|
ESCENA CONTEMPORÁNEA
V FESTIVAL ALTERNATIVO
DE LAS ARTES ESCÉNICAS
Del 23 de enero al 25 de febrero de 2005 |
 |
|
Compañía C. Loy / Cécile Loyer
– Francia ¡MIRA! |
ROIS
PROGRAMACION -
DANZA
Dirección, coreografía e interpretación:
Cécile Loyer.
Asistente en escena: Jean-Baptiste Bernadet Ariztia.
Luces y escenografía: Jean-Baptiste Bernadet Ariztia.
Música: Claudine Longet y Jean Baptiste Bernadet Ariztia.
Fotografía: Jean-Baptiste Bernadet Ariztia.
|
Teatro Pradillo 25 y 26 de enero – 20:30 h.
La Nave de Cambaleo 29 y 30 de enero – 21 h. |
Más información
www.cecileloyer.com
www.teatropradillo.com
www.arrakis.es/~cambaleo/
Foto: Jean B. Bernadet |
Cécile Loyer danza en Rois sus cuestionamientos sobre la
actualidad, una actualidad que permite lo que Salman Rushdie
denomina la “esperactomía” o la ablación de la esperanza.
Tema: El tiempo que vivimos nos sitúa frente a una enorme
máquina, con algunos años pero perfectamente engrasada, en la
que nos adentramos con inquietud, contrariados y obedientes.
Mientras nos va royendo el silencio aprendemos a roernos
mutuamente. La máquina está dirigida por los nuevos reyes que se
confunden en la masa, pero que sólo piensan en acaparar,
mientras el mundo se siente acabado y cura sus heridas.
Dentro de la pieza un personaje nos acompañará en el viaje, el
bufón, el cual permite a la coreógrafa trabajar sobre el poder y
la sumisión. El hombre moderno y cosmopolita es identificado con
el bufón que, en este caso, es víctima y culpable, es el
segundón, al que no se le permite llegar a todo. Esta impotencia
le empuja a desarrollar una envidia que le hace odiar y a la vez
ser complaciente. Esta conducta facilita el juego de poder /
sumisión, el tirano sólo puede imponerse con al complicidad del
esclavo, hay un estrecho lazo entre el servilismo y la
arrogancia y soberbia del poder.
La coreografía se inspira en las marionetas tradicionales de
Java, cuyas figuras tienen fijadas en la espalda unas varillas
que permiten manipularlas desde atrás, metáforas del control
actuales.
Se trata de un viaje, un desfile de sonidos, de colores, de
olores extraídos de periplos imaginarios para descubrir una
realidad que no es la nuestra. La bailarina es concebida como
espacio que recoge todos los aspectos de las formas del mundo,
imágenes muy simples y poéticas de un universo que se reduce.
|
Compañía Sommer Ulrickson – Alemania |
CREATURES OF HABIT
PROGRAMACION -
DANZA
Dirección y coreografía: Sommer Ulrickson y Ensemble.
Interpretación: Florian Bilbao, Ricardo de Paula, Felix
Marchand, Carolina Picard, Anna Luise Recke.
Escenografía: Alexander Polzin, Andreas Greiner.
Luces: André Schulz.
Música: Moritz von Gagern.
Fotografía: Björn Reissmann.
|
Sala Cuarta Pared
27, 28 y 29 de enero – 21 h. |
Más información
www.cuartapared.com
www.barbarafriedrich.de
FOTO: BJÖRN REISSMANN |
Sommer Ulrickson investiga en esta pieza los tipos de
comportamiento humano, los mecanismos de protección y defensa
que ponen en práctica los individuos para sobrevivir.
Tema: Creatures of habit es un drama humano sobre el cazador y
el cazado. En la obra cinco criaturas distintas buscan la
perfecta supervivencia humana, el más sofisticado camuflaje, la
mejor defensa y el ataque más rápido. Establecen un juego de
resistencia en el que cada acción de los personajes oculta la
realidad de su opuesto.
Los personajes mantienen una tensa relación con sus propias
costumbres, estas “criaturas de hábitos” no pueden llevar a cabo
las acciones que acostumbraban a hacer, las que reflejan su
personalidad y que les mantendrían en la seguridad de la
costumbre, en lugar de esto conviven con obstáculos que les
desafían llevándoles más allá de esa zona confortable.
Los intérpretes no se relacionan entre sí, los brazos tendidos
para el auxilio son rechazados, los personajes evitan el
contacto. Cada uno cierra el cerco, cada personaje está inmerso
en sus deseos, sueños y necesidades, siendo este aislamiento y
la obsesión por uno mismo el que mejor define la intención de
esta coreografía.
El montaje nos sitúa en situaciones decisivas y juegos que
implican reflexiones y reacciones de vacilación y duda, de
codicia y deseo, secreto, miedo, brutalidad y confusión.
En el aspecto coreográfico, el concepto de la obra no permite a
los bailarines caer en un fácil juego de pasos donde uno sigue
simplemente al otro y así sucesivamente, cada intérprete ha
desarrollado el personaje por sí mismo. Es una pieza en la que
el sentido de la danza y del movimiento se establece por sí
mismo lentamente, sin necesidad de asociaciones.
COMPAÑÍA BALDO MARTÍNEZ GRAND ENSEMBLE - (Madrid)
España,
con lacolaboración especial de Valentín Clastrier -
Francia ¡MIRA! |
PROYECTO MIÑO
PROGRAMACION -
MÚSICA JAZZ
Formación Composición, dirección y contrabajo:
Baldo Martínez.
Voz: Maite Dono.
Zanfoña, Buzuki y guitarras: Carlos Becerro.
Tuba: Chiaki Mawatari.
Trompeta y fiscornio: David Herrington.
Guitarra eléctrica: Antonio Bravo.
Saxos tenor, soprano y clarinete: Alejandro Pérez.
Batería y percusión electrónica: Pedro López.
Vibráfono, derbuka y percusiones: Carlos Castro.
|
Círculo de Bellas Artes
27 de enero 20 h. y 28 de enero 22 h. |
Más información
www.elcirculobellasartes.com
FOTO: ÓSKAR HENN |
Dentro del Festival ¡MIRA!, con compañías de Francia y Portugal,
se incluye como propuesta española Proyecto Miño.
El proyecto surge como encargo del Festival Internacional de
Guimaraes’99 (Portugal) uno de los más destacados de Europa
dentro de las corrientes del Jazz europeo actual. Este proyecto
trata de la puesta en directo de nueve músicos que, con una
variedad tímbrica sorprendente, desarrollan un lenguaje de jazz
contemporáneo ensamblado con ritmos inspirados en las músicas
tradicionales que surgen alrededor del río Miño, fuente de
inspiración para Baldo Martínez. Desde su presentación en el
mencionado Festival, donde obtuvo un notable éxito, el
contrabajista no ha dejado de preparar nuevos temas y
composiciones que ya se han puesto en escena durante su última
gira por Alemania.
Proyecto Miño se construye sobre composiciones originales que
unen la fusión del jazz contemporáneo y el imaginario popular de
los ritmos basados en cancioneros de música tradicional del
norte de Portugal, Pontevedra, Orense y Zamora.
El repertorio se completa con otros temas, unos basados en
letras tradicionales y otros totalmente originales, trabajando
en dúos así como la big band.
El resultado es una música personal enmarcada dentro de las
corrientes actuales del jazz europeo con una raíz autóctona
fuerte, para lo que se emplean textos y composiciones basadas en
temas tradicionales.
Los músicos que han participado en la elaboración de este
proyecto d estacan dentro del panorama del jazz internacional.
|
Compañía Marisa Carnesky Company – Reino Unido |
JEWESS TATTOOESS
PROGRAMACION -
TEATRO
Concepto, creación e interpretación:
Marisa Carnesky.
Sonido: Dave Knight, Catherine Gifford,
James Johnson.
Film: Alison Murray.
Vestuario: Nicola Bowery.
Tatuajes: Alex Binnie.
Fotografía: Manuel Vason y Marcus Ahmad.
Idioma: Inglés.
|
Teatro Pradillo
28, 29 y 30 de enero – 20:30 h. |
Más información
www.marisacarnesky.com
www.teatropradillo.com
FOTO: MANUEL VASON Y MARCUS AHMAD |
En Jewess Tattooess Marisa Carnesky mezcla el primitivo
melodrama del Teatro Judío con un espacio de feria de
actuaciones de segunda. En su extravagante recorrido personal,
Carnesky crea una performance con connotaciones rituales, donde
la nostalgia por el viejo mundo se enmaraña con la ruptura de
tabúes fuertemente enraizados en la tradición de una cultura.
Basándose en el precepto judío que en la Tora proscribe infligir
cortes, tatuajes o marcas sobre la piel, la autora explora las
implicaciones culturales y religiosas que se plantea una mujer
judía que, por elección, tiene buena parte de su cuerpo tatuado.
El cuerpo de Marisa Carnesky, dibujado casi por completo con
tatuajes, se presenta como un cuerpo vivo reflejo de una
contradicción, lleva la marca del desacato, de la prohibición
incumplida, pero a la vez es judía. Esta paradoja le hace
preguntarse sobre qué significa para ella pertenecer a esta
cultura.
La obra se sitúa entre la performance y teatro, en ella Carnesky
nos cuenta numerosos historias, anécdotas o citas que ha ido
coleccionando sobre las acciones en la piel y su implicación
moral.
El montaje, a través de la profanación del cuerpo, habla del
holocausto y del género político, y fundamentalmente, busca
estimular el diálogo y la reflexión sobre la identidad cultural.
|
COMPAÑÍA PAULO CASTRO – Portugal
¡MIRA! |
CONGRATULATIONS
PROGRAMACION -
TEATRO
Dirección: Paulo Castro y Jo Stone.
Interpretación: Paulo Castro, Jo Stone y Miguel Pereira.
Fotografía: Nuno Patinho.
Idioma: Portugués e inglés.
|
Casa de América
29 y 30 de enero – 20 h |
Más información
www.casamerica.es
FOTO: NUNO PATINHO |
La pieza puede ser entendida como una metáfora de las relaciones
de poder, el deseo de mandar sobre los demás y la voluntad de
abusar de ese poder. Una intención conceptual que se articula a
través de la frustración profesional de los personajes. Un
sueño, lo que se quiere llegar a ser, frente a la aceptación de
la situación real de los protagonistas que destilan su
frustración en la cocina de un restaurante.
Dos personajes ambicionan conseguir trabajos mejores, ella
quiere ser veterinaria o
maquilladora de cadáveres, él desea ser un famoso director de
cine; ambiciona rodar una película sobre Cristo, con la
inspiración de Pasolini y el deseo de superar al maestro y de
llegar a ser mejor. Todo el desarrollo de los personajes está
vertebrado por el deseo de tener poder, la obsesión de mandar
sobre los demás y de decidir.
El deseo de poder será llevado hasta la locura, la obsesión será
elevada hasta el exponente máximo, representado en poder comprar
la propia locura.
|
COMPAÑÍA SERGI FÄUSTINO – (Catalunya) España |
LA HISTORIA DE Mª ENGRACIA MORALES
PROGRAMACION -
TEATRO
Dirección: Sergi Faustino.
Creación e interpretación: Ángeles Zamora, Joan Simó y Sergi
Fäustino.
Entrevistadas y materia prima del trabajo: Mª Dolors, Margi
Bernard y Mª Jesús Izquierdo.
Luces: Ana Rovira.
Powerpoint: José Ángel Magliarisi.
Fotografía: Pierre.
|
Teatro El Canto de la Cabra 3, 4, 5 y 6 febrero – 21 h.
La Nave de Cambaleo 12 y 13 de febrero – 21 h. |
Más información
www.elcantodelacanra.com
www.arrakis.es/~cambaleo/
FOTO: PIERRE |
Sergi Fäustino habla de la vejez, le interesan los viejos, su
calma y el que para ellos casi todo sea relativo. En nuestros
entornos urbanos los viejos o viejas apenas existen, están
borrados, para emerger sólo cada cuatro años a propósito de la
oportunidad de elegir a un presidente que rastrea su voto. Antes
no era así, una persona vieja era valorada por su experiencia,
era alguien que daba consejo al haber pasado por lo que los más
jóvenes aún no se imaginan.
Algo ha cambiado y, puestos a cambiar, lo ha hecho todo o casi
todo, habría que preguntar a los viejos qué es lo que opinan de
los “brainstorms”. Este es el punto de partida de esta pieza, es
una mirada al tipo de vida actual desde el punto de vista de una
persona vieja.
Para desarrollar el montaje Sergi Fäustino ha realizado
entrevistas a tres mujeres que están alrededor de los 65 años, y
de su discurso ha extraído las ideas que quiere trasladar al
lenguaje escénico. La información de estas entrevistas supone la
materia prima para la comparación de las estructuras de la
sociedad actual con las de hace treinta años. Al establecer esta
comparación surge la reflexión de cómo funcionan ahora las cosas
y por qué. De este modo el autor retoma las reflexiones que
apuntaba en su anterior trabajo, Nutritivo, al reflexionar sobre
lo que consideramos en la actualidad como algo normal o fuera de
lo normal, y ver cómo esto es relativo, cómo depende del tiempo,
de su paso y sus transformaciones.
“Es difícil hablar de la vejez a los 31 años. De hecho, siempre
es difícil hablar de la vejez, tengas la edad que tengas. ¿Qué
puede decir una persona joven, acompañada de casi toda su
familia, con un cuerpo que responde y unas dosis de soledad que
más o menos ha escogido? Quizá para hablar de la vejez lo único
que se necesita es ser viejo. Quizá se necesita sentir lo que
significa que no te queden muchos amigos vivos o haberte
encontrado cara a cara con la soledad. O quizá se debe haber
vivido y acumulado experiencia para poder así enfrentarse a
cualquier situación que pueda deparar la vida con cierta
elegancia”. Sergi Fäustino.
|
COMPAÑÍA SOFÍA SILVA – Portugal
¡MIRA! |
BRANCO
PROGRAMACION -
DANZA
Coreografía: Sofía Silva.
Interpretación: Susana Nunes, Tiago Medeiros, Sofía Soromenho
(funciones 3 y 4 de febrero) y Carolina Ramos (funciones 5 y 6
de febrero).
Editor de sonido: Carlos Arroja.
Música: Boozoo Bajou, Peter Gabriel, Tomás Gubitsch.
Fotografía: Eurico Melo.
Editor de sonido: Carlos Arroja.
|
Guindalera Escena Abierta 3 y 4 de febrero – 20 h.
La Nave de Cambaleo 5 y 6 de febrero – 21 h. |
Más información
www.guindalera.com
FOTO: EURICO MELO |
Un encuentro con la pintura de Malevitch, más específicamente,
con su Pintura Negra. Obra que implicó una nueva forma de
expresión en la pintura moderna, en la que la propuesta era
pintar sin objeto y con un impulso antiacadémico, supuso una
radical oposición a la expresión plástica figurativa y
naturalista.
La intención del espectáculo no es hacer el retrato de un
pintor, una investigación sobre su trabajo y su vida, más bien
persigue la huella de una afinidad conceptual que ha estado de
manera insistente en el universo creativo de la coreógrafa. De
este modo se establece un paralelismo de ideas entre la
coreógrafa y el pintor, entrando en el particular universo
conceptual de ambos artistas.
Sofía Silva busca un lenguaje no descriptivo y un movimiento que
tenga su propia identidad. El cuerpo habla por sí mismo a través
del movimiento que produce, por éste revela, condensadas en sus
propias acciones, ambigüedades y expresión. La coreografía de
Sofía Silva nos muestra un cuerpo que se mueve en el espacio y
el tiempo, que toma la acción y reacciona de una manera
singular, libre de estereotipos. Es un cuerpo que desea huir de
la danza descriptiva y narrativa.
|
COMPAÑÍA L’ALAKRAN COMPAGNIE (LEGALEÓN) –
Suiza |
CEREBRO MAGULLADO 2: KING KONG FIRE
PROGRAMACION -
TEATRO
Dirección, puesta en escena y traducción:
Oskar Gómez Mata.
Textos de Antón Reixa y Oskar Gómez Mata.
Interpretación: Fabien Ballif, Pierre-Isaïe Duc, Oskar Gómez
Mata, Espe López, Delphine Rosay.
Escenografía: Jean-Luc Farquet, Oskar Gómez Mata y Serge Perret.
Luces y técnica: Luc Gendroz.
Música: Charles Wicki y Serge Amacker.
Técnico de sonido: Serge Amacker.
Vestuario: Juncal López.
Fotografía: Steve Iuncker.
|
Sala Cuarta Pared
4, 5 y 6 de febrero – 21 h. |
Más información
www.alakran.ch
www.cuartapared.es
FOTO: STEVE LUNCKER |
Este es el primer montaje que llega a Madrid de la antigua
compañía vasca Legaleón – T, después de establecer su residencia
en Ginebra.
En Cerebro magullado 2: King Kong Fire la compañía L’Alakran
construye la historia de Valentín Sentías, el “ser humano tipo”.
El personaje busca en el diccionario la palabra “puta”, este
gesto inaugural hará que todo comience, que la existencia entera
desfile delante de nuestros ojos admirados.
Todos lo hemos hecho, compartimos la experiencia de acercarnos a
ese libro matriz que cataloga y coloca en anaqueles las
palabras, que contiene todo lo que existe, porque sólo lo que
está nominado tiene la categoría de ser, sólo lo que tiene
nombre existe.
El montaje de L’Alakran es una creación presentada al público
como una experiencia lúdica, basada en el desarrollo del tiempo
presente de la representación. La compañía nos plantea un juego,
“¿Quién es Valentín Sentías?”, cuyo sistema de reglas persigue
encontrar al ser humano tipo. De este modo se construye la
historia de un personaje que somos todos, porque todo el mundo
hace el mismo personaje, que se levanta, se cae, ve, comprueba,
manifiesta, dice sí, dice no, se maravilla, se pierde y se
encuentra en el dédalo de las palabras.
“La manera de cada uno”, el desarrollo de las particularidades
de cada actor en relación al sujeto interpretado es lo
importante para L’Alakran y una de las características de sus
espectáculos.
Los actores entran en el juego e interpretan las reglas cada uno
a su manera, los intérpretes desarrollan sus propios lenguajes,
sus “alter egos” escénicos. El misterio sobre la escena viene
para provocar la capacidad de auto-narración que cada persona
trae en sí misma.
Para el director y coautor de la obra, Oskar Gómez Mata, la
unión del texto y la escena, cada una con su poética particular,
produce la espectacularización de los sentimientos humanos,
implica un acceso al tiempo de la mirada que nos permite ver lo
inesperado.
Para él “ver de otro modo” es un acto político y, tal vez, la
única esperanza del ser humano. Persiguiendo este objetivo, el
director busca conectarse con un público que mira activo,
inquieto y deseoso de sorpresas, su lucha se dirige contra la
indiferencia y la hipocresía.
|
COMPAÑÍA NONAME RADAR – (Comunitat Valenciana) España |
ESPECULACIONES
PROGRAMACION -
DANZA
Dirección: Ximo Flores.
Textos: Arturo Sánchez Velasco.
Coreografía: Rafael Linares.
Interpretación: Rafael Linares y Cristina Núñez.
Voz: Magda Casanova.
Ayudante de dirección: Sonia Ortiz.
Asesoramiento escenografía: Martina Botella y Ximo Flores.
Luces: Ximo Rojo.
Diseño sonoro: Rubén García Villaplana.
Audiovisual: Marcos M. Martí.
Textos Audiovisual: The Play Room.
Vestuario: La Cantante Calva.
Cartel y fotografía: Miguel Ángel Altet.
|
Teatro Pradillo
4, 5 y 6 de febrero – 20:30 h. |
Más información
www.teatropradillo.com
FOTO: MIGUEL ANGEL ALTET |
Especular: Mirar una cosa con atención para reconocerla.
La observación del entorno en el que desarrollamos nuestra vida,
la especulación que implica ese mirar atento hace descubrir a la
compañía de Rafael Linares, Noname Radar, la dificultad de
reconocer algo de lo que nos rodea, lo extraño que es nuestro
entorno y las extrañas condiciones que lo construyen. Esta falta
de reconocimiento e identificación, la confusión del momento en
el que vivimos, es el eje vertebrador de Especulaciones.
La frágil frontera que separa lo público de lo privado, la
continua transformación de la realidad en espectáculo y la
acentuada sensación de impotencia frente a los acontecimientos
que se producen en el mundo, genera frustración en los
individuos. Éstos se ofrecen dóciles a un universo de hedonismo
y diversión patética, propia de las peores pesadillas de Goya o
Valle Inclán.
Esta condición confusa, la desorientación, la satisfacción
saturada de los sentidos por las luces del espectáculo invitan a
la violencia, siendo ésta una de las ideas que planea en el
montaje. La violencia de una pareja se convierte en el epicentro
de todos los desastres bélicos del mundo.
Este trabajo no plantea una negación absoluta de todo lo
existente, no es una mera exposición de la angustia social
exacerbada, el montaje no plantea una situación que está por
encima de nosotros, para el director ofrecer tales soluciones
sería una ingenuidad alarmante, desconfía de aquellos artistas
que intentaran dar soluciones y, para reforzar esta postura,
evoca una cita de J.Genet: “lo único que puede una obra de arte
es suscitar ansia de otro estado del mundo, y tal ansia es
revolucionaria.”
|
COMPAÑÍA DE NOOIJER – Países Bajos |
NASPEL
PROGRAMACION -
PERFORMANCE
Dirección, coreografía, instalación y vídeos:
Paul y Menno de
Nooijer.
Interpretación: Mariví Hinojosa y Claudia Faci.
Música y sonido: Gary Shepherd, Jerry King Musser, Stefan
Smagghe y Jan de Nooijer.
Fotografía: Paul y Menno De Nooijer.
|
Casa Encendida
4, 5 y 6 de febrero – 22 h. |
Más información
www.denooijer.tv
www.lacasaencendida.com
FOTO:PAUL Y MENNO DE NOOIJER
|
Una instalación de vídeo proyecta imágenes que servirán de marco
para esta performance creada por Paul y Menno De Nooijer, de
este modo el escenario donde las bailarinas danzan, va más allá
de sus límites.
Paul, el padre (1943) y Menno, el hijo (1967) tiene sus raíces
en Eindhoven donde Paul regía la Academia de Diseño Industrial
en los años sesenta. Los dos artistas de cine y fotografía usan
su performances filmadas para proporcionar a la audiencia una
divertida ojeada por su fascinación por el film como una
auténtica forma de arte.
Un importante número de ruidosos proyectores están distribuidos
por todo el escenario, proyectan cortos films, ambos performers
miran inquisitivamente a la cámara, a veces apareciendo
simultáneamente en numerosas pantallas donde se desarrollan
diferentes sucesos.
Son proyecciones antiguas y recientes que muestran repetidamente
a Paul, a menudo junto a su hijo Menno, son dos hombres con un
aspecto similar, con la diferencia de la apariencia que da la
edad.
|
COMPAÑÍA PÈ.TRA VERMEERSCH –
Bélgica |
BLONDES HAVE NO SOUL
PROGRAMACION -
DANZA
Dirección, coreografía y concepto:
Pè.tra Vermeersch.
Sonido: Pale Dählstadt.
Fotografía: Mark Hofclack.
|
Casa de América
11 y 12 de febrero – 20 h. |
FOTO: MARK HOFCLACK |
Blondes have no soul se define como una instalación de cuerpo y
voz, su danza tiene una fuerza estética pura y abstracta,
propuesta como un trabajo de artes plásticas.
La bailarina danza desnuda, una desnudez despojada tanto de
erotismo como de vergüenza, en un espacio alumbrado por una luz
fuerte y blanca, y todo en silencio.
Blondes have no soul es para Pè.tra Vermeersch un trabajo
radical y absoluto, radical por la busca y el desarrollo de una
proposición de danza simple hasta un punto extremo y, absoluto
por estar libre del apoyo de elementos performativos o teatrales
que distraigan de la danza desnuda.
“Cada ser humano existe entre el cielo y la tierra, es el
propósito de la danza conectar el cielo con la tierra y, a
través de este proceso ofrecer la danza a la audiencia, de un
modo despojado de pretensiones. No sé exactamente qué le doy a
la audiencia, depende de cada uno de sus miembros. Sólo sé que
cuanto más vivo, más ofrezco….Investigo lo que es maravilloso,
espiritual, ritual, invisible… Intento hacer visible lo que es
invisible, si no, la danza no tendría sentido…”
Pè.tra
Vermeersch
Este idea sobre la danza constituye una ambición existencial en
la investigación coreográfica de la bailarina y coreógrafa
Pè.tra Vermeersch. Esta línea conceptual se percibe
especialmente en su solo de danza Blondes have no soul.
Para la coreógrafa la danza es una expresión condensada de vida,
una materia viva que se desarrolla ahora y aquí; en su recorrido
artístico busca asumir en sus movimientos la complejidad de la
civilización, concentrándolo en un nivel corporal, lo que
persigue es llevar la compleja existencia humana a la sociedad
de la mano de la danza y de la manera más natural posible.
Este montaje Participó en el Festival en Pé de Pedra en junio de
2004, fue la primera vez que actuó en España.
|
COMPAÑÍA ZORONGO – Francia ¡MIRA! |
STIMULANT, AMER ET NÉCESSAIRE
PROGRAMACION -
TEATRO
Dirección: Luis F. Jiménez.
Texto: Sólo para Paquita de Ernesto Caballero.
Interpretación: Emmanuelle Marquis y Daniel Lobé.
Luces: Michel Ange Pecci.
Asistente de dirección: DanielLobé.
Vestuario: Laetitia Mirault.
Fotografía: Pedro R. Troyano.
Idioma: Francés.
|
Guindalera Escena Abierta
10 y 11 de febrero – 20 h. |
Más información
www.zorongo.com
FOTO: PEDRO R. TROYANO |
Paquita, trabaja como funcionaria de un Ministerio, es una mujer
como tantas otras, sin vida social.
La rutina le conduce a una sala de bingo con el objetivo de
provocar la oportunidad y el cambio. Las oportunidades son como
las cifras, se suceden unas a continuación de las otras. Del
mismo modo, con la misma cadencia, conocerá a tres hombres. Como
las cifras en el bombo del bingo, el primer hombre le conducirá
al segundo y éste al tercero. Tres hombres, tres situaciones
distintas con un final común: la muerte.
La protagonista, mujer cómica y trágica, se mofa de la sociedad.
Piensa que todos nosotros somos enfermos encerrados en un centro
terapéutico, donde, finalmente, podríamos exorcizar nuestros
herrajes psíquicos, sin miedos y sin complejos, para vivir al
fin libres.
Libres como Paquita interpreta su papel, pudiéndonos convertir
en actores y espectadores al mismo tiempo, como si nuestro turno
para subir a escena fuera el siguiente.
|
COMPAÑÍA RACHID OURAMDANE – Francia
¡MIRA! |
LES MORTS PUDIQUES
PROGRAMACION -
DANZA
Dirección, concepto y creación: Rachid Ouramdane.
Luces: Yves Godin y Jean-Michel Hugo.
Sonido: Fanny de Chaillé.
Caracterización: La Bourette.
Vídeo: Sophie Laly.
Fotografía: Solenn Camus.
|
Teatro Instituto Francés de Madrid
11 y 12 de febrero – 20 h. |
Más información
www.ifmadrid.com
FOTO: SOLENN CAMUS |
Rachid Ouramdane intenta con este proyecto continuar su diálogo
artístico con las tecnologías e investigar los terrenos
coreográficos que esta relación posibilita.
El autor toma como punto de partida para este nuevo proyecto Le
jeune homme et la mort de Roland Petit.
La búsqueda se inicia en la escena a partir de una página de
búsqueda en internet que, con las palabras claves de “el hombre
joven y la muerte”, organiza la dramaturgia de la obra, siendo
el resultado una narración no lineal.
Dentro de este viaje en la red nos encontramos con la obra de
Roland Petit, pero las digresiones de la página de búsqueda nos
llevan a diferentes temas de actualidad que vinculan la juventud
y la muerte como, por ejemplo, la aplicación de la pena de
muerte a menores en EE.UU., los atentados suicidas de jóvenes
musulmanes o la eutanasia para jóvenes víctimas de enfermedades
incurables.
La interpretación de la danza se apoya en los resultados de la
búsqueda, expresado como una secuencia de constante cambio, de
transformaciones corporales en escena que, al igual que un disco
compacto regrabable, se construye de nuevo, se recompone según
el flujo de información que recibe.
La base de este proyecto es una sospecha latente sobre la
historia oficial, una desconfianza por aquellos que siempre nos
han contado la historia, una duda hacia las instituciones y
personajes que tradicionalmente construyen y cuentan el pasado y
que confiscan nuestra propia aprehensión de la historia. Está en
la base del proyecto una confrontación de historias
particulares, frente a la historia de los Hombres, la oficial.
|
COMPAÑÍA HANS WERNER KLOHE – Alemania |
RISSE
PROGRAMACION -
DANZA
Dirección y coreografía: Hans-Werner Klohe.
Interpretación: Su-Mi Jang, Jasna Vinovrski y Detlev Alexander.
Cantante: Christian Reiner.
Trompetista: Richard Koch.
Luces: Benjamín Schaelike.
Vestuario: Katharina Meintke.
Fotografía: Björn Reissmann.
|
Teatro Pradillo
17, 18 y 19 de febrero – 20:30 |
Más información
www.teatropradillo.com
www.barbarafriedrich.de
Riss: Fisura
FOTO: BJÖRN REISSMANN
|
Risse nos invita a mirar a través de las fisuras y las fallas
personales para ver algo nuevo.
Los desgarrones y los resquebrajamientos determinan nuestra
existencia, nuestro devenir diario. En la búsqueda de nosotros
mismos llegamos a nuestros límites, nos acercamos a nuestras
propias fronteras; en este proceso de conocernos más nos
descubrimos como algo extraño, como extranjeros a nosotros
mismos. Es entonces cuando las fallas personales emergen y,
lejos de suponer una merma, son el espacio desde donde crece
algo nuevo. Son las que nos permiten a nosotros mismos cambiar,
son las que hacen vivirnos de diferente manera.
Risse trata de esta situación vivida por un individuo, que se
proyecta como reflejo de la relación interhumana en la cual algo
nuevo se obtiene. Risse es una red de encuentros donde los
diferentes artistas, con sus específicos caminos de expresión
(danza, música, voz...), pasan por el momento de cambio radical
y crean nuevos campos de fuerza.
|
COMPAÑÍA NADAESCASUAL – (Madrid) España |
NADAESCASUAL DOS
PROGRAMACION -
TEATRO
Concepto: Rosa Manteiga, María José Ibargüren, Juan Loriente,
Roberto Cerdá y Alberto Jiménez.
Interpretación: Pepe, Claudio, Viví, Lidia, Jorge, Antonio,
Patricia, Rafa, Ana, Eloisa, Juan, Hilario, Isaías, Juan,
Nekane, Pilar, Patricia, Nati y Susana.
Fotografías: Juan Ansótegui.
|
Teatro El Canto de la Cabra
17, 18, 19 y 20 de febrero – 21 h. |
Más información
www.elcantodelacabra.com
FOTO: JUAN ARISÓTEGUI |
Con NadaEsCasual Dos, Alberto Jiménez nos propone continuar
reflexionando y sintiendo la emoción de la vida a través de un
escenario. Una representación en la que el actor en solitario se
presenta como canal de expresión de las vidas de otros, de gente
normal que ahora encontramos sobre el escenario.
Alberto Jiménez cuenta vidas y con estos relatos construye su
identidad, elementos que construyen las de todos. El resultado
es una identidad que fluctúa, se transforma y varía identidad
que fluctúa, se transforma y varía según los días en su búsqueda
por tener una vida inspirada. Un cambio constante, un acomodo
difícil, porque sólo los peces muertos siguen el curso del río.
“En este instante en que camino, necesito reconocer mi huella
escuchando el rastro que los demás graban en el aire. Necesito
hacer desaparecer mi confusa figura y buscarme entre las figuras
de otros. Salir al encuentro del otro, descubrir al otro, llorar
gracias al otro. Construir una posible identidad poliédrica en
la que imaginarse con cierta dignidad. Sin mensajería doctrinal,
simplemente reflejando el dolor y la alegría de vivir cada
instante. Decían que una posible definición del mal sería la
incapacidad para la empatía con el otro. Lo terrible no es ser
incapaz, lo verdaderamente terrible es ser capaz y no dar el
paso. Pero ahí estamos todos, con miedo a movernos no vaya a ser
que ese otro nos quite el sitio. l homo moderno ha pasado del
bipedismo al bisentismo, de la mayor capacidad craneal a la
gorra de Nike, de la pinza pulgar al pulgar a distancia. Hace
miles de años nuestros antepasados asociaron sus voluntades para
dominar el entorno, quizá hoy toque mirar al otro para
resistirse a esa confusión.
A lo mejor sólo quiero descubrir cómo hacen los demás para mover
el culo de sus asientos y caminar por la puta pasarela de la
vida. Sí, no puedo evitarlo, quiero ser James Dean, pero también
quiero ser Gloria y Pepe Molina y Patricia y Elena y Samuel y
Susana y Pilar y Antonio.”
Alberto Jiménez
“Gente con vivencias contando al realidad. Contar, contar. Y
bocas que llevan la vida del que lo cuenta grabada en los
dientes, como el Homo Antecesor. Me gusta pensar que encontrando
unos dientes y una mandíbula reconstruyen una identidad como si
cada cosa que habló una persona hubiera dejado una marca en su
boca Identidad en la boca.”
Juan Ansótegui
|
COMPAÑÍA
PASCOLI – Francia ¡MIRA! |
LE ROI SE MEURT ET LA BASSE COURT
PROGRAMACIÓN -
DANZA
Dirección y coreografía:
Anne-Marie Pascoli.
Interpretación: Anne-Marie Pascoli, Delphine Dolce,
Fred
Labrosse, Akiko Kajihara y Nicolas Hubert.
Directores técnicos: André Parent y Antoine Gélabert.
Vídeo: Lionel Palun.
Música: Patrick Reboud, extractos de "Water Music" de Haendel,
Anne-Sophie Dubourg.
Fotografía: Lionel Palun.
|
Teatro Instituto Francés de Madrid
17 y 18 de febrero – 20 h. |
Más información
www.ifmadrid.com
FOTO: LIONEL PAULUN |
La propuesta artística de esta creación es la de interrogar al
cuerpo en su dimensión de patrimonio vivo y poético, contenedor
de múltiples realidades. El cuerpo es concebido como patrimonio
de la memoria, integrador de todas las herencias, las esperanzas
y fragilidades, construido por el paso de la historia. Es, a la
vez, el terreno virgen donde se vuelve a crear permanentemente
toda la historia del ser del mundo, de sus elecciones,
aspiraciones y tumultos. La obra defiende un cuerpo en peligro
de perder el sentido, por la asepsia del pensamiento, de la
aceleración trivial.
Desde hace varios años, en paralelo y complementado con la
difusión en teatros, la compañía Pascoli desarrolla su actividad
en lugares que tienen una historia propia como museos, galerías
de arte, salas de exposiciones y espacios que forman parte del
patrimonio histórico, así como espacios de “fabricación
artística”, viejas plantas fabriles o lugares industriales.
Dentro de este enfoque la voluntad artística se forma, la
intención de experimentar el cruce de diferentes universos
artísticos, el del arte coreográfico y el de las artes
plásticas, se confirman en los pasos de danza. Un enfoque de
creación artística que interroga y propone contactos con
públicos diferentes de los habituales, que busca la
confrontación y el encuentro, las miradas sobre los procesos de
creación basados en intercambios regulares.
El desarrollo de la creación artística parte de una escritura
artística singular, basada en la improvisación dirigida y la
composición instantánea, en adecuación con el espíritu del
lugar, su arquitectura, su historia y su presente. De este modo
. la creación es evolutiva, alimentada de materias exploradas en
las intervenciones en distintos lugares.
|
COMPAÑÍA TEATRODE LOSMANANTIALES – (Comunitat
Valenciana) España |
ÁCARS
PROGRAMACIÓN -
TEATRO
Dirección: Ximo Flores.
Texto: Xavier Puchades.
Interpretación: Maribel Bravo, Nando Pascual, Miguel Àngel Altet
y Sonia Ortiz.
Escenografía: Martina Bot Flores.
Luces: Alex Rault.
Dibujos: Arturo Sánchez Velasco.
Fotografía: Miguel Ángel Altet.
|
Guindalera Escena Abierta
17 y 18 de febrero – 20 h. |
Más información
www.teatrodelosmamantiales.com
www.guindalera.com
FOTO: MIGUEL ÁNGEL ALTET |
Ácars podría ser un enfrentamiento entre dos familias, una en
proceso de descomposición y otra que no acaba de conformarse. En
su relación esconden un conflicto presente en la vida
contemporánea, el choque entre lo privado y lo público, lo
personal y lo político. En este enfrentamiento entran en duelo
dos morales con valores opuestos, por un lado el sacrificio, la
pertenencia a una familia y el trabajo responsable, y por otro,
el individualismo, la autorrealización, el abandono de las
cuestiones públicas y lo lúdico.
La compañía parte del presupuesto de que todas las familias son
iguales, que la familia sobrevive y no se destruye
completamente, se redefine y cambia refugiándose en valores
reaccionarios o en el caos.
Los personajes de Ácars hablan demasiado y hacen muy poco, el
suelo se llena de colillas y todo de ácaros. No es casual que
esta familia viva con toda tranquilidad en medio de una guerra,
han perdido la sensibilidad, la vista, el olfato, el gusto, el
tacto, el oído, que son los que nos vinculan a la realidad. Para
el director, el sentido de esta obra está en recuperar la
capacidad de sentir en un momento en que la excesiva información
atrofia los sentidos. La recuperación de esta posibilidad de
sentir es lo que nos diferencia de un pedazo de carne despiezado
en el matadero y comerciado en una carnicería.
|
COMPAÑÍA ATRA BILIS – (Madrid) España |
Y COMO NO SE PUDRIÓ: BLANCANIEVES
PROGRAMACIÓN -
TEATRO
Dirección: Angélica Liddell.
Interpretación: Gumersindo Puche, Angélica Liddell y
colaboradores especiales.
Escenografía y vestuario: Angélica
Liddell.
Luces: Carlos Marqueríe.
Vídeo: Salvador Martínez.
Banda sonora: José Carreiro.
Fotografía: Jaime Ortín.
|
La Casa Encendida
18, 19 y 20 de febrero - 22 h. |
Más información
www.lacasaencendida.com
FOTO: JAIME ORTIN |
Y como no se pudrió: Blancanieves es el segundo acto de
resistencia contra la muerte después de Y los peces salieron a
combatir contra los hombres ("¿Se da cuenta, señor puta, de que
este pescado tiene ojos de hombre? Se han ahogado tantos negros
que los peces comienzan a tener ojos de hombre. Cualquier día
aprenderán a hablar los peces".)
Una apuesta por el teatro político estrenado en el Festival
Madrid Sur’03.
Se trata de defender el principio de la vida frente al principio
del Estado. Este teatro busca de volver a la política su alianza
con la filosofía y la poesía, convertir la obra de arte en
Estado como generador del bien común “El problema de la política
es ella misma, ha dejado de estar ligada a la filosofía y al
pensamiento, para asociarse con el poder económico y mantener
una relación permanente con la injusticia.”
Angélica Liddell
Angélica Liddell ha utilizado el personaje de fábula infantil de
Blancanieves para proyectar sobre él el horror de la guerra, la
muerte, el castigo, la violación, el hambre y el odio. Ha
convertido a Blancanieves en una niña soldado que, aún así,
sigue siendo niña. Angélica escoge un personaje de cuento
infantil, a partir del cual los niños de la prosperidad
occidental conocen la crueldad y la maldad. Al contrario, los
niños del resto del mundo experimentan la crueldad misma: ellos
no aprenden lo que es el mal a través de la imaginación, sino
que lo hacen a punta de machete o a cambio de un plato de
comida.
Atra Bilis construye un tiempo y un espacio ficticios, donde la
guerra ha evolucionado de modo que las victorias o derrotas no
son luchas entre ejércitos, sino masacres infantiles, algo que,
lejos de ser una ficción, ya está ocurriendo.
|
COMPAÑÍA CRISTINA MOURA – Brasil |
LIKE AN IDIOT
PROGRAMACIÓN -
DANZA
Concepto, dirección, coreografía e interpretación:
Cristina
Moura.
Asesor dramaturgia: Carmen Mehnert.
Luces: Sérgio Pessanha.
Música: Beat Halberschmidt, Cristina Moura con música de Mozart,
Sainkho Namtchylak, Gilberto Gil y Lauryn Hill.
Coordinación técnica: Dalton Camargos.
Fotografía: Milla Petrilo.
|
Casa de América
18 y 19 de febrero – 20 h. |
Más información
www.casaamerica.es
FOTO: MILLA PETRILO |
Like an idiot es un reencuentro, un cara a cara entre la
intérprete y el público, donde lo emocional está siempre
presente. Una investigación preformativa que surge de diferentes
impulsos, a veces físicos, otras intelectuales y subjetivos.
La intérprete crea un dúo, en la que los dos miembros son ella
misma; en este diálogo intenta adquirir la identidad de muchos
otros, todos los que una persona contiene. Esta dinámica se
sitúa en un contexto emocional, político e, incluso, irracional,
que comunica su intención a través del camino claro y directo
que proporciona el lenguaje de la danza.
En Like an idiot el cuerpo es entendido dentro de un proceso en
transformación constante, como espacio de matamorfosis, como
almacén de emociones. Es un cuerpo que comunica las paradojas,
las incoherencias y las confusiones a las que el individuo se ve
sometido por las emociones. Es un cuerpo que se enfrenta a la
paradoja de desear ser otro y continuar siendo el mismo a un
tiempo. Un cuerpo que siente la vulnerabilidad y la
autenticidad, que recuerda, que cruza su límite procurando
mantener la cordura.
La intérprete a través del lenguaje de la danza cuestiona su
presencia en el mundo, un mundo roto, absurdo, incoherente,
accidental, divertido y confuso.
|
COMPAÑÍA MAL PELO – (Catalunya) España |
AN (EL SILENCI)
PROGRAMACIÓN -
DANZA
Dirección: Pep Ramis.
Colaboración en la dirección: Andrés Corchero y María Muñoz.
Ayudante de dirección: Cristina Cerviá.
Interpretación: Constanza Brncic, Jordi Casanovas, Andrés
Corchero, Enric Fábregas, María Muñoz y Pep Ramis.
Textos: Jean Cocteau / Mal Pelo.
Escenografía: Pep Ramis y Adrià Miserachs.
Luces: Ramón Rey y August Viladomat.
Sonido: Àlex Polls.
Técnico de sonido: Jaime Figueres.
Vídeo: Quelic Berga.
Asesoramiento vídeo: Núria Font y Toni Serra.
Música: Steve Noble.
Vestuario: Rosa Solé.
Fotografía: Ferrán Mateo y Jordi Bover.
|
Sala Cuarta Pared
19 y 20 de febrero – 21 h. |
Más información
www.cuartapared.com
www.malpelo.org
FOTO: FERRÁN MATEO Y JORDI BOVER |
La compañía Mal Pelo lleva 15 años creando un lenguaje propio
caracterizado por un estilo intimista y humano que facilita una
proximidad cómplice y una comunicación directa con el público.
La mezcla de lenguajes es seña de identidad de la Compañía Mal
Pelo, la integración de estas experiencias les permite llegar a
una dramaturgia sólida basada en la fuerza de los intérpretes.
A esta característica se une el desarrollo de una construcción
dramática que permite la lectura fluida de la obra por parte de
los espectadores.
An (el silenci) es un espectáculo estructurado como un poema,
siguiendo las líneas que proporcionó a los creadores el texto de
Jean Cocteau Visite del libro Discours de Grand Sommeil. Escrito
durante la Primera Guerra Mundial, el texto narra la visita de
un hombre que, muerto en el frente y todavía en un estado
especial de tránsito, visita a alguien amado, tal vez él mismo.
El montaje es un espacio para ser habitado, un lugar donde las
referencias son los cuerpos de otros y la huella que dejan. Un
juego entre los individuos de este grupo que casi no recuerdan
por qué están donde están. An (el silenci) es un hombre, el
visitador, y la memoria de una vida recuperada, un personaje al
que reconocemos en cada uno de los intérpretes en escena.
El espacio escénico esta vez no es un contenedor estanco, no
acaba en el espacio cerrado de la sala, sino que se proyecta al
infinito gracias a la escenografía videográfica que se refleja
sobre la pared del fondo del escenario.
An (el silenci) es un espectáculo en el que se produce un
particular encuentro entre el lenguaje de Mal Pelo, María Muñoz
y Pep Ramis, y el del bailarín Andrés Corchero. Es el encuentro
entre tres bailarines y coreógrafos con una trayectoria
profesional de más de quince años. Un recorrido consolidado,
honesto con la danza, con ellos mismos y con el público.
Cuando se plantean el diálogo, Mal Pelo y Andrés Corchero
intuyen que comparten una mirada poética sobre el tiempo y el
uso del silencio, un espacio de percepción y complicidad que se
atrevieron a revisar juntos. Ahora, después del proceso de
creación, después de confirmar hipótesis y descubrir espacios de
comunicación entre los dos, habitan ese lugar de complicidad que
no pertenece a nadie porque es común.
El desarrollo del proceso creativo hace de An (el silenci) un
trabajo peculiar, delicado y desnudo.
|
COMPAÑÍA MARTA GALÁN – (Catalunya) España |
LOLA + MACHOS
PROGRAMACIÓN -
TEATRO
LOLA
Dirección y escenografía: Marta Galán.
Interpretación: Santiago Maravilla.
Luces: Ana Rovira.
Música: Santiago Maravilla.
Arreglos musicales de los temas “Yo no soy esa” y “Lola
espérame”: Alexis Borràs.
Video: Néstor Doménech y Santiago Maravilla.
Asesoría en el vestuario: MUAC.
Fotografía: Sonia Bosma.
MACHOS
Dirección y escenografía: Marta Galán.
Interpretación: Santiago Maravilla y Vicens Mayans.
Música: David DePheria, Fidel DePheria y Santiago DePheria.
Luces: Ana Rovira.
Videos: Roger LaPuente.
Asesoría en el vestuario: MUAC.
Fotografía: Sonia Bosma.
|
Teatro Pradillo
21 y 22 de febrero – 20:30 h.
La Nave de Cambaleo
19 y 20 de febrero – 21 h. |
Más información
www.teatropradillo.com
www.arrakis.es/~cambaleo/
FOTO: SONIA BOSMA
|
Lola + Machos son dos espectáculos autónomos que forman parte de
una trilogía que se concluirá con El Perro. Dentro del Festival,
Lola se presentará antes de Machos, siendo ambos un tándem sobre
la reflexión de la construcción cultural de los géneros.Se
presentan, pues, seguidos y en un mismo espacio entre los cuales
habrá un descanso de 10 a 15 minutos.
LOLA
Fue un primer paso en la reflexión sobre la identidad y la
construcción de los géneros. Esta idea partió de Santiago
Maravilla, él fue quien propuso a Marta Galán trabajar sobre el
concepto de lo femenino. Él quería ser Lola, lo quería ser
siendo Santiago Maravilla, quería volcar en este espectáculo
todos los códigos estéticos y hacerlo desde la figura de un
personaje femenino.
La obra demuestra que hay una permeabilidad entre lo estipulado
como femenino y lo masculino, y a la inversa. Un cuerpo/textura
masculino permeable a ciertos signos de feminidad. En el
espectáculo se utiliza una estética influida por el punk, el
trash y la canción ligera para dejar que se filtren reflexiones
sobre cómo se construye social y culturalmente la identidad
femenina.
MACHOS
Marta Galán en Machos se cuestiona el concepto de lo masculino
y, como consecuencia de este planteamiento, dibuja un nuevo mapa
de la masculinidad redefiniendo este concepto.
El montaje lo crea para ponerse a prueba. Convencida de que sus
creaciones tienen
características femeninas, aunque no haya querido
intencionalmente que las tuvieran, se aventura en la posibilidad
de trabajar sólo con hombres para poner en juego conceptos
esteriotipados de masculinidad con el fin de subvertirlos. Para
ello deconstruye la idea de lo masculino como un concepto
construido sobre la productividad, el poder, la dominación, el
deseo y la acción. Para desmantelar el prototipo de lo masculino
la autora sublimó este rol estereotipado, decidió mostrar los
tópicos sin pudor y un mundo de machos desmedido.
“Me interesa una forma de devenir masculino de lo femenino, del
devenir femenino de lo masculino. De metamorfosis, de
transformación. Y, a partir de los tópicos que definen el
concepto de “masculinidad”: el sexo, la competitividad, la
violencia, el control de las emociones, la
racionalidad...extraer esas metamorfosis, esos devenires”
Marta
Galán
|
COMPAÑÍA CUARTA PARED COMPAÑÍA DE TEATRO – (Madrid)
España |
CAFÉ
PROGRAMACIÓN -
TEATRO
Dirección: Javier G. Yagüe.
Ayudante de dirección: Elvira Sorolla.
Interpretación: Frantxa Arraiza, Esperanza Elipe, José Melchor,
Javier Pérez-Acebrón, Asunción Rivero.
Dramaturgia: Luis García Aráus, Susana Sánchez y Javier G.
Yagüe.
Escenografía: María Luisa de Laiglesia.
Luces: Isabel Vega.
Vestuario: Cuarta Pared.
|
Sala Cuarta Pared
Fecha 22 y 23 de febrero – 21 h. |
Más información
www.cuartapared.es
 Después de su premiada y aplaudida Trilogía de la Juventud
(Las
Manos, Imagina y 24/7) Cuarta Pared afronta su nuevo proyecto
con la idea de abordar terrenos desconocidos que le obliguen a
no repetirse y permitan continuar su proceso creativo. Para ello
se plantea un radical cambio de registro para adentrarse en el
territorio del humor. ¿Es posible plantearse un montaje cuya
base sea el humor sin caer en la frivolidad, superficialidad o
en ese humor-basura que nos invade? Ese es el reto que afronta
Cuarta Pared: cómo seguir hablando de los temas que forman parte
del debate social, con voluntad de intervenir y agitar esos
debates, pero cambiando de tono y dando su visión desde el
humor.
Café es una obra que habla de las adicciones, de la tolerancia y
la represión. Una serie de personajes que ven alteradas sus
vidas debido a una circunstancia excepcional, una restricción de
café. En esta obra, la protagonista verá como los hechos
afectan, como si de una onda expansiva se tratara, a su vida
familiar y laboral e iniciará el descubrimiento de un submundo
que desconocía.
Café nos hace reflexionar sobre la capacidad de ejercer la
libertad, de decidir sobre el propio cuerpo, de la autonomía, de
la autodeterminación, de la imposición de normas en nombre de
intereses económicos y de control social; sobre la hipocresía,
la contradicción de un Estado y una sociedad que prohíben y
marginan, que restringen libertades para resolver los problemas
que su propio funcionamiento genera y que plantean soluciones
que agravan los conflictos que pretenden resolver.
La puesta en escena de Café pretende profundizar en las líneas
que la Compañía Cuarta Pared viene desarrollando en sus últimos
montajes: la búsqueda de la cercanía entre actor y espectador,
la síntesis de palabra y movimiento y el encuentro de lo
narrativo y lo escénico.
La dramaturgia está firmada por Susana Sánchez, Luis
García-Aráus, representantes de las nuevas generaciones de
dramaturgos, y Javier García Yagüe, director de la Compañía
Cuarta Pared, aunque como es habitual en los procesos de la
compañía, los actores tienen una intervención fundamental en los
procesos trascendiendo el trabajo actoral hasta formar parte de
la autoría de la obra.
|
COMPAÑÍA TEN PEN CHII – Alemania |
I – KI
PROGRAMACIÓN -
DANZA
Dirección, coreografía e interpretación:
Yumiko Yoshioka.
Escenografía: Joachim Manger.
Música: Zan Jonson.
Fotografía: Michel Peters.
|
Teatro Pradillo
24, 25 y 26 de febrero – 20:30 h. |
Más información
www.teatropradillo.com
FOTO: MICHEL PETERS |
La palabra japonesa iki significa “aliento” y, por otro lado,
“vida” o “voluntad de vivir”.
Este montaje se desarrolla en la instalación de Joachim Manger.
Un transparente sistema vivo de plástico hinchado de aire, una
estructura con la que interactúa la bailarina. Primero se acerca
con miedo y curiosidad, entra con cautela en este mundo de
plástico, familiarizándose con él y comenzando a encontrarse
confortable. Después toma conciencia de que el sistema tiene
vida propia y que respira como un ser humano. Tan pronto como
exhala el sistema, la bailarina afronta, con la pérdida del
oxígeno que hincha el reducido mundo transparente, el vacío y el
peligro de asfixia que se hacen reales sobre el escenario.
La performance busca reflejar la amenaza que constituyen para el
hombre los sistemas tecnológicos, así como la imposibilidad de
cohabitar con ellos. Esta intención refleja y afianza la línea
conceptual de la compañía, basada en crear montajes que sean
vías de expresión para la violenta relación entre los hombres,
la naturaleza artificial y la tecnología.
El grupo parte de que el poder de la creación humana puede
superar a su creador, de este modo, Ten Pen Chii ha desarrollado
un lenguaje artístico que sirve de expresión para lo
incontrolable y explora el hecho de que las cosas crezcan por
encima de su proporción. La instalación de Joachim Manger y la
coreografía de Yumiko Yoshioka buscan confrontar la sensibilidad
humana con la impersonal severidad de la naturaleza artificial y
su transparencia.
La labor artística de la compañía se basa en la vanguardia de la
danza Butoh japonesa, Caracterizada por signos y movimientos
donde un solo gesto construye un universo. Una danza en la que
el lenguaje del cuerpo se ha desligado de su específica
naturaleza humana, que trata al cuerpo como algo material, como
masa flexible. Las reglas de la anatomía humana son
transgredidas, las limitaciones y la expresión física
descolocada.
Para Yumiko Yoshioka el cuerpo es el receptáculo del tiempo.
Para ella, a través de una exploración hacia el espacio sin
fondo de la memoria colectiva de nuestro pasado, podemos llegar
a una veta de abundantes recursos con la que enriquecer nuestra
vida. La coreógrafa quiere activar estas memorias olvidadas
concentrando en nuestro código interno nuestra energía Ki
(vital) y su circulación.
TEN PEN CHII
Ten es el cielo, Chi la tierra y Pen el cambio. I es la
diferencia. La formación germano – japonesa lleva creando
performances desde 1994. Sus trabajos zarandean al espectador
con montajes que se construyen sobre la base de sonidos que se
vuelven música, colores generados por las luces e instalaciones
que crean la estructura de un mundo nuevo. Así llegan a lo que
para ellos es el Conocimiento, o cuando todo está condensado,
danza, espacio, luz, música…mientras el poder de las imágenes
fascina nuestras mentes. Para ellos el caos es la matriz de la
creatividad. El cuerpo es el receptáculo del espacio y el
tiempo, memorias vibrando, estas vibraciones provocan una
resonancia que expande y abre puertas al constante cambio en el
mundo interior de cada uno y en el exterior.
El recorrido de la coreógrafa Yoshioka se basa en la vanguardia
de la danza Butoh japonesa, en la que se educó. El hecho más
inspirador y perturbador del Butoh es la renuncia a los valores
morales y la deshumanización del cuerpo. Para la compañía los
peligros en el trabajo con la danza Butoh son, por un lado, el
de hacer un repertorio de movimientos cerrado y, por otro,
integrar sus movimientos como un exótico ornamento dentro del
propio lenguaje coreográfico.
Ten Pen Chii evita estas situaciones al transportar el
productivo conflicto, propio del Butoh, dentro de un nuevo tipo
de tensión preservando su expresividad y emoción originales.
El butoh de Yoshioka combina la danza, el teatro, la
improvisación junto con influencias de las tradicionales artes
escénicas japonesas y la danza expresionista alemana.
"El butoh
intenta romper estereotipos o patrones establecidos con una
poética que se caracteriza por estar cargada de una profunda
filosofía. Nunca ha sido una expresión fija o establecida, su
autenticidad nace de su rechazo a lo completo y establecido,
logrando sin embargo una estructura genuina”.
Yoshioka
|
COMPAÑÍA SISYPHE HEUREUX –
Francia ¡MIRA! |
BACK UP
PROGRAMACIÓN -
DANZA
Concepto, dirección y coreografía:
Haïm Adri.
Asistente a la coreografía: Muriel Adri.
Interpretación: Rabeah Morkus, Yuval Goldstein, Saleh Bakri y
Haïm Adri.
Música: Benoît Hillebrant.
Fotografía: Agathe Poupeney.
|
Teatro El Canto de la Cabra
24, 25 y 26 de febrero – 21 h. |
Más información
www.elcantodelacabra.com
www.sisypheheureux.org
FOTO: AGATHE POUPENEY
|
Este montaje es la tercera parte de una trilogía titulada Bribes
cuyas dos primeras partes fueron creadas en 2002 y 2003. Un
proyecto más amplio en el que se incluyen imágenes filmadas de
artistas palestinos e israelíes. Estas filmaciones son la base y
constituyen el fondo imaginario para la escritura y construcción
de los cuatro personajes de la pieza coreográfica que veremos en
el Festival.
Back Up se cuestiona las conexiones entre territorio, identidad
y memoria. La obra plantea la identidad y la memoria en una
tierra compartida por israelíes y palestinos. Un lugar donde el
recuerdo se ha convertido en una práctica obligatoria y donde
los límites de uno mismo están definidos por la arbitraria
fuerza de la memoria colectiva. Back Up no tiene como función
revelarse contra el conflicto, sino intentar sobrevivir a él, la
obra consiste en una función de resistencia a los
acontecimientos.
Esta es una obra sobre una relación de identidades, la identidad
es concebida por el autor como una protección que impone al
individuo el inconsciente colectivo de la comunidad a la que
pertenece.
El punto de partida del trabajo sobre la pieza coreográfica es
un juego de correspondencias que se inicia entre los cuatro
intérpretes israelíes y palestinos, la obra se genera en torno a
las identidades de los cuatro sujetos filmados con la trama de
la memoria como centro.
Con Back Up el autor quiere interrogarse por la interpretación
como lugar de metamorfosis, y desarrollar la búsqueda de un más
allá en la comprensión del otro.
La parte coreográfica de Back Up surge de una lectura de
situaciones de Esperando a Godot, éstas se van a poner como base
del encuentro de cuatro personajes, tres hombres y una mujer,
israelíes y palestinos en un tipo de tierra de nadie que podía
ser un encuentro en un Check point en el que cada uno se
reapropia de la memoria de los otros y viceversa.
|
COMPAÑÍA OLGA
DE SOTO – Bélgica ¡MIRA! |
HISTOIRE(S)
PROGRAMACIÓN -
DANZA
Concepto, dirección y puesta en escena:
Olga de Soto.
Interpretación: Vincent Druguet y Olga de Soto.
Escenografía: Thibault Vancraenenbroeck.
Luces: Henri – Emmanuel Doublier.
Sonido y Vídeo: Olga de Soto.
Montaje de vídeo: Montxo de Soto.
Colabora Valencia Escena Oberta VEO 2005.
Fotografía:
Grégoire Romefort.
Idioma Francés con subtítulos en castellano.
|
Sala Cuarta Pared
25 y 26 de febrero – 21 h. |
Más información
www.cuartapared.com
FOTO: GRÉGOIRE ROMEFORT
|
Olga de Soto ha construido este espectáculo vídeo-performance
coreográfico documental, sobre la base de los recuerdos de los
espectadores que asistieron al estreno de Le Jeune Homme et la
Mort, ballet mítico de Roland Petit sobre un argumento de Jean
Cocteau, en el Teatro de los Campos Elíseos el 25 de junio de
1946.
En histoire(s) Olga de Soto reconstruye la memoria siguiendo el
rastro que deja un espectáculo en la experiencia del público. A
la creadora le intriga qué impresionó y marcó a los
espectadores, especula con los recuerdos que puedan haber
guardado o que puedan haber surgido de la estructura del montaje
o del trabajo de los bailarines. La coreógrafa se cuestiona qué
es lo que queda de una obra escénica cuando las personas que la
han visto y las que la han hecho ya no están para recordarla.
Para ello busca a los espectadores que asistieron a la première
del espectáculo y, entre ellos, piensa en los que pudieron ir al
teatro en plena posguerra: actores, pintores, escultores,
bailarines, directores de teatro, músicos, decoradores…, los
busca en internet, pone anuncios en la prensa y comienzan a
responder.
Durante el montaje sus preguntas fueron múltiples y complejas,
concernían a los seres humanos y a su memoria. La apuesta más
compleja fue cómo ordenar las voces, cómo articularlas y darles
su ritmo, cómo pasar de la memoria colectiva a la historia
particular.
En el concepto artístico de Olga de Soto, el punto de anclaje de
sus reflexiones es la música de los cuerpos, de los espacios y
de la mirada, su trabajo es la memoria.
Las personas que ofrecieron su memoria para la creación de este
espectáculo han sido: Micheline Hesse, Suzanne Batbedat, Robert
Genin, Brigitte Evellin, Julien Pley, Françoise Olivaux, Olivier
Merlin y Frédéric Stern.
|
COMPAÑÍA RETOURAMONT – Francia ¡MIRA! |
RÉFLEXION DE FAÇADE
PROGRAMACIÓN -
DANZA
Dirección y coordinación: Isabelle Pinon.
Coreografía: Geneviève Mazin y Fabrice Guillot.
Interpretación: Odile Gheysens, Nicolas Lochu, Kimiko Otaka,
Isabelle Pinon y Nathalie Tedesco.
Música: René Michel.
Fotografía: José – Miguel Carmona.
|
La Casa Encendida
25, 26 y 27 de febrero – 21 h. |
Más información
www.retouramont.com
www.lacasaencendida.com
FOTO: JOSÉ M. CARMONA |
Reflexión de façade, danza vertical propuesta para seis
intérpretes, basada en actuaciones artísticas con tirolinas, a
ras de suelo y acrobacia con cuerdas. La coreografía estará
construida por varias secuencias de cinco a diez minutos cada
una.
Este espectáculo gratuito se llevará a cabo en el patio de la
Casa Encendida, pudiéndose ver desde el propio patio y las
diferentes plantas del espacio. La función del domingo 27 de
febrero clausura la V edición del Festival.
El montaje es una aventura urbana que nació en el año 1997, como
respuesta a la inquietud de unir danza y arquitectura en una
misma expresión artística. Desde entonces ha girado un centenar
de veces en espacios muy diversos: iglesias y fachadas de
monumentos históricos, puentes y autopistas, faros, piscinas
olímpicas…
La arquitectura se vuelve soporte del movimiento. La propuesta
supone un encuentro exitoso entre la danza vertical, los cuerpos
que desafían la gravedad bailando las paredes y un objeto
urbano. Estas propuestas permiten al espectador vivir su entorno
de una manera diferente, le permiten experimentar un espacio
cotidiano como un lugar donde tener un encuentro con la acción
artística.
Desde 1995, la Compañía Retouramont, creada por los coreógrafos
Geneviève Mazin y Fabrice Guillot, mantiene una reflexión sobre
la materia, el uso del suelo y la gravedad. Bailan en la ciudad
con el fin de explorar la condición de ciudadanos. Se inspira en
el espacio arquitectónico y el objeto urbano para cuestionarse,
de manera poética, la relación que mantiene el hombre con el
entorno que él mismo ha creado, la del individuo con el otro y
el objeto.
La danza nace de este acuerdo entre el bailarín y el objeto: una
arquitectura, un cuerpo, un espacio, una danza escultura que da
otra mirada a estos objetos.
A través de sus coreografías Retouramont lleva una reflexión en
torno a la materia, la utilización del sol y la gravedad.
Cómplices de la materia apoyados en un muro, pegados al suelo,
los danzantes de la compañía construyen una arquitectura
pasajera, verdadera danza escultórica que revela los objetos y
los espacios donde se desarrolla.
Sus performances urbanas proponen una nueva relación entre el
cuerpo y la ciudad, propone una trasgresión de los espacios
funcionales que se convierten en terrenos de expresión lúdica.
|
DEPARTAMENTOS DE FALSOS HORIZONTES DFH – LA FRAGUA
–
(Murcia) España
|
BOEING BUS
EXPERIENCIAS -
PEFORMANCE
Compañía:
Departamento de Falsos Horizontes, DFH/la fragua.
Interpretación: Susanan Alcantud, Pablo Bermejo, pablo Gomis y
Anders Restad.
Sonido: Pedro Guirao.
Vestuario: Cristina navarro.
Colabora Autocares A:L:S:A/ instituto de la
Juventud Region de
Murcia.
Diseño y fotografía: David R.
|
Estación de Chamartín salida de esta estación de RENFE
y recorrido por la ciudad hasta el destino en “Isla Paraíso”.
Aforo limitado, reservas: 91 360 41 03.
5 y 6 de febrero – 19 horas. |
FOTO: DAVID R. |
Boeing Bus invita a reflexionar sobre la psicosis internacional
surgida en torno al terror, la intención de ciertos sectores
privados de sacar el máximo beneficio del miedo y el modo en que
los gobiernos y la industria del transporte aéreo tratan la
difícil cuestión de la seguridad de los viajeros. La propuesta
surge de un interés real por la situación y una necesidad de
analizar y compartir un diálogo sobre una realidad que, más que
silenciarse, debe provocar respuestas.
La experiencia, de una hora de duración, propone un recorrido
por la ciudad, manteniéndose en los márgenes entre la
instalación y el espectáculo preformativo. El montaje recrea la
ficción de un vuelo, los pasajeros estarán acompañados por la
tripulación uniformada de Atta Airlines. La acción finalizaría
con el aterrizaje en la isla Paraíso. |
|
COMPAÑÍA OSLÚ – (Madrid)
España |
EXPOSICIÓN
EXPERIENCIAS -
PERFORMANCE
Dirección y música:
Oscar G. Villegas.
Texto: Luciana Pereyra.
Ago. Graffitis: Suso33.
Diseño perro: Santi R.
Vídeo: OsLú.
Voz Off: Susana Gil.
Entrevistados: Victoriano, Chon, Ester, Gregorio, Jesús, Mamen,
Mariu, Santiago y Prado.
Fotografía: Ramiro e.
|
Fnac de Callao (Zona de lectura, 2º planta)
8, 9 y 10 de febrero – 19 h. |
FOTO: REMIRO E. |
La característica esencial de una fobia, es un miedo intenso y
persistente a objetos o situaciones muy concretos. Un temor
razonable puede llegar a convertirse en fobia a causa del
aprendizaje o de las influencias culturales y sociales. La
persona que lo sufre sabe perfectamente que esa reacción es
exagerada pero no puede evitarla, y a medida que se aproxima al
objeto de su temor aumenta la sensación de nerviosismo y
alteración. La proximidad física con ese objeto o situación
provoca casi de manera invariable una respuesta inmediata de
ansiedad. Los síntomas son: sudores, pulso acelerado, nudo en el
estómago, temblor de manos y de piernas, mareos, sensación de no
poder respirar, ahogos; el sujeto observa la posibilidad de
perder el control y empezar a gritar entre la gente; siente
miedo de morir o enloquecer.
Hay angustias flotantes, en las que el miedo va a la deriva…
Ella completamente pegada aplastada al cristal. Unta, lo mancha
con su maquillaje.
El otro desde fuera hasta cubrirla con palabras. Pintar un
tríptico. Pintarla a Ella. De perfil. Con abrigo y bolso. Pintar
sobre el maquillaje.
Uno, con el ruido. El ruido dentro. No de su cabeza. Un latido
se proyecta. El cristal se quiebra. Ella está en un escaparate
Protegida, expuesta, admirada, vigilada.
No sabemos si quiere ser vista o intenta ocultarse Si contempla
en mundo exterior, lo admira, lo teme o ignora lo que sucede al
otro lado, quién mira a quién, quién está dentro y quién está
fuera. quién compra, quién está a la ventana. Ella está en un
escaparate, protegida, expuesta, admirada, vigilada…vulnerable.
|
COMPAÑÍA R.I.P.E. – Reino Unido |
SHED*LIGHT
EXPERIENCIAS -
INSTALACIÓN Y PERFORMANCE
Instalación:
Concepto: Marc Rees.
Diseño: Marc Rees, Benedict Anderson y Andrea Poessnicker.
Performance:
Dirección, coreografía e interpretación: Marc Rees.
|
Madrid.- XXIII Feria Internacional de Arte Contemporáneo
ARCO
9: solo profesionales con invitación.
10: de 17 a 21 horas
y 11 de febrero - 12 a 21 h. |
Más información
www.r-i-p-e.co.uk
FOTO: DARREN BTITENB |
Esta instalación se llevará a cabo en las instalaciones de la
Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCO, en el Parque
Ferial Juan Carlos I.
Creada por Marc Rees, la Rees International Projects Enterprise
(R.I.P.E.), ha desarrollado exitosos proyectos en colaboración
con diseñadores, arquitectos, cineastas, compositores y
coreógrafos de Europa y Norteamérica.
Sus proyectos exploran la identidad cultural con un estilo
particular y creativo, suponen la fusión de diversas disciplinas
artísticas como la coreografía, las imágenes, el film, el diseño
y la arquitectura, entre otras. Estas Instalaciones/perfomance
son conocidas por ser llamativas, cargadas de humor y exponer
extremas interpretaciones de la historia, la cultura y las
experiencias personales.
Shed*Light es un proyecto artístico interdisciplinar y
multimedia, hecho en colaboración con el arquitecto Benedict
Anderson. Marc Rees nos propone la reconstrucción de un antiguo
cobertizo para dinamita del valle de Swansea, en el sur de
Gales. La instalación explora la reconstrucción de la
experiencia individual de espacio, lugar e identidad. Es una
instalación que cuestiona la tradicional concepción de intimidad
y exposición pública, esta propuesta supone un choque que
redefine la noción de nuestro actual imaginario espacial.
Shed*Light es una vuelta a Gales, la reclamación y restauración
estructural de un edificio abandonado representa la construcción
de los propios personajes, de su identidad cultural.
Todo esto lo consigue a través del diseño arquitectónico, la
construcción, las imágenes filmadas, la fotografía y la
instalación sonora. Marc Rees, además, intervendrá en el
interior del fuselaje de un avión que estará situado en las
instalaciones de ARCO. Esta estructura albergará una instalación
de Rees y en él exhibirá un solo de danza.
|
MERCEDES LIENAS - Huesca (España) |
AVIÓN
EXPERIENCIAS -
PERFORMANCE
Es un proyecto creado y dirigido por Mercedes Lienas, Pablo
Álvarez de Lara, Eduardo Cajal y Héctor Crehuet Garayzábal.
Desarrollo: Tdi Taller de diseño industrial - Huesca equipo
ten-t arquitectura
|
Madrid -XXIII Feria Internacional de Arte Contemporáneo
ARCO
9: solo profesionales con invitación.,
10: de 17 a 21 horas y
11, 12, 13 y 14 de febrero: - 12 a 21 h. |
Para más información
www.avion3puntos.net
 |
Avión... es el fuselaje de un Dc-9, una infraestructura cultural
móvil, para la creación y la experimentación. Accidentado en
Granada el 30 de marzo del año 1992, sin víctimas ni heridos de
gravedad, fue comprada como chatarra al peso.
Su recuperación como espacio artístico nace de la mezcla de
múltiples disciplinas y propone el trayecto como acontecimiento.
De este modo, Avión... podrá ser utilizado por todas aquéllas
personas, colectivos o instituciones que sientan interés por él,
esta el la base de su permanencia en el tiempo y el contenido de
su memoria. |
|
COMPAÑÍA LLORENÇ BARBER – (Madrid) España |
SIC O LO QUE SEA SONARÁ
EXPERIENCIAS -
MÚSICA
Dirección y concepto: Llorenc Barber.
Creación, dirección e interpretación: Llorenç Barber.
Fotografía: David Jiménez.
|
Teatro El Canto de la Cabra
10, 11, 12 y 13 de febrero – 21 h. |
Más información
www.elcantodelacabra.com
FOTO: DAVID JIMÉNEZ |
Montaje de campanitas y cencerros que, mediante cuerdas,
envuelven al público. Hacer llegar al intérprete la capacidad de
vibrarlas, conformando así una maraña que rodeará al auditorio.
Disponer unas pocas sillas, tan sólo. Iluminar con los focos
disponibles en la casa, discretamente el punto del interprete,
que escondido tras su bastidor de 16 campanas cantará, moverá
los hilos y con baquetas de distinto calibre y densidad hará
sonar todo aquello. No habrá ninguna amplificación.
Texto de programa explicativo/poético: música bis a bis, es este
un diminuto concierto concebido para darse en inmediatez e
intimidad ante una audiencia tan reducida que puede incluso
llegar al sesión, haya o no haya quién la perciba y atienda,
siendo el máximo unas veinte personas por sesión.
Si la capacidad lo permite, se podrán escuchar tantos Sic o lo
que sea sonará como se desee, pudiendo así degustar las mas
diversas derivaciones de la idea. Además, tome nota y venga, si
quiere, provisto del artilugio de captación del sonido que tenga
más a mano.
El autor cede sus derechos a todo aquel que se acerque a
degustar su música y su gesto, extendiendo a quien lo solicite
una cédula acreditativa, numerada y firmada, que autentifique la
cesión a perpetuidad de tal o cual versión. Efectuado el regalo,
haga cada quién de su capa un sayo.
Sic tomó aire, cuerpo y lugar en el Almacenillo de la cuarta
planta del Circulo de Bellas Artes de Madrid, los días 12 al 15
de febrero del 2001, de 18 a 20 horas, durante el festival
Paralelo Madrid. Otras músicas, siendo atendido en aquellas
fechas por un muy magnífico reducido número de público.
En el programa de mano de aquella ocasión figuran las siguientes
notas del autor:
“es este un puro y personal largar ahí, mordiendo el sonar ante
y con cada quién, sin distancias ni lejanías. En efecto, a solas
con el son, somos aquí esponjoso compartir trasvases, armónicos,
alientos, frotes y hasta carraspeos que buscan tarifar tu vecina
escucha.” Llorenç Barber, músico.
|
COMPAÑÍA ANA BORRALHO Y JOAO GALANTE - Portugal
¡MIRA! |
MISTERMISSMISSMISTER
EXPERIENCIAS -
PERFORMANCE
Dirección: Ana Borralho y Joao Galante.
Concepto: Joao Galante.
Interpretación: Ana Borralho, Joao Galante y Miguel Moreira.
Luces: Ana Borralho y Joao Galante.
Sonido: Joao Galante.
Caracterización: Jorge Bragada.
Música: Platters, David Bowie, Beyonce.
Fotografía: Cristina Piedade.
|
El perro de la parte de atrás del coche
18 y 19 de febrero – 23 h. |
Más información
www.cal.com.pt
FOTO: CRISTINA PIEDADE |
Mistermissmissmister es un proyecto performativo sobre el
imaginario erótico, parte de las asimetrías que regulan las
identidades sociales y las definiciones de masculino / femenino.
Busca provocar en cada espectador una emoción fuerte mediante la
confrontación y la comunicación directa, mediante personajes con
una exposición externa y una ambigüedad sexual evidente. Los
tres performers están totalmente desnudos y la caracterización
de sus rostros provoca una ambigüedad con respecto a su sexo,
éstos no se relacionan con su aspecto.
Es una performance con una duración de tres a cuatro horas, y
para tres espectadores cada vez: Sentados frente a frente, los
tres performers y los tres espectadores establecen una relación
amorosa directa a través de la mirada, sin palabras y de tiempo
indeterminado, mientras escuchan una canción de amor, a través
de auriculares, dando así a la relación un carácter más privado
dentro de una situación pública. Es el espectador el que define
la duración de la performance, la relación que va a establecer,
la elección de uno de los performers, y el momento de
salida/corte de la relación, dando lugar a otro espectador. El
resto de espectadores espera y, como es un juego vouyerista,
asisten desde el exterior al espectáculo/relación.
La confrontación erótica directa y sensual recrea, casi en
privado, una relación amorosa entre performer y espectador,
teniendo éste la posibilidad de decidir el tiempo de la
performance sentándose o no frente al objeto de deseo, teniendo
siempre la posibilidad de asistir a la performance desde fuera
de la relación, sin sentirse obligado a enfrentarse directamente
con el performer.
|
COMPAÑÍA
LABORATORIOS BACILÖ - (Madrid) España |
ESPECTÁCULO EXPERIENCIA BACILÖ:
MEGA CENTRO TECNOLÓGICO- VIVENCIAL:
NUEVAS POSIBILIDADES PARA NUESTRO RECEPTOR 2
EXPERIENCIAS -
PERFORMANCE
FUNCIONARIOS BACILÖ
|
Fnac Centro Comercial Plaza Norte
Fecha y hora 21, 22 y 23 de febrero - 10 a 22 h. |
FOTO: L. BACILÖ |
La intervención de los Laboratorios Bacilö se desarrollará en la
sede de Fnac en el Centro Comercial Plaza Norte II.
Los Laboratorios Bacilö harán uso de este MegaEspacioCultural
durante 72 horas de
SúperEstancia para llevar a cabo en directo su Experiencia
Bacilö: Mega Centro Tecnológico Vivencial: Nuevas Posibilidades
Para Nuestro Receptor 2.
un estudio de campo basado en los grandes almacenes y el
individuo medio de nuestra sociedad que encuentra en estos
"centros" todo lo necesario para llevar una satisfactoria vida
tecnológico-cultural sin siquiera salir de él para acceder a
cualquier otro servicio que ya no se encuentre en éste.
Estos MegaAlmacenes ofrecen los servicios necesarios para poder
realizar todas las compras, transacciones comerciales,
culturales y de tecnología punta que el individuo actual
necesita en su vida diaria, lo que favorece el mayor
aprovechamiento de su tiempo y la satisfacción a sus necesidades
desde un mismo punto sin tener que transitar, preguntar o
consultar a lo largo del gran entramado urbano de nuestras
ciudades, cada día más multitudinarias y desagradables
para el viandante.
Para los Laboratorios Bacilö, estos MegaEspaciosComerciales ya
no son sólo benefactores de las necesidades del comprador, sino
que el individuo utiliza esta gran superficie como espacio en el
que desarrollar su vida diaria, en el que pasar la mayor parte
del día, incluso del año, con la posibilidad de encontrar,
consumir y/o adquirir todo lo necesario para llevar su vida
satisfactoriamente, e incluso, poder realizar su trabajo desde
allí mismo a través de las nuevas tecnologías.
Laboratorios Bacilö propone una experiencia colectivoIndividual
de 72 horas de duración en el interior de uno de estos centros,
donde sus Funcionarios Bacilö podrán consumir y llevar a cabo su
vida diaria con todo el material que oferta este centro. Durante
estas 72 horas irán variando las necesidades y acumulando los
elementos adquiridos dentro del Laboratorio de Campo instalado
para la ocasión, lo que originará una situación Saturo
Claustrofóbica Individuo Colectiva ¿no es un ejemplo pues de
nuestras propias viviendas?, ¿de nuestros Súper-Salones?
Estas situaciones cotidianas se sucederán ante la atenta mirada
de los compradores que, desde el interior del centro o desde sus
propias viviendas a través de la red electrónica global, podrán
disfrutar de esta Experiencia Bacilö con carácter terapéutico o
dicho de otro modo, asistir al espectáculo de acumulación y
bienestar que ellos mismos representan.
Para las personas que sigan la intervención de los Laboratorios,
los operarios Bacilö realizarán dos comunicados globales, que
consistirán en sesiones informativas-documentales sintéticas (a
las 12:30 h. Y 19:30 h.), de lo que está sucediendo en el centro
durante los tres días.
El Ciclo Perfil tiene como objetivo exhibir distintos montajes
de una compañía o de un creador, con el fin de mostrar su
recorrido artístico, de dar a conocer su línea creadora y
acercar al público una retrospectiva de su trabajo que indague,
de manera profunda, en su trabajo escénico.
Eddie Ladd es una creadora británica que desarrolla su trabajo
en Gales y lo difunde por todo el mundo. Después de un primer
trabajo con compañías de teatro experimental, la carrera de
Eddie se ha desarrollado sobre la base de lo polifacético, que
le ha llevado a ser cantante, bailarina, actriz y a presentar
numerosos programas de televisión.
Participando en festivales por toda Europa, ha desarrollado
performances en lugares inusuales que van desde granjas y campos
abiertos a teatros de ópera.
BONNIE + CLYDE
|
COMPAÑÍA EDDIE LADD – Reino Unido |
BONNIE + CLYDE
DANZA
Dirección y coreografía: Eddie Ladd.
Interpretación: Eddie Ladd y Gerald Tyler.
Director técnico: Trevor Turton.
Música: Dewi Evans y Jon Wygens.
Fotografía: Dewi Evans.
|
Templo de Debod
4, 5 y 6 de febrero – 19 h. |
Más información
www.eddieladd.com
www.wai.org.uk
FOTO: DEWI EVANS |
Bonnie + Clyde es un dueto de Eddie Ladd y
Gerald Tyler. La
narrativa surrealista argumenta a una pareja a emprender una
fuga de ningún lugar a ningún lugar peor. El desarrollo de dos
personajes fuera de la ley en la era de la Depresión.
La audiencia conduce sus coches hasta el lugar del espectáculo,
los aparca y dentro de estos observan el espectáculo, mientras
la banda sonora original y el diálogo serán escuchados a través
de las radios de sus coches. |
SCARFACE
|
COMPAÑÍA EDDIE LADD – Reino Unido |
ESPECTÁCULO SCARFACE
DANZA
Dirección, coreografía e interpretación:
Eddie Ladd.
Luces y sonido: Trevor Turton.
Vídeo: Steve Vearcombe.
Fotografía: Dave Daggers.
|
Sala Cuarta Pared
8 y 9 de febrero – 21 h. |
Más información
www.eddieladd.com
www.wai.org.uk
www.cuartapared.com
FOTO: DAVE DAGGER S |
Es un montaje multimedia de danza basado en el film que, en 1983
dirigió Briam de Palma y que protagonizó Al Pacino. La
intérprete busca acercarse lo más posible al prototipo de
personaje masculino de Hollywood, un icono construido en el
montaje con la imitación en los movimientos y el discurso del
personaje. Scarface recrea una película en un espacio teatral,
se basa en el cine y su actuación, estando fuertemente influido
por la coreografía cinematográfica.
La performance se basa en la separación tecnológica de los
colores sobre la escena. El espacio es dividido en dos por una
pantalla CSO azul y una pantalla blanca. La performer trabaja
delante de la pantalla azul, en algún lugar que es ningún lugar,
no tiene orientación y no es un espacio “real”. La pantalla
blanca muestra imágenes de vídeo sobre las que se proyecta la
imagen de la coreógrafa bailando en ese mismo momento. De este
modo, en la pantalla blanca se unen las imágenes de fondo, que
crean el espacio “real”, y la imagen de la performer.
CLUB LUZ
|
COMPAÑÍA EDDIE LADD – Reino Unido |
CLUB LUZ
DANZA
Dirección, coreografía e interpretación:
Eddie Ladd.
Escenografía y luces: Trevor Turton.
DJ, música y sonido: Dewi Evans.
Fotografía: Dave Daggers.
|
Sala Cuarta Pared
11, 12 y 13 de febrero – 21 h. |
Más información
www.eddieladd.com
www.wai.org.uk
www.cuartapared.com
FOTO: DAVE DAGGERS |
Un club con música electro, imágenes y coreografía. Doce números
basados en la película de Sam Fuller, Shock Corridor (1963), en
la que un hombre de color negro internado en una prisión mental,
cree ser un hombre blanco y numerario del Ku Klux Klan. El
montaje es un cautivador trabajo con música electrónica que
habla del futuro de Gales, compuesta específicamente para el
montaje por Dewi Evans. Un montaje donde la música es la base de
expresión de la condición galesa ostcolonial.
El espectáculo reformula el film, la creadora lo usa como base
para construir su intención expresiva. De este modo, el hospital
recreado en la película es para la performer la metáfora de una
nación y el protagonista, la expresión del propio aborrecimiento
aprendido del colonialismo.
La protagonista canta con una estridente voz canciones que son
expresión del desgarrado cerebro del colonizado, la alienación,
la aspiración, la pena y, finalmente, el poder redentor del pop.
|
IX CICLO AUTOR
CARYL CHURCHILL: COMPROMISO, INTELIGENCIA Y CREATIVIDAD |
PROGRAMA
 |
Todas las actividades del Ciclo Autor se realizarán en el Teatro
Pradillo, exceptuando las clases magistrales de la autora.
Entrada libre en conferencias y mesas redondas
Exposición sobre la autora en el vestíbulo del Teatro Pradillo.
20 horas
|
Día 7.- 20 HORAS
Conferencia de inauguración a cargo de Max Stafford Clark:
“Caryl Churchill: Top Heart and Serious Girl”. Director
artístico del Royal Court durante 14 años y actualmente director
de la compañía “Out of Joint”. Ha dirigido numerosas obras de la
autora.
Día 9.- 22 HORAS
Conversación con María Antonia Rodríguez Gago (profesora titular
de literatura inglesa de la Universidad Autónoma de Madrid) y
Pilar Zozaya (catedrática de literatura inglesa de la
Universidad de Barcelona): epecialistas en teatro en lengua
inglesa. Modera Vicente León. “El teatro de Caryl Churchill: del
feminismo socialista a la abstracción formal”.
Día 12.- 22,30 HORAS
Conferencia a cargo de Enric Monforte (profesor titular de
literatura inglesa de la
Universidad de Barcelona y especialista en teatro en lengua
inglesa): “Caryl Churchill: el teatro como transgresión”.
Día 15.- 22,30 HORAS
Mesa redonda con los directores de escena: Magüi Mira, Jordi
Prat, José Pascual, Darío Facal y Goyo Pastor, moderada por
Vicente León:
“Diversidad dramatúrgica en la obra de Caryl Churchill”.
Presentación, a cargo de Luís Miguel González Cruz, de la
primera edición en España que se hace de una obra de la autora.
La editorial “Teatro del Astillero” publicará sus dos últimas
obras: “A Number” (Un Número) y “Far Away” (Lejos).
Coproducción del “Ciclo”: Escena Contemporánea y British Council
|
COMPAÑÍA TEATRO DE LA ESQUIRLA – (Madrid) España |
A NUMBER (UN NÚMERO)
TEATRO
Dirección y dramaturgia: Vicente León.
Interpretación: Francisco Vidal y Carlos Martínez Merón.
Escenografía y luces: Francisco Gutiérrez “Cata” (A.A.I.).
Caracterización: Lola Barroso.
Vestuario: Teatro de la Esquirla.
Traducción: Carla Matteini.
|
Teatro Pradillo
8, 9 y 10 de febrero – 20:30 h. |
A Number nos remite a la desintegración, al vacío que provocaría
en el individuo una repetición clónica de si mismo, al cúmulo de
complicaciones que harían insoportable seguir viviendo de manera
minimamente cuerdo esta, ya de por si, difícil vida.
Caryl Churchill eleva el tono poético-dramático de su magistral
dramaturgia y nos regala una inquietante y esencial obra que nos
provoca y sumerge de lleno en el problema de la identidad desde
la locura espantosa de la posibilidad (no muy lejana al parecer)
de clonar seres humanos.
La tragedia siempre es producida por una irresponsable toma de
decisiones de algún ser humano, acostumbrado como género a errar
y no calibrar suficientemente la trascendencia de sus
decisiones.
Los avances científicos, a veces, sólo sirven para constatar el
grado de la enfermedad que afecta a la humanidad.
|
COMPAÑÍA METATARSO PRODUCCIONES - (Madrid) |
ICECREAM (HELADO)
TEATRO
Dirección: Darío Facal.
Ayudante de dirección: Leyre Bozal.
Interpretación: Ruth Díaz, Toni Bottaro, Alberto Huici, Marcos
García-Barrero, Stella García y Maite Pastor.
Escenografía: Antoine Hertenberger.
Sonido: Eurico J. de la Peña.
Espacio sonoro: Thea Norsola.
Vídeo: Clockwork vídeo.
Diseño gráfico: Luis Úrculo.
Traducción: Gema Facal.
|
Teatro Pradillo
11, 12 y 13 de febrero – 20:30 h. |
Bajo la aparente cotidianidad de una trama como la de Ice Cream,
que se inicia con el viaje de una pareja de Estados Unidos a
Inglaterra para conocer a unos parientes, se nos desvela la
realidad opresiva y perturbadora de los personajes, a través de
cómo ellos se enfrentan con los sucesos dramáticos que tendrán
lugar. Los personajes intentan escapar, pero nunca podrán
escapar de ellos mismos. De este modo, la cotidianidad va
dejando paso a un thriller psicológico en el cual la pesadilla
de los personajes nos da la entrada a un mundo sórdido e
inquietante. El viaje de los protagonistas, tanto real como
psicológico, les harán mirar hacia un lugar de ellos mismos al
que jamás se han asomado.
|
COMPAÑÍA LA ENSEMBLE PRODUCCIONES – (Madrid) España |
CLOUD NINE (EN UNA NUBE)
TEATRO
Interpretación:
Goyo Pastor, Iñigo Rodríguez, José Padilla, Sol
Montoya, Rocío León, Delia Vime y Javier Lara.
Escenografía: Juanjo de la Fuente y la ENSEMBLE.
Luces y espacio sonoro: Patricio Jiménez.
Música: Mercedes Díaz.
Diseño Gráfico: Jesús Hernández.
Vestuario: Inmaculada Cano, Vicente Rodríguez y La ENSEMBLE.
Traducción: José Padilla.
|
Teatro Pradillo
14 y 15 de febrero – 20:30 h. |
Cloud Nine, nos guía, a través de un viaje en el tiempo, hacia
la evolución o retroceso de unos personajes indecisos, llenos de
culpa y dominados por el miedo a relacionarse. Caryl Churchill
nos presenta el esteriotipado mundo sexual del que somos actores
y víctimas; un mundo que tiene eco en cualquier aspecto de
nuestras vidas: a nivel social, económico o político, y que por
arraigado, jamás cuestionamos. El cómo destapa Churchill esos
códigos asentados en nuestro interior, es la esencia de esta
historia que comienza a desplegarse en el África colonial y que
nos lleva de la mano hasta un paisaje bien reconocido por todos:
cualquier metrópoli de las que habitamos y nos habita hoy día, y
que la autora diseña como heredera de aquella otra jungla.
Una aventura entre Dios, patria, familia y un montoncito de
Valiums. Bienvenidos al mundo de la desorientación.
Más información
www.escenacontemporanea.com
Más información
ESCENA CONTEMPORÁNEA 2005 EN LA SALA CUARTA PARED
ENERO Y FEBRERO DE 2005 EN EL TEATRO PRADILLO
ESCENA CONTEMPORÁNEA - V FESTIVAL ALTERNATIVO DE LAS ARTES ESCÉNICAS
|
volver