XXIV FESTIVAL DE OTOÑO 2007 de MADRID Del 15 de octubre al 18 de noviembre

foto. Tomasso lopera

Sobre la Compañía

Nicola Piovani (Roma, 1946) es pianista, compositor y director de orquesta. Ha colaborado con directores italianos como Monicelli, Moretti, Tornatore, Bertolucci, Magni, los Taviani y Fellini. También ha trabajado con Ben Von Verbong, Bernard Favre, Pal Garbor, Dusan Makavejes, George Sluizer, Bigas Luna, Jos Stelling y John Irvin. A menudo en gira por Italia y el extranjero, toca el piano y dirige su Orquesta Aracoeli, con la Compagnia della Luna, fundada con Vincenzo Cerami, y para la que ambos han escrito varios trabajos (Canti di Scena, La Pietá, L’Isola della Luce). Es también compositor de canciones (entre otros, para Fabricio De André o Roberto Benigni) y de música de cámara. Piovani ha recibido multitud de premios: David di Donatello en 1986 y en 1994 por las películas Ginger e Fred y Caro Diario; Premio Rota 1997; Premio Oscar en 1999 y en el 2000 nominación a los premios Grammy por la música del filme La vida es bella de Roberto Benigni. En el 2004 gana el Premio Luigi Mancinelli y un año después recibe una nominación al premio Cesar por la película The Light.

Composición y dirección: Nicola Piovani  
Texto: Vienzo Cerami  
Interpretación: Norma Martelli  
Cantantes: Pino Ingrosso, Raffaella Siniscalchi, Barbara Eramo y Norma Martelli
Músicos: Niocla Piovani, Alessio Manzini, Marino Cesari, Nolito Bambini, Gianluca Palloca, Pasquales Filasto, Monica Ficarra, IvanGambini y Massimo D’Agostino
Idioma: italiano con sobretítulos en español
Duración aproximada: 2 horas (con intermedio)
www.nicolapiovani.com

Foto: Chris Van der Burght

Import-Export es al mismo tiempo aventura política y reflexión íntima. Como en bâche, su anterior trabajo, Augustijnen cuenta con el contratenor Steve Dugardin. Lejos de todo clasicismo, la música del espectáculo combina la fragilidad y emotividad de la voz humana en el canto barroco con sonidos industriales y electrónicos. En escena, Dugardin, el cuarteto de cuerda Kirke y seis bailarines acróbatas comparten música, humor, movimiento y compromiso.

Sobre la Compañía

Koen Augustijnen (Malinas, 1967) trabaja con Les Ballets C. de la B. - Les Ballets Contemporains de la Belgique - desde 1991, primero como bailarín en piezas de Alain Platel y Hans Van den Broeck y, desde 1997, como uno de los coreógrafos de esta compañía belga reconocida internacionalmente por su estilo ecléctico, anarquista y comprometido. Augustijnen estudió Historia en la Universidad de Gante y ha participado en talleres de danza en el Conservatorio de Amberes y con Caro Lambert, Min Tanaka y Frank van de Ven.

Entre sus trabajos como coreógrafo se encuentran To Crush Time (1997), Plage Tattoo (1999) y más recientemente bâche (2004). Del elenco de Import-Export (2006), Augustijnen ha dicho: “los bailarines proceden de distintos puntos del planeta; en cierto modo, estoy importando talento de todas las partes del mundo y exportándolo mediante las giras del espectáculo”.

Idea y dirección: KOEN AUGUSTIJNEN
Bailarines: LAZARA ROSELL ALBEAR, KOEN AUGUSTIJNEN, MARIE BAUER, JUAN BENÍTEZ,
GAËL SANTISTEVA y MILAN SZYPURA
Contratenor: STEVE DUGARDIN
Cuarteto de cuerda KIRKE: EVA VERMEEREN (violín), SAARTJE DE MUYNCK (violín),
EVELIEN VANDEWEERDT (viola) y HERLINDE VERHEYDEN (chelo)
Composición y adaptación musical: BART VANDEWEGE
Composición música electrónica: SAM SERRUYS
Música a partir de las composiciones de: CHARPENTIER, CLÉRAMBAULT, COUPERIN y LAMBERT
Dramaturgia: GUY COOLS
Asesoría coreográfica y de movimiento: TED STOFFER
Escenografía: JEAN BERNARD KOEMAN
Diseño de iluminación: CARLO BOURGUIGNON
Diseño de vestuario: LIES VAN ASSCHE
Sonido: SAM SERRUYS
Producción: Les Ballets C. de la B.
Coproducción: Théâtre de la Ville (Paris), Hebbel am Ufer (Berlin), Brighton Festival,
Tramway (Glasgow), Place des Arts (Montréal), Théâtre Les Tanneurs (Bruxelles),
Grand Théâtre de Luxembourg y Torino Danza.
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 25 minutos (sin intermedio)
www.lesballetscdela.be
www.lacasaencendida.com

Según palabras del propio Caetano, Cê es una respuesta a A Foreing Sound, su trabajo anterior, cuya idea nació cuando estuvo exiliado en Londres en los años 70-71. Si éste estaba centrado en canciones en su mayoría cantadas en inglés y pertenecientes al cancionero anglo-americano, Cê es el primer disco compuesto por Caetano íntegramente y cantado totalmente en portugués. Un conglomerado de samba, rock, blues y ritmos electrónicos mezclados con la música popular brasileña al que el artista añade algún discreto toque de violín. Para este proyecto, el más rockero de su carrera, se ha rodeado de una banda muy joven bajo la producción de su hijo Moreno Veloso. El resultado son doce temas llenos de poesía y de inconformismo. Letras de alegría, de energía o denuncia, sobre el amor y el desamor. Algunas de ellas, íntimas experiencias. En Nao me arrependo narra el dolor que le causó la separación de su última compañera sentimental y madre de dos de sus hijos. En O herói rinde homenaje al rappero MV Bill. En Por quê insiste en la necesidad que plantean los años de revisar la vida. Pero en la actuación del Festival de Otoño, Veloso, además de las canciones de Cê no dejará de cantar sus grandes éxitos. Un repaso a los diferentes momentos de la carrera de “uno de los compositores más grandes y más queridos del siglo” como lo ha calificado The New York Times...

Sobre la Compañía

Los entendidos dicen que fue Caetano Veloso quien redefinió lo que se conoce como música brasileña. Al fundar junto con Gilberto Gil, Gal Costa y su hermana Maria Bethania un movimiento llamado Tropicalismo estaba poniendo los cimientos del renacimiento de una música popular que todavía hoy no ha parado de evolucionar.

Caetano nació el 7 de agosto de 1942 en Santo Amaro de Purificaçao, una pequeña ciudad del estado de Bahía. Se educó en una familia numerosa, amante de la música. A los nueve años compuso su primera canción. Los años de juventud los pasó en Salvador de Bahía donde estudió Arte y tuvo sus primeros éxitos. Pasó por el exilio en Londres y tras el regreso a su país no ha parado de crear. Más de treinta grabaciones en su carrera, de poeta, comentarista social, creador de baladas para Almodovar, actuaciones junto a Pina Bausch, conciertos con David Byrne, Lila Downs, Verdade tropicale, sus memorias...Y su activismo político que en los últimos meses le han hecho desmarcarse de algunos compañeros al negarle su apoyo a Lula da Silva.

Voz, guitarra y arreglos: CAETANO VELOSO
Guitarras, teclados y arreglos: PEDRO SÁ
Bajo: RICARDO DIAS GOMES
Batería y percusión: MARCELO CALLADO
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos
www.caetanoveloso.com

En 2005, un francés altísimo, elástico, como una criatura de otro mundo, con el torso tatuado con el mapa de un universo imaginado, presentó al mundo su primer trabajo Pomaïe Klokochazia Balek. Desde entonces, Labyala Fela Da Jawid Fel (más conocido como Nosfell) y Pierre Le Bourgeois forman Nosfell, un grupo inclasificable, que ha sido calificado como vanguardia del pop rock étnico, inventor del trip hop ópera y referencia de la música experimental en toda Europa, pasando por el jazz, el rock y la electrónica.

Sobre el escenario, un cantante con múltiples voces que canta en inglés, francés y un idioma nuevo, lengua de Kloklachia, su delirante mundo imaginario. Nosfell grava en vivo sus voces de duende, de mago, de bruja, de las más bajas a las más altas y nos transporta a un mundo misterioso de música trip hop basada en samplers y jazz electro. La voz y la guitarra de Labyala Fela Da Jawid Fel y el violonchelo de Pierre Le Bourgeois convierten cada concierto en un espectáculo místico que hace de punto de unión entre la diversidad de la música francesa, la europea, el jazz y el trip hop.

En su segundo trabajo, Kälin Bla Lemsnit Dünfel Labyanit (2006), Nosfell continúa la exploración de Kloklchazia y nos cuenta las mitologías de su mundo natal. Después de pasar por el Festival de Benicassim 2006 llega al Festival de Otoño la sincronía celestial y apocalíptica de este artísta atípico.

Sobre la Compañía

Labyala Nosfell nació en París. Antes de dedicarse a la música, estudió lenguas orientales y adoptó como nombre Labyla Fela Da Jawid Fel que significa “aquel que se cura caminando”.

En 2005 lanza al panorama musical Pomaïe Klokochazia Balek, un primer trabajo en el que presentaba al mundo su geografía imaginaria, un extraño lugar llamado Kloklchazia y que le valió su fama de historiador imposible, armado sólo con su guitarra y una voz llena de matices. En su segundo trabajo Kalin bla lemsnit dunfel labyanit (2006) cuenta con la participación del guitarrista y compositor Bertrand Belin.

Nosfell, calificado por la crítica como “un ser andrógino, enigmático, camaleón que atraviesa todos los estilos, que cambia de aspecto, de voz, de postura, que invita a la lujuria y también a la armonía” llega al Festival de Otoño después de haber pasado por el Centre George Pompidou, el Teatro Nacional de Reykjavic y el Festival de Benicassim en el año 2006.

Voz y guitarra: LABYALA NOSFELL
Chelo: PIERRE LE BOURGEOIS
Duración aproximada: 1 hora y 20 minutos (sin intermedio)
www.nosfell.com
www.lacasaencendida.com

FOTO: NANNA HAVAS

Cuando el grupo danés Efterklang sacó a la luz Springer, su primer trabajo, un crítico musical exclamó entusiasmado: “Nunca antes había oído nada tan completo, fascinante y conmovedoramente luminoso como este debut”. Ahora, después de un año y medio de trabajo, estos cinco jóvenes de Copenhague presentan su nuevo álbum, Parades, que saldrá a la luz el 15 de octubre de 2007. Madrid es el escenario de presentación de este trabajo, con uno de los primeros conciertos de la banda en dos años. Los músicos de Efterklang tocan juntos desde hace seis años. Sus temas son el resultado de una ecléctica combinación de sonidos electrónicos, pop excéntrico, rock y música clásica. Trombón, trompeta, batería, guitarra, piano, violín... ritmos lentos, arreglos envolventes y vibrantes, evocación de imágenes cinematográficas... para, a veces, conjurar la melancolía; y para, otras veces, espantarla. Efterklang, dueños de una música que, como el mismo nombre del grupo indica, sigue sonando, reverberando y recordándose mucho después de haberse escuchado. Una música que se expande cósmica y al mismo tiempo se encoge con vulnerabilidad íntima...

Sobre la Compañía

Este quinteto de Copenhague está formado por Mads Brauer, Casper Clausen, Thomas Husmer, Rune Molgaard y Rasmus Stolberg, unidos desde 2001. En 2003 lanzan Springer que les lleva a firmar con el prestigioso sello de electrónica de vanguardia Leaf Label. Un año después, Tripper, su álbum de debut, con 33 músicos invitados, violines, coros, instrumentos de metal y proyecciones del director de cine Karim Ghahway se convierte en éxito de ventas. En abril de 2007, ve la luz el mini-album Under Giant Trees, con colaboración de Edda y Hildur, las islandesas de Amiina, tocando el violín. Entre las influencias de Efterklang, Sigur Ros, Brothers Quay, Werner Herzog, Ingmar Bergman...

Clausen y Brauer han hecho incursión en el mundo de las bandas sonoras, su música para Princess, una película de animación, fue nominada para los premios de la academia de cine danesa en 2006. En la actualidad, Efterklang dirige su propio sello discográfico, Rumraket, con artistas como Amiina, Grizzly Bear, Slaraffenland y Taxi, Taxi!, entre otros.

Voz e instrumentos varios: CASPER CLAUSEN
Ordenadores: MADS BRAUER
Piano y voz: JOSEFINE LINDSTRAND
Batería, trompeta y voz: THOMAS HUSMER
Guitarra e instrumentos varios: RASMUS STOLBERG
Violín y coros: PETER BRODERICK
Duración aproximada: 50 minutos (sin intermedio)
www.efterklang.net/home
www.lacasaencendida.com

Foto: Donald Milne

En 1984, un joven David Sylvian lanzaba su primer disco en solitario Brilliant Trees. Aclamado por crítica y público, el álbum tendió un puente entre los sonidos que había creado con Japan y un viraje más arriesgado que anunciaba el vértigo innovador de sus futuros trabajos.

En 2005, Snow Borne Sorrow, el primer álbum con el grupo Nine Horses, lograba una extraña mezcla de elementos pop, vanguardistas, jazz, folk y música electrónica, convirtiéndose en epicentro de un universo de sonido propio e inclasificable. Independiente y fiel a sí mismo, tanto en grupo como en solitario, la investigación, la osadía y la huida de los lugares comunes están aseguradas si Sylvian anda cerca.

De esta gira (la primera en cuatro años en Europa), el artista británico ha dicho que pretende recuperar su trabajo pasado pero con el objetivo de finalizarlo, de cortar los vínculos que todavía le unen a ese período. Lejos de ser un proyecto para la nostalgia, The World is Everything es una gira íntima que incluye temas de Nine Horses y abre una nueva órbita de giro en la vida de este creador de paisajes musicales hipnóticos. Músico, productor, compositor, poeta, cineasta, fundador de Japan, miembro de Nine Horses, un auténtico artista en constante búsqueda de nuevas experiencias creativas, un pionero de la vanguardia más refinada...

Sobre la Compañía

David Sylvian empezó su carrera como letrista, compositor y vocalista de Japan, uno de los grupos británicos más originales de los años 70 y 80. A principios de los 80 continúa su carrera en solitario produciendo discos tan significativos como Brilliant Trees, Secrets of the Beehive y Blemish. Ha realizado diversas grabaciones con su eterno colaborador Ryuichi Sakamoto y con Robert Fripp. Otros de sus colaboradores más recientes son Fennesz, Derek Bailey y Joan Wasser (Joan As Police Woman). Junto a su hermano Steve Jansen y el compositor de electrónica Burnt Friedman ha lanzado varios discos con Nine Horses.

David Sylvian, una voz sin etiquetas, con un reconocido talento creativo y la habilidad para realizar los más diversos proyectos con algunos de los compositores más originales y creativos del momento como Robert Fripp, Hector Zazou, Ryuichi Sakamoto, y Holger Czukay...

Voz, guitarra y teclados: DAVID SYLVIAN
Batería y samplers: STEVE JANSEN
Bajo: KEITH LOWE
Teclados: TAKUMA WATANABE
Duración aproximada: 1 hora y 15 minutos (sin intermedio)
www.davidsylvian.com
www.madrid.org/clas_artes

FOTO BASE: LORCA COHEN

Así define el compositor norteamericano Philip Glass su último proyecto, Book of Longing, basado en el libro de poemas e ilustraciones alumbrado por Leonard Cohen en 2006. La pieza ha sido concebida como un concierto para ocho instrumentos y cuatro voces en el que la música, la palabra y la imagen se fusionan para reinventar conceptos. Por primera vez, los ritmos meticulosos de Glass, las letras y los dibujos de Cohen se dan la mano sobre el escenario. Hay algo de cualidad mística en la música de Glass, una desnudez estructural que ha sido calificada por muchos como minimalista, pero que trasciende los límites de esta etiqueta para dar lugar a un trabajo intensamente hermoso, personal e inspirador. Frente al teclado, Glass bucea a través de breves y elegantes fragmentos melódicos. Las repeticiones complejas y minuciosas arrastran al espectador a un estado hipnótico de revelación.

El poemario - el primero de Cohen en los últimos 20 años - calificado como erótico y reflexivo, juguetón y provocativo, encuentra respuesta musical en la

interpretación de Glass, que oscila entre el rock indie, la música clásica y las nuevas tendencias experimentales. “Seguí la carrera del caos al arte”, reza un verso de Cohen, y del caos al arte nos guía Glass en este Libro del anhelo que llega al Festival de Otoño después de su estreno en el Luminato Festival de Canadá en junio de 2007.

Sobre la Compañía

Philip Glass (Baltimore, 1937) estudió Filosofía en la Universidad de Chicago pero su interés  pronto se orientó hacia el estudio obsesivo de la música. Tras su paso por la Juilliard School de Nueva York y un período de formación en París con la legendaria Nadia Boulanger, se dedicó a la exploración de caminos menos convencionales, colaborando con músicos orientales como Ravi Shankar.

Revolucionario de la música de su tiempo - Einstein on the Beach (1975) es un hito en el panorama musical de los 70- ha sido pionero en distintos ámbitos, des-

de la gran ópera, la ópera de cámara o las sinfonías, a las bandas sonoras de películas como Kundun, de Martin Scorsese; El show de Truman, de Peter Weir y El ilusionista de Neil Burger. Entre sus últimos proyectos se encuentra la ópera Esperando a los bárbaros, basada en la novela homónima del premio Nobel J.M. Coetzee.

Philip Glass ha sido galardonado en numerosas ocasiones – Contemporary Music Award (2004), Caballero de las Artes y las Letras de la República Francesa (1995)- y es Doctor Honoris Causa por tres universidades.

Concepción, composición e interpretación: PHILIP GLASS
Texto e imágenes: LEONARD COHEN
Dirección musical: MICHAEL RIESMAN
Dirección de escena: SUSAN MARSHALL
Cantantes: WILL ERAT, TARA HUGO, DANIEL KEELING y DOMINIQUE PLAISANT
Músicos: TIM FAIN, PHILIP GLASS, ELEONORE OPPENHEIM, MICHAEL RIESMAN,
MICK ROSSI, KATE ST. JOHN, ANDREW STERMAN y WENDY SUTTER
Escenografía: CHRISTINE JONES
Diseño de iluminación: SCOTT ZIELINSKI
Diseño de vestuario: KASIA WALICKA MAIMONE
Idioma: inglés
Duración aproximada: 1 hora y 40 minutos (sin intermedio)
www.philipglass.com
www.madrid.org/clas_artes

Foto: Koen Broos Toneelhuis. Sidi Larbi Cherkaoui

El espacio en Myth representa un purgatorio, una sala de espera ante una enorme puerta. Los bailarines se convierten en personajes que en muchos casos reflejan arquetipos. La atmósfera sobre el escenario resulta al mismo tiempo familiar y ambigua. Los pobladores de este mundo de tránsito se dividen entre terrenales y celestiales, oscilan de su lado femenino al masculino, de la conciencia occidental a la oriental, del bien al mal. Son guiados por sus sombras, por su naturaleza animal. Entre la razón y la intuición, una batalla en miniatura de dos polos antagónicos, dos extremos que luchan por un sitio en la realidad. En colaboración con Nienke Reehorst y catorce bailarines entre los que se encuentran Damien Jalet y Christine Leboutte, Sidi Larbi recrea un mundo ecléctico que surge a partir del encuentro de los opuestos, acompañado por Patricia Bovi y el grupo Micrologus. Un trabajo accesible y complejo que se atreve a contar una historia, la del movimiento que resulta del encuentro de los contrarios. Myth se estrenó en Amberes en junio de 2007.

Sobre la Compañía

Guy Cassiers, Sidi Larbi Cherkaoui, De Filmfabriek, Olympique Dramatique, Wayn Traub, Lotte van den Berg y Benjamin Verdonk forman la Toneelhuis, una casa de creación multidisciplinar afincada en Amberes que acoge proyectos de teatro, danza, video, performance y música.

Con la ambición de tomarle el pulso a la diversidad cultural de su ciudad, la próxima temporada presentará 11 producciones con más de 400 funciones en Bélgica y otros países. Sidi Larbi Cherkaoui (Amberes, 1976) se formó en la escuela de Anne Teresa De Keersmaeker donde entró en contacto con coreógrafos de la talla de William Forsythe, Pina Bausch y Trisha Brown.

Con tan solo 19 años recibió el Premio al Mejor Solo de Danza de Gante. En 2002 codirigió con Damien Jalet, Luc Dunberry y Juan Cruz Díaz de Garaio Esnaola, la coreografía de D´Avant para la Schaubühne Am Lehniner Platz de Berlín y un año después estrenó Foi, que recibió el Premio a la Mejor Coreografía en los Premios Movimento de Wolfsburg, Alemania. Sus últimos proyectos han sido zero degrees (2005) y Corpus Bach (2006).

Coreografía: SIDI LARBI CHERKAOUI
Asistente de coreografía: NIENKE REEHORST
Dramaturgia: GUY COOLS
Dirección musical: PATRIZIA BOVI
Bailarines: IRIS BOUCHE, ANN DOCKX, DAMIEN FOURNIER, ALEXANDRA GILBERT,
MILAN HERICH, DAMIEN JALET, PETER JASKO, SATOSHI KUDO, CHRISTINE LEBOUTTE,
SRI LOUISE, JAMES O´HARA, ULRIKA KINN SVENSSON, MARC WAGEMANS y DARRYL E. WOODS
Música en directo: -Ensemble Micrologus- MAURO BORGIONI, PATRIZIA BOVI,
GOFFREDO DEGLI ESPOSTI, GABRIELE MIRACLE, GABRIELE RUSSO, SIMONE SORINI y LEAH STUTTARD Escenografía: WIM VAN DE CAPELLE y SIDI LARBI CHERKAOUI
Diseño de iluminación: LUC SCHALTIN
Diseño de vestuario: ISABELLE LHOAS y FREDERICK DENIS
Producción: Toneelhuis
Coproducción: deSingel, Théâtre de la Ville, París; National Art Center Ottawa,
Concertgebouw Brugge, Grand Théâtre de Luxembourg, Sadler´s Wells, Londres;
Fondazione Musica per Roma y Theater Im Pfalzbau Ludwigshafen
Idioma: inglés y francés con sobretítulos en español
Duración aproximada: 1 hora y 45 minutos (sin intermedio)
www.toneelhuis.be
www.madrid.org/clas_artes