MADRID EN DANZA MADRID CAPITAL Variacions Al·leluia COF Y CORFF (MÚSCULO Y MEMORIA) MOON WATER PRELUDE À L’APRÉS.MIDI D’UN FAUNE/ LE SACRE DU PRINTEMPS MAGNOLIA/LOVE/ HABAYTA NEGRO LONE EPIC/LULA AND THE SAILOR /”I” IS MEMORY ANTONIO MUR INANNA ROMEO Y JULIETA – SFOCATURA DEI CORPI SQUARE MAP OF Q4 WAXTAAN aDON Q. SUITE PARA DOS PIANOS/ SONETO/ BEETHOVEN 7

Unas alas hinchables blancas, enormes y ligeras. Tres personajes que alternan sofisticación con marginalidad. Una cantante de rock que improvisa canciones turbadoras, con una voz que tan pronto acaricia con delicadeza como araña con violencia. Los tres bailarines, convertidos en ángeles caídos, representan escenas sobrecogedoras que, más allá de la quimera y la desilusión, consiguen contarnos espeluznantes cuentos de miedo. Porque es precisamente del miedo de donde nace el valor.

En un espacio convertido en semillero de situaciones enigmáticas, el director Juan Carlos García ofrece una coreografía a medida de Olga Clavel, Yester Mulens y Myriam Mariblanca.

Variacions Al·leluia (Variaciones Aleluya) es una pieza de dramaturgia sencilla, concebida como un juego de niños que evoca la presencia de seres terribles, insinuando temores y desasosiegos que desembocan en movimientos descentrados, rápidos, ágiles y sinuosos, acentuados mediante el cambio trepidante de luces y sombras.

Morbosidad, sordidez, sensualidad y misticismo. Junto a los balbuceos, los jadeos rítmicos y las extrañas morfologías, el espectador se verá sumido en una atmósfera de seducción e incorporeidad.

Estreno: Festival Internacional Tensdansa´07.
Duración: 1 hora (sin intermedio)
http://www.lanonima.com

Eddie Ladd, una de las más punteras bailarinas del momento, nació y se crió en Gales, donde ha desarrollado piezas alabadas por su virtuosa conjunción de danza, textos bilingües, música, tradición y tecnología multimedia. Algunos de sus proyectos han llevado a escena reinterpretaciones creativas de biografías, como la de la cantante de ópera Maria Callas o la de la actriz y cineasta Leni Riefenstahl, célebre por sus producciones propagandísticas en la Alemania nazi. Sin embargo, gran parte de sus proyectos ahondan en cuestiones como el colonialismo y la supervivencia de las naciones pequeñas.

Cof y Corff (Músculo y memoria) no es una excepción. En el corazón de la coreografía late una reconstrucción de la historia de Gales, mediante la danza y el análisis del movimiento. Cada período tiene su propia forma, su propio baile, su propia manera de comprender una realidad cambiante.

Aunando danza, música y texto, Cof y Corff (Músculo y memoria) es un viaje en el tiempo desde 1256 a la actualidad. Inevitablemente, este viaje tiene como protagonista la progresiva absorción británica de Gales. Pero también la aspiración de Ladd de proyectar y amparar una cultura condenada al olvido, sumergiendo al público en una experiencia postmoderna que trae a la vida a viejos reyes, antiguas dinastías y eternos traidores, en una apuesta vanguardista y osada.

Esta oda a la modernidad exige la implicación del público. Un público que parcelará su atención en multitud de planos, desde la presencia andrógina y seductora de Ladd, a los nuevos lenguajes digitales que coronan un paisaje de pantallas e imágenes, pasando por un sonido contundente que reverbera en la memoria.

Un decisivo trabajo multimedia que consigue, con un sólo cuerpo, representar a un país entero.

Duración: 45 minutos (sin intermedio)
www.eddieladd.com

Para los chinos, el agua lunar es una metáfora de dos cosas. La primera hace referencia al proverbio budista “las flores en un espejo y la luna sobre el agua son ilusorias”. La segunda describe el estado ideal de los practicantes del taichi, sintetizado en la frase “la energía fluye como el agua, el espíritu brilla como la luna”.  Lin Hwai-min se inspira en la lírica sugerente de estas metáforas para crear una poética evocación de la filosofía taoísta.

Con Moon Water (Agua lunar), el escenario resplandece con brillos acuáticos, reflejados en superficies blancas y negras. Los bailarines, dueños de una belleza de movimientos serena y precisa, recrean con sus cuerpos un estudio de lo real y lo irreal, de la alteración y la quietud, del yin y el yang. En definitiva, una disquisición espiritual acerca del paso del tiempo.

Sobre el escenario, agua y espejos crean un juego de imágenes reflejadas, de piedras negras y sedas blancas. Los cuerpos empapados de los bailarines muestran cómo realidad y apariencia se fusionan inseparables, en una coreografía ondulante que escapa a las leyes de la gravedad y conduce a una purificación del cuerpo y el alma.

La fluidez absoluta del taichi, transformado por Hwai-min, queda convertida en un expresivo y lírico vocabulario dancístico. Mientras, la música de Johann Sebastian Bach cruza el aire y los cuerpos hallan su referente sonoro.

Oriente y Occidente se encuentran sobre el escenario.

Desde su estreno, Moon Water se ha presentado en festivales y teatros de todo el mundo. En 2003, fue aclamada por la crítica de danza del New York Times, Anna Kisselgoff, como una de las mejores coreografías del año.

Estreno: Teatro Nacional de Taipei, XI-1998
Duración: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio)
www.cloudgate.org.tw

El escenario pleno de luz. Diez bailarines impulsados por una fuerza misteriosa se sumen en la música con una impetuosidad orgiástica, poderosa y exultante. “No hay trama en mi Consagración” - explica la coreógrafa Marie Chouinard - “no hay desarrollo, no hay una relación causa-efecto. Sólo sincronización. Es como si me estuviera asomando a ese preciso instante que sigue al momento en el que la vida surge por primera vez. La pieza trata sobre esto mismo. Tengo la sensación de que justo antes de ese momento hubo una extraordinaria explosión de luz, como un relámpago”.

En Le sacre du printemps (Consagración de la primavera), Chouinard lleva a escena un potente himno a la vida, explorando un mundo inédito y vanguardista. La cadencia y el latido de la música inspira, acompaña y conforma un espacio de energía vital específica, a la vez orgánica, musical y vigorosa. Una Consagración tejida con solos que despiertan misterios esenciales, con movimientos armónicos, firmes y convincentes.

En 1994, la Compagnie Marie Chouinard fue invitada a representar Le Sacre du printemps en el Taipei International Dance Festival de Taiwán, con la música de Stravinsky interpretada por la Orquesta Sinfónica de Taipei. Los organizadores del festival sugirieron entonces que Prélude à l´aprés-midi de un faune (Preludio para la siesta de un fauno), sobre partitura de Claude Debussy, fuera añadido al programa. Por primera vez desde la creación de la pieza, Chouinard enseñó su solo a otra bailarina. Esta experiencia dio lugar a un conjunto de obras (Les Solos 1978-1998) que forman en la actualidad parte del repertorio de esta compañía canadiense.

Aunque los trabajos de Chouinard, con una trayectoria de más de treinta años, han sido percibidos en muchas ocasiones como provocaciones, son más bien caminos abiertos hacia la libertad y la compasión, donde el humor es posible y el eros omnipresente.

Duración: 1 hora y 15 minutos (con intermedio)
www.mariechouinard.com

La interpretación de los tres trabajos – Magnolia, Love y Habayta corre a cargo de la premiada Talia Paz (Nueva York, 1968). Magnolia, con coreografía de Stijn Celis, expresa la ligereza de un paraíso etéreo con imágenes potentes, intensificadas con las composiciones de Mahler. La pieza ahonda en el lado grotesco que esconden todos los ciclos humanos. Love, con coreografía de Sharon Eyal, es un estudio múltiple del movimiento y la estructura, un viaje a través del dolor, el gozo y la soledad. Nigel Charnock - que en la edición anterior de Madrid en Danza presentó el hilarante solo Frank- define su creación Habayta como un paseo en el que

• “todos vamos a casa. Cuando las luces de la gran ciudad se apagan, al fin estamos en casa. En el camino, comemos, dormimos, follamos, nos enamoramos y desenamoramos, reímos, lloramos, gritamos, cantamos, recibimos besos y puñetazos, y todo esto junto es lo que llamamos vida. Habayta está constituida por las escenas de la vida de otro. Es como una película: tu vida sobre la pantalla, proyectando todos los dramas, todas las risas y todas las lágrimas. Entonces, la película se acaba y lo único que queda es la luz, tú eres la luz. Estaba buscando el amor, los amantes, el bien, la paz, la vida, y nunca los encontré. Entonces, vuelvo y me doy cuenta de que todo ha estado aquí siempre. Habayta está hecha para el disfrute...”.

Talia Paz, recibió formación en Israel y los Países Bajos, y ha trabajado con coreógrafos de la talla de Ohad Naharin, Carolyn Carlson, Mats Ek, Lloyd Newson, Nils Christe, Johan Inger, Jiri Kylian e Itzik Galili, entre otros.

Interpretación: Talia Paz
Estreno: Uzes Dance Festival (Francia), VI - 2006
Duración: 1 hora y 10 minutos
www.taliapaz.com

Los montajes de la Cía Daniel Abreu se caracterizan por la búsqueda de un lenguaje propio que suele llevar a escena el choque de los polos opuestos, el detalle del movimiento y la fusión de las propuestas físicas teatrales y la fotografía. Son espectáculos planteados con sencillez, que recurren a escasos elementos escenográficos y prestan capital importancia a la iluminación y la composición coreográfica.

Negro es un trabajo para cuatro bailarines. Un trabajo intimista fundamentado en el cuerpo como único instrumento motor de las sensaciones. La coreografía se construye a partir de escenas creadas con los contrastes y las costumbres de lo cotidiano, con el placer de la observación del cuerpo, de la acción y de la imagen. Negro habla también de lo que la piel ve, de lo que la asusta, de la que la transforma, despierta o aletarga.

El trabajo se engloba dentro de los marcos de referencia de la danza contemporánea, la improvisación y la experiencia de los propios intérpretes. La compañía de danza Daniel Abreu se acerca a Negro a partir de los recuerdos: 

• “los primeros bailes que vieron mis ojos estaban ligados a los brazos de mi madre, meciendo un cuerpo y acariciando una cabeza; a las manos de mi abuela peinándose el pelo que ocultó durante años bajo un pañuelo negro; a mi padre con las manos entrecruzadas, girando sus pulgares en un continuo remolino; a mi hermano corriendo escaleras arriba y abajo; y  a mí buscando algo más en los detalles...”.

Daniel Abreu, creador de más de una veintena de coreografías, ha recibido numerosos premios, entre los que destacan el Premio del Jurado del XVIII Certamen Coreográfico de Madrid y el Premio al Bailarín más Destacado del IV Certamen Coreográfico de Maspalomas.

Duración: 1 hora (sin intermedio)

Louis Lecavalier (Montreal), ha sido bailarina profesional desde 1977. Durante estos treinta años sobre los escenarios, ha acercado a espectadores de todo el mundo una danza llevada al límite con pasión y generosidad desenfrenada. Convertida en símbolo de La la la Human Steps, participó en montajes de prestigiosas compañías como el Ensemble Modern, así como en conciertos de David Bowie y Frank Zappa, entre otros. En mayo de 1999, recibió el Premio Nacional Jean A. Chalmers, el más distinguido galardón de danza de Canadá.

Tras la creación del solo, “I” is Memory, coreografiado por Benoît Lachambre en 2006, Lecavalier colaboró con el coreógrafo canadiense Crystal Pite para crear Lone Epic. Junto a Lula and the sailor- un dúo de Cobalt Rouge -, estas tres piezas conforman un programa que ha estado de gira por Canadá, Europa y Japón, durante las temporadas 2006-2007 y 2007-2008.

En Lone Epic (Épica solitaria), con selecciones de la majestuosa partitura de Ciudadano Kane, de Bernard Herrmann, el movimiento está al servicio de las emociones humanas. Durante dieciséis minutos, la vida se reconcentra y oscila de la tristeza a la alegría, para mostrar la totalidad del personaje imaginado por Crystal Pite.

Lula and the Sailor (Lula y el marinero) es un retrato de la abundancia en un marco austero. Un dueto que pone de manifiesto la fragilidad de la conexión entre cuerpo y mente, y explora la actividad que late en las cosas más simples.

En “I” is memory (“Yo” es memoria), el cuerpo estalla en una explosión de energía. Los huesos, los músculos, los órganos y las articulaciones desaparecen; descoyuntada y ondulante, la materia se borra y sólo queda el pensamiento. Permanece en la memoria la danza de una criatura de las sombras, de un mutante en proceso de metamorfosis...

Duración: 1 hora y 20 minutos (con intermedio)

Con tan sólo nueve años, Antonio Márquez (Sevilla 1963) recibió las enseñanzas del gran maestro Antonio Ruiz Soler (1921-1996), primerísima figura del baile, reconocido artísticamente como Antonio el Bailarín.  Con este espectáculo, el alumno rinde tributo al maestro.

Antonio es una coreografía homenaje a todos aquellos bailarines, profesores y coreógrafos que han dedicado su vida a la danza española. Pero, sobre todo, es una pieza en recuerdo de Antonio Ruiz, de su garra y su duende. Sobre el escenario, la luz y la música se convierten también en protagonistas. Junto a los pasos precisos, ricos, variados y siempre perfectamente sincronizados, Paco Romero y Antonio Márquez se encargan de dar vida al mito.

Antonio Márquez es uno de los más reconocidos representantes de la danza clásica española, aunque su registro abarca también la sensualidad y desgarro del flamenco y la expresividad dramática de la composición contemporánea. En 1981, Márquez fija su residencia en Madrid, continuando sus estudios en la Escuela del Ballet Nacional de España. Al año siguiente, se incorpora a este Ballet, primero como solista bajo la dirección de María de Ávila y, más tarde, como primer bailarín con la dirección de José Antonio Ruiz. Además de fundar su propia compañía, ha intervenido en la inauguración del Teatro Real de Madrid, así como coreografiado y participado en producciones de la Ópera de Montecarlo, la Ópera de Paris, la Ópera Nacional de Hungría y la Ópera de Atenas.

Entre otros galardones, ha recibido el Premio Nureyev (1997), el Premio Nijinski al Mejor Espectáculo (2000), el Premio al Mejor Espectáculo en el Festival de Jerez (2000), el Premio Nacional de Danza Cultura Viva (2001), el Primer Premio del Festival Internacional Flamenco (2003), el Premio de la Crítica al Mejor Espectáculo (2005) y el Premio Tanit (2006).

La Compañía Antonio Márquez pertenece al programa de Compañías residentes de la Comunidad de Madrid y tiene su sede en Villaviciosa de Odón.

Duración: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
www.antoniomarquezcompany.com

“Se abre el telón. Vemos un muro bloqueando el escenario. Queremos traspasar el muro, destruirlo. ¿Qué hay detrás? ¿Qué pasa si lo traspasamos? Qué habrá cambiado? ¿Qué haremos cuando desaparezca? Cuando me planteaba las respuestas, se me cruzó Foirades, una obra colectiva de Samuel Beckett y Jasper Johns... La austeridad es lo más remarcable de la escritura de Beckett. Crea un espacio tangible y, a la vez, emotivo, utilizando frases completas y descripciones ambiguas”.

Así se acerca Thomas Noone (Londres, 1971) a Mur, un espectáculo que salta los muros físicos y mentales del movimiento. La coreografía transcurre en una geografía imaginaria y abierta, acotada por una potente escenografía ideada por los arquitectos David Jiménez y Joan Álvarez, con un diseño a la vez práctico y estético. Un muro compuesto de módulos en forma de V. Un muro que se mueve y se abre para que la danza lo invada todo, creando un lugar de tactos y sensaciones, hecho de frases incompletas y descripciones ambiguas.

Mur es también un punto de encuentro entre arquitectura, danza y música. El compositor Pedro Navarrete ha unido dos áreas más: una, la idea de limitación física, repetición y ciclos musicales. Otra, la confrontación entre bailarines y arquitectura, con el timbre contrastado de dos familias de instrumentos: cuerdas y percusión.

El proyecto Mur fue finalista en el VI Concurso de Proyectos Escénicos de Lleida 2005.  

Thomas Noone se formó en la escuela Rambert de Londres y tiene una amplia experiencia profesional como asesor artístico, bailarín y coreógrafo. En el año 2001 crea la Thomas Noone Dance, una compañía con un particular estilo de danza contemporánea, cimentado en una consistente formación técnica. Con base en Barcelona, la compañía cuenta ya con ocho producciones: Credo, Loner, Triptych, Fútil, Still-Both-Tread, Maktub, Crush-Crease y Mur. También ha obtenido varios galardones, incluyendo el Premio a la Producción, el Premio Especial del Público en el Concurso Guglielmo Ebreo de Pésaro (Italia) y el Primer Premio en el XIV Certamen Coreográfico de Madrid.

Estreno: Barcelona, I - 2007
Duración: 1 hora (sin intermedio)
www.thomasnoonedance.com

Inanna, homenaje a la fotógrafa americana Francesca Woodman (1958-1981), es una coreografía para siete bailarinas basada en los poemas que una sacerdotisa de Ur escribió en honor a la diosa sumeria del mismo nombre. Una diosa caracterizada por la sensibilidad y la potencia creadora, por su capacidad instintiva y guerrera, por su marcado carácter femenino.

Inanna recrea el universo de las mujeres, desde el punto de vista de la coreógrafa, bailarina y poetisa Carolyn Carlson (Oakland, California, 1943). Con música original de Armand Amar (creador de, entre otras, las bandas sonora de las películas Amen y The Axe, del director Costa-Gavras) y canciones adicionales de Bruce Springsteen y Tom Waits, la pieza es, en palabras de Carlson, “...la curva infinita de soledad que completa el amor”.

Carolyn Carlson, americana de raíces finlandesas, es una leyenda viva de la danza contemporánea. Desde 2004, dirige el Centro Coreográfico Nacional Roubaix Nord-Pas de Calais, donde ha creado Inanna. Fue musa y primera bailarina de Alwin Nikolais, al que conoce en 1965. En 1968 recibe el Premio a la Mejor Bailarina en el Festival Internacional de Danza de París. Tres años después se une a la compañía Anne Beranger como solista y coreógrafa. Allí crea su primera pieza, Rituel pour un rêve mort, presentada en el patio del Palacio de los Papas de Avignon en 1972. Entre 1974 y 1980 alumbra más de veinticinco obras, incluyendo Densité 21,5., The Architects y This et That. En 1974, interpreta junto a Nureyev, Tristán e Isolda, con coreografía de Glen Tetley. Diez años después, crea el solo Blue Lady, pieza mítica representada en cuarenta países. Entre 1994 y 1995, Carlson dirige el Cullberg Ballet de Estocolmo. A lo largo de su fructífera carrera, Carolyn Carlson ha recibido multitud de premios. Entre ellos, la Medalla de la Ciudad de París, la Orden de Caballero de las Artes y las Letras y la Legión de Honor de la República Francesa.

Duración: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio)
www.ccn-roubaix.com

Sobre la música de Prokofieff, Cage y Pink Floyd, el coreógrafo siciliano Roberto Zappalà explora el concepto de desenfoque a partir de la interpretación emocional de la trágica historia de amor y muerte de Romeo y Julieta.

¿Cuándo nos sentimos desenfocados? Técnicamente, en el cine, la fotografía y la óptica, este efecto es una cuestión de distancia. La distancia entre el centro focal del objetivo y el objeto encuadrado. Si esta distancia es demasiado grande o demasiado pequeña, el objeto se desenfoca. Aplicado a las relaciones humanas, la explicación podría ser la misma. Nos sentimos desenfocados cuando la distancia entre nosotros y el mundo no es la correcta, cuando nos sentimos demasiado cerca o demasiado lejos de los otros seres humanos. La referencia a Romeo y Julieta señala el emblema de la lucha de resistencia contra el mundo. Un mundo que, a pesar de la fortaleza de la pareja, acabará por destruir a los amantes.

Sfocatura dei Corpi

Roberto Zapala (Catania,1961). Fundador, director artístico y coreógrafo de la Compagnia Zappalà Danza desde 1989, es artífice de más de veinte coreografías, entre otras, Il berreto a sonagli (1994), Anaglifo (1997), Pasolini nell´era di Internet (2000) y Time Code (2002). Zappalà también ha colaborado en las coreografías de los musicales Jesus Christ Superstar, Evita y Tommy, así como en numerosas óperas, colaborando con directores como Daniele Abbado, Francesco Torrigiani o Federico Tiezzi.

En 2004, la compañía sueca Norrdans le encarga la coreografía de I´m a good cook, con música de Giovanni Sollima. Un año después, dentro de la programación de Taormina Arte, el coreógrafo colaboró con este mismo compositor en Numero zero/ improvisation.

En la actualidad, Zappalà es director artístico de Scenario Publico, residencia de la Compagnia Zappalà Danza.

Estreno en Catania: Scenario Pubblico, XI - 2006
Duración: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio)
www.compagniazappala.it

Square Map of Q4 es el último proyecto de Rafael Bonachela. La coreografía muestra la fascinación que el coreógrafo siente por el movimiento. Explorando la manera en que los primeros recuerdos conscientes modelan nuestra personalidad, nuestro temperamento y nuestros valores, Bonachela se acerca a la danza partiendo de una máxima: “el movimiento es una acción inteligente”. Recurriendo a la memoria como punto de partida, sobre el escenario se desarrolla una lucha visceral y apasionada, en la que los bailarines se reconocen, se encuentran y se desencuentran. Un viaje intenso al corazón de las emociones en el que se yuxtaponen movimientos físicos intensos con imaginería multimedia.

En Square Map of Q4, Bonachela retoma su colaboración con el diseñador y escenógrafo Alan McDonald (Love is the Devil y The Queen, entre otras películas) y colabora por primera vez con el compositor Marius de Vries (Moulin Rouge y Romeo + Juliet, entre otras).

• “No se trata de tener una visión e imponérsela a los demás. Mi obra está abierta a la interpretación individual, quiero crear un trabajo que sea un reto para el bailarín y para el espectador, un trabajo que les haga sentir y pensar” -  dice Rafael Bonachela, uno de los más punteros artistas británicos.

Después de su paso estelar por la Rambert Dance Company, funda en 2006 su propia compañía, la Bonachela Dance Company, con el aclamado estreno de Voices.

Bonachela ha ganado el prestigioso Place Prize en 2004 y ha sido nominado para el National Dance Critics Circle Award en 2007. Trabaja habitualmente con artistas de la talla de Tina Turner, Kylie Minogue o Liset Alea.

Entre sus coreografías destacan, Curious Conscience (2005), Mandox Bandox (2006), y 4: Freeze-Frame (2005).

Intérpretes:  Amy Hollingsworth, Annamari Kesniken, Adam Linder,
Cameron McMillan, Sarah Storer y Paul Zivkovich
Duración: 1 hora y 20 minutos (con intermedio)
www.bonacheladancecompany.com

Waxtaan se basa en las danzas tradicionales de distintos pueblos africanos como Mali, Guinea, Burkina Faso, Costa de Marfil, Benín o Senegal, entre otros. La belleza emocionada, la riqueza de los movimientos y el virtuosismo técnico ofrecido por la compañía senegalesa Jant-Bi, nos acerca a una nueva percepción de aquellas danzas generalmente encorsetadas con la etiqueta de folclore. Purificada de elementos artificiales, efectistas y populares, la coreógrafa Germaine Acogny lleva a escena una pieza asombrosamente cercana a los criterios occidentales sobre la danza contemporánea.

Tras el estreno del espectáculo Fagaala, Germaine Acogny fue galardonada con un Bessie Award “por mostrar que la danza puede expresar la verdadera crueldad del poder...”, tal y como reza el texto oficial. En este sentido, también Waxtaan es una mirada crítica a los líderes africanos. Bailarines y músicos, armados de movimiento y melodía, parodian a los presidentes, a los ministros, a los hombres de poder de un continente que lucha por librarse de sus estigmas.

Waxtaan es, sobre todo, un canto a la solidaridad y a la generosidad. Un grito de esperanza y de confianza en Africa y los africanos y también un homenaje a los antepasados, que legaron una danza bailada por generaciones y generaciones de hombres, hasta el día de hoy.

Germaine Acogny sintetiza en sus coreografías el aprendizaje de los bailes tradicionales africanos y de las danzas occidentales, dando lugar a una técnica dancística propia. La coreógrafa, de herencia africana y formación europea, ha trabajado con multitud de artistas, como Maurice Béjart o el músico Peter Gabriel. Después de una larga estancia en Europa, decide volver a Senegal y fundar el Centro Internacional de Danzas Tradicionales y Contemporáneas Africanas. Germaine Acogny es Caballero de la Orden del Mérito y Oficial de las Artes y las Letras de la República Francesa, así como Caballero de la Orden Nacional de Senegal.

Duración: 1 hora y 20 minutos (sin intermedio)
www.jantbi.org

Don Q, espectáculo inspirado en el Don Quijote cervantino, lleva a escena un mundo cerrado de memorias y anhelos. Egon Madsen y Erick Gautier dan vida a un hombre maduro y a su joven compañero, dos personajes que viven una relación de conveniencia absurda y trágica, de la cual no pueden escapar. Refugiados en aventuras pasadas, ponen todo su empeño en huir del presente. Sólo la bella Dulcinea es capaz de mover sus corazones y sacarlos de la locura en la que están inmersos. Melancólicos, irreverentes y divertidos hasta el extremo, Madsen y Gauthier dan vida a esta pareja desigual que Christian Spuck, uno de los más exitosos coreógrafos alemanes, ha ideado para rendir tributo a dos generaciones de bailarines.

Siguiendo no tanto la trama sino el tono del clásico, Don Q. aúna historias de caballeros, amantes y héroes, atrapados en un mundo imaginario en el que un acto tan sencillo como atarse el lazo de los zapatos se convierte en una lucha a muerte contra los molinos. Las necesidades y las vanidades, los deseos y los sueños de este dúo masculino -que son alternativamente payasos y héroes trágicos del teatro del absurdo- dan forma a los episodios que conducen a “una revista, no siempre bailada, sobre la pérdida de la realidad.”

Para Don Q., Christian Spuck conjuga música de Franz Schubert y Alfred Schnittke, además de diversas canciones pop. La escenografía y el vestuario son de Emma Ryott; la iluminación, de Till Grab; y la dramaturgia, de Esther Dreesen.

Estreno: Theaterhaus Stuttgart, 6 – IX - 2007
Duración: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio)
www.theaterhaus.com
www.ecotopiadance.com

El Ballet de la Ópera de Leipzig, integrado por cuarenta bailarines de más de veinte países, pertenece a la élite dancística de Europa, contando con un unánime reconocimiento internacional.

Cuando en 1981 el coreógrafo Uwe Scholz asumió la dirección artística de la compañía, creó un gran número de ballets para sus bailarines, desde composiciones sinfónicas como La creación, de Joseph Haydn, hasta hitos del ballet clásico como El lago de los cisnes. A través del estilo coreográfico de Scholz, el Ballet de la Ópera de Leipzig ha ganado en los últimos años un perfil artístico único. Sus composiciones neoclásicas se han presentado en numerosos países europeos, obteniendo el aplauso de crítica y público.

Tras la muerte de Scholz en noviembre de 2004, el canadiense Paul Charmer toma el relevo en la dirección del Ballet de Leipzig, manteniendo la herencia de su antecesor pero insuflándole un estilo propio, que ha convertido a esta compañía alemana en un referente internacional.

De las tres piezas que integran el programa, con coreografía de Uwe Sholz (Suite para dos pianos y Soneto) y Marco Goecke (Beethoven 7), la crítica ha resaltado la geometría dancística, el virtuosismo de los movimientos, llenos de vida, y la espectacularidad embriagadora de las piezas.

Duración: 2 horas (con dos intermedios)
www.oper-leipzig.de