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LA LA
LA LA LA
Textos: Roger Bernat y Sílvia Pereira
Dramaturgia: Ignasi Duarte
Intérpretes: Agnès Mateus, Juan Navarro, Rogert Bernat
Dirección: Roger Bernat.
Una creación increíblemente plástica, de experimentación
escénica, de trabajo físico, que refleja unos planteamientos
alejados de lo habitual.
“Estuvimos cinco años enviándonos e-mails – Roger y Sílvia –Dos
meses antes del estreno revisamos y seleccionamos algunos
fragmentos de la correspondencia. Eran los textos del
espectáculo… la relación que habíamos establecido Silvia y yo
entre Lisboa y Barcelona cambiaba de dirección y se convertía en
una relación entre el espectador y yo. Los textos que he
agrupado bajo el título Reglas del juego son parte de esta
correspondencia, junto con algunos párrafos que añadimos más
tarde”. (Roger Bernat)
La la la la la, hace una radiografía de la generación de Roger
(37 años) y de su papel en la sociedad, entendiendo el teatro
como espacio de asamblea permanente y desnudándose
metafóricamente y físicamente ante un público al que introduce
de varias maneras.
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EL ASTRÓLOGO FINGIDO
Texto: Calderón de la barca.
Versión: Miguel del Arco y Gabriel Garbisú
Intérpretes: Nicolás Vega, Eduardo Navarro, Lino Ferreira,
Gabriel Moreno, Javier Román, Carlos Ibarra, Oren Moreno, Mirian
Montilla, Patricia Luna, Sergio de Frutos.
Dirección: Gabriel Garbisú.
Comedia hilarante y divertimento barroco que ha sido olvidado en
España. La lucha desarrollada en los Países Bajos bajo Felipe IV,
sirve de horizonte teatral y espectacular para la descripción de
la vida madrileña, un tanto licenciosa. Obra de interés en el
extranjero y sobre todo en Hispanoamérica, donde se ha
representado muchas veces, ha llegado le momento de
“devolver a
esta obra de la Literatura Universal el sitio que le corresponde
en la programación de nuestra cartelera teatral; y a poder ser
también en el terreno editorial” (Gabriel Arbisú)
La historia va de dama solicitada por dos galanes, a uno de los
cuales declara su amor. Su celestina desvela el secreto y se lo
cuenta al otro pretendiente, quien celoso y desesperado se hace
pasar por astrólogo. El equívoco y el fingimiento dan lugar a
una disección del ser humano.
Mientras se lucha en Flandes, la sociedad madrileña se ocupa en
el cotilleo y en la frivolidad. Tal actitud conecta con nuestra
época de guerras y superficialidad social.
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EL COMPOSITOR, LA CANTANT, EL CUINER I LA PECADORA
(EL COMPOSITOR, LA CANTANTE, EL COCINERO Y LA PECADORA),
de Carles Santos
(TEATRO MUSICAL)
Compañía: Carles Santos.
Intérpretes: Carles Santos (piano), Clàudia Schneider
(mezzosoprano), Antoni Comas (tenor) y Alina Zaplatina
(soprano).
Música: Gioacchino Rossini y Carles Santos.
Dirección artística: Carles Santos y Mariaelena Roque.
Es una pieza de orfebrería musical en torno a la obra de Rossini
y alrededor de un elemento ínfimo: la gota de agua. Con la
imagen de la gota, Carles Santos nos transporta a la esencia de
la música de Rossini: su ritmo. Las gotas son el equivalente
escénico de la nota.
Los fragmentos de Rossini y las composiciones de Carles Santos
se encadenan según una lógica musical. Los diferentes caudales
de agua permiten visualizar el tempo de la música y, así, la
escritura escénica y musical se une intrínsecamente alrededor
del ritmo.
También hay una historia, claro: la pecadora es la amante del
cocinero, que no sabe que la pecadora es su hermana. Ésta es
hija de la cantante y de él mismo, que también es hijo de la
cantante - hecho que tampoco sabe -. Realmente, el cocinero es
hermano, padre y amante de la pecadora y ex-amante e hijo de la
cantante. ¿Y el compositor? El compositor está poniendo música a
una lista de ropa sucia para la lavandería.
(Clémence Coconnier)
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POURQUOI LA CUISINE? (¿POR QUÉ LA
COCINA?)
Texto: Mladen Materic y Peter Handke
(TEATRO)
Compañía: Théâtre Tattoo.
Intérpretes: Damien Bernard, Paul Chiributa, Thierry Dussout,
Loreen Farnier, Emmanuelle Hiron, Cathy Pollini, Haris Resic,
Sodadeth San, Tihomir Vujicic, Josiane Wilson y Hugo Lehmann.
Dirección: Mladen Materic.
El fuego, el agua, la mesa en la que comemos a solas o en
familia, la vajilla, la comida, la basura... Lujosa o modesta,
amarilla o azul, del siglo XVIII o de hoy, con electricidad y
agua corriente o sin ellas, en Toulouse, Moscú o Vancouver, la
cocina es el lugar en el que se hace la vida cotidiana.
Desde que vivimos en casas y ciudades, es en ella donde nos
reencontramos con los elementos naturales, las plantas y los
animales; donde se toman las grandes decisiones; donde se revela
con más rapidez y claridad nuestra relación con la sociedad y la
relación de la sociedad con nosotros. Es en ella donde rendimos
cuentas, a nosotros mismos o a nuestros seres queridos, de los
asuntos más graves.
Al instalar en el escenario una cocina habitada por diversos
personajes, en épocas y culturas diferentes, se ponen en tela de
juicio las diferencias y las semejanzas, la simultaneidad y la
constancia de las situaciones humanas. (Mladen Materic)
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EL SUEÑO DE ANDERSEN (TEATRO)
Compañía: Odin Teatret.
Intérpretes: Kai Bredholt, Roberta Carreri, Jan Ferslev, Tage
Larsen, Iben Nagel Rasmussen, Augusto Omolú, Julia Varley,
Torgeir Wethal y Frans Winther
Dirección: Eugenio Barba.
Una cofradía de artistas se reúne en un jardín de Dinamarca para
soñar con los ojos abiertos, en una peregrinación que dura sólo
un día. Aguardan la noche de comienzo del verano, la noche de
San Juan. Al alba, como todos los años, el sol empezará a bailar
durante unos instantes. Están bien provistos de botellas,
suficientes para anegar los recuerdos de los hermanos
fallecidos.
Esperan a un amigo que viene de otro continente. Le van a
presentar el mundo encantado de Andersen, para lo que se
internan en el universo anárquico de las fábulas. Europa está en
paz. Por lo menos, su país. O quizá sólo su jardín. En ese
espacio cerrado, las horas parecen detenerse. Los relatos
macabros adquieren la amabilidad de una mirada infantil. Los
cuentos (La caja de yesca, Las zapatillas rojas, El soldadito de
plomo, La sombra) se vuelven del revés y pasan a parecer
pesadillas.
El día de los sueños con ojos abiertos tiene el ritmo y el
espacio de un arabesco, avanza y retrocede, contradice los
relojes, los calendarios y la geografía. Cuando la peregrinación
se aproxima a su meta, los soñadores se dan cuenta de que su día
de verano ha durado una vida. (Odin Teatret)
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NI SOMBRA DE LO QUE FUIMOS
Texto: Eusebio Calonge
(TEATRO)
Compañía: La Zaranda – Teatro Inestable de Andalucía La Baja.
Intérpretes: Gaspar Campuzano, Francisco Sánchez, Enrique
Bustos, Fernando Hernández y Carmen Sampalo.
Dirección: Paco de la Zaranda.
Todavía da vueltas el carrusel. Aunque como música solo tenga el
crujir del moho, el rechinar de la herrumbre, como una voz
ahogada que nos hable de la soledad y el abandono. Ahí quedó el
viejo carrusel, entre el sepia del daguerrotipo y lo renegrido
de las intemperies. Y girando con él, en este triste remolino de
la memoria, estos destinos: errabundos y levantiscos, anónimos
quijotes en un mundo que se desvanece. Tienen la edad imprecisa
de quienes hollaron todos los caminos, saben de oscuridades y
extravíos. Y siempre dudan, si seguir para delante o si
volverse, si partir ahora o si esperar. Porque para alguna parte
hay que echar, en este tránsito, en estas vueltas por el reloj
del mundo, rueda aciaga de la fortuna, veleta enloquecida, en la
que giramos siempre, carrusel de esperanzas y fracasos, buscando
entre las sombras que pasan fugaces una cara conocida, alguien
de quien ya olvidamos el nombre. (La Zaranda)
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SANTA JUANA DE LOS MATADEROS
Texto: Bertolt Brecht
(TEATRO)
Compañía: Teatre Lliure.
Intérpretes: Nao Albet, Pere Arquillué, Ivan Benet, Joan
Carreras, David Cuspinera, Quim Dalmau, Daniela Feixas, Nathalie
Labiano, Áurea Márquez, Keith Morino, Alícia Pérez, Ana Roblas,
Eugeni Roig, Oriol Rossell (dj), Àngels Sánchez y Jacob Torres.
Dirección y adaptación: Àex Rigola.
“ego ego ego nos movemos pensando en nuestro beneficio
ego ego
ego tenemos la sociedad que nos merecemos ego ego ego pero no
todo el mundo tiene la posibilidad de escoger ego ego ego people
killin people dyin children hurt and you hear them cryin ego ego
ego a ellos les toca comerse nuestra mierda ego ego ego
revisemos entonces una vez más ego ego ego cómo somos y hacia
dónde vamos ego ego ego para cagarnos otra vez en nosotros
mismos ego ego ego where is the love the love the love ego ego
ego aceptamos que vivimos como maulers ego ego ego que somos
mitad slift y mitad juana ego ego ego que la mayoría no estamos
dispuestos a cambiar ego ego ego and the fault is my own and the
fault is my own ego ego ego Mauler dice los hombres no me
conmueven no son inocentes son carniceros los bueyes sí me dan
pena, pero el hombre es malo y antes de que el mundo cambie debe
cambiar el hombre ego ego ego y Santa Juana dice los que están
abajo son retenidos abajo para que los que están arriba sigan
arriba y la bajeza de los de arriba no tiene límite y aunque
fueran mejores no serviría de nada porque el sistema que han
inventado no tiene parangón: explotación y desorden bestial y
por tanto incomprensible ego ego ego la puta condición humana
ego ego ego where is the love the love the love...”
(Àlex Rigola)
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¡NADA… NADA!
Texto: Enrique Cabrera.
Compañía: Aracaladanza
Intérpretes: Maite Gámez, Rosaura Hidalgo, Billie Pérez, Marta
Sainz, Adriana Sulzer, Enrique Cabrera.
Atrezzo y muñecos: El Nudo Compañía Teatral.
Dirección y Dramaturgia: Enrique Cabrera y El Nudo Compañía
Teatral.
Un espectáculo en el que las bailarinas comparten escenario con
fantásticos animales y personajes creados por la compañía
argentina
El Nudo Compañía Teatral.
Así se inicia un viaje iniciático del que se conoce su comienzo,
pero no su final y sus consecuencias. Proyecciones
videográficas, dibujos animados, títeres, marionetas que mueven
las bailarinas conforman un fantástico mundo a ritmo musical:
pulpos gigantes en un océano inmenso, lluvia que cae al mar,
sirenas y perlas, peces que se pasean… Danza, teatro y
marionetas mantienen el espíritu de Enrique Cabrera a lo largo
de todo su historial teatral, 13 años ya: mantener el espíritu
artesanal de todo el proceso.
Espectáculo para niños y adultos capaces de emprender una
travesía marítima sin prejuicios y entonces todo es posible.
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AUTO DE LOS CUATRO TIEMPOS
Texto: Gil Vicente
Compañía: Nao d’amores
Intérpretes: David Faraco (interpretación y manipulación de
títeres), Elena Rayos (interpretación y manipulación de
títeres), Sofía Alegre (viola de gamba), Alicia Lázaro
(vihuela), Elvira Pancorbo (flautas), Nati Vera Melián (voz),
Isabel Zamora (clave).
Versión y dirección: Ana Zamora.
Se trata de una pieza navideña a medio camino entre la moralidad
y la alegoría, “que destaca por su valor simbólico y que
constituye mucho más que una mera alabanza a Dios, pues en ella
se nos plantea la idea renacentista de la armonía cósmica. A
través del ciclo de las estaciones, mediante el nacimiento de
Cristo, se provoca el encuentro de Júpiter con el Rey David,
para conciliar las distintas edades mediante las cuales la
religión concibe la evolución de la civilización humana” (Ana
Zamora)
Lo que ha fascinado a Ana Zamora es el ser “una vía para
alcanzar esta conciliación: a través del amor”
La puesta en escena conjunta diversos modos de expresión
teatral: actores, música y títeres. Intenta aunar lo sacro y lo
profano para hablar del Amor como “principio motor que mantiene
el mundo en constante movimientos, y que es origen y centro de
la Universal Armonía”.
Una primacía es la de la música en directo con instrumentos de
la época.
Las credenciales de este espectáculo es lo visto el año anterior
de la misma
compañía: Auto de la sibila Casandra.
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| PROGRAMACION TEMPORADA 2005 |
HAMLET
Texto: William Shakespeare.
Versión: Yolanda Pallín.
Compañía: Noviembre teatro.
Intérpretes: Francisco Rojas, Arturo Querejeta, Daniel
Albaladejo, Walter Vidarte, Ginés García Millán, Alicia Sánchez,
Nuria Mencia/Montse Díez, José Vicente Ramos, Fernando Sendito,
José Ramón Iglesias, Alba Fresno (viola de gamba).
Dirección: Eduardo Vasco.
“Una de las cosas por las que merecería la pena ser niño de
nuevo es para tener la oportunidad de volver a leer Hamlet por
primera vez. Aunque bien pensado, ¿qué niño ha podido leer
Hamlet con toda limpieza?”, son palabras de Yolanda Pallín ante
el estreno de su versión de Hamlet. “Hamlet es un palimpesto en
el que han escrito los siglos y los hombres. Y lo terrible, lo
paradójico y lo maravilloso es que todos – todos los buenos –
que han escrito sobre él han aportado algo verdadero, por más
contradictorio que pudiera parecer. Hamlet, el personaje y el
texto, se construye gracias a sus profundas contradicciones”.
“En los años sesenta el crítico polaco Jan Kott ya hablaba sobre
cómo el público de cada época siente como propios muchos de los
conflictos y personajes creados por Shakespeare. Y es que no
importa el momento, en esta obra maestra siempre se pueden
encontrar vínculos de carácter político, moral, filosófico,
metafísico o humanístico”.
La versión parte de la traducción de Leandro Fernández de
Moratín, la primera traducción al castellano con una puesta en
escena “plásticamente sintética y plena de emoción”. “El trabajo
a partir del texto de Moratín nos ofrece la oportunidad de
disfrutar de un lenguaje “histórico” natural; el espectador de
hoy siente lo ajeno, lo anacrónico, como expresión poética de un
mundo que no es el suyo pero cuya convención no le es ajena. Se
trata de nuestro pasado, escrito por un autor de nuestro pasado.
El espesor significativo del paso del tiempo sobre esta
traducción hace más nuestro a Shakespeare”
(Yolanda Pallín)
La puesta en escena recurre a un escenario minimalista con un
vestuario cuidado y la música de una viola de gamba.
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Versión De 1980
Foto: Antonio de Benito
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LA VELADA DE BENICARLÓ
Texto: Manuel Azaña
Adecuada para la escena: José Antonio Gabriel y galán y José Luis Gómez.
Producción: Teatro de La Abadía y Teatro Español.
Intérpretes: Elenco Abadía y actores invitados.
Dirección: José Luis Gómez.
Se trata del diálogo de guerra de Manuel Azaña, en el que se
vierte una preclara reflexión sobre el trágico balance de la
guerra civil, “como reflejo del sempiterno drama español. En
1980 José Luís Gómez lo recuperó como memoria histórica. Ahora
en el 2005 se vuelve a enfrentar con el texto con la pretensión
de “sólo el diálogo y la asunción del pasado pueden contribuir a
consolidar una democracia de y para todos”.
El texto busca su espacio en el antiguo parador, a la orilla del
Mediterráneo, donde Azaña organizaba sus reuniones cuando la
sede del gobierno se trasladó a Valencia. Pero el espacio puede
ser cualquiera, aquel donde se encuentre “el dolor de la
violencia, un espacio al que no se va pero al que se llega, un
lugar de paso por el que debemos transitar para alcanzar nuestro
destino, quizá una estación de ferrocarril, con todo lo que ello
convoca en nuestra memoria más inmediata” (Mª Xosé Noia,
asistente de dirección de La Abadía)
Nueve personajes de 1937 se encuentran en la España dolorida y
dolorosa. Representan el llamado laberinto español, el
galimatías ideológico de aquellos años. Este texto “intenta dar
cuerpo a esas voces, acalladas durante tanto tiempo, para que
tengan une eco en nuestro presente, y para descubrir que ese eco
todavía reverbera en nuestro interior, aunque muchos quieran
hacer oídos sordos” (Mª Xosé Noia).
Es una coproducción con el Teatro Español y se presentará en
este local. Se trata al mismo tiempo de celebrar el Décimo
aniversario de la Abadía.
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SOBRE HORACIOS Y CURIACIOS
A partir de la obra de Bertold Brecht.
Producción: Teatro de La Abadía
Intérpretes: Luis Bermejo, Julio Cortázar, David Luque, Markos
Marín, Daniel Moreno, Fernando Soto.
Dirección y Dramaturgia: Hernán Gené.
Este título de éxito en la temporada pasada y actualmente en
gira, vuelve. Un montaje lúdico en el que la diversión es su
postulado esencial. Es una propuesta “dinámica, interactiva,
humorística y transgresora” sobre la obra de Brecht. Un ejército
de clowns con todo lo que hay que tener en su género, invaden la
escena y se enfrentan “a la barbarie, la sinrazón y la violencia
desde la más absoluta inocencia e impunidad”. A través de la
hilaridad nos hace preguntarnos sobre nuestro lugar en el mundo.
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Oleg y Vladimir Presnyakov
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TERRORISMO
Texto: Oleg y Vladimir Presnyakov (hermanos)
Producción: Teatro de La Abadía.
Intérpretes: Elenco Abadía.
Dirección: Carlos Aladro.
Una amenaza de bomba en el aeropuerto, un suicidio en una
oficina. Un hombre ata a su amante a la cama, una anciana planea
un asesinato. Entre los escombros de una explosión de gas, unos
policías fotografían restos humanos, por diversión. Una ciudad
infectada por el virus de la violencia. Un país aterrorizado ¿Un
mundo en el que todos somos terroristas? ¿En el que todos somos
víctimas?
 A través de estas escenas aparentemente inconexas, se narra la
historia un pasajero, que se queda en tierra porque hay amenaza
de bomba en el aeropuerto. Es una ácida comedia en que se pone
de manifiesto los perniciosos efectos de vivir con miedo, en una
sociedad que se derrumba bajo el peso de la sospecha y el
horror.
Escrita en 2000 se estrenó en el 2002 en la sala Chejov del
teatro del Arte de Moscú. Después siguió el Royal Court Theatre
de Londres (2003) y luego Alemania, Suecia, Noruega, Portugal,
Australia, Polonia, Serbia, EE.UU., Irlanda e Islandia.
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HAMELIN
Texto: Juan Mayorga
Compañía: Animalario Teatro.
Intérpretes: Guillermo Toledo, Alberto San Juan, Natalie Poza, Javier Gutiérrez, Roberto Álamo.
Dirección: Andrés Lima.
Espectáculo dramático lleno de humor emparentado con la fábula
El flautista de Hamelin. A partir de un caso de pederastia, se
nos habla acerca de la manipulación de la inocencia y la
podredumbre de nuestra civilización, de la perversión de las
palabras y la infancia amenazada.
Como el flautista que se lleva a los niños para castigar a una
ciudad injusta, esta fábula abunda en una idea similar. Es un
cuento sobre la culpa colectiva y su castigo.
Un texto atractivo y con una narración en la línea
cinematográfica.
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