TEATRALIA ESPECTÁCULOS PARA EDAD MÍNIMA: 6, 7, 8, 10, 13, 16 AÑOS Del 6 al 29 de marzo de 2009

EL ESPECTÁCULO

En la pequeña cabaña del bosque donde vive una familia de leñadores se avecinan tiempos difíciles: una enfermedad impide al padre ir a trabajar. Los padres quieren mantener a sus cinco hijos ajenos a esta situación. Pero Pulgarcito, el más joven, es observador y advierte las desgracias que amenazan a los suyos. A pesar de ser pequeño en tamaño, Pulgarcito es grande en voluntad. Por eso es capaz de convencer a sus hermanos de que, yendo todos juntos y empleando la inteligencia, podrán ayudar a su familia, aunque para eso tengan que adentrarse solos en el bosque y hacer frente a los peligros que entraña.

La compañía gallega ArtelloTeatro alla Scala 1:5 se basa en el popular cuento recogido por los hermanos Grimm para crear su propia versión del clásico, protagonizado por sencillas, expresivas y tiernas marionetas de madera.

Rosa Hurtado y Santiago Montenegro se convierten al mismo tiempo en narradores (conservando la oralidad del relato original), manipuladores (de Pulgarcito y sus hermanos, todos títeres) y actores, interpretando con ayuda de máscaras al Ogro y la Ogresa.

El espacio escénico se transforma durante la representación para crear los múltiples lugares en los que se desarrolla la acción. Jugando con los paños de la escenografía y con los cambios de color de la luz, se van generando huecos, componiendo formas o descubriendo una peculiar escena de sombras.

La música y los efectos de sonido fueron compuestos expresamente para el espectáculo. Para esto se exploró en las posibilidades sonoras del saxofón en interacción con la interpretación, en busca de la máxima expresividad.

Autoría: Rosa Hurtado, Santiago Montenegro
Dirección: Manuel Pombal
Interpretación: Rosa Hurtado, Santiago Montenegro
Diseño de escenografía: Suso Montero
Diseño de atrezo y vestuario: Artello, Suso Montero
Creación y dirección musical: Ramón Souto
Diseño de iluminación: Luis Lago, Santiago Montenegro
Diseño gráfico: Rosa Hurtado, Santiago Montenegro
Producción: Belén Canabal
Técnico de sonido e iluminación: Santiago Montenegro
Realización de escenografía: Suso Montero
Realización de vestuario: Artello
Realización de atrezo: Suso Montero
Subvencionado por AGADIC (Axencia Galega das Industrias Culturais), Xunta de Galicia
Estreno en Mondariz (Pontevedra): 8 de mayo de 2008
Duración aproximada: 50 minutos
www.artello.com

 

LA BELLA E LA BESTIA ( LA BELLA Y LA BESTIA) Italia

De 6 a 10 años

Academia Perduta/Romagna Teatro/Il Baule volante Género: teatro Idioma: español

Alcalá de Henares Teatro La Galera 16 de marzo, 16.30 horas (Encuentro Teatralia) Navalcarnero Teatro Tyl Tyl 28 de marzo, 17.30 horas 29 de marzo, 12.30 horas

EL ESPECTÁCULO

Un mercader, padre de tres hijas, se pierde en el bosque a la vuelta de un desafortunado viaje de negocios. Se refugia en el palacio de la Bestia, un ser horrible, mitad hombre y mitad fiera. Allí intenta robar una rosa y el terrible inquilino del palacio lo amenaza de muerte. Su única posibilidad de salvación es que una de sus hijas muera por él. La más bonita de las tres acepta el sacrificio y acude a palacio... yendo al encuentro de un destino que no esperaba.

Esta es la síntesis de la trama que pone en común las muchas versiones que existen de La Bella y la Bestia. La más famosa de ellas fue escrita en Francia en torno al 1750 por Madame Leprince de Beaumont que, a su vez, se atuvo a un aún más antiguo cuento de Madame de Villaneuve. El cuento ha sufrido a lo largo de los años innumerables reelaboraciones (Belinda e il Mostro, en Los Cuentos italianos de Italo Calvino y The Tiger´s Bride, de Angela Carter, entre otros) para por fin llegar a las varias versiones cinematográficas, como la de Jean Cocteau de 1946, y la más conocida, en dibujos animados, producida por Walt Disney.

Accademia Perduta e Il Baule Volante presentan, a través de la trama cautivadora de este cuento clásico, una narración a dos voces que enfrentará al público al concepto diversidad en su sentido más amplio. La diversidad de los otros y la nuestra propia, habitados como estamos por muchos “yoes” distintos.

Para sus creadores, nace así “una historia rica en fascinación y emoción en la que mostrar los significados ocultos a través de la palabra y el movimiento”. El espectáculo utiliza para ello “la técnica del cuento oral, con su esencialidad

e inmediatez. Pero, a menudo, la palabra se funde con el movimiento expresivo o deja espacio a secuencias de gestos-síntesis, en el intento de captar la esencia más profunda del cuento, con pocos objetos y vestidos, dejando a la voz y al cuerpo toda su fuerza evocativa”.

La Bella e La Bestia ha conseguido el Premio de la Crítica en ocasión del Lugliobambino Festival 2006 de Campi Bisenzio con la siguiente motivación: “Por habernos hecho ver, a través de palabras, movimientos y coreografía, no lo que era en el escenario, sino lo que parecía ser, gracias a la fantasía”. El montaje también ha sido galardonado con un Premio Eolo Awards 2007

Autoría: Roberto Anglisani, Liliana Letterese
Dirección: Roberto Anglisani
Traducción: Accademia Perduta Romagna Teatri/ Il Baule Volante
Dramaturgia del movimiento: Caterini Tavolini
Interpretación: Liliana Letterese, Andrea Lugli
Vestuario: Sartoria Equipe (Ferrara)
Producción: Accademia Perduta-Romagna Teatri/ Il Baule Volante
Subvencionada por el Ministerio de Cultura Italiano.
Duración aproximada: 1 hora
www.accademiaperduta.it
www.ilbaulevolante.it

 

PALABRAS DE CARAMELO España (Castilla y León)

De 6 A 12 años

Títeres de María Parrato Género: títeres Idioma: español

Arganda del Rey Auditorio Montserrat Caballé 8 de marzo, 12.30 horas Alcorcón Teatro Municipal Buero Vallejo 11 de marzo, 11.00 horas (Campaña Escolar) Serranillos del Valle Teatro Municipal 13 de marzo, 11.45 y 15.30 horas (Campaña Escolar) Majadahonda Casa de Cultura Carmen Conde 15 de marzo, 12.00 horas El Álamo Centro Sociocultural 20 de marzo, 11.00 horas Meco Centro Cultural Antonio Llorente 25 de marzo, 10.15 y 12.00 horas (Campaña escolar)

EL ESPECTÁCULO

Sobre el escenario, una buscadora de historias del desierto nos cuenta las aventuras de Kori, un pequeño sordomudo, y de su mejor amigo, el camello Caramelo, con el que Kori mantiene largas conversaciones y descubre la poesía. La narración evoca la vida del pueblo saharaui al tiempo que nos habla del respeto, el conocimiento de realidades diferentes, la superación de las limitaciones y el valor de la amistad.

En escena, latas laminadas por las ruedas de los camiones, palitos cincelados por el siroco y el tiempo, telas, suspiros y risas. Mientras, los espacios y los personajes se arman y se desarman con los objetos que lleva y encuentra la narradora.

Gonzalo Moure, autor del libro del mismo nombre en el que se basa el espectáculo, ha dicho de este montaje: “Una sombra femenina recorre el escenario casi oscuro, en el que dos árboles desnudos son todo el decorado. Se mueve casi por el aire, envuelta en una mehlfa negra. Susurra: hay una historia, hay una historia… Luego se inclina sobre el suelo, y parece brotar de la tierra, o más bien de la arena, un taco de madera. Ella vuelve a hablar: un niño, un niño… Y el taco de madera, animado por sus manos, se transforma en niño, tan desnudo como al nacer. Lo escribo, y no puedo evitar volver a sentir el arroyo cálido de la historia que María descubría ayer para los cien asistentes al estreno (...) Escribí un día, en Smara, Palabras de Caramelo, pero sentí lo mismo: hay una historia, hay una historia… Un niño, un niño sordo… No nos pertenecen, son de todos” .

Autoría: María José Frías (basado en el libro Palabras de Caramelo, de Gonzalo Moure)
Dirección Mauricio: Zabaleta
Interpretación: María José Frías
Diseño de escenografía: Títeres de María Parrato
Diseño de atrezo: Títeres de María Parrato
Diseño de vestuario: Títeres de María Parrato
Creación musical: Kim Warsen
Diseño de iluminación: Marino Zabaleta
Diseño gráfico: Chema Castello
Preparación actoral: María Eugenia de Castilla
Técnico de sonido e iluminación: Marino Zabaleta
Técnico de iluminación: Marino Zabaleta
Producción: Títeres de María Parrato
Subvencionada por la Junta de Castilla León e INAEM.
Estreno en Titirimundi (Segovia): mayo de 2008
Duración aproximada: 1 hora
www.mariaparrato.com

 

EL JARDINERO España (Comunidad de Madrid)

De 7 a 12 años

Teatro de la Luna Género: teatro de títeres Idioma: español

Majadahonda Centro Cultural Carmen Conde 8 de marzo, 12.00 horas Madrid Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas 12 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar-Traducción simultánea al lenguaje de signos) 13 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar-Traducción simultánea al lenguaje de signos) 14 de marzo, 19.00 horas Rivas Vaciamadrid Auditorio Municipal Pilar Bardem 15 de marzo, 12.00 horas Madrid Sala Cuarta Pared 16 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) 17 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) Navalcarnero Teatro Municipal Centro 18 de marzo, 10.00 y 11.30 horas (Campaña Escolar) Villaviciosa de Odón Castillo de Villaviciosa 21 de marzo, 19.00 horas Tres Cantos Teatro Municipal 28 de marzo, 18.00 horas

EL ESPECTÁCULO

Esta es la historia de un jardinero y de su hija Abril. Son felices, comparten poesía, infancia, tesoros, los juegos con su amigo Valentín. Abril ve acercarse las zarzas. Los militares han venido a preguntar por su padre y han roto partes del jardín. El jardinero lleva flores a los que no tienen nada. ¿Cuánto tiempo podrá resistir? Su corazón no está bien.

Abril aprende qué quiere decir ausencia y dará luz a la memoria. La ausencia es, precisamente, el punto de arranque del proyecto. Y la memoria de la propia autora, Eulalia Domingo, “Con mi padre, aprendí muchas cosas: geografía, química, lengua y sobre todo poesía (...) El poema sigue en mi cabeza, pero él ya no está. Murió hace demasiado tiempo. Quiero escribir esta historia, hacerla teatro y que viva en cada representación...”.

La escenografía establece un juego entre evocación y descripción, entre abstracción y realidad. El lilo y el rosal presiden el espacio. Un espacio en el que tienen fuerte influencia las esculturas de María Cueto, frágiles y aéreas, construidas con elementos vegetales. Un espacio de color y espacio, de tramas textiles y vegetales, incorporadas por Mariano Arsuaga. Tramas que en unas ocasiones tienen volumen y en otras están solamente estampadas, a la manera de una piel vegetal. Al fondo, la pantalla recibe las sombras de los árboles, cuando en un momento el escenario se inunda de zarzas. Porque zarzas hay también en este jardín-metáfora en el que crecen las palabras y los sueños.

Autoría: Eulalia Domingo
Dirección: Joaquín Notario
Interpretación; María Escobar Prieto, Juan Manuel Recover Cano
Diseño de escenografía: María Cueto, Mariano Arsuaga, Juan Manuel Recover
Diseño de títeres: Juan Manuel Recover
Diseño de vestuario: Teatro de la Luna
Creación musical: Pascal Gaigne
Diseño de iluminación: Francisco Javier Sarrión
Diseño Gráfico: Aurelio Vicente, Mariano Arsuaga, María Cueto
Producción: Teatro de la Luna
Técnico de sonido e iluminación: Sergio García
Realización de escenografía: Teatro de la Luna, María Cueto. Mariano Arsuaga,
Serigrafía: Laureano Olaetxea
Imágenes infográficas: Aurelio Vicente
Troncos de árboles: Idoia Elosegi
Materiales vegetales: Floristería Katz
Realización de vestuario: Eulalia Domingo, Paquita Cano
Realización de atrezo: Juan Manuel, David Recover
Subvención bienal de la Comunidad de Madrid a la producción 2007-2008.
Beca de Comunidad de Madrid para Textos teatrales a Eulalia domingo Año 2007.
Estreno en Tolosa: Festival Internacional de Títeres, diciembre de 2008
Duración aproximada: 50 minutos
www.teatrodelaluna.com

 

OVNI España (Caraluña)

De 7 a 13 años

Farrés Brothers i cia Género: teatro de títeres Idioma: sin texto

Madrid Círculo de Bellas Artes 7 de marzo, 17.00 horas 8 de marzo, 12.00 horas 9 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) Valdemoro Teatro Municipal Juan Prado 15 de marzo, 18.00 horas Alcalá de Henares Corral de Comedias 17 de marzo, 12.00 horas (Encuentro Teatralia y Campa Escolar)

EL ESPECTÁCULO

Ovni es el proyecto más ambicioso de la compañía catalana Farrés brothers i cia., el espectáculo se adentra en el complejo mundo de las relaciones familiares al mismo tiempo que homenajea a Matilda, de Roald Dahl y a La ventana indiscreta, de Alfred Hitchcock, sin dejar de ser “una de marcianos”.

Dicen los integrantes de Farrés brothers i cia que “a veces, fascinados por lo que nos queda lejos, no vemos lo que pasa a nuestro lado. O no lo queremos ver. Preferimos mirar más allá que no aquí: otras ciudades, otros países, otros continentes, otros planetas... Pero quien tenemos más cerca también es `otro´. Y éste, a veces, pasa desapercibido”.

Planteando una historia de marcianos, consiguen llevar a escena una mirada lúcida sobre el mundo en el que vivimos, en el que viven los niños.

Sobre el escenario, dos astrónomos miran la noche: las estrellas, los planetas, la inmensidad del Universo. Es todo tan hermoso. Pero cuando amanece, la realidad de su vecindario se materializa y ven a unos padres que no tratan bien a su hija.

Mientras tanto, un marciano con problemas busca dónde aparcar su nave espacial y, sin querer, provocará cambios importantes en unos cuantos habitantes de la Tierra. Sin decir nada, enseñará al joven público cómo una familia puede ser de mil maneras, sólo hace falta una cosa: que quienes la formen se quieran. Jordi y Pep Farrés interpretan junto a sus títeres esta fábula no moralizante llena de humor, en la que hay sitio también para sentimientos como la tristeza, el miedo y la ternura. Violín, mandolina, clarinetes y acordeones sirven para ambientarnos en el estupor que produce observar “la cantidad de extraterrestres que hay en la tierra que ni saben que lo son... que lo somos”.

Autoría: Jordi Farrés, Pep Farrés,Jordi Palet
Dirección: Jordi Palet
Interpretación: Jordi Farrés, Pep Farrés
Diseño de escenografía: Alfred Casas
Construcción: Farrés brothers i cia, Alfred Casas, Martí Doy
Diseño de vestuario de los actores: Susanna Maldonado
Diseño de vestuario de los títeres: Dodiva
Creación y dirección musical: Jordi Riera
Músicos: Juan Aguiar, Sònia Zurriaga, Oriol Campos
Diseño de iluminación: Jordi Llongueras
Diseño de sonido: Farrés brothers i cia
Diseño de vídeo: Xavi Montaña (Inquiets Media)
Diseño gráfico: Farrés brothers i cia
Fotografías: Edu Compte
Producción: Farrés brothers i cia y Tona Esplugas, Producción Teatre de l’Aurora Óscar Balcells
Técnico de sonido: Jordi Palet, Maria
Técnico de iluminación: Rubèn Taltavull, Jordi Llongueras
Realización de escenografía: Farrés brothers i cia, Alfred Casas. Martí Doy
Realización de vestuario actores: Susanna Maldonado
Realización vestuario: títeres Dodiva
Realización de atrezo: Farrés brothers i cia
Subvencionado por INAEM e ICIC.
Coproducción: Teatre Aurora, Con el apoyo de TNC.
Estreno en Igualada (Barcelona): Teatre de l´Aurora, julio de 2007
Duración aproximada: 1 hora
www.farresbrothers.com

 

DU MA VAERE EN ENGEL, HANS CHRISTIAN (HANS CHRISTIAN, DEBES SER UN ÁNGEL) Dinamarca

De 8 años en adelante

Gruppe 38 Género: teatro Idioma: introducción en español, texto en inglés y dialogo con la compañía tras el espectáculo con intérprete en español

Alcalá de Henares Sala Arlequino 15 de marzo, 16.30 horas (Encuentro Teatralia) Madrid Teatro Galileo 17 de marzo, 10.30 y 12.30 horas (Campaña Escolar) 18 de marzo, 10.30 y 12.30 horas (Campaña Escolar) 19 de marzo,11.00 y 13.00 horas 20 de marzo, 12.00 horas

EL ESPECTÁCULO

“Nuestro propósito es que nuestros espectáculos sean reconocidos por su perfil artístico único. Intentamos que la complejidad y la sofisticación emerjan a partir de las cosas sencillas para crear experiencias impredecibles”, dicen los integrantes de la compañía danesa Gruppe 38. Especialistas en teatro para niños, buscan provocar vivencias emocionales potentes en los más pequeños sin obviar que las historias pueden ser “crueles, altamente peligrosas e infinitamente tristes”. Como la vida misma.

Una larga mesa, adornada para una particular fiesta de cumpleaños. Dos camareros se preparan para llevar a cabo el trabajo más curioso de sus vidas: servir comida y bebida a los fantásticos personajes de los cuentos de Hans Christian Andersen (1805-1875). La Reina de las Nieves, el Soldadito de Plomo o la Sirenita cobran vida sobre el escenario con un alarde de imaginación que la crítica ha calificado de “salvaje”, “inteligente” y “sutil”. El humor es un invitado más a la mesa, sobre todo cuando se hace patente el empeño que todos los personajes tienen en imponer sus propios caprichos y necesidades, a cada cual más descacharrante.

Gruppe 38 lleva a escena una ingeniosa instalación teatral - rebosante de trucos, efectos e invenciones - en la que el sonido, la luz, las proyecciones, la música y las pinturas convocan el espíritu mágico de los cuentos del escritor danés.

En el 2006 recibió el Premio Reumert a la Mejor Representación.

Interpretación: Bodil Alling, Joakim Eggert, Setten Molls Rasmussen, Søren Søndberg,
Jacob Kirkegaard,
Creación: Philippe LeFêbvre, Paolo Cardona, Catherine Poher, Claus Helbo, Bodil Alling,
Joakim Eggert, Søren Søndberg, Sille Heltoft, Kim Kirkeby, Arne Fich, Jakob Kirkegaard
Subvencionado por la ciudad de Aarhus.
Estreno: 2006.
Duración aproximada: 50 minutos
www.gruppe38.dk

 

TRI MUSKETYRI (LOS TRES MOSQUETEROS) República Checa

De 8 años en adelante

Divadlo Alfa Género: títeres y música en directo Idioma: español, canciones en checo con sobretítulos en español

La Cabrera Centro Comarcal de Humanidades Cardenal Gonzaga-Sierra Norte 12 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) 13 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) San Fernando de Henares Centro Cultural Federico García Lorca (Teatro Auditorio) 14 de marzo, 18.00 horas Madrid Teatro Pradillo 15 de marzo, 12.30 horas 16 de marzo, 11.00 horas (Campaña Escolar) 17 de marzo, 11.00 horas (Campaña Escolar) 18 de marzo, 11.00 horas (Campaña Escolar) Alcobendas Centro Cultural Pablo Iglesias 19 de marzo, 18.00 horas

EL ESPECTÁCULO

La veterana compañía Divadlo Alfa llega desde la República Checa, el país europeo con la más reconocida tradición de marionetas y títeres, para ofrecer al público infantil esta divertida revisión del clásico de Alejandro Dumas.

Protagonizada por títeres de guante, Tri Musketyri (Los tres mosqueteros) ganó el prestigioso Premio al Mejor Espectáculo de la Crítica de Teatro en la República Checa.

Sobre el escenario, los títeres insuflan vida a las aventuras y desventuras de la novela de Dumas y se inspiran, para su representación, en el silencio cómico del actor francés de cine mudo Max Linder (1883-1925). Una mirada burlesca en la que no faltan todos los elementos del texto original: emoción, duelos feroces, humor, ritmo trepidante y amor.

Con su lenguaje simplificado, lleno de interjecciones y expresiones gestuales universales, estos particulares mosqueteros enfatizan la acción y las canciones en directo como corazón de la trama.

Tri Musketyri, que es descrito por Divadlo Alfa como “un cómic escénico”, se estrenó en abril de 2006. Desde entonces ha cosechado multitud de premios: el Premio Henrik Jurkowski, el Premio Erik de Teatro de la República Checa a la Mejor Pieza de Títeres del Año (2006), el Premio a la Mejor Dirección en el Festival Internacional para Niños de Subotica (Serbia) y el Premio al Mejor Espectáculo en el Festival Internacional de Teatro de Marionetas de Hungría, son sólo algunos de los premios de una lista que incluye un total de diecinueve galardones y dos nominaciones en el período 2006-2008.

En una pared de madera, una pequeña ventana se abre para revelar las habitaciones escondidas donde viven los títeres y los actores... Casi dos siglos después de la publicación de las peripecias de los mosqueteros, vuelve a oírse la frase eterna, que es reconocida por niños y adultos de todas las latitudes... ¡Todos para uno y uno para todos!

Autoría: Tomás Dvorák, Ivan Nesveda, Pavel Vasícek
Dirección: Tomás Dvorák
Interpretación: Blanka Lunáková-Joseph, Martina Hartmannová, Petr Borovsky, Martin Bartusek, Robert Kroupar, Bohuslav Holy, Vladimír Sosna, Tomás Sukup
Escenografía: Ivan Nesveda
Vestuario: Ivan Nesveda
Música: Michal Vanis
Técnico de sonido: Filip Bosák
Técnico de iluminación: Petr Hejzek
Duración aproximada: 55 minutos
www.divadloalfa.cz

 

HISTORIAS ÍNFIMAS España (Castilla y León)

De 8 a 14 años

Aciperre coop. Teatro Género: teatro de actor Idioma: español

Valdemoro Teatro Municipal 8 de marzo, 18.00 horas Madrid Centro Cultural Nicolás Salmerón 16 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) 17 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) 18 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) Las Rozas Centro Cultural (Sala Federico García Lorca) 21 de marzo, 19.00 horas Coslada Teatro La Jaramilla 22 de marzo, 12.30 horas Majadahonda Casa de la Cultura Carmen Conde 29 de marzo, 12.00 horas

EL ESPECTÁCULO

¿Una mesa es una mesa? ¿Y por qué no se llama cuadro? ¿Y si decidiéramos no saber nada más y olvidar todo lo que sabemos? Éstas son algunas de las preguntas que encontramos en la famosa obra Kindergeschichten (Historias para chicos), de Peter Bichsel, en la que se basa este espectáculo de Achiperre coop. Teatro. El texto de Bichsel, que ha sido traducido a numerosas lenguas, ha recibido el Premio Nacional de la Literatura Infantil Alemana.

En el escenario, cuatro cómicos ambulantes cuentan sus propias experiencias. Una mujer que decide cambiarle el nombre a las cosas, otra que siempre quiere caminar recto, un hombre que sabe las conexiones y los horarios del ferrocarril de memoria, otro que no quiere saber nada más. Cuatro baúles-casa sirven de refugio y conforman a la vez el espacio escenográfico en cada una de las historias, en las que la sencillez plástica (acompañada de voces y movimientos) crea imágenes –ínfimas- sobre lo más oculto y característico de cada individuo.

La soledad y la incomunicación constituyen los ejes temáticos de unos personajes, hombres y mujeres corrientes, que esperan, desean, aman, luchan y acostumbran a guardar silencio. La sugerencia es el arma que utiliza Bichsel para contar eso que no se puede explicar con palabras: la vida vista desde dentro de cada ser humano.

De esta vivencia teatral, que fomenta el trabajo con autores y grupos europeos, la compañía Achiperre coop. Teatro ha dicho que supone “una apuesta de futuro, un intento de consolidar una línea de trabajo comenzada hace veintiséis años (...) a través de textos y cuentos clásicos para niños y jóvenes como laboratorios de aprendizaje continuo”.

En años anteriores, Achiperre ya había tenido una experiencia similar con el Théâtre de la Guimbarde (Bélgica), realizando Lazarillo y Fuenteovejuna, con más de trescientas setenta representaciones hasta la fecha.

Autoría: Peter Bichsel
Dirección y adaptación: Marcelo Díaz
Interpretación: Paloma Leal, Ana Isabel Roncero, Diego Fariña,Ramón Enríquez
Diseño de escenografía: Teatro Achiperre
Diseño de atrezo: Teatro Achiperre
Diseño de vestuario: Teatro Achiperre
Creación y dirección musical: Mario Lozano-P
Diseño de iluminación y sonido: Jorge Funcia
Diseño Gráfico: Jaus Comunicación
Producción: Teatro Achiperre
Técnico de iluminación y sonido: Jorge Funcia
Realización de escenografía: Miguel Barbero, Teatro Achiperre
Realización de vestuario: Teatro Achiperre
Realización de atrezo: Teatro Achiperre
Fotografías: Marta Vidanes
Subvencionado por el INAEM (Ministerio de Cultura) la Fundación Siglo (Junta de Castilla y León).
Estreno: Feria de Teatro de Castilla y León en agosto de 2008.
Duración aproximada: 1 hora
www.achiperre.com

 

EL INRÉPIDO VIAJE DE UN HOMBRE Y UN PEZ España (Región de Murcia-Comunidad de Madrid)

De 10 años en adelante Edad mínima recomendada: 8 años

Onírica Mecánica Género: teatro visual y de objetos Idioma: español

Madrid Teatro Pradillo 21 de marzo, 17.00 horas 22 de marzo, 12.30 y 17.00 horas 23 de marzo, 11.00 horas (Campaña Escolar) 24 de marzo, 11.00 horas (Campaña Escolar)

EL ESPECTÁCULO

Esta es la historia de un hombre que quería nadar y de un pez que soñaba con saltar el cristal de la pecera en busca de nuevos horizontes. Hombre y pez recorren el mundo cargados de cacharros: muñecos de alambre, luces de Navidad, extraños objetos y letras voladoras que sirven para contar un cuento cada noche. Cuentos que no tienen nada que ver con ellos, ni con sus vidas, ni siquiera con las vidas del público que les escucha. Aunque las pequeñas cosas que erizan la piel siempre nos atrapan... seamos como seamos... vengamos de donde vengamos.

Con este espectáculo, la compañía Onírica Mecánica (Premio al Espectáculo Más Innovador y a la Mejor Dramaturgia en la Fira de Titelles de Lleída 2008 por El hombre que nunca se moja) pretende recuperar la figura de los antiguos cuentistas ambulantes que recorrían y recorren los pueblos, contando historias fantásticas en los lugares más remotos del mundo. El intrépido viaje de un hombre y un pez es un cuento soñado por Jesús Nieto y un homenaje a esos “pequeños magos de circos y sentimientos que cada noche invitan a soñar al público, desde el encuentro con el otro, desde la mirada limpia, sin artificios”.

El joven público encontrará una propuesta que combina el teatro visual, la manipulación de títeres, sombras y objetos con el lenguaje sensorial y la más ancestral tradición del cuentacuentos. En este espectáculo todo es posible, imprevisible, sorprendente, risible y, a veces, un poquito melancólico. El escenario se puebla con hombres de veinticuatro dedos, corazones que caminan, puertas secretas que esconden misterios con olor a ajo...

Autoría y dirección: Jesús Nieto
Interpretación: Jesús Nieto, Sergio García
Diseño de escenografía: Jesús Nieto
Creación musical: Mauricio Corretjé, Pascal Comelade
Diseño de iluminación: Paloma Parra
Diseño de sonido: Mauricio Corretjé
Producción: Onírica Mecánica
Técnico de sonido e iluminación: Paloma Parra
Realización de escenografía: La Faena, María Pompas, David Herráez, Sergio García, Jesús Nieto
Duración aproximada: 1 hora
www.oniricamecanica.com

 

THE TRAGICAL LIFE OF CHEESEBOY BY FINEGAN KRUCKEMEYER CONCIEVED BY ANDY PACKER  (LA TRÁGICA VIDA DEL NIÑO QUESO   DE FINEGAN KRUCKEMEYER CONCEBIDO POR ANDY PACKER) Australia

De 10 años en adelante

Slingsby Género: teatro Idioma: inglés con sobretítulos en español

Alcobendas Centro Cultural Pablo Iglesias 21 de marzo, 18.00 horas Madrid Centro Cultural Paco Rabal-Palomeras Bajas 22 de marzo, 12.00 y 18.00 horas 23 de marzo, 10.00 y 12.00 horas (Campaña Escolar) 24 de marzo, 10.00 y 12.00 horas (Campaña Escolar)

EL ESPECTÁCULO

En el interior de una carpa de teatro, un cuentacuentos adornado con chistera dickensiana y elegante bigote, comparte con el público la curiosa historia de Cheeseboy, el niño queso. El universo de Cheeseboy ha quedado reducido a una burbujeante fondue. ¿Dónde están sus padres? ¿Cómo es que fue abandonado? Los gitanos le han proporcionado un hogar pero él parece desarrollar extraños deseos y aún más extraños poderes. Para entender a Cheeseboy hace falta imaginarse a Edipo encontrándose con Eduardo Manostijeras y el Principito... sobre un plato de requesón exótico.

El actor Stephen Sheehan, capaz de hilvanar un cuento con sólo un hilo de aire, ve complementada su narración con la magia teatral de luces y espejos, ingeniosamente sencillos, combinada con maravillas de las últimas tecnologías.

La exuberante música de Quincy Grant transporta a Cheeseboy y al público a un mundo fantástico. La crítica, rendida a los pies de The Tragical Life of Cheeseboy, ha dicho cosas como “The Tragical... es un viaje voluptuoso lleno de diversión e imaginación... los efectos de la linterna mágica, las videoproyecciones, el delicado tintado de la luz y la hechizante banda sonora de Quentin Grant le dan al espectáculo el ambiente de un libro de ilustraciones del período eduardiano, con reminiscencias de las ilustraciones de Las mil y una noches de Arthur Rackham y de las fantasías pictóricas de Maxfield Parrish... pero también con la actualidad de un viaje intergaláctico propio del siglo XXI”.

Autoría: Finegan Kruckemeyer
Concepción: Andy Packer
Dirección: Andy Packer
Interpretación: Stephen Sheehan, Sam McMahon
Operador: Roland Partis
Escenografía y atrezo: Wendy Todd
Creación de vestuario: Wendy Todd, Mary Partis
Música: Quincy Grant
Iluminación: Geoff Cobham
Diseño de sonido: Nick O´Connor
Ilustraciones: Andy Ellis
Artista multimedia: Simone Mazengarb
Consultor multimedia: Sophie Hyde
Diseño gráfico: Andy Ellis
Financiación de Australia Council, del órgano consultivo de las artes del Gobierno de Australia,a través de su Departamento de Desarrollo del Arte, y del Gobierno del Sur de Australia a través de ArtsSA, Country Arts SA, BHP Billiton Youth Arts Fund a través de Carclew’s Odeon Theatre y de Griffin Hilditch Lawyers.
Estreno: Adelaide Festival Centre, enero de 2008
Duración aproximada: 50 minutos
www.slingsby.net.au

 

UNA ANTIGONE DE PAPIER, TENTATIVE DE DÉFROISSAGE DU MYTHE (UNA ANTÍGONA DE PAPEL, UN INTENTO DE DESARRUGAR EL MITO) Francia

De 10 años en adelante

Compagnie Les Anges au Plafond Género: marionetas Idioma: español

Madrid Espacio por confirmar 7 de marzo, 18.00 horas 8 de marzo, 12.00 horas 9 de marzo, 11.00 horas (Campaña Escolar) 10 de marzo, 11.00 horas (Campaña Escolar)

EL ESPECTÁCULO

Esta es la historia eterna de la lucha por el trono, de la ciudad arrasada y los hermanos fratricidas. Es la historia de Polinices y Eteocles, sedientos de poder. La historia de Creonte, rey de Tebas, y de su edicto terrible. Es la historia de un pueblo que, atemorizado, calla. Y es, sobre todo, la historia inmortal de Antígona, de su bravura y resolución míticas... pero también de su humanidad.

Le Compagnie les Anges au Plafond revisa una de las más antiguas narraciones del mundo: el mito de Antígona.

Sobre el escenario, los personajes de papel se desgarran, los muros se construyen y se destruyen y las armas entrechocan al son de los violonchelos. En esta representación no hay nada oculto, todo está ya en escena, enterrado bajo un montón de papel. No hay lugar para el engaño ni para las modificaciones. El público vivirá junto a las marionetas esta historia atemporal, vieja como el mundo, un mundo frágil... un mundo de papel.

Camille Trouvé insufla vida a los títeres con lirismo y fogosidad y, acompañada de dos violonchelistas, da forma a un espectáculo de gran belleza plástica que nos habla también del mundo en el que vivimos.

Traducción: Brice Berthoud, Camille Trouvé
Interpretación: Sandrine Lefebvre, Verónica Votti, Martina Rodríguez, Dorothée Ruge, Camille Trouvé
Bajo la mirada y la pluma de: Brice Berthoud
Construcción de marionetas: Camille Trouvé
Composición musical: Sandrine Lefebvre, Martina Rodríguez
Escenografía: Dorothée Ruge
Iluminación: Gerdi Nehlig
Decorados: Olivier Benoît, Salem Ben Belkacem
Vestuario: Séverine Thiébault Con la participación de Einat Landais, Magali Rousseau, Véronique Lung
Administración: Séverine Petibon
Producción: Elisabeth Tréhard
Una coproducción de Les Anges au Plafond, Théâtre 71 scène nationale de Malakoff, Théâtre Jeune public de Strasbourg, Espace Jean Vilar scène conventionnée de IFS, Centre Marcel Pagnol de Bures sur Yvette, Théâtre de Corbeil Essonne, Théâtre du Chaudron Cartoucherie de Vincennes.
Subvencionado por la Direction Réginale des Affaires Culturelles de l´llede France.
Estreno: Espace Marcel Pagnol de Bures sur Yvettes, 13 de noviembre de 2007
Duración aproximada: 1 hora y 15 minutos

 

CALLEJÓN SIN SALIDA España (Comunidad valenciana)

De 13 a 17 años

Amores Grup de Percussió+Supremos Género: música y break-dance Idioma: español

Alcalá de Henares Teatro Salón Cervantes 16 de marzo, 12.00 horas (Encuentro Teatralia y Campaña Escolar) Madrid Teatros del Canal (Sala B) 25 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) 26 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) 27 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) 28 de marzo, 18.30 horas

EL ESPECTÁCULO

Los valencianos de Amores Grup de Percussió -compañía fundada en 1989 e integrada por Pau Ballester, Ángel García y Jesús Salvador “Chapi” - y de Supremos -fundada en 1995 por Hize (Un paso adelante -Antena 3 TV), Silvestre, Foves, Lil Mike y Chumie (Sergio Alcover, Fama ¡A bailar!-Canal 4) suben al escenario un espectáculo en el que la música, la danza callejera y la especulación con las singularidades del ruido son los protagonistas.

Ruido que nace de las entrañas de la urbe, ruido de calles, cloacas, garajes, edificios, puertos y aeropuertos. Suena la metrópoli con ecos prófugos y se producen densas y rimadas coreografías, la gente se aglutina y transita sin rumbo ni destino, manipulada por la vorágine que nos conduce.

Y junto a la música de la calle, el baile break dance, que no es sólo expresión artística sino una manera de enfocar la vida, de enfrentar los problemas de la calle, de aprender a caminar en la sociedad mercantilista, en un mundo que adora ciegamente al dios del progreso o a la diosa de la tecnología.

El actor y director Alejandro Jornet (Marruecos, 1956) dice que con Callejón sin salida trata de “ilustrar un paseo tangible por diferentes lugares de una ciudad cualquiera, en un momento cualquiera del día, y organizar los sonidos y las diferentes maneras de moverse la gente de nuestra época, que son inherentes a cada uno de nosotros. Y todo en fusión con la fuerza y universo del hip hop, una cultura sólida formada por cuatro elementos: el baile, el grafiti, el rap y la música”.

Ciudad, respiración de la ciudad, coches, sirenas, aeropuertos, supermercados, ambulancias, ruido, metro, sirenas, hormigón, hip hop, el llanto de un bebé, grúas, polución, estrés, despertadores, prisa, hospitales de paso, jardines sin flores, lágrimas, no hay salida, no hay salida... Callejón sin salida se estrenó en el.

Autoría: Amores Grup de Percussió
Dirección: Alejandro Jornet
Interpretación: J.S. Chapi, Ángel García, Pau Ballester, María Múñoz, Manuel Forner, Raúl Fernández
Diseño de escenografía: Alejandro Jornet. Paula Miralles
Diseño de atrezo: Pepe Brumós, Alba Ghilardi
Diseño de vestuario: Paula Miralles
Creación musical: Jesús Salvador “Chapi” (obra encargo del I.V.M)
Dirección musical: Jesús Salvador “Chapi”
Diseño de iluminación: Víctor Antón
Diseño de sonido: David Alarcón, Audio Net
Diseño gráfico: Assad Kassab
Producción: Inma Soler-Turiarte Servicios S.L
Técnico de sonido: Audio-Net
Técnico de iluminación: Víctor Antón
Realización de escenografía: Pepe Brumós
Realización de vestuario: Paula Miralles
Realización de atrezo: Alba Ghilardi
Producción ejecutiva: Irina Peña
Distribución: Ana Sala
Subvencionado por el Ministerio de Cultura (INAEM) -subvención proyecto anual-.
Coproducción de Fundación VEO, Instituto Valenciano de la Música-Generalitat Valenciana.
Con la colaboración de NP Drums.
Estreno en Valencia: Teatro l´Altre Espai dentro, Festival VEO, febrero de 2008
Duración aproximada: 1 hora y 10 minutos
www.amoresgrupdepercussio.com

 

MONO SAPIENS España (Comunidad Valenciana)

De 16 años en adelante

Teatre de l’Home Dibixat Género: teatro Idioma: español

Galapagar Centro Cultural La Pocilla (Teatro Jacinto Benavente) 7 de marzo, 18.00 horas Madrid Centro Cultural Paco Rabal - Palomeras Bajas 9 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) 10 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) Morata de Tajuña Casa de la Cultura Francisco González 18 de marzo, 11.30 horas (Campaña Escolar)

EL ESPECTÁCULO

Encerrado en una jaula, Mono Sapiens sólo ve una salida para alcanzar la libertad: la imitación de los seres libres que viven al otro lado de los barrotes. Adquiere la palabra y el razonamiento y se incorpora a nuestra sociedad, a nuestras contradicciones. Y un buen día decide exponer públicamente sus desazones. Hoy nos informa.

Inspirado en Informe para una academia, de Franz Kafka, este espectáculo es, según el autor e intérprete Tian Gombau “una mirada crítica a la sociedad humana desde los ojos de un simio que ha adquirido la capacidad del lenguaje y la reflexión. A la manera de los conferenciantes habituales, el Mono Sapiens irá desgranando las anécdotas de su contacto con los humanos y los pensamientos y emociones desiguales que éste le provoca”.

La compañía el Teatre de l´Home Dibuixat - Premio al Mejor Espectáculo de Pequeño Formato en el Festival FETEN de Gijón por Piedra a piedra (también presente en esta edición de Teatralia)- y Gombau suben al escenario Mono Sapiens, un monólogo que, según sus propias palabras “nace de la necesidad de comunicar, de escribir una propuesta escénica donde verter dudas y certezas acumuladas en el tiempo. La idea inicial de Kafka nos ha permitido partir de una base literaria estimulante. Habitantes de un mundo moderno y caótico, aportamos nuestra visión desde un presente que nos desconcierta”.

Mono Sapiens es un montaje unipersonal en el que Gombau demuestra una habilidad gestual que lo acerca a otros estadios evolutivos. La crítica ha descrito este espectáculo como “una invitación a pensar, o repensar, el origen y evolución de la raza humana, abordando frontalmente las miserias y grandezas que surgen de la posibilidad de razonar y, por tanto, elegir (...) Escéptico y agudo, con pinceladas de humor corrosivo”.

Autoría: Tian Gombau
Dirección: Pep Cortés
Interpretación: Tian Gombau
Diseño de escenografía: Juan Llamas-Picapins
Diseño de atrezo: El Teatre de l´Home Dibuixat
Diseño de vestuario: El Teatre de l´Home Dibuixat
Diseño de iluminación: Alfons Barreda
Diseño gráfico: Panchi Vivó
Realización de escenografía: Juan Llamas-Picapins
Producción: Tian Gombau
Subvencionado por: Teatres de la Generalitat.
Estreno en Vinarós: mayo de 2001.
Duración aproximada: 55 minutos
www.homedibuixat.com

 

EL CIRC DE SARA España (Cataluña)

Todos los públicos

Ateneu Popular 9 Barris Género: circo Idioma: español

Alcalá de Henares Teatro Salón Cervantes 15 de marzo, 18.30 horas (Encuentro Teatralia y abierto al público) Madrid Teatros del Canal (Sala B) 17 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) 18 de marzo, 10.30 horas (Campaña Escolar) 19 de marzo, 18.30 horas 20 de marzo, 18.30 horas 21 de marzo, 18.30 horas Rivas Vaciamadrid Auditorio Municipal Pilar Bardem 28 de marzo, 18.00 horas Torrejón de Ardoz Teatro Municipal José María Rodero 29 de marzo, 19.00 horas

EL ESPECTÁCULO

Desde pequeña, Sara quería ver el mar y el circo parecía el vehículo ideal para conseguirlo. Y Antonio... era tan de la gran ciudad todo cambió, bruscamente, sin previo aviso. ¡Antonio y el león desaparecieron!

Ahora, pasados los años, se vuelven a encontrar en el mismo lugar y los fantasmas de las preguntas se materializan. También los hijos de Sara, Luca y Rico, que han crecido con el circo, buscan respuestas.

El Circ de Sara es el undécimo espectáculo en formar parte del proyecto Circ d´Hivern del Ateneu Popular 9 Barris. El Circ d´Hivern, surgido en 1996, se enmarca dentro del género conocido como “nuevo circo”, con piezas que cuentan historias o, al menos, crean universos propios. Ampliamente reconocido por público y crítica, sus montajes han obtenido galardones como el Premio Nacional de Circo 2006 y el Premio a la Creatividad en Artes Escénicas de la Federación de Ateneus de Cataluña.

El circ de Sara es una creación de Piero Steiner y Ricard Panadès y bebe de las fuentes del circo itinerante. Sobre el escenario, seis artistas circenses, una actriz y un músico elevan un espectáculo que se quiere asociar con el arte de la exploración de los límites y las periferias. Fusionando lenguaje musical y teatral y las disciplinas propias del género (con elementos como el cuadrante aéreo, los equilibrios acrobáticos, la perla china y la rueda alemana, entre otros) nos acercan una historia sencilla sobre una mujer enfrentada a la fuerza de la vida y el destino

Autoría: Piero Steiner, Ricard Panadès
Dirección: Piero Steiner
Interpretación: Sarina Röhr, Ondine awen Korn, Lorenzo Mastropietro, Salvatore, Adrià Cordoncillo, Philine Dahlmann, Elske Van Gelder, Frédéric Filiatre
Diseño de escenografía: Aina Cordoncillo
Creación músical: Frédéric Filiatre
Diseño de iluminación: Francis Baena
Diseño Gráfico: Aina Cordoncillo
Producción: Ateneu Popular 9 Barris
Técnico de sonido: Pau Josa
Técnico de iluminación: Manuel Martinez
Realización de escenografía: Marulo, Luisillo
Subvencionado por el Ajuntament de Barcelona (Districte de Nou Barris),
Generalitat de Catalunya (Departament de Cultura i Mitjans de Comunicació),
Ministerio de Cultura (INAEM) y Ajuntament de Barcelona (Institut de Cultura).
Duración aproximada: 1 hora y 15 minutos
www.ateneu9b.net