizo de su música una bandera para todos los negros de los Estados Unidos.

• V.O.S. (VERSIÓN ORIGINAL SUBTITULADA)
  (Estreno en la Comunidad de Madrid)

Intérpretes: Paul Berrondo, Andrés Herrera, Vicenta Ndongo y Helena Fortuna.
Espacio escénico: Oriol Tarrida y Carol López
Iluminación: Raimon Rius
Sonido: Igor Pinto
Dramaturgia y dirección: Carol López
País: España (Cataluña)
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 20 minutos (sin intermedio)
Una coproducción de Mom Produccions y Teatre Lliure
 

FOTO: ROS RIBAS

“Cuando no tienes pareja, la echas de menos y cuando la tienes, la echas de más”. A partir de esta idea tomo notas y me presento el primer día de ensayo con la línea argumental, algunas ideas acerca de los personajes y la firme convicción de abrir y cerrar el espectáculo con la misma escena. Nos ponemos a trabajar y, a través de las improvisaciones de los actores, van surgiendo los diálogos y se van definiendo sus personajes. (Carol López)

• ERARITJARITJAKA
  (Estreno en la Comunidad de Madrid)

Intérpretes: André Wilms y The Mondriaan Quartet: Jan Erik van Regteren Altena y Edwin Blankenstijn (violín), Annette Bergman (alto) y Eduard van Regteren Altena (violonchelo).
Escenografía y luces: Klaus Grünberg
Vídeo en directo: Bruno Deville
Vestuario: Florence von Gerkan
Diseño de sonido: Willi Bopp
Dramaturgia y ayudante de dirección: Stephan Buchberger
Concepción, dirección y música: Heiner Goebbels
País: Suiza
Idioma: francés (con sobretítulos en castellano)
Duración aproximada: 1 hora y 25 minutos (sin intermedio)
Una coproducción de Schauspielfrankfurt, Spielzeiteuropa I Berliner Festspiele, Pour-cent culturel Migros, T&M-Odèon Thèatre de l’Europe y Wiener Festwochen. Con el apoyo de la Fundación Landis & Gyr y del Programa Cultura 2000 de la Unión Europea (UTE, Xarxa Varèse)
 

Eraritjaritjaka puede considerarse como la tercera y última parte de una trilogía elaborada por Heiner Goebbels con la ayuda de André Wilms. Aunque distintas entre sí, las tres comparten el tema de cómo se apropia el individuo del mundo. Para ello se apoya en notas y fragmentos de diarios íntimos, en este caso, fundamentalmente, de Elias Canetti. Heiner Goebbels nos invita a una velada enigmática, rica en imágenes y generosa desde el punto de vista musical. A través de los fragmentos de Canetti, el actor André Wilms crea una confrontación entre la música, el público y él mismo.

• KARMEN DE GORAN BREGOVIC CON FINAL FELIZ
  (Estreno en la Comunidad de Madrid)

Intérpretes: Vaska Jankovska, Ekrem Demirovic, Bokan Stankovic, Dragan Ristevski, Dejan Manigodic, Stojan Dimov, Aca Rajkovic, Milos Mihajlovic, Ivan Jovanovic, Alen Ademovic, Goran Bregovic, Ludmila Radkova-Traikova y Daniela Radkova-Aleksandrova.
Co-escritora: Mirjana Bobic Mojsilovic
Ayudante de direccion y coach de actores: Mika Aleksic
Vestuario: Neso Lipanovic
Pinturas de las postales: Branko Cvijic
Dirección: Goran Bregovic
País: Serbia y Montenegro
Idiomas: serbio, italiano y cíngaro (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 1 hora y 40 minutos (sin intermedio)
 

El espectáculo comienza con un relato que se representa como una obra de teatro. Una silla y un cubrecama mísero sirven como todo decorado. La propia naturaleza de la historia convierte la obra de teatro en ópera en la que los actores hablan en serbio, italiano, cíngaro y español. Bregovic imagina una historia plagada de matrimonios, de entierros, tortuosamente compleja y coronada por un final feliz. Su música original, inspirada en la música cíngara actual que se toca en Europa y sólo conserva algunas reminiscencias de la Carmen de Bizet.

• MA VIE DE CHANDELLE (AGUANTANDO LA VELA)
  (Estreno absoluto)

Intérpretes: Fernando Huesca, Alexandra Fierro y Jacob Torres.
Dirección: Carme Portacelli
País: España (Comunidad de Madrid)
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 45 minutos (sin intermedio)
 

El hombre, representante de todos los hombres, y la mujer, representante de todas las mujeres, una especie de Adán y Eva contemporáneos, en un paraíso actual, paraíso-pesadilla, en compañía del otro hombre, especie de demonio-serpiente del paraíso original pero de hoy, una especie de presentador poseedor del don de influir en la vida cotidiana y en los sueños de estos seres vulnerables para inculcarles aquello que más "vende", sea lo que sea, sin ética ninguna, llegando hasta el machismo más tremendo (sin parecerlo), llegando hasta dejar sin alma a estos seres reales. (Carmen Portacelli)

• MACBEHT
  (Estreno en España)

Intérpretes: Kostas Smoriginas, Dalia Storyk-Zykuviene, Viktoria Kuodyte, Gabrielia Kuodyte, Margarita Ziemelyte, Vidas Petkevicius, Ramunas Rudokas, Dainius Gavenonis, Kestutis Jakstas, Tomas Kizelis y Tomas Tamosaitis.
Escenografía: Marius Nekrosius
Vestuario: Nadezda Gultiajeva
Música: Faustas Latenas
Iluminación: Audrius Jankauskas
Dirección: Eimuntas Nekrosius
País: Lituania
Idioma: lituano (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 3 horas y 50 minutos (con dos intermedios)
Una producción de Meno Fortas, Vilnius. Coproducido por Aldo Miguel Grompone, con la colaboración de la Fondazione Orestiadi di Gibellina y del Festival sul Novecento di Palermo.
 

FOTO: DMITRI MATVEJEV

Nunca se puede justificar un crimen. Sin embargo, el reto de nuestro trabajo reside en la búsqueda de una justificación y en lograr una aproximación a la historia de Macbeth, como si fuéramos abogados… Siempre hago el mismo espectáculo y mi trabajo, a lo largo de toda mi vida, ha sido siempre igual; no busco nuevas formas de expresión. Todo lo que busco es simplemente el calor y la humanidad en el rigor y la frialdad del texto. (Eimuntas Nekrosius)

• OTHELLO
  (Estreno en España)

Intérpretes: Vladas Bagdonas, Egle Spokaite, Rolandas Kazlas, Margarita Ziemelyte, Kestutis Jakstas, Salvijus Trepulis, Povilas Budrys, Edita Zizaite, Tomas Kizelis, Viktoras Baublys y Jonas Baublys.
Escenografía: Nadezda Gultiajeva
Música: Faustas Latenas
Iluminación: Audrius Jankauskas
Ayudante de dirección: Genadij Virkovskij
Dirección: Eimuntas Nekrosius
País: Lituania
Idioma: lituano (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 4 horas y 45 minutos (con dos intermedios)
Othello es una producción de Meno Fortas y la Bienal de Venecia. Coproducido por el Ministerio de Cultura de Lituania y Aldo Miguel Grompone
 

FOTO: DMITRI MATVEJEV

Pretendo hablar de los sentimientos. Los sentimientos son lo más hermoso y lo más importante de la vida. El amor es siempre amor, independientemente de la edad. No cambia a lo largo de los años. Mi objetivo es resaltar los sentimientos y los rasgos de carácter comunes a todos los seres humanos – falta de confianza en uno mismo, sospecha, venganza – y ver cómo nacen y cómo evolucionan. Lo que busco es explorar cómo una persona puede plantar en otra la semilla de la sospecha y hacer que ésta crezca. Hablo más de la debilidad de un gran hombre que de sus méritos. Es precisamente esta debilidad, por otra parte fácilmente reconocible en cada uno de nosotros, la que hace que Othello sea atractivo para mí. (Eimuntas Nekrosius)

• HAMLET
  (streno en la Comunidad de Madrid)

Intérpretes: Andrius Mamontovas, Viktoria Kuodyte, Vytautas Rumsas, Dalia Storyk, Andrius Mamontovas, Vidas Petkevicius, Salvijus Trepulis, Kestutis Jakstas, Povilas Budrys, Algirdas Dainavicius, Vladimiras Jefremovas, Gabrielia Kuodyte y Tadas Sumskas.
Escenografía: Nadezda Gultiajeva
Música: Faustas Latenas
Iluminación: Romas Treinys y Audrius Jankauskas
Dirección: Eimuntas Nekrosius
País: Lituania
Idioma: lituano (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 3 horas y 40 minutos (con dos intermedios)
Hamlet es una producción de LIFE Theatre Festival, Vilnius con la coproducción del Festival La Batie de Ginebra, Zürcher Theater Spektakel, Teatro Festival Parma, Hebbel Theater y Aldo Miguel Grompone.
 

FOTO: DMITRI MATVEJEV

En la puesta en escena de Nekrosius el papel protagonista recae en la estrella del nuevo rock lituano. Este montaje es un espectáculo cargado de metáforas y símbolos, expresados a través de elementos como el hielo y el fuego. La acción transcurre en un espacio escénico lúgubre y cambiante, como un paisaje interior, en el que los personajes se persiguen y consumen sus propias vidas sin descanso. Un Hamlet, que con su extraordinaria fuerza visual y con las emociones que nos transmite, nos conduce lejos en el tiempo y nos sumerje en lo más profundo de nuestro inconsciente. (Meno Fortas)

• LA ESTUPIDEZ
  (Estreno en la Comunidad de Madrid)
   

Intérpretes: Héctor Díaz, Andrea Garrote, Mónica Raiola, Rafael Spregelburd y Alberto Suárez.
Voz de Ambush: Eduardo Aliverti
Voces en off TV: Diego Angeleri, Nora Navas y María Inés Sancerni
Música original: Nicolás Varchausky
Escenografía: Oscar Carballo
Vestuario: Julieta Álvarez
Iluminación: Matías Sendón
Ayudante de dirección: Juan Pablo Gómez
Dirección: Rafael Spregelburd
País: Argentina
Idioma: español
Duración aproximada: 3 horas y 20 minutos (con intermedio)
Una coproducción del grupo El Patrón Vázquez, el Wiener Festwochen y el INT. Con la colaboración del FIT de Cádiz.
 

Un grupo de gente intenta hacerse rica en Las Vegas. Un método matemático para ganar a la ruleta guarda relación con la temible ecuación matemática que encripta el secreto del Apocalipsis. Dos criminales deben vender un cuadro robado antes de que se termine de borrar por completo. La mafia siciliana fabrica una nueva estrella pop. Y unos policías motorizados viven una intensa historia de traiciones. Pero todo esto ocurre, lamentablemente, al mismo tiempo. (Rafael Spregelburd)

• EL AMOR PASIONAL Y MILAGRO EN EL TEMPLO DE TSUBOSAKE KANNON
  (Estreno en la Comunidad de Madrid)

Narradores: Takemoto Chitosedayu, Takemoto Mojihisadayu y Toyotake Mutsumidayu.
Músicos: Tsurusawa Seisuke, Takezawa Yasaburo, Tsurusawa Seishiro, Tsurusawa Seijo y Mochizuki Tameyuki.
Manipuladores de marionetas: Kiritake Kanjuro, Yoshida Tamame, Yoshida Minojiro, Yoshida Tamaka, Kiritake Ichisuke, Yoshida Tamase, Yoshida Minoshiro y Yoshida Tamazo.
País: Japón
Idioma: japonés
Duración aproximada: 2 horas (con intermedio)
Proclamado por la UNESCO en 2003 Obra Maestra del Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad.
 

FOTO: KAWAHARA HISAO

La marioneta Bunraku debe estar animada por una vida interior. Bunraku no es más que cabeza y extremidades. El torso bajo el kimono es simplemente un marco de madera. El lugar donde se encontraría el corazón de la marioneta es un vacío reservado a la mano izquierda del titiritero principal. Esta misma mano mantiene la cabeza en su sitio y controla los ojos, cejas y boca de la marioneta. La marioneta es manejada desde dentro. A Bunraku le interesa, sobre todo, que la marioneta cobre vida. Por eso el tayu (narrador) recita las frases y el shamisen (laúd) acompaña con su música la narración.

• ANTÍGONA
  (Estreno en España)

Intérpretes: Juliana Galdino, Rodrigo Fregnan, Arieta Corrêa, Carlos Morelli, Adriano Suto, Haroldo José, Geraldo Mario, Paula Arruda, Julia María Souza, Simone Feliciano, Marília Simôes, Lázara Seugling, Sandra Luz, Emerson Danesi, Marcelo Szpektor, Kaio Pezzutti, Vimerson Cavanillas y César Augusto.
Escenografía y figurines: J.C. Serroni
Iluminación: Davi de Brito
Dirección: Antunes Filho
País: Brasil
Idioma: portugués (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 55 minutos (sin intermedio)
 

Antunes Filho, uno de los creadores teatrales más prestigiosos del mundo, se dio a conocer internacionalmente en 1978 con la adaptación teatral de la novela de Mario de Andrade, Macunaima. A partir de ese momento el grupo teatral toma ese nombre y recorre los escenarios de todo el mundo. Su propuesta de Antígona reflexiona sobre la condición humana, no la vinculada a una época o cultura específica, sino en su sentido amplio, refiriéndose a la especie. No son divagaciones sobre la psicología o planteamientos morales de los personajes, sino la búsqueda de visiones de la totalidad a través de los conflictos trágicos. (Sebastião Milaré)

• DOG FACE
  (Estreno en España)

Intérpretes: Brian Barefoot, Lissa Brennan, John Fitzgerald Jay, Sheila McKenna y Laurie Klatscher.
Dirección artística: Karla Boos
Escenografía: Tony Ferrieri y Dan Jemmett
Diseño de luces: C. Todd Brown
Diseño de vestuario: Richard Parsakian
Dirección: Dan Jemmett
País: Estados Unidos
Idioma: inglés (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
 

Dog Face es la visión extravagante de Dan Jemmett de la obra jacobina clásica de Thomas Middelton, The Changeling. Quantum Theatre se caracteriza por la audacia de su puesta en escena. Dog Face transporta a los personajes de The Changeling a un mundo de artistas itinerantes, de serie B, con una música country genuinamente americana, para contar una historia de lujuria, traición y asesinato. La intriga de Dog Face bordea la frontera de las lágrimas y las risas y la dirección de Jemmett acentúa todavía más esa frontera. (Quantum Theatre)

• MEASURE FOR MEASURE
  (Estreno en España)

Escenografía: Tom Pye
Iluminación: Paul Anderson
Sonido: Christopher Shutt
Proyección: Sven Ortel
Vestuario: Christina Cunningham
Dirección: Simon McBurney
País: Reino Unido
Idioma: inglés (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 2 horas y 10 minutos (sin intermedio)
Una coproducción de Complicite y el National Theatre de Londres
 

¿Qué sucede cuando un duque cede su poder a su segundo de a bordo y vaga por las calles disfrazado para ver cómo se desencadenan los acontecimientos? Y, ¿si ese segundo de a bordo está obsesionado con purificar a la sociedad de la corrupción sexual y acaba cayendo en su propio sueño erótico? Y, ¿si un joven se encuentra condenado a muerte por fornicación y el precio de su vida es la virginidad de su hermana, y su hermana es una monja?

La obra plantea muchas preguntas y pocas respuestas. La mayoría opina que es una obra sobre sexo y castigo. En Occidente, estamos, en gran medida, sometidos a una tradición dualista Aristotélica. Necesitamos dividir: lo bueno y lo malo, lo correcto y lo erróneo, lo negro y el blanco. Nos obsesionan las conclusiones y la verdad es que no sabemos. (Complicite)
 

• LE MENTEUR
  (Estreno en España)

Intérpretes: Isabelle Gardien, Bruno Raffaelli, Denis Podalydès, Laurent d’Olce, Laurent Natrella, Michel Vuillermoz, Elsa Lepoivre, Laure Calamy, Margot Faure y Sébastien Raymond.
Decorado y vestuario: Alain Chambon
Iluminación: Joël Hourbeigt
Música original: Etienne Perruchon
Peluquería y maquillaje: Cécile Kretschmar
Ayudante de dirección: Alison Hornus
Dirección: Jean-Louis Benoit
País: Francia
Idioma: francés (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 2 horas y 30 minutos (con intermedio)
 

Le Menteur es una adaptación de Corneille de La verdad sospechosa de Ruiz de Alarcón. En ella se cuentan las andanzas de Dorante, un recién licenciado en Derecho, que vuelve a París dispuesto a hacerse una imagen de joven triunfador. A través de las palabras, Dorante reinventa la realidad a su antojo, la convierte en un puro fraude. En contra de todo pronóstico y a fuerza de mentiras, Dorante consigue contentar a todos y no duda en desaprobar sus propias palabras para dar una nueva vuelta de tuerca. Miente con toda sinceridad. Sin embargo, después de muchos malentendidos, hay quienes empiezan a desconfiar. ¿Alguien escuchará al mentiroso cuando diga la verdad? (La Comédie – Française)

• HOUSE NO MORE
  (Estreno en España)

Intérpretes: Rebbeca Sumner Burgos, Ebony Hatchett, Mikeah Jennings, Heather Litteer, Amy Miley y Ned Stresen-Reuter.
Vestuario: Machine
Textos y sonido: Jemma Nelson
Escenografía, vídeo y dirección: Caden Manson
País: Estados Unidos
Idiomas: inglés (con sobretítulos en castellano)
Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)
 

House of no more constituye la tercera parte de una trilogía de películas en tiempo real. El espectáculo empieza con la reinterpretación de un crimen. Julia se empuja a sí misma, dentro de la pantalla, a la búsqueda del hijo que ha perdido. Pero, al mismo tiempo, el resto de actores proponen una tesis diferente: la historia se está falseando a medida que se va creando, e incluso, se desvanece. Y, finalmente, cuando la propia Julia se disuelve en esa transmisión corrupta, cuando incluso ella se vuelve irreal y se multiplica a través de la realidad de su vida, lo que surge no es una batalla por la propiedad de la verdad absoluta, sino el ansia por alcanzar una mentira que sacie.

Como en todas las películas en tiempo real, House of no more, no se cuenta a través del diálogo y la narrativa convencional, sino a lo largo del amplio campo del significado, en el cual, el método de transmisión contamina el mensaje. (Big Art Group)
 

• THE WINTER’S TALE (CUENTO DE INVIERNO)
  (Estreno en España)

Intérpretes: Vince Leigh, Richard Clothier, Simon Scardifield, Tam Williams, Bob Barrett, Dugald Bruce Lockhart, Jules Werner, Tony Bell, Alasdair Craig, Adam Levy, Chris Myles y James Tucker.
Escenografía: Michael Pavelka
Iluminación: Ben Ormerod
Música: Tony Bell, Dugald Bruce-Lockhart y Jules Werner
Edición de textos: Edward Hall y Roger Warren
Dirección: Edward Hall
País: Reino Unido
Idioma: inglés (con sobretítulos en castellano)
Duración aproximada: 2 horas y 50 minutos (con intermedio)
 

Foto: ALSLAIR MUIR

La historia de Cuento de invierno se deriva de Pandosto, la obra que Robert Greene publicó en 1588. ¿Qué atrajo a Shakespeare de este “antiguo relato”? Seguramente el tema que se anuncia abiertamente en las líneas iniciales: entre todas las pasiones que dejan perplejos a los seres humanos, el dolor infeccioso de los celos es el que provoca un despecho más agitado. Quien sufre este tormento duda de todo, desconfía de sí mismo, siempre está paralizado por el miedo y le quema la sospecha. Este es el germen de la obra de Shakespeare.

Los celos sexuales fueron siempre objeto de su preocupación, desde el caso virulento del comportamiento irrespetuoso de Claudio en Mucho ruido y pocas nueces, pasando por Othello, hasta Posthumus en Cymbeline y Leontes en Cuento de invierno. No obstante, aunque en otras de sus obras, se detiene en “motivar” los celos, los de Leontes son auto-generados. Shakespeare dramatiza la naturaleza esencialmente irracional de los celos: la imaginación febril de Leontes distorsiona lo que ve. (The Watermill Theatre)

• CELEBRATION (FESTEN)
  (Estreno en la Comunidad de Madrid)

Dirección artística de Teatre Romea: Calixto Bieito
Intérpretes: Marta Angelat, Cristina Brondo, Roser Camí, Carles Canut, Eduardo González Santiesteban, Daniel Klamburg, Jordi Llordella, Victòria Pagès, Jorge Peña, Mingo Ràfols, Boris Ruiz, Santi Sans, Lluís Villanueva, Marina Calero y Roser Vilajossana.
Escenografía: Alfons Flores
Vestuario: Míriam Compte
Iluminación: María Domènech
Dramaturgia: Pablo Ley
Dirección: Josep Galindo
País: España (Cataluña)
Idioma: español
Duración aproximada: 2 horas (con intermedio)
Es una coproducción de Teatre Romea, 29 Festival de Barcelona Grec y Ajuntament de Viladecans
 

El patriarca familiar cumple 60 años. Su familia, incluidos sus tres hijos, se reúnen para celebrarlo en aparente armonía. El hijo pequeño intenta estar a la altura de las expectativas paternas sin conseguirlo; el hijo mayor regenta un restaurante en Francia y la hija es antropóloga. La cuarta hermana, gemela del mayor, acaba de suicidarse. En el momento del brindis, cuando todo el mundo espera un discurso del padre en recuerdo de su hija muerta, éste se siente incapaz de hablar sin echarse a llorar y pide ayuda a su hijo mayor, que trae preparados dos discursos: uno con las típicas frases de pésame y otro con la verdad acerca de su familia, su padre y el motivo por el que su hermana gemela decidió quitarse la vida.

• LA FIN DES TERRES
  (Estreno en España)

Intérpretes: Amanda Barter, Nikola Kriskova, Sébastien Lentheric, Pierrik Malebranche, Pierre-Henry Nohé, Nancy Rusek y Simon T.Rann.
Técnicos y manipuladores: Emmanuel Laborde, Patrick Olivier, Emma Scaife y Rodolphe Serres.
Vestuario: Charline Beauce
Música: Serge Houppin y Henry Torgue
Equipo de escenografía: Sebastian Puech, Carole Allemand, Romain Duverne, Philippe Brabetz
Ayudante de dirección: Mary Underwood
Dirección: Philippe Genty
País: Francia
Duración aproximada: 1 hora y 40 minutos (sin intermedio)
Una coproducción de Maison de la Culture de Nevers, Théâtre National de Chaillot, Théâtre André Malraux-Rueil Malmaison, Espace Jacques Prevert-Aulnay sous Bois, Maison de la Culture Loire Atlantique- MCLA-Nantes, La Coursive-Scène Nationale de la Rochelle, Grand Théâtre de Lorient – La Compañía Philippe Genty
Con el apoyo de la Ville de Nevers, del Conseil Régional de Bourgogne y de la DRAC Bourgogne
 

La fin des terres es el relato de un encuentro entre dos seres y de su resonancia imaginaria en el paisaje de los sueños. El relato hará surgir una serie de personajes enigmáticos, a veces reales, a veces proyectados, que son los que van a revelar emociones secretas e historias ocultas. A través de la poesía encarnada por formas animadas y por unos actores-magos, la compañía se adentra en una exploración, cautivadora y apasionada, de continentes teatrales inéditos. (Philippe Genty)

• LA ROSE Y LA HACHE
  (Estreno en la Comunidad de Madrid)

Intérpretes: Astrid Bas, Babacar M'baye Fall, Ariel Garcia Valdès, Georges Lavaudant y Céline Massol.
Vestuario: Jean-Pierre Vergier
Maquillaje: Sylvie Cailler
Sonido: Jean-Louis Imbert
Iluminación: Georges Lavaudant
Dirección: Georges Lavaudant
País: Francia
Idiomas: francés e inglés (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)
Una coproducción de Odéon - Théâtre de l'Europe; MC2: Maison de la Culture de Grenoble
 

Ricardo de York, duque de Gloucester, quiere ser rey a toda costa. Para ello tiene que eliminar a sus rivales dinásticos, miembros de su propia familia y seducir a Lady Anne, viuda del hijo de Enrique VI, con el fin de asentar su propia legitimidad. Accede al trono y su reinado se convierte en un periodo de terror, en el que se suceden los crímenes y las infamias. Estalla una revuelta y Ricardo III, asediado por los espectros de sus víctimas, es vencido por el futuro Enrique VII. Muere en la batalla de Boswoth en la que se ve obligado a combatir a pie. Es entonces cuando profiere su famosa frase: “Mi reino por un caballo”.

Georges Lavaudant y Ariel García Valdès reinterpretan el texto de Carmelo Bene, quien a su vez hizo lo mismo con el de Shakespeare, para dar su particular visión sobre Ricardo III.
 

• EL PIANISTA
  (Estreno en la comunidad de Madrid)

basado en la novela homónima de Manuel Vázquez Montalbán
(Espectáculo que gira alrededor de un concierto)

Intérpretes: Juan Diego (narración) y Jordi Masó (piano)
Selección de textos: Lluïsa Cunillé
Diseño de luces: María Domènech
Espacio sonoro: Yair Karelic
Dirección: Xavier Albertí
País: España (Cataluña)
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
Una coproducción del Festival de Barcelona Grec y el Festival Castell de Peralada, con la colaboración de Editorial Mondadori
 

FOTO: LUIS MIGUEL PALOMARES

Vázquez Montalbán, escritor y hombre comprometido, plantea en El pianista el conflicto interno del artista, su papel en la sociedad y el desafío moral de quien pretende ser consecuente con sus propias ideas. Dos personajes desvelan la disyuntiva: Albert Rosell, pianista y compositor prometedor cuya carrera artística se trunca con la Guerra Civil española y Luis Doria, viejo conocido suyo, que en todo momento estuvo del lado de quien más convenía para triunfar como músico, en medio de un mundo que se desmoronaba. Rosell defiende el compromiso pero se queda sin arte. Luis Doria elige el camino de los triunfadores, pero ¿salvará la historia su música?

Amaparándose en la música de Mompou, Blancafort, Lamote de Grignon y los franceses Milhaud, Satie, Poulenc y Debussy, la obra va siguiendo la obra de Montalbán a través de la voz del narrador, devolviendo la palabra a una generación de artistas que sufrieron la desolación y el silencio de la Guerra Civil.
 

• NORA
  (Estreno en la Comunidad de Madrid)

Intérpretes: Lars Eidinger, Jörg Hartmann, Agnes Lampkin, Jenny Schily, Anne Tismer, Kay Bartholomäus Schulze, Enrico Stolzenburg, Sören Hinnenthal, Eric Neumann y Robin Meisner.
Escenografía: Jan Pappelbaum
Vestuario: Almut Eppinger
Música: Lars Eidinger
Dirección: Thomas Ostermeier
País: Alemania
Idioma: alemán (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 2 horas (sin intermedio)
 

Thomas Ostermeier actualiza la historia de Nora, protagonista de Casa de muñecas, escrita por Ibsen en 1879. En su momento la obra causó un gran revuelo y fue tachada de feminista e incluso de atentar contra la esencia de la institución del matrimonio. Ahora, más de un siglo después, Ostermeir la recupera y ofrece su particular visión sobre la vida de una mujer, condenada a vivir en un mundo dominado por los hombres. Su rebelión desencadena un nuevo final de esta historia, que tiene su continuidad, veinte años, después en Wunschkonzert (Concierto a la carta).

• LA VIE D’ARTISTE (LA VIDA DE ARTISTA)
  (Estreno en España)

Intérpretes: Jérôme Savary, Nina Savary, Gérard Daguerre (piano), Christian Orante (batería), Jean-Luc Pagni (trombón y banjo), Bernard Tessier (bajo) y Roland Romanelli (acordeón).
Vestuario: Michel Dussarrat
Sonido: Olivier ‘Aldo’ Pedron
Iluminación: Pascal Noël
Dirección musical: Gérard Daquerre
Coreografía: Laurence Roussarie
Escenografía y dirección: Jérôme Savary
País: Francia
Idioma: español
Duración aproximada: 2 horas (con intermedio)
 

Después de más de cien puestas en escena de grandes espectáculos, regularmente estoy tentado por regresar a las locuras de mis comienzos. El deseo fue tan fuerte, que decidí volver a las carreteras para contar mi vida de artista. Esta vida, increíble y chiflada, se la contaré a mi adorada hija, Nina, que tiene la más bonita de las voces de mi vecindario (vecindario artístico). Ella, a cambio, me cantará las más bellas canciones del Circo Mágico, aquellas de Topor, de Copi, y también las mías.Y entonces haremos reír y soñar con nuestro pequeño espectáculo mágico. (Jérôme Savary)

• WUNSCHKONZERT
  (Estreno en la Comunidad de Madrid)

Intérpretes: Anne Tismer y Ulrike Bindert.
Escenografía: Jan Pappelbaum
Arreglos musicales: Niclas Ramdohr
Vestuario: Almut Eppinger
Luces: Erich Schneider
Dramaturgia: Mariur Von Mayenburg
Dirección: Thomas Ostermeier
País: Alemania
Idioma: alemán
Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)
 

Veinte años después, Nora, la señorita Rasch, vuelve, como todas las tardes, a su casa después del trabajo. Como todas las tardes, enciende la radio. Es la hora del Concierto a la carta, un espacio en el que los oyentes dedican piezas musicales a su familia, amigos… Como siempre, la señorita Rasch se desviste, enciende la televisión, cena, se lava los dientes y se va a la cama. No puede dormir, se levanta y toma un somnífero, después otro y otro…

• PRESTIGITACCIONS
  (Estreno en la Comunidad de Madrid)

Intérpretes: Mercè Recacha, Nicole Balm y Jordi Cortés.
Diseño de Iluminación: Memé Boya
Texto: Raúl Perales
Dramaturgia: Claudia Méndez y la compañía inspirados en la obra de Anne Michaels
Dirección: Jordi Cortés
País: España (Cataluña)
Idiomas: español e inglés
Duración aproximada: 55 minutos (sin intermedio)
 

Prestidigitaccions lo conforma un trío varado en el tiempo, con sus anhelos, deseos, frustraciones, recuerdos, con su memoria a cuestas. Intentan recobrar el tiempo, que va pasando, y que lleva a lo inevitable. Hurgan en nuestra memoria, en las heridas, para recobrar la ilusión, la esperanza… Es una pieza fragmentada, rota, dislocada. Es un espejo que se ha roto en pedazos, e intentamos recobrar esos fragmentos que a veces reflejan una ilusión y otras una pesadilla. Y ¿qué hay detrás de una ilusión, de una pesadilla, de un espejo, de una puerta, de un sueño, detrás de nuestra espalda? (Jordi Cortés)

• JUST FOR SHOW
  (Estreno en España)

Intérpretes: Mikel Arístegui, Joanne Fong, David Hughes, Tanja Liedtke, Alessandra Mattana, Matthew Morris, Miguel Muñoz, Celine Perroud, Kylie Walters y Paul White.
Música: John Hardy y Simon Hunt
Ayudante de dirección: Gabriel Castillo
Escenografía: Lloyd Newson y Naomi Wilkinson
Diseño de luces: Jack Thompson
Vestuario: Christina Cunningham
Diseño de vídeo: Niall Black
Realización de vídeo: Oliver Manzi
País: Reino Unido
Duración aproximada: 1 hora y 15 minutos (sin intermedio)
 

Just for show es un espectáculo que habla de mostrar y mostrarse en un mundo en el que tener buen aspecto se ha convertido en algo más fundamental que ser bueno; en el que imitar algo se ha convertido en sinónimo de hacerlo; en el que con mentiras hermosas, se ocultan verdades sucias. Utilizando la proyección virtual, ilusiones visuales y juegos de palabras, el elenco internacional de DV8 explora la importancia de la apariencia y la imagen en nuestras vidas. Cuando el guión de la realidad no coincide con el de nuestros sueños, ¿cómo no inventar historias para engañarnos a nosotros mismos? (DV8 Phisical Theatre)

• PETIT PSAUME DU MATIN
  (Estreno en España)

Intérpretes: Dominique Mercy y Josef Nadj.
Música: músicas tradicionales de Camboya, Rumania, Macedonia, Egipto y Hungría. Extracto de María, de Michel Montanaro y Tango de Igor Stravinsky-Ediciones Alphonse Leduc et Compagnie
Asistente de iluminación: Xavier Lazarini
Iluminación: Rémi Nicolas
Vestuario: Bjanka Ursulov
País: Francia
Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)
 

Nadj y Mercy son peregrinos encantadores y trotamundos de espacios imaginarios, compañeros de la torre de los sueños, artesanos de la melodía de los gestos. En escena propagan una fábula llena de humanidad, imposible de existir en este mundo sin alimentarse de su poesía. Un día, los caminos de estos dos viajeros se cruzan. El lugar de encuentro no puede ser mejor: el Vif du Sujet del Festival de Avignon. Es así como Dominique Mercy y Josef Nadj logran compartir un momento, buscando más que la confrontación, la madurez para dar cuerpo al curioso encuentro de su nomadismo respectivo.

¿Cómo definirlos? Josef Nadj, fabricante de linternas mágicas, un arquitecto de fantasías y un chamán de las imágenes. Dominique Mercy es un amante de la locura, un travieso melancólico, a veces clown lírico y trágico con corazón de niño. (Jean-Marc Adolphe)
 

• CIQUITRAQUE
  (Estreno absoluto)

Intérpretes: Lola Blanco, Raquel Lamadrid, Pepa Sanz, Carlos Chamorro y José Merino.
Músicos: Angélica “La Tremenda”, Raúl Guerra y Paco Cruz
Diseño de luces: José Bau
Diseño de vestuario y escenografía: Clara Echarren
País: España (Madrid)
Duración aproximada: 1 hora y 25 minutos (sin intermedio)
 

La inspiración de este nuevo montaje va unida a la energía, al fluir de cada individuo, personal y único en el universo, y a sus diferentes formas de comunicarse. Se utiliza el espacio escénico como lugar de encuentro entre lo pasado y lo presente, un encuentro que se produce a través de la búsqueda y recuperación de danzas olvidadas, llenas de pasión y riqueza. Danzas que expresan sentimientos y que sirven de comunicación entre los pueblos. El espectáculo gira en torno a la comunicación y quiere servir para despertar la luz del entendimiento. (Malucos Danza)

• BRUTALIS
  (Estreno en la Comunidad de Madrid)

Música: Jan Kuijken y Dominique Pauwels
Iluminación: Florence Richard
Escenografía: Eric Domeneghetty, Wilfrid Roche y Thierry Van Hasselt
País: Bélgica
Duración aproximada: 55 minutos (sin intermedio)
Una producción Dame de Pic asbl – Cie Karine Ponties.
En coproducción con Les Brigittines-Bruxelles, Charleroi/Danses-Centre Chorégraphique de la Comunidad Francesa Wallonie-Bruxelles, Het muziek Lod. Con el apoyo de la Comunidad Francesa Wallonie-Bruxelles y del Ministère de la Communauté française – Service de la Danse. Compañía residente en Centre Chorégraphique National de Rennes et de Bretagne.
 

Al principio, la conjunción del dibujo y de la danza, de la tinta y del cuerpo. Le siguen, a continuación en el escenario, estados de cuerpos intemporales y compartidos por otras presencias: las de la música y las de la huella, las de la luz y las de la materia negra. De ahí emerge una mujer y, en ella, sus caras diversas: insecto, grotesca, diosa, combativa, rota, delicada. Brutalis nos sumerje en un interior íntimo y orgánico, en el que el cuerpo recuerda una evolución acelerada de la especie humana; en el que el cuerpo es paisaje de polvo, de hueso y de piel.

• ON DANFE
  (Estreno en España)

Intérpretes: Abdallah Akindouch (Azil), Salah Benlemqawanssa, Delphine Caron, Katia Charmeaux, Emeline Colonna, Court circuit, Serge Dupont-Tsakap, Fonky Foued, Muriel Henry, Blaise Kouakou, P. Lock, Chantal Loial, Mélanie Lomoff, Hajar Nouma, Nicolas Peper, Pascal Sogny y Véronica Vallecillo.
Música: Jean-Philippe Rameau
Vestuario: Dominique Hervieu, Julie Scobelzine y Emilie Kindt-Larsen
Creación de sonido: Catherine Lagarde
Iluminación: Vincent Paoli
Escenografía y concepción vídeo: José Montalvo
País: Francia
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
 

Con On danfe intentamos conducir al público al planeta de la euforia leve, de la extravagancia, de la voluptuosidad sonora y bailada; al corazón de la obra de Rameau, que convoca a músicas de Les Indes Galantes, de Les Fêtes d’Hébé y de Castor et Pollux y tantos otros. En esta nueva creación proponemos una perspectiva diferente, un ángulo distinto para aproximarnos al universo de Rameau. Con humor, deseamos hacer surgir en este espectáculo la sensualidad, el hedonismo y el libertinaje intelectual que circulan en la obra del compositor. On danfe puede verse como el eco, el comentario onírico, visual que resuena en Les Paladins, y más en general, en toda la obra de Rameau, porque se convoca a otras músicas del mismo compositor, en diálogo con el universo sonoro contemporáneo y lúdico de Catherine Lagarde. (José Montalvo y Dominique Hervieu)

• GA-GÀ
  (Estreno en la Comunidad de Madrid)

Intérpretes: Carme González, Xavi Sáez, Cristina Sirvent, Cristóbal Suárez y Neus Suñé.
Ayudante de dirección y textos: Tays Sampablo
Espacio escénico y vestuario: Lluc Castells
Montaje musical: José Antonio Gutierrez
Diseño de luces: Ignasi Camprodón
Maquillaje: Carlos Montosa
País: España (Cataluña)
Duración aproximada: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio)
Una producción de Cia. Marta Carrasco - Pep Bou Produccions Teatre Nacional de Catalunya con la Zona Films La Llave Maestra Producciones Artísticas. Con el soporte de la Generalitat de Catalunya, Inaem y Ministerio de Cultura
 

Cierto día y ya de noche, unos seres especiales, por defectuosos y sin perfil, se encontraron y fundaron Ga-gà, un lugar donde vivir, un espacio donde mostrar lo mejor de su arte. Y aunque todo lo hacen mal se esfuerzan, trajinan, montan y desmontan el escenario, se quebrantan, pierden el rojo, lo encuentran, ensayan, ensayan y vuelven a ensayar. Pero todos ellos tienen una obsesión, la risa. La risa como oxígeno, la risa como alimento. Lou, Nunó, Mirandolina, Marguit y Marguet necesitan de la risa para poder vivir. Y cuando no, duermen, sólo para sentir dentro de ellos, alguna vez, la presencia de una cosa hermosa. (Marta Carrasco)

• FOI
  (Estreno en la Comunidad de Madrid)

Intérpretes: Christine Leboutte, Joanna Dudley, Lisbeth Gruwez, Ulrika Kinn Svensson, Erna Ómarsdóttir, Laura Neyskens, Darryl E. Woods, Damien Jalet, Nicolas Vladyslav, Nam Jin Kim, Marc Wagemans, Jo Stone y Alexandra Gilbert.
Música: Capilla Flamenca
Dirección musical: Dirk Snellings
Escenografía: Rufus Didwiszus
Dirección: Sidi Larbi Cherkaoui
País: Bélgica
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
Les Ballets C de la B recibe ayuda del Ministerio de la Comunidad Flamenca, ciudad de Gante, Provincia de Flandes y de la National Lottery.
 

Dieciocho artistas, cantantes, bailarines y músicos participan en esta obra, una creación de estilo tradicional de una ópera medieval/contemporánea. En colaboración con el conjunto Capilla Flamenca y Christine Leboutte, la coreografía pone en escena obras musicales doctas, que se remontan al siglo XIV, partituras escritas y canciones de la tradición oral. Dos maneras de trascender al tiempo y a las nuevas tendencias, dos maneras de sobrevivir. El vínculo entre la fe y el mito (la transmisión de escrituras sagradas y de leyendas) es fácil de establecer; ¿Qué es lo que aprendimos de nuestros padres, lo que hemos oído decir a la gente, lo que hemos leído? ¿En qué seguimos creyendo? ¿Por qué seguimos creyendo? ¿Qué queremos: que perviva o que se transmita? ¿Estamos convencidos de ello? (Sidi Larbi Cherkaqui & Capilla Flamenca)

• 100 X 100 SERRAT
  (Estreno en la Comunidad de Madrid)

INAGAUGURACIÓN DEL XII FESTIVAL DE OTOÑO

Intérpretes: Joan Manuel Serrat (voz y guitarra) y Ricard Miralles (piano).
País: España (Cataluña)
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 20 minutos (sin intermedio)
 

Con una larga carrera detrás, Joan Manuel Serrat ha jugado con todo tipo de propuestas musicales, desde las acústicas a las sinfónicas, y, en estos conciertos, hace un viaje buscando la esencia y la simplicidad. Este proceso le ha conducido hasta la fuente principal. El resultado es lo que podremos escuchar: canciones desnudas y temas que tratan de recortar al máximo la distancia entre el artista y su audiencia. Sólo con su voz y su guitarra, y acompañado al piano por Ricard Miralles, Serrat propone un recital que busca la conexión con el público, su participación y su complicidad. Un Serrat cercano, íntimo, un “100 x 100 Serrat”.

• YANN TIERSEB – LES RETROUVAILLES
  (Estreno en España)

Intérpretes: Yann Tiersen (guitarra, violín, acordeón, piano y voz), Marc Sens (guitarra), Ludovic Morillon (batería), Jean-Paul Roy (bajo) y Christine Ott (ondas martenot).
Dirección musical: Yann Tiersen
País: Francia
Idiomas: francés e inglés
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
 

En 1995 apareció el primer disco de este joven compositor francés que saltó a la fama en 2001 con la película Amélie, para la que realizó la banda sonora. Dos años más tarde, compuso la música de Good bye Lenin! Su paso por diferentes conservatorios la ha dejado una sólida formación musical, de tal manera que es capaz de tocar con virtuosismo el acordeón, el piano, la guitarra o el violín. Su música se mueve entre el pop más romántico, la música de cámara o el rock clásico, pero siempre con un leve toque francés. Su último trabajo, Les retrouvailles apuesta menos por la innovación, pero más por la perfección en cada una de las composiciones.

• KEVIN JOHANSEN + THE NADA PRESENTAN CITY ZEN
  (Estreno en España)

COMPAÑÍA: KEVIN JOHANSEN + THE NADA

Intérpretes: Kevin Johansen (guitarra y voz), Juan Manuel Álvarez (bajo y coros), Enrique Roizner (batería), Sebastián Massolo (guitarra eléctrica), Lucas Espina (percusión), Andrés Reboratti (flauta y saxo) y Maximiliano Padin (charango y guitarra).
Dirección musical: Kevin Johansen
País: Argentina
Idiomas: español e inglés
Duración aproximada: 1 hora y 45 minutos (sin intermedio)
 

Kevin Johansen, cantautor oriundo de Alaska, presenta su último trabajo, City Zen, en el que mezcla diferentes ritmos: rumbas, milongas, baladas… Su música se convierte en un instrumento para hacer frente a la vorágine de la ciudad. Johansen recuerda que encontró el título para el álbum un día en el que estaba descansando y oyó entremezclados el sonido de una sierra eléctrica y el silbido de los pájaros. Pensó entonces que era una guerra entre el ruido y la nada. Humor, juegos de palabras y géneros distintos conforman el estilo, difícil de clasificar, de este músico, que también canta en diferentes idiomas.

• ELZA SOARES: DEL COXIX HASTA EL PESCUEZO
  (Estreno en España)

Intérpretes: Elza Soares (voz), Francisco Chagas (teclados), Eduardo Constant (batería), Edson Menezes (bajo) y Vitor Motta (vientos).
Dirección musical: Francisco Chagas
País: Brasil
Idioma: portugués
Duración aproximada: 1 hora y 15 minutos (sin intermedio)
 

Elza Soares es la gran dama de la samba brasileña. Nacida en una favela en 1937 y convertida en madre a los 13 años, logró escapar de la miseria gracias a su voz y a su estilo. Se fue abriendo paso poco a poco y en la década de los años cincuenta vivió en Argentina, donde cantó con Piazzolla. Se consagró como artista internacional en los años sesenta y realizó numerosos viajes a Estados Unidos y Europa. Dueña de un estilo y una voz muy particular, es para muchos la mejor cantante de samba de todos los tiempos, y también se la reconoce como excelente cantante de jazz, influenciada por Billie Holyday y Ella Fitzgerald.

En Madrid realizará su nuevo show que rescata sambas de grandes compositores de la era del Pilantragem –una especie de samba “estilizada” para bailar, muy popular en décadas pasadas- y de contemporáneos como Carlos Imperial, Wilson Simonal y Haroldo Lobo, entre otros.

 

• RACAMULTO

Intérpretes: Pablo Navarro (contrabajo), Santiago Rapallo (batería), Pascual Piqueras (piano), Marco Cresci (clarinete), David Herrington (trompeta) y Miguel Malla (saxo tenor).
Dirección musical y artística: Racalmuto
País: España (Comunidad de Madrid)
Duración aproximada: 1 hora y 15 minutos (sin intermedio)
 

El sexteto Racalmuto nace de un proyecto personal de Miguel Malla. Su música se inspira en la del compositor Raymond Scott y en el sexteto de John Kirby, y se enriquece con temas y arreglos propios de los músicos de la banda. Hoy en día es casi la única formación en Europa que trabaja este repertorio. Los sextetos de Raymond Scott y John Kirby, que desarrollaron su actividad durante los años 30, se caracterizaron por interpretar una modalidad de jazz basada más en la composición y en el juego de las diferentes voces que en la improvisación. La Warner utilizó la música de Raymond Scott en algunos de sus dibujos animados y Racalmuto, suele proyectar algunos episodios en sus conciertos mientras interpreta su música.

• DEAD CAPO

Intérpretes: Javier Adán (guitarra), Marcos Monge (saxo tenor, clarinete bajo), Jorge Magaz (piano, teclados), Javier Díez-Ena (contrabajo) y Javier Gallego (batería).
Dirección musical: Dead Capo
País: España (Comunidad de Madrid)
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
 

Estilistas sin fronteras, Dead Capo exploran el lado más lúdico y vanguardista de la música instrumental. Su primer trabajo, Díscolo, es una road movie con paradas en el jazz, el rock, las bandas sonoras, el surf, el funk, el blues... En el camino han ido encontrando colaboradores como Nacho Mastretta o Markus Breuss. Han participado en festivales de jazz, de rock e incluso de cine.

• DWOMO

Intérpretes: Antonio J. Iglesias Zurita y Jorge Lorán Martín-Fabiani.
Dirección musical: Dwomo
País: España (Comunidad de Madrid)
Idiomas: Castellano, inglés, japonés, portugués, francés, euskera, gallego e italiano
Duración aproximada: 1 hora y 15 minutos (sin intermedio)
 

El dúo madrileño Dwomo es difícil de clasificar. Su trayectoria es como la banda sonora de un laboratorio en el que los elementos juegan al drama, la desolación, el amor y la alta comedia. Dan sentido al viaje a través de canciones en las que se desafían las leyes de cada género (pop, dub, electrónica doméstica, punk, bossa...). Su sentido del humor, un poco marciano, y la diversidad de idiomas sientan las bases de una búsqueda contínua de caminos entre el hombre, la melodía y el mensaje. La robótica menor y el cariño hacen el resto. (René Océano)

• MIGUEL DE CERVANTES Y LAS MÚSICAS DEL QUIJOTE
  (Estreno en Madrid)

Idea original y selección de textos y música: Jordi Savall

Intérpretes: La Capella Reial de Catalunya: Montserrat Figueras y Arianna Savall (sopranos), Lluís Vilamajó (tenor), Furio Zanasi (barítono), Daniele Carnovich (bajo) y Francisco Rojas (recitante).
Músicos: Hespèrion XXI: Jean-Pierre Canihac (cornetto), Beatrice Delpierre (flauta y chirimía), Daniel Lassalle (sacabuche), Josep Borràs (bajoncillo), Jordi Savall, Fahmi Alquai y Guido Ballestraci (vihuelas de arco), Xavier Puertas (violone), Xavier Díaz-Latorre (vihuela de mano, tiorba y guitarra), Begoña Olavide (psalterio), Arianna Savall (arpa doppia) y Pedro Estevan y David Mayoral (percusiones).
Dramaturgia y adaptación de textos: Manuel Forcano
Dirección: Jordi Savall
País: España (Cataluña)
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 40 minutos (con intermedio)
 

El programa sobre Miguel de Cervantes y las Músicas del Quijote presenta una selección de fragmentos de la célebre novela cervantina acompañados de algunas de las músicas citadas en los mismos textos. Son diversas las escenas donde personajes y situaciones nos remiten a romances, madrigales, danzas y canciones que revelan el enorme tesoro musical que el genio de Miguel de Cervantes encerró entre las aventuras y las desventuras de nuestro hidalgo don Quijote. Textos y músicas se trenzan para dar a esta grandiosa pieza literaria una dimensión musical, hasta ahora poco explorada, y que nos descubre el impresionante mundo sonoro que atraviesa, de principio a fin, este gran clásico de las letras hispanas. (Manuel Forcano)

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