LOS MAESTROS CANTORES DE NÚREMBERG Ópera en tres actos Música y libreto RICHARD WAGNER Dirección del coro JOSÉ LUIS BASSO Dirección musical PABLO HERAS-CASADO Dirección de escena LAURENT PELLY ORQUESTA Y CORO TITULARES DEL TEATRO REAL Intérpretes GERALD FINLEY / JONGMIN PARK / PAUL SCHWEINESTER / BARNABY REA / LEIGH MELROSE / JOSÉ ANTONIO LÓPEZ / ALBERT CASALS / KYLE VAN SCHOONHOVEN / JORGE RODZ. NORTON / BJØRN WAAG / VALERIANO LANCHAS / FREDERIC JOST / TOMISLAV MUŽEK / SEBASTIAN KOHLHEPP / NICOLE CHEVALIER / ANNA LAPKOVSKAJA / ALEXANDER TSYMBALYUK / PILAR BELAVAL / CAROLINA BARDAS / IRENE GARRIDO / SONIA SUÁREZ en el TEATRO REAL (SALA PRINCIPAL) de MADRID  Será grabada en 4 K para su difusión internacional. Radio Clásica, de RNE, grabará la ópera para su posterior emisión Al durar  5:15 las representaciones comienzan a las 18 horas y el domingo, 28 de abril, a las 17 horas.  Del 24 de abril al 25 de mayo de 2024

NICOLE CHEVALIER / GERALD FINLEY y CORO FOTO: JAVIER DEL REAL

Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real de Madrid, califica de "bombazo" presentar Los maestros cantores de Núremberg. La obra  se estrena en 1868 en el Teatro de la Corte de Múnich y a Madrid llega en 1893.Fue una de las primeras óperas de Wagner que llegó al Teatro Real. En sucesivas representaciones siempre fueron pocas las funciones, alrededor de unas cuatro. Esta nueva producción cuenta con 9 funciones y con lleno de público, lo cual Joan lo define como "un gran acontecimiento".

La historia transcurre en la ciudad de Núremberg, durante la noche y el día de San Juan en el siglo XVI, coincidiendo con la vida real del poeta, músico y zapatero Hans Sachs (1494-1576), cuya estatua preside hoy la plaza que lleva su nombre en la ciudad. Los protagonistas son miembros artesanos burgueses que compaginan sus oficios con el arte de crear canciones bajo reglas muy estrictas y minuciosas. La llegada de un forastero que, por amor, intenta participar en uno de sus severos concursos de canto con una arrebatadora e inspirada canción fuera de todos los cánones establecidos, genera entre los Maestros cantores un encendido debate estético y filosófico entre lo transgresor y lo normativo en la creación artística, que va creciendo en complejidad a lo largo de toda la ópera, evocando las grandes corrientes de pensamiento del Romanticismo centroeuropeo.

	PABLO HERAS-CASADO FOTO: www.madridteatro.eu

PABLO HERAS-CASADO, director musical
LOS MAESTROS CATORES
A CABALLO DE TRISTÁN E ISOLDA Y 
EL ANILLO DE LOS NIBELUNGOS

Al frente de la dirección musical se planta Pablo Heras-Casado.  Este es   su sexto título wagneriano después de El holandés errante (CLICK) (2017) y la Tetralogía – El oro del Rin (CLICK) (2019), La valquiria (CLICK) (2020), Siegfried (CLICK)(2021) y El ocaso de los dioses (CLICK)(2022) en el Teatro Real. Ante este nuevo título el agradecimiento es ingente por parte de Pablo, pues se enfrenta a un "proyecto tan grande, tan importante, tan histórico", lo  cual le hace sentirse privilegiado. 

Después de estar en contacto con la producción wagneriana, Los maestros cantores, por el registro musical y por el propio poema - en el que no existe drama o tragedia, donde no hay ningún personaje malvado, no hay dioses, no hay acontecimientos sobrenaturales - todo es profundamente humano, honesto y sincero. La escritura musical lo es también. Esta ópera la empezó a esbozar antes de Tristán e Isolda, y antes de comenzar El anillo de los Nibelungos. Cuando uno  piensa en el poder creativo y la capacidad de poder disociar registros a mitad de la composición de El anillo de los Nibelungos y acaba de componer Tristán e Isolda y termina una obra como esta que es diáfana en su escritura, que es absolutamente genial,  pero que para poder expresar este carácter humano, que hasta en el aspecto más sarcástico y ridículo  de algunos personajes, o más naif  o simples de personajes con pocas pretensiones, pero luego lo transforma en algo milagroso que es capaz de soportar y mantener un drama musical de cuatro horas y media e música, en cual cada nota, cada compás, cada momento  de la ópera es un regalo y es necesario.

IMPORTANCIA SOCIAL Y CULTURAL
DE LA MÚSICA EN CUALQUIER PUEBLO

Pablo advierte que siempre se habla de la extrema duración de la obra pero para él esa duración

LOS MAESTROS
NICOLE CHEVALIER / TOMISLAV MUZEK FOTOS: JAVIER DEL REAL

es algo que se necesita todo ese tiempo para ser contada. En esta escritura Wagner vuelve a las raíces de la tradición musical alemana, que habla de la importancia del arte, de la música, de la sociedad, de la cultura desde un aspecto muy básico: un pueblecito, en la mitad del siglo XVI, Núremberg en que el artes, la poesía, es uno de los centros vitales de aquella sociedad. Wagner recurre a Bach, a la música polifónica de los coros luteranos polifónicos del s. XVI. Se sienten las texturas de Mozart para poder, con su propio leguaje también, transmitir este mensaje de la importancia social y cultural que tiene la música en cualquier pueblo. Este es  el tema absoluto de esta obra. Eso se refleja maravillosamente. Cada personaje tiene su propio lenguaje musical: desde una música sincera y sencilla hasta enfrentarse con otra compleja, intrincada, tortuosa, y pretendidamente irregular en todo momento y a la vez muy cómica musicalmente. Aunque un no entienda lo que están diciendo, es una música absolutamente cómica. Aunque cada personaje tiene su "leif motiv", aquí Wagner lo hace de una manera mucho más abierta, más humana. En Wagner, como sucede en los grandes compositores de ópera como Monteverdi, Mozart…, la orquesta es un personaje principal en cuanto que el flujo de emociones es la orquesta; en ella se sustentan y se narran todos los personajes. La orquesta cambia desena, color, iluminación… Es la fuente de inspiración del escenógrafo, y del director de escena. En este caso Wagner nos lo da todo. Ya de por sí la música te hace sonreír, te hace entrar en un registro de comedia, de ternura, de humanidad y de nobleza. Musicalmente, en un determinado momento, un cantante de ópera tiene que ser un gran actor, un gran cómico

ES UNA CUESTIÓN NO TANTO
FÍSICA SINO DE CONCENTRACIÓN

Dirigir las grandes producciones de Wagner, y entre ellas, supone un considerable  desgaste muy alto, confiesa Pablo, pero con la edad se va adquiere poso y madurez. 

Es una cuestión no tanto física sino de concentración, algo espiritual. Esto sí que es difícil. Cuanto más tienes la obra asumida y el detalle de lo que está pasando en el momento, y anticipar de lo que va a pasar, así como la curva musical de esa hora y media que dura el acto, es el secreto para poder llevar a fin una ópera como ésta. También tienes que ser capaz de motivar y sostener a nivel artístico y humano a todos los artistas que están en el escenario y en el foso de la orquesta. Es más una cuestión mental que física. Después, sí que es muy difícil conciliar el sueño, por eso no hay que hacer planes para la mañana siguiente. 

LAURENT PELLY, director de escena
NO ME ESPERABA QUE ESTA ÓPERA
FUERA ESPECIALMENTE GRACIOSA

Laurent Pelly (Francia) director de escena, diseña el vestuario de todas sus producciones. Es un habitual en el Teatro Real. donde ha dirigido La fille du régiment (CLICK)(2014),Hänsel und Gretel (CLICK)  (2015), El gallo de oro (CLICK)(2017), Falstaff (CLICK)  (2019),Viva la mamma (CLICK)  (2021) e Il turco in Italia (CLICK)  (2023).

Es la primera vez que se enfrenta a Wagner y considera que ha sido toda una aventura, para él.

	LAURENT PELLY FOTO: www.madridteatro.eu

Es un repertorio al que yo no estoy acostumbrado, así que ante lo que me he encontrado es de una absoluta fascinación, un completo "shock". Para mí ha sido  todo un cambio de perspectiva en la forma en la que yo percibía esta obra. En primer lugar porque no me esperaba que fuera especialmente graciosa. Hablamos de una comedia humanista, es humana, pero, al final, hace que nos riamos de los propios personajes. En segundo lugar  no me esperaba que la música contase tanto. Siempre digo que la música tiene que ir acompañando el cuerpo e los personajes, y, para mí, no se trata de abordarlo de una forma realista, siempre pienso en lo onírico. Precisamente esta música no deja, continuamente, de contarnos cosas, con lo cual es algo extremadamente teatral. Por lo tanto lo que más me sorprendió es que texto y música siempre fuesen de la mano, que nada se repitiese simplemente por repetirse. Hablamos de una obra que son cuatro horas y media de música, que es muchísimo tiempo, pero siempre se mantiene esa tensión dramática a lo largo de toda la obra.

UNA OBRA EN LA QUE HAY CONTINUAMENTE
EMOCIÓN, RISAS Y SENTIMIENTOS.

Cuando Joan le propuso hacer Los maestros cantores de Núremberg, era cuando estaban haciendo Falstaff  (CLICK)   

Al principio me dio mucho miedo, pero a lo largo de la obra fui viendo cómo es una obra en que  cada uno puede apropiarse de los personajes. Todos se pueden ver reflejados en los personajes. Por ejemplo Hans Sachs, el personaje principal, es un personaje que puede sentir todo el mundo dentro de sí mismo. Hemos estado trabajando dos meses en esta obra, lo cual es muchísimo tiempo y no es lo normal, pero ha sido maravilloso. Es una obra en la que uno nunca puede aburrirse, y esto es algo que, a lo mejor, nos choca porque tradicionalmente se ha percibido la obra, a lo mejor, de un modo un poco falsa. Es una obra en la que hay continuamente emoción, risas y sentimientos.

ESTA MÚSICA NO ES DECORATIVA,
SINO QUE TRANSMITE EMOCIÓN.  

TOMISLAV MUZEK
GERALD FINLEY / SEBASTIAN KOHLEPP
LEIGH MELROSE / GERALD FINLEY
MAESTROS CANTORES
NICOLE CHEVALIER / TOMISLAV MUZEK / ANNA LAPKOVSKAJA FOTOS: JAIER DEL REAL

Esta ha sido la primera impresión de Laurent sobre esta ópera de Wagner. En un segundo momento vino el trabajo de montaje, del cual destaca el trabajo con los cantantes.

Ha sido estupendo. El reparto es absolutamente maravilloso, porque hablamos de una música que es extremadamente difícil  y esto hace que todavía les admire más. Además de cantantes, son sobre, todo actores. Cada uno de estos intérpretes es un actor. Hemos trabajado mucho en la profundidad de la intención, del juego y todo entrelazándolo siempre con la música, que siempre nos está contando algo, porque Wagner también es el escenógrafo. Nos permite que esta música, teatralmente, proporcione el ritmo, la ironía, el humor, y esto a lo largo de toda la obra. Para mí, esta música no es decorativa, sino que siempre transmite emoción.  

Todo este trabajo ha sido posible, en palabras de Laurent, gracias a la colaboración Pablo, el director musical.

Desde un principio hemos estado trabajando muy unidos y  eso me ha ayudado mucho a lo largo de todos los ensayos. No sólo él, sino todo el equipo que es maravilloso, con el que hemos estado haciendo una serie de intercambios de experiencias. Ha sido completamente fantástico, porque, a fin de cuentas,  es una obra que es un Monstruo, un Monstruo amable, pero no deja de ser un Monstruo. 

LA COMEDIA ES INTERESANTE
SI TIENE PROFUNDIDAD,
INCLUSO SI LLEGAN A SER OSCURAS

Es ya un tópico en el mundo del teatro de prosa que es más difícil la comedia que el drama. Según Laurent pasa lo mismo en el mundo de la ópera.

Pero yo es algo que prefiero, pues me siento cómodo. La comedia es ritmo y es precisión. Además la comedia es interesante si tiene profundidad, humanidad, incluso si llegan a ser oscuras, porque el reír por reír, no es algo que me guste. Precisamente Los maestros cantores es una obra universal que habla cómo el arte influye en la sociedad, en el mundo. Es un tema que nos toca a todos y, sobre todo, en este mundo tan loco y caótico en el que vivimos. Las grandes comedias  siempre son aquellas en las que hay una gran profundidad y podemos ver toda esa parte más oscura. Efectivamente la comedia operística es más difícil que el drama.

LOS MAESTROS CANTORES SOBREVIVEN
EN UNA ESCENOGRAFÍA DESTRUIDA

Ante Los maestros cantores surgió una pregunta: "¿Cómo contamos esta historia en el mundo de hoy?"

No hay que olvidar que la historia puede parecer anticuada para un mundo de hoy. Pertenece a otra época. Hablamos de estos maestros cantores que siguen con mucho rigor todo su amor por el arte. Algo extremadamente lejos de lo que es la sociedad de hoy en día. Entonces junto a la escenógrafa Caroline Ginet, nos inventamos un mundo. Yo siempre trabajo un poco en lo onírico, y esta es la idea: trasladar este mundo, que es antiguo, pasado de moda, que no corresponde a lo que conocemos hoy en día. Podría ser el siglo XIX, pero, en cualquier caso, antes de la guerra del cuarenta - la Segunda Guerra Mundial. Un mundo que se encuentra completamente destruido, y los personajes buscan aferrarse a todas sus tradiciones. Vemos a estos maestros cantores en una escenografía completamente destruida, que hace que todo sea grotesco y sublime al mismo tiempo. Los maestros están actuando en espacio completamente derruido y lo necesitan para sobrevivir. Eso, precisamente, muestra todo esta lado profundo que me encanta.

EL CORO, MÁS ALLA DE
UNA MASA EN MOVIMIENTO

El Coro - 112  personas - aflora sobre todo en la última parte de la obra. Lauren Pelly ha evitado el estatismo siendo fiel a su concepción de operar con personajes de diferentes personalidades y no con una masa indefinida.

Me encanta trabajar con el Coro. Ya conocía una gran parte de ellos, porque esta es la octava producción que dirijo en el Teatro Real. He de decir que los componentes  del Coro son absolutamente magníficos, y además les encanta interpretar. La presencia del Coro en esta obra tiene algo de particular. Primero vemos un Coro más eclesiástico,  y luego tenemos que esperar tres horas hasta volver a verlo, además es una escena de cinco minutos que es extremadamente violenta, desde el punto de vista musical. Tenemos a 120 personas - se incluyen actores y figurantes-

formando un tumulto muy violento, pero a la vez es divertido y muy apasionante trabajar en este tipo de escenas. Otra cosa es que es muy difícil desde el punto de vista técnico. Para mí, el Coro tiene que tener un papel importante a nivel interpretativo. Más adelante vemos la escena de la Fiesta de San Juan, y aquí es muy importante que el Coro muestre esa vivacidad y que Concurso de Canto sea extremadamente importante para ellos.

Laurent destaca que este es un trabajo de conjunto con Pablo  y el director del Coro José Luis Basso.

Tal colaboración es muy importante para  conseguir esa vivacidad del Coro.

WAGNER ESCRIBE CON LA PRECISIÓN
DE LOS PINTORES FLAMENCO DEL MEDIOEVO

Para obtener esta simbiosis de música y escena, el trabajo entre Pablo y Laurent ha sido conjunto.

y, en eso, Laurent ha sido impresionante al tener que moldear individualmente no solamente a los muchos personajes de la obra, sino al coro, que es maravilloso, también hay que moldearlo individualmente con su psicología, su reacción, su personalidad. Eso forma parte de ese crear una verdadera comedia humana y una verdadera obra de arte. La orquesta apoya no sólo en la  gran escena del plano general, sino en el detalle, en la precisión de pequeños motivos preciosistas; en el poder articular cada gesto cómico. Wagner, sobre todo en esta ópera, escribe con una precisión propia de los pintores flamencos de la época medieval, quienes pintan cabello a cabello. Hay que cuidar mucho este aspecto para que a lo largo de cuatro horas y media, todo brille, tenga frescura y carácter y así tenga personalidad. 

EL MISTERIO DEL ARPA         GERALD FINLEY / LEIGH MELROSE (Beckmesser) FOTO: JAVIER DEL REAL El personaje de Becmesser se acompaña de un instrumento de cuerda (arpa-Laud), cuyas melodías proceden obviamente de un Arpa, situada en el foso de la orquesta. En el dossier una nota precisa: "El arpa de Beckmesser ha sido generosamente cedida por el Festival de Bayreuth para su utilización en las funciones del Teatro Real". No deja de sorprender que un Arpa tenga que viajar desde tan lejos. Se destaca porque es una colaboración, pero es que se trata de un instrumento muy particular que sólo tiene razón de ser para Los maestros cantores. Ya en El anillo de los Nibelungos , en plena Pandemia, hemos tenido el lujo de tener las 6 arpas que manda Wagner, y esto no ocurre ni en Berlín, ni en el Covent Garden. En este caso hemos podido conseguir el Arpa que fuese lo más original y posible, que  Becmeser utiliza en dos momentos, cuando quiere ensayar su canción frente a la ventana de Eva, a la que pretende, para ver si funciona, de modo que al día siguiente en el Concurso de Canto pueda asegurarse el triunfo. Hemos pedido este Arpa al lugar más icónico en el que estamos seguros que va a tener el sonido más auténtico y fiel que es el Festival de Bayreuth, y nos lo ha cedido. Era digno de mencionarlo y se agradece mucho esta colaboración -aclara Pablo Heras-Casado

FUNCIÓN
24, de abril de 2024: 18:00 horas
2, 6, 10, 14, 18, 21, 25 de mayo de 2024: 18:00 horas
Domingo 28 de abril de 2024: 17:00 horas

PRECIO
Estreno: De 475 € a 22 €
Normal: De 298 € a 18 € 

	TOMISLAV MUZEK / MAESTROS CANTORES
	ANNA LAPKOVSKAJA / TOMISLAV MUZEK / NICOLE CHEVALIER / GERALD FINLEY / SEBASTIAN KOHLEPP
	GERALD FINLEY FOTOS: JAVIER DEL REAL

Título: Los maestros cantores de Núremberg (Die Meistersinger von Nürnberg)
Ópera en tres actos
Música y libreto: Richard Wagner (1813-1883)
Estrenada en el Teatro de la Corte de Múnich el 21 de junio de 1868
Estrenada en el Teatro Real el 18 de marzo de 1893
Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la Royal Danish Opera de Copenhague y el National Theatre de Brno
Escenografía: Caroline Ginet
Vestuario: Laurent Pelly
Iluminación: Urs Schönebaum
Cofigurnista: Jean-Jacques Delmotte
Asistente de la dirección musical: Friedrich Suckel
Asistentes de la dirección de escena: Luc Birraux, Anna Ponces
Asistentes de la escenografía: Ariane Chapelet, Elisabeth de Ereño, Esther Granetier
Asistente de vestuario: Anuschka Braun
Preparador musical: Jendrik Springer
Supervisión de dicción: Rochsane Taghikhani
Edición musical:  Schott Music GmbH & Co. KG, Mainz

Intérpretes:
Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real
Aprendices: Álvaro Andrés, Sergio Aunión, Carolina Bardas, Pilar Belaval, Jesús Cantolla, José Ángel Florido, Luismel Guerra, Víctor Guillén, César Gutiérrez, Lucrezia Ianieri, Carla Sampedro, Arnau Torres
Actores: Andrés Bernal, José Carpe, Billy Jackson, José Ruiz
Cantantes:
Hans Sachs: Gerald Finley
Veit Pogner: Jongmin Park
Kunz Vogelgesang: Paul Schweinester
Konrad Nachtigal: Barnaby Rea
Sixtus Beckmesser: Leigh Melrose
Fritz Kothner: José Antonio López
Balthasar Zorn: Albert Casals
Ulrich Eisslinger: Kyle van Schoonhoven
Augustin Moser: Jorge Rodríguez Norton
Hermann Ortel: Bjørn Waag
Hans Schwarz: Valeriano Lanchas
Hans Foltz: Frederic Jost
Walther von Stolzing: Tomislav Mužek
David: Sebastian Kohlhepp
Eva: Nicole Chevalier
Magdalene: Anna Lapkovskaja
Sereno: Alexander Tsymbalyuk
Un aprendiz: Pilar Belaval (24 abr; 2, 10, 18, 25 may)  /Carolina Bardas (28 abr; 6, 14, 21 may)
Una vecina: Irene Garrido (24 abr; 2, 10, 18, 25 may) / Sonia Suárez (28 abr; 6, 14, 21 may)
Dirección del coro: José Luis Basso
Dirección musical: Pablo Heras-Casado
Dirección de escena: Laurent Pelly
Duración aproximada: 5 horas y 15 minutos - Acto I: 1 hora y 25 minutos / Pausa de 25 minutos / Acto II: 1 hora / Pausa de 25 minutos / Acto III: 2 horas
Estreno en Madrid: Teatro Real (Sala Principal), 24 - IV -2024

Más información                                                                                                             José Ramón Díaz Sande Copyright©diazsande

FOTO: Bogusław Trzeciak   Teatro Real Director: Joan Matabosch Plaza de oriente s/n 28013 – Madrid Tf. 91 516 06 60 Metro: Ópera, líneas 2 y 5 Ramal Ópera-Príncipe Pío Sol, líneas 1, 2 y 3 Autobuses: Líneas 3, 25 y 39 Parking: Plaza de Oriente Cuesta y Plaza de Santo Domingo Plaza mayor www.teatro-real.com