FESTIVAL DE OTOÑO DE MADRID 2006 TEATRO

La obra refleja la vida vacía y desolada de unos personajes desvalidos que buscan compañía y pequeños afectos a costa de lo que sea. Son habitantes oscuros de las ciudades, espectadores perplejos del progreso que, teniéndolo tan cerca, ni les roza siquiera. Se refugian, ocultan y desnudan en un pisito miserable por cuya ventana se asoma la ciudad con sus ruidos, sus luces y sus sombras. Es verano, el calor y la humedad lo impregnan todo. Tres personajes y un barrio: una prostituta que quiere cambiar de profesión porque ha descubierto que otra vida es posible. Ella es el vértice de un triángulo que completan dos hombres. Uno vago y sin voluntad que vive con ella y de ella, y su cliente preferido: un librero poeta que le demuestra afecto y una consideración especial. Ambos, con estrategias diferentes, la condenan a continuar prostituyéndose. Para el director e intérprete Mario Vedoya, Barcelona y Madrid palpitan de modo muy diferente. Pero el Raval en Barcelona es como Lavapiés en Madrid, San Telmo en Buenos Aires o La Candelaria en Bogotá, un barrio semimarginal, bohemio y cosmopolita donde conviven progreso, postmodernidad y miseria.

La Compañía

El nombre de la compañía es un término deportivo que hace referencia al esfuerzo supremo del corredor de fondo cuando, ya exhausto y sin fuerzas para mover las piernas, consigue llegar hasta la meta gracias a ese aire, ese “segundo viento” que renueva nuestra energía y disposición. Esta aventura teatral comenzó hace poco más de un año de la mano de Mario Vedoya, director y actor, con Vacío, de José Sanchís Sinisterra. Vedoya considera “providencial” su encuentro con Florencia Saraví y Martín V. Asegura haber dado con los actores exactos, no sólo para encarnar a los personajes, sino también para facilitarle su propia integración como actor. Con todo Mal Producciones lleva diez años de trabajo conjunto, iniciado en Argentina.

Dirección: Mario Vedoya
Intérpretes: Florencia Saraví Medina, Martín V. y Mario Vedoya
Diseño de escenografía y vestuario: Emilio Valenzuela
Diseño de iluminación: Rafa Echeverz
Música original y sonido: Albert Llanas
Compañía: Mal Producciones
Estreno absoluto
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 25 minutos (sin intermedio)
 

ROMEO Y JULIETA Lituania

Autor:William Shakespeare OKT / Vilnius City Theatre

Madrid Teatro de La Abadía Días 12, 13 y 14 de octubre 19:30 horas y 15 de octubre 18:00 horas.

FOTO: D. MATVEJEV

Korsunovas escenifica el odio de Montescos y Capuletos en una pizzería de Verona. Las dos familias compiten en jovialidad e inventiva entre ollas y cucharones en un prólogo creado por el director lituano y sus actores, que no dudan en llevar al límite las emociones de sus personajes. La batalla, que la crítica ha comparado con un gag de Laurel y Hardy, se va tornando en confusión y odio. Korsunovas explora el humor y la tragedia de este clásico y juega con dos elementos, la masa y la harina, como metáforas a lo largo de toda la obra de la transformación, el pasado y la muerte. Su Julieta no se asoma al balcón en la célebre escena, sino que se balancea temblorosa sobre la estantería más alta.

Para el director, lo más interesante de esta tragedia es cómo el amor puede tomar forma y crecer en una atmósfera de odio o guerra. Nadie conoce las razones de la enemistad entre las dos familias, se han olvidado hace tiempo. Pero Tibaldo defiende esta rivalidad como una tradición a conservar. “Muchas veces alimentamos tradiciones que crean conflictos sobre supuestas diferencias”, reflexiona Korsunovas. “La búsqueda de enemigos externos se ha convertido en una táctica cada vez más utilizada para fortalecer a una comunidad. En esta producción he querido analizar la forma en que el odio moldea las diferencias y se convierte en territorio común”.

La Compañía

El Oskaras Korsunovas Theatre (OKT), creado en 1998, se propuso desde sus comienzos mantener la independencia; no apoyarse en subsidios ni en una sala permanente para, de esta manera, cortar toda conexión con el teatro existente en Lituania en ese momento. Comenzó a producir la más novedosa dramaturgia, ausente entonces de los escenarios del país, y a buscar su propia forma de comunicación con el público.

Tras afianzarse en el país báltico, comenzó a presentar sus trabajos en giras internacionales. Actualmente cuenta con quince actores permanentes y una nueva estructura, bajo el nombre de Teatro de la Ciudad de Vilnius. Por su parte, Oskaras Korsunovas, nacido en 1969 en esa ciudad, recibió el primer premio de su carrera en el Festival de Edimburgo por un montaje realizado siendo aún estudiante. El carácter innovador de su teatro sufrió durante años restricciones por parte de las autoridades de su país.

Dirección: Oskaras Korsunovas
Intérpretes: Gytis Ivanauskas, Giedrius Savickas, Rasa Samuolyte, Rasa Marazaite,
Dainius Kazlauskas, Tomas Zaibus, Dainius Gavenonis, Vaidotas Martinaitis y Dalia Micheleviciute
Escenografía: Jurate Paulekaite
Música original: Antanas Jasenkar
Coreografía: Vesta Grabstaite, Oskaras Korsunovas
Estreno en Madrid
Idioma: lituano con subtítulos
Duración aproximada: 3 horas y 10 minutos (con intermedio)
www.okt.lt
 

PLATAFORMA España (Cataluña)

Autor: Michel Houellebecq Compañía Teatre Romea

San Sebastián de los Reyes Teatro Auditorio Municipal Adolfo Marsillach. Día 13 de octubre 20:30 horas.

FOTO: DAVID RUANO

“Una intriga irónica en la que seres reales y ficticios asumen, por igual, su inexistencia”, así define la autora y directora Paula Giusti esta obra que aspira a ser una introducción a la vida y la obra de Fernando Pessoa, el poeta portugués más importante del siglo XX. Cuando Pessoa se dirige al hospital, algunos signos presagian su fin. En la antecámara de la muerte, el escritor portugués mezcla, como siempre, sueño y realidad. Pessoa muere y la cama está vacía. Un viejo abrigo queda entre las sábanas en lugar de su cuerpo. Un viejo abrigo y una pregunta: ¿quién era este hombre? Ahora se presenta en Madrid Acerca de la estrategia más ingeniosa para ahorrarse la penosa tarea de vivir, primer proyecto de la compañía argentina Toda Vía Teatro. La historia combina verdad y quimera, humor y tragedia, música y silencios, ahondando en lo más sugestivo de la obra de Pessoa: la creación de personajes ficticios. Los otros que habitan en Pessoa y que son también él mismo, se revelan en escena a partir de un inteligente juego polifónico. La voz envolvente de la relatora y actriz Daniela Villalba sirve de guía para el espectador y le acompaña en este espectáculo donde los personajes se relacionan entre sí para asomarse a la penosa tarea de vivir.

La Compañía

Los integrantes de este grupo de creación son jóvenes versátiles y comprometidos con esta aventura colectiva. Sus distintos caminos de búsqueda y creación, que abarcan no sólo la escena teatral, sino también la danza, el canto o la dirección de actores, se reencuentran en Toda Vía Teatro. La autora y directora Paula Giusti es, además, una experta en Fernando Pessoa y el más característico rasgo de su obra: las máscaras poéticas. Toda Vía Teatro ha comenzado su andadura artística con este trabajo sobre Fernando Pessoa. Acerca de... fue la única obra dirigida e interpretada por extranjeros seleccionada para formar parte del festival parisiense Premiere Pas - Enfants des Troupes, auspiciado por el Théâtre du Soleil, donde fue recibida con mucho entusiasmo.

Dirección: Paula Giusti
Asistente de dirección: Sebastien Brottet-Michel
Intérpretes: Daniela Villalba, Daniel Cabot, Marcos Acevedo, Pablo Delgado y Pablo Salas
Escenografía, iluminación y vestuario: Toda Vía Teatro
Estreno en España
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 25 minutos (sin intermedio)
 

EL CHICO DE LA ÚLTIMA FILA España (País Vasco)

Autor: Juan Mayorga Ur Teatro

S. Lorenzo de El Escorial Real Coliseo Carlos III Días 28 de octubre 20:00 horas Día 29 19:00 horas. Madrid Círculo de Bellas Artes, Teatro Fernando de Rojas Días 3, 4 de noviembre 20:00 horas Día 5 19:00 horas.

Un profesor de lengua y literatura y un ejercicio rutinario, la corrección de una redacción titulada Mi pasado fin de semana. Los textos de sus alumnos resultan cada vez más decepcionantes hasta que llega al firmado por el chico silencioso que se sienta en la última fila. Tras leerla varias veces para convencerse de que lo que tiene ante sus ojos no es fruto de su imaginación, entabla con su autor una relación especial. Intensa y peligrosa, tanto para ellos como para quienes les rodean. El chico de la última fila habla sobre maestros y discípulos, sobre personas que han visto demasiado y sobre personas que están aprendiendo a mirar. Una obra sobre el placer de asomarse a las vidas ajenas y los riesgos de confundir vida y literatura. Porque algunos prefieren sentarse en la última fila y poder contemplar a todas las demás. Juan Mayorga es una de las figuras más sobresalientes de la dramaturgia actual. Ha colaborado con diversas publicaciones teatrales y ganado importantes premios, entre ellos el Calderón de la Barca. Sus últimos proyectos han estado ligados a la compañía Animalario, con espectáculos como Las últimas palabras de Copito de Nieve o Hamelin, galardonado con el Premio Nacional de Teatro 2005. Además es profesor de Dramaturgia e Historia del Pensamiento y Sociología en la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD).

La Compañía

Ur teatro inicia su andadura en 1987 bajo la dirección de Helena Pimenta. Ambos son responsables de montajes tan celebrados como la trilogía de W. Shakespeare Sueño de una noche de verano (1992), Romeo y Julieta (1995) y Trabajos de amor perdidos (1998), por la que la compañía ha recibido más de 20 galardones nacionales e internacionales, como el Premio Nacional de Teatro 1993. Entre sus últimos trabajos destacan Luces de Bohemia (2002) de Valle-Inclán, Sonámbulo (2003) de Alberti Mayorga o La Tempestad (2004) de W. Shakespeare. La trayectoria de H. Pimenta está a su vez avalada por infinidad de premios. Además de para UR teatro, ha trabajado, entre otros, para la Compañía Nacional de Teatro Clásico, el Teatro Nacional de Cataluña, el Centro Dramático Galego y el Centro Andaluz de Teatro.

Dirección: Helena Pimenta
Intérpretes: Ramón Barea, Carlos Jiménez Alfaro, Susi Sánchez, José Tomé,
Ignacio Jiménez y Natalie Pinot
Escenografía y vestuario: José Tomé y Pedro Galván
Iluminación: Miguel Ángel Camacho
Sonido: Eduardo Vasco
Estreno absoluto
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 40 minutos (sin intermedio)
 

INFAMANTE ELECTRA Chile

Autor: Benjamín Galemiri Teatro Camino

Madrid Sala Cuarta Pared Días 17,18, 19 y 20 de octubre 21:00 horas.

Infamante Electra presenta la historia de Joshua Halevi, un ex senador chileno recientemente desaforado por reiteradas acusaciones de diversos delitos y fraudes fiscales. Este ex-honorable, que alguna vez fue paladín de la lucha contra la dictadura e inevitable galán, debe afrontar ahora el desprecio de todas las esferas del poder.

Como en una tragedia impura y espesa, sólo su hija -brillante abogada- acepta defenderlo. Está dispuesta a vengar y mitigar las acusaciones contra él, a enfrentarse al ataque de los medios de comunicación y a aclarar su propia sentencia sobre su – antes - displicente padre. Los personajes juegan en un mismo espacio escénico, donde confluyen mundos tan diversos como la religión judía, el Chile pícaro y el concepto de circo. Desde El escaparate (1977), hasta Los desastres del amor (2003), pasando por la celebrada El coordinador (1992), Benjamín Galemiri, considerado el “dramaturgo de la transición” en Chile, exhibe una sobresaliente producción dramática que ha recibido el elogio de crítica y público. Más que un desencantado, se considera un espectador que utiliza el distanciamiento: “es más, yo creo en el paraíso. Lo profano y lo sagrado están totalmente unidos en esta sociedad”, asegura el premiado autor chileno. Flamante

La Compañía

Raúl - o Raoul- Ruiz (Puerto Montt, 1941) ha sido un “enfant terrible” de la vanguardia parisina de los años 70 y 80, ciudad a la que llegó tras el golpe de Estado de 1973 en Chile. Intelectual erudito e incansable, es autor de un prolífi co trabajo teatral. A él se suman novelas y poesía, que constituyen la base estructural de su principal actividad: el cine. De estilo cultivado e irónico, destacan Diálogo de exiliados (1974) – su primera película en Francia - junto a La hipótesis del cuadro robado (1979) y Las tres coronas del marinero (1982), consideradas dos de sus mejores películas: Tres vidas y una sola muerte (1995) supuso, por su parte, la última interpretación de Marcello Mastroianni. Premiado y admirado como autor de culto por el Círculo de Críticos de Nueva York, su trayectoria ha recibido, entre otros galardones, el Oso de Oro del Festival de Berlín por su “aportación al arte cinematográfico de nuestro tiempo”.

Dirección: Raúl Ruiz
Intérpretes: Héctor Noguera, Amparo Noguera y Óscar Hernández
Diseño integral: Rodrigo Bazaes
Coproducción: Alstom Chile, Teatro Camino y el Instituto Chileno Francés.
Estreno en España
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 15 minutos (sin intermedio)
www.teatrocamino.cl
 

FAUST Polonia

Autor: Goethe Teatr Nowy

Madrid Teatro Español Días 18, 19, 20 y 21 de octubre 20:00 horas

Propietario de un taller abandonado, el personaje que encarna al propio Goethe desvela ante los ojos del público la historia de Fausto: su pacto con el demonio, su trágico amor por Margaret, su agonía en la búsqueda de la verdad, su iluminación y su muerte. Los espectadores serán testigos de la lucha entre Cuaresma y Carnaval, por la que desfila un grotesco cuadro de potente imaginería: dictadores a paso de ganso, payasos tocando la corneta, novios ancianos y emacrados...Situado en un mundo sin Dios después de la crucifixión de Cristo y antes de su resurrección, Faust, de Wisniewski, ofrece la visión de una Europa obsesionada por su propia avaricia. El diablo anda suelto y pronto el protagonista bailará a su son a cambio de recuperar juventud, belleza, placeres sensuales, riqueza material y poder terrenal. Las imágenes resultan sorprendentes, con coreografías y efectos especiales en los que flashes de luz dorada y fuego cruzan el espacio mientras aumenta la tensión entre lo sacro y lo profano. El dueño del taller, el director, hará que sus personajes corran “del cielo, a través del mundo, hasta el infierno”.

Considerada por la crítica una versión única y absorbente que “cruza la barrera del idioma y no puede ser descrita, ha de ser vista”, el Faust de Wisniewski ha recibido, entre otros galardones, el Premio Herald Angels en el Festival de Edimburgo Fringe 2005.

La Compañía

El Teatr Nowy fue creado en Poznan (Polonia) en 1923. Janusz Wisniewski colabora con la compañía desde 1979 y es su director general y artístico desde 2003. El repertorio de la compañía consta de 20 obras, clásicos internacionales (W. Shakespeare, A. Chéjov, Jean Genet) y polacos (A. Fredo, S. Wyspianski y Slawomir Mrozek). Cuenta con 31 actores fijos y un teatro para más de 600 espectadores. Obras como Ricardo III (2004), Panopticum à la Madame Tussaud (1984) o The End of Europe (1983) - todas ellas dirigidas por Wisniewski - han sido premiadas en festivales como el de Edimburgo, Belgrado o Nancy. Janusz Wisniewski es, además de director teatral, diseñador de escenografía y artista gráfico. Entre sus últimos trabajos encontramos The Goat’s Opera, basada en una novela de Horace McCoy, o The Wedding Reception, de S. Wyspianski.

Dirección y puesta en escena: Janusz Wisniewski
Música: Jerzy Satanowski
Diseño de vestuario: Irena Bieganska
Coreografía: Emil Wesolowski
Intérpretes: Witold Debicki, Miroslaw Kropielnicki, Mariusz Puchalski, Edyta Lukaszewska
Estreno en España
Idioma: polaco sin subtítulos
Duración aproximada: 1 hora y 15 minutos (sin intermedio)
www.teatrnowy.pl
 

SIZWE BANZI EST MORT Francia

Autores: Athol Fugard, John Kani y Winston Ntshona CICT-Théâtre des Bouffes du Nord

Madrid Teatro de La Abadía Días 19, 20, 21 19:30 horas Día 22 18:00 horas.

FOTO: MARIO DEL CURTO

Sizwe Banzi ha muerto es una fábula política sobre una de las cuestiones clave en nuestra sociedad: la vida de un inmigrante ilegal, un “sin papeles” que busca una oportunidad. Un fotógrafo relata su trabajo en la producción en cadena de una fábrica de Ford de la ciudad surafricana de New Brighton. Gestualiza y emplea la mímica, estalla en carcajadas, discute consigo mismo. De repente, Sizwe Banzi llama a su puerta. Este hombre de traje blanco y aire inocente, que carga un gran saco, -”un sueño”-, pide que le haga una instantánea. Quiere enviársela a su mujer y a sus cuatro hijos, a quienes dejó en su tierra natal. A partir de ahí descubrimos todas las desgracias por las que ha pasado un hombre sin documentos en su intento de encontrar un sencillo trabajo. Un retrato feroz de la vida de los negros bajo el Apartheid. Sizwe Banzi tuvo que morir para continuar viviendo. Esta obra vio la luz por primera vez en la citada ciudad de New Brighton. Athol Fugard y su compañía de actores negros, The Serpent Players, recogieron en ella la rabia y las alegrías, el punto de vista de toda una población a través de improvisaciones en la calle. Para Peter Brook, “la conexión directa con el público es lo que hace al teatro diferente de cualquier otra forma artística. El teatro callejero surafricano es el ejemplo más precioso”.

La Compañía

El deslumbrante criterio creador de Peter Brook (Londres, 1925) es uno de los más influyentes del teatro contemporáneo. Ha dirigido más de 70 producciones en Londres, París y Nueva York. Su trabajo con la Royal Shakespeare Company incluye, entre otras obras, El Rey Lear (1962), Marat /Sade (1964) y Sueño de una noche de verano (1970). En 1971 funda en París el Centro Internacional para la Investigación Teatral; en 1974 establece su sede permanente en El Théâtre des Bouffes du Nord. Allí ha dirigido decenas de piezas, como The Tempest, The Tragedy of Hamlet, La Mort de Krishna o Le Grand Inquisiteur, muchas de ellas interpretadas tanto en francés como en inglés. Ha dirigido óperas para esta compañía y para el Covent Garden de Londres y el Metropolitan Opera House de Nueva York. Sus películas incluyen títulos como El señor de las moscas, Marat Sade, El rey Lear o The Mahabharata.

Dirección: Peter Brook
Adaptación: Marie-Hélène Estienne
Intérpretes: Habib Dembélé y Pitcho Womba Konga
Iluminación: Philippe Vialatte
Elementos escénicos: Abdou Ouologuem
Estreno en España
Idioma: francés con subtítulos
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
www.bouffesdunord.com
www.peterbrook.net
 

FUNCIÓN BECKETT España (Comunidad de Madrid)

sobre textos de Samuel Beckett Compañía de Comedias de Manuel de Blas

Madrid Círculo de Bellas Artes Días 31 de octubre y 1 de noviembre 20:00 horas San Lorenzo de El Escorial Real Coliseo Carlos III Días 21 de octubre 20:00 horas 22 de octubre 19:00 horas

FOTO: CARMEN CALVO

Aproximación al autor irlandés a través de tres obras en un acto que abarca un período de más de veinte años. La última cinta de Krapp, uno de sus primeros trabajos, se centra en una cinta magnetofónica grabada por un hombre – ahora anciano - a lo largo de su vida, símbolo de la fugacidad de la condición humana y de la identidad, dos de sus obsesiones. Nana, una arriesgada síntesis de la vida de una mujer, inmóvil pero con el alma llena de emociones y Fragmento de teatro II que presenta a tres personajes, dos de los cuales hablan sobre el tercero y discuten sobre la conveniencia de que se arroje o no al vacío. Una muestra del humor ácido y no exento de la poesía y humanidad que caracteriza el llamado Teatro del Absurdo, del que Beckett fue máximo representante.

Este montaje celebra el centenario del nacimiento del dramaturgo, poeta y novelista, cuyas obras escritas en inglés y francés lo convirtieron en la figura más influyente del teatro de la segunda mitad del siglo XX. Beckett dio voz al desamparo, la vejez, la enfermedad y la angustia existencial, temas que los escritores realistas del siglo anterior sólo habían sabido expresar desde fuera, como narradores espectadores.

La Compañía

La Compañía de Comedias de Manuel de Blas fue creada en el año 2000. Comenzó con Madrugada, una obra poco conocida de Buero Vallejo. Su segunda producción, Su juguete preferido, del autor, director y actor italiano Vittorio Franceschi, fue dirigida, al igual que ésta, por Antoni Tordera. Tordera ha sido director de los Teatres de la Generalitat Valenciana durante ocho años. Entre otras piezas, destacan El sueño de la razón, de Buero Vallejo, cuyas representaciones terminaron en el Teatro Dramaten de Estocolmo; El veneno del teatro, de Rodolf Sirera, con el Theâtre de l’Ancre, en Bélgica y De civilitate, según textos de Erasmo y Luis Vives. También ha escrito y dirigido En amores inflamada, su último trabajo, basado en textos de San Juan de la Cruz, Teresa de Ávila y Jorge Manrique Cruz.

Traducción: Jenaro Talens
Dirección: Antoni Tordera
Intérpretes: Jeannine Mestre, Manuel de Blas, Carlos Velasco y Morgan Blasco
Diseño de escenografía: Amadeo Lemus y Carmen Calvo
Vestuario: Amadeo Lemus / “Il Griffone”
Estreno absoluto
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 40 minutos (sin intermedio)
 

MABOU MINES DollHouse EEUU

basada en “Casa de muñecas” de Ibsen Mabou Mines

Madrid Teatro Español Días 25, 26, 27 y 28 de octubre 20:00 horas Día 29 de octubre 18:00 horas.

FOTO: NANCY SANTOS

Mabou Mines Dollhouse convierte la tragedia burguesa escrita por Ibsen en alta comedia con matices de profunda mordacidad política. Se trata de la quinta “deconstrucción” de un clásico adaptada y dirigida por Lee Breuer - uno de los fundadores de la compañía -, dentro de una serie que incluye también obras de Shakespeare y Beckett. Podría decirse que esta versión de “Casa de muñecas” transforma el feminismo de Ibsen del siglo XIX en una ecuación de poder y escala. Helmer, Rank y Krogstad son interpretados por actores que miden entre 120 y 150 centímetros. Nora y Kristine son altas y Helene, la criada, supera el metro ochenta. Nada representa de forma más clara el patriarcado de Ibsen que la imagen de estos pequeños hombres dominando y dando órdenes a mujeres de casi el doble de su tamaño. La totalidad de la obra se desarrolla en el cuarto de los niños, donde Nora ha regalado por Navidad a “sus pequeños” -sus hijos- una casa de muñecas en la que poder entrar y jugar, decorada con muebles de época. La música de Eve Beglarian -basada en las obras para piano de Edvard Grieg- acompaña todas las escenas como si de una película muda se tratase, mientras la coreografía deconstruye las posturas melodramáticas y las sintetiza en danza.

La Compañía

Mabou Mines es una compañía teatral que funciona como cooperativa creada en 1970, con base en la ciudad de Nueva York. Los seis miembros que la componen actualmente toman todas las decisiones relacionadas con el repertorio y las giras, trabajando a veces simultáneamente como actores, escritores, diseñadores y técnicos, y siempre como productores y como miembros del Consejo de Directores. El grupo, que ha recibido más de cuarenta premios a lo largo de su trayectoria, ya era una compañía de performance años antes de que se popularizara esta disciplina; en los últimos tiempos ha ampliado su perspectiva artística gracias a la creación de obras radiofónicas y largometrajes, así como a la inclusión en sus trabajos de vídeos pregrabados y en directo, textos generados por ordenador, ordenador hologramas de cuerpo entero, etc.

Adaptación y dirección: Lee Breuer
Diseño de escenografía: Narelle Sissons Diseño de
Vestuario: Megane George
Intérpretes: Julie Archer, Lee Breuer, Sharon Fogarty, Ruth Maleczech,
Frederick Neumann y Terry O’Reilly
Estreno en España
Idioma: Inglés
Duración aproximada: 2 horas y media (con intermedio)
www.maboumines.org
 

VARIACIONES MEYERHOLD Argentina

Autor: E. Pavlovsky Eduardo “Tato” Pavlovsky

Madrid Teatro Pradillo Días 26, 27, 28 y 29 de octubre 20:30 horas.

FOTO: ANTONIO FERNÁNDEZ

FOTO: DAVID RUANO

FOTO: LOT

Tres hermanas, hijas de un general fallecido, vegetan en un pueblo perdido de provincias. Su único deseo es volver a Moscú, símbolo para ellas del amor y de la mundanidad, en suma, de la vida digna de ser vivida. La llegada de un regimiento militar que se instala temporalmente en la localidad les hace albergar esperanzas de que su sueño puede por fi n hacerse realidad. Pero es sólo un espejismo. Los oficiales, con los que habían establecido relaciones, acaban por marcharse. La desesperación es absoluta. Ahora ya saben con certeza que la vida no les dará otra oportunidad, ya nunca saldrán de aquel agujero en el que permanecen enterradas en vida. P. Fomenko hace en esta versión de la obra de Chéjov un guiño al propio autor, al representarlo como un personaje que se ríe de Stanislavski por interpretar todo desde una perspectiva trágica, pero llora ante la angustia de las protagonistas y pide a los actores que interrumpan la representación. Como telón de fondo, el tedio provinciano, reflejado en infinidad de pequeños detalles puntillistas. La casi inmovilidad de los actores caracteriza la acción, descrita mediante situaciones concretas de la vida cotidiana: las horas que suenan en el reloj, las muñecas que evocan la infancia o el viento que se oye soplar fuera.

La Compañía

Théatre-Atelier de Piotr Fomenko fue creado oficialmente por un decreto del alcalde de Moscú en 1993. Pero en realidad, actores y directores de escena llevaban trabajando y estudiando juntos desde 1988. La compañía ha realizado más de doce montajes, muchos de ellos presentados en giras internacionales. En 2004 participó con Guerra y paz y Noches egipcias en el Lincoln Center Festival de Nueva York, espectáculos con los que también participaron en el Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid. Piotr Fomenko es uno de los grandes directores teatrales europeos y uno de los líderes del teatro ruso contemporáneo. Célebre por sus habilidades pedagógicas, ha sido también director del Teatro de Leningrado y profesor de la Academia de Teatro Ruso. Entre sus más de 60 producciones se encuentran Tania, Tania (1996), Absolutely Happy Village (2000) de B. Vaktin, por la que consiguió el Premio Stanislavsky a la mejor obra.

Director: Piotr Fomenko
Asistente de dirección: MIvan Verkhovykh
Diseño de escenografía: Vladimir Maximov
Intérpretes: Galina Tunina, Polina Koutepova y Ksenia Koutepova
Vestuario: Maria Danilova
Iluminación: Vladislav Frolov
Coproducción: con el teatro Le Volcan de Le Havre.
Estreno en España
Idioma: ruso con subtítulos
Duración aproximada: 3 horas y 50 minutos (con 2 intermedios)
 

MAKBET España (C. Valenciana)

Autor: Antonio de Paco basada en “Macbeth” de William Shakespeare Teatro de los Manantiales y Noname Radar-Rafa Linares

Madrid Sala Cuarta Pared Días 1, 2, 3 y 4 de noviembre 21:00 horas

FOTO: ALEJANDRO SÁNCHEZ

Una historia de crímenes, brujas y dementes, una banda de hardcore en directo, 650 kilos de sal, una pecera con anguilas y una estética subversiva son algunos de los componentes de esta obra inspirada en Macbeth, de W. Shakespeare. Una versión que, a diferencia de otros precedentes, abandona la mera idea de rescatar a un clásico, centrándose en un discurso actual que traslada a nuestros días conceptos como el horror, el crimen, el insomnio o el remordimiento. Recrea un mundo de discordia y confusión moral en torno a la degradación irreversible de un hombre impulsado por la ambición y el ansia de poder. Sin embargo, aquí el héroe shakesperiano aparece como un asesino sin más, en un espacio que proyecta el origen del espanto en los propios acontecimientos de actualidad, como el feroz cerco a la inmigración o las guerras promovidas por intereses petrolíferos. Makbet es un espectáculo multidisciplinar que explora el movimiento físico a través de teatro, danza, vídeoarte, vídeoclips y spots publicitarios. La desnudez, el travestismo y las potentes imágenes sobre las que se articula el montaje contienen también reflexión y crítica social, en un intento de mostrar los límites de la sociedad del bienestar. Ésta es la primera entrega de la que será, según anuncia su director, una tetralogía clásica.

La Compañía

El Teatro de los Manantiales cuenta con diez años de trayectoria, nueve producciones propias y tres coproducciones, por las que ha recibido más de una decena de premios. Un espacio de creación comprometido que reúne a artistas procedentes de diversas disciplinas escénicas y artísticas y ofrece al público propuestas arriesgadas y heterogéneas. Bajo la dirección de Ximo Flores en casi todos sus trabajos, dedicó una primera etapa a la revisión de autores de referencia del siglo XX como Valle-Inclán o Samuel Beckett. En la actualidad se centra en la creación colectiva y la nueva dramaturgia española, en especial la valenciana. Por su parte, la compañía del bailarín Rafa Linares, creada hace cinco años, ha estrenado seis producciones propias (“NS/NC”, “Especulaciones”, etc.), consiguiendo también destacados premios.

Dirección y diseño de escenografía: Ximo Flores
Intérpretes: R. Linares, J. Horno, P. Miralles y C. Núñez
Música: Orquesta Heroína
Músicos: L. Albadalejo, F. Fernández, P. Fernández y R. Pérez
Iluminación: Ximo Rojo
Estreno en Madrid
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
www.teatrodelosmanantiales.com
 

THE ANDERSEN PROJECT Canadá

Autor: Robert Lepage Ex Machina

Madrid Teatro de Madrid Días 4, y 6 de noviembre 20:30 horas 5 de noviembre 18:00 horas

FOTO: ÉRICK LABBÉ

Un compositor de canciones quebequés llega a París para escribir el libreto de una ópera para niños basada en un cuento de Hans Christian Andersen. Durante su estancia conocerá a mucha gente: un famoso manager de ópera de gustos extraños, un artista de graffitis de origen norteafricano y un perro, que bien podría haber sido el narrador de la historia. The Andersen Project se inspira en un relato escrito por Andersen La Dríada y en anécdotas de los viajes a París del autor danés. La obra recuerda algunos de los temas recurrentes de Lepage: la confrontación entre romanticismo y modernismo, entre el arte reconocido y las nuevas formas “underground”, entre el pasado y el presente. Pero en este nuevo trabajo en solitario, Lepage explora también terrenos más turbulentos: cuestiones sobre la identidad sexual, las fantasías insatisfechas y el ansia de fama y reconocimiento, temas extraídos de la vida y obra de Andersen y que sirven de filigrana al cuento actual. Una vez más, Lepage cuenta una historia que le define, le motiva y le inspira.

La Compañía

Robert Lepage (Quebec, 1957), creador y alma de la compañía multidisciplinar Ex Machina, es uno de los directores, escenógrafos, guionistas e intérpretes más aclamados de la escena internacional, influyendo en toda una generación de artistas y profesionales. Su originalidad y dinamismo mueven constantemente las fronteras de la actuación teatral, especialmente gracias al uso de las nuevas tecnologías. Entre sus trabajos destacan, Trilogía de los dragones (1985), The Seven Streams of the River Ota (1991), La cara lejana de la Luna (2000), La casa azul o La Celestina (2004), protagonizada por Nuria Espert. Actualmente trabaja en su próxima película y prepara su nuevo espectáculo, Lipsynch, que será presentado en 2007.

Escrita, dirigida, adaptada e interpretada por: Robert Lepage
Con la colaboración de: Peder Bjurman y Marie Gignac
Asistente de dirección y regidor: Félix Dagenais
Escenógrafo asociado: J. Le Bourdais
Iluminación: Nicolas Marois
Sonido: J.Sébastien Côté
Vestuario: Catherine Higgins
Imágenes: Jacques Collin, Véronique Couturier y David Leclerc
Coprodución: Bite: 06, Barbican, London. La Comète (Châlons-en-Champagne), Gran teatro de Québec, Teatro del Nuevo Mundo (Montreal), Teatro de Trident (Québec), Festival de Otoño de París, Maison des Arts (Créteil) y Fundación Hans Christian Andersen 2005.
Estreno en España
Idioma: inglés con subtítulos
Duración aproximada: 2 horas y 20 minutos (sin intermedio)
www.exmachina.qc.ca
 

RITTER, DENE, VOSS Polonia

Autor: Thomas Bernhard Stary Teatr

Madrid Centro Dramático Nacional Teatro María Guerrero Días 5, 6 y 7 de noviembre 19:00 horas

FOTO: MAREK GARDULSKI