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Festival de otoño. de Madrid II PDF Imprimir E-mail
Escrito por www.madridteatro.net   
Martes, 05 de Enero de 2010 12:25
 

FESTIVAL DE OTOÑO DE MADRID II. 2009

COCORICO, KRAPP’S LAST TAPE de Samuel Beckett,   THE BLUE DRAGON, PÉNÉLOPE Ô PÉNÉLOPE,  HELVEROVA (La Noche de Helver), TRILOGIA DELLA VILLEGGIATURA,  LA ÓPERA DE 3 PENIQUES, FEED, FEDRINA LJUBAV (EL AMOR DE FEDRA).
[2010-01-05]


 

FESTIVAL DE OTOÑO DE MADRID II

2009

 

 

 

COCORICO

KRAPP’S LAST TAPE de Samuel Beckett     

THE BLUE DRAGON

PÉNÉLOPE Ô PÉNÉLOPE

            HELVEROVA (La Noche de Helver)  

TRILOGIA DELLA VILLEGGIATURA  

LA ÓPERA DE 3 PENIQUES

FEED

FEDRINA LJUBAV (EL AMOR DE FEDRA)

 

COCORICO                                                                       Francia

Teatro Gestual

Patrice Thibaud

Estreno en España

Teatro del Instituto Francés

Tel. 91 700 48 00

18, 19 y 20 de noviembre:20.30 horas

 

Un espectáculo de Patrice Thibaud

Música: Philippe Leygnac

Iluminación: Marie Vincent

Vestuario: Isabelle Beaudouin

Interpretación: Patrice Thibaud y Philippe Leygnac

Dirección: Michèle Guigon, Susy Firth y Patrice Thibaud

Duración aproximada: 1 hora y 20 minutos (sin intermedio)

Foto: Celine Aubertin

EL MONTAJE:

 

Al principio, un piano, un hombre y una misteriosa maleta. Después, un músico multiinstrumentista que es también acróbata, un actor de expresividad infinita, sombras chinescas, situaciones hilarantes y pantomimas coreografiadas que evocan costumbres, manías, defectos y esperanzas. Cocorico es un alarde de complicidad, música y humor -sobre todo mucho humor- con una puesta en escena en la que los gestos consiguen decir mucho más que las palabras.

 

El actor Patrice Thibaud, que además escribe y codirige la pieza junto a Michèle Guigon y Susy Firth, vuelve a los orígenes. Recupera el mimo y el lenguaje universal de la gestualidad mientras afila el sentido de la observación y del absurdo para contar historias magnas e historias mínimas. Con ritmo trepidante, la rutina queda convertida en instantánea cómica. Sin embargo, Cocorico no es sólo un espectáculo “prodigiosamente divertido”, es también la crónica de un reencuentro, pues ya en 1994, Patrice Thibaud y Michèle Guigon crearon juntos Duo, histoire d´amourire. Cocorico es el espectáculo culmen de esta extraña pareja, para algunos los Laurel y Hardy francófonos. Fantasía, humor y ligereza dedicada a los que todavía son niños pero, sobre todo, a los que hace ya un tiempo que dejaron de serlo.

 

LA COMPAÑÍA:

Desde que se conocieron, Patrice Thibaud, Michèle Guigon y Susy Firth han afianzado su amistad personal y artística con un deseo común: crear una marca propia de poesía escénica, a la vez humorística y profunda.

 

Después de una extensa trayectoria en distintas compañías de teatro y música y de su participación en Duo, histoire d’ amourire, Patrice Thibaud ingresa en la troupe del CDN de la ciudad francesa de Reims, centro en el que permanece durante cinco años y donde aborda distintos estilos teatrales.

Un

www.productionsillimitees.com

www.ifmadrid.com

 

 

KRAPP’S LAST TAPE de Samuel Beckett      Estados Unidos

The San Quentin Drama Workshop

Estreno en Madrid

Sala Cuarta Pared

Tel. 91 517 23 17

18, 19, 20 y 21 de noviembre: 21 horas

 

FOTO: SQDW Archives 2007

Según dirección de Samuel Beckett Para Beckett Directs Beckett en 1977

Interpretación: Rick Cluchey

Idioma: inglés (con sobretítulos en español)

Duración aproximada: 45 minutos (sin intermedio)

 EL MONTAJE:

 

En 1957, Rick Cluchey asiste dentro de la cárcel de San Quintín, en la que estaba preso, a una función de Waiting for Godot (Esperando a Godot), de Samuel Beckett. Antes de aquel momento, Cluchey - cuya infancia transcurrió entre el boxeo y los pequeños hurtos -, condenado a cadena perpetua por robo a mano armada, no había “estado en ningún teatro, ni siquiera para robarlo”, según sus propias palabras.

 

Entre Cluchey y Beckett se inició una larga relación profesional y de amistad que comenzó en 1977, año en el que Beckett dirige a Cluchey en Krapp´s Last Tape (La última cinta de Krapp), una de las primeras piezas del dramaturgo irlandés,

escrita en el año 1958.

 

Sobre el escenario, una obra en un acto, en la que Rick Cluchey se transforma en Krapp, un hombre ya anciano que escucha una cinta magnetofónica que él mismo ha ido grabando a lo largo de los años.

 

Cluchey, que ha interpretado el personaje - entre otros papeles de Beckett- desde 1962, nos acerca esta historia sobre los finales y los momentos fundamentales, sobre la fugacidad de la existencia humana y los misterios de la identidad. El impactante retrato de un hombre solo, enfrentado a los recuerdos, que oscila entre el absurdo y la filosofía, entre el humor y la crueldad, entre la pasión y la compasión.

 

Esta versión de Krapp´s Last Tape, dirigida por Beckett, se estrenó en Berlín en 1977 y pasará por el Festival Temporada Alta de Girona en octubre de este año.


LA COMPAÑÍA:

 

De padre francés y madre irlandesa, Rick Cluchey nació en Chicago en 1933. Es cofundador de The San Quentin Drama Workshop (SQDW), una compañía que nació como un grupo de creación integrado por algunos de los internos de la cárcel de San Quintín y que en 2008 cumplió su cincuenta aniversario. La SQDW se caracteriza por su búsqueda de nuevos modos de comunicación, alternando símbolos y lenguaje.

 

Cluchey empezó a interpretar obras de Samuel Beckett en 1960, dentro de la prisión en la que se encontraba desde los 21 años. En 1966, concedido el indulto, giró por Europa y Estados Unidos con The Cage (La jaula), una obra sobre sus experiencias carcelarias. En 1974 conoció a Beckett en París y se convirtió en su ayudante de dirección en Waiting for Godot, en el Schiller Theatre de Berlín.

 

En 1984 recibe el Premio Critica en Italia. La SQDW es la única compañía para la que Samuel Beckett ha dirigido. Rick Cluchey es miembro asociado del Theatre Goodman de Chicago y cofundador de Theatre in Prisons.org, un proyecto humanitario y educativo dirigido a la población reclusa.

 

www.thesqdw.org

Www.Cuartapared.Es

 

THE BLUE DRAGON                                                        Canadá

Ex Machina/Robert Lepage

Estreno en Madrid

Teatro de Madrid

Tel. 91 730 17 50

20, 21 y 23 de noviembre: 20.30 horas

22 de noviembre: 18 horas

FOTO: ERICK LABBÉ

Texto: Marie Michaud Y Robert Lepage

Traducción al Inglés: Michael Mackenzie

Asistente de Dirección: Félix Dagenais

Interpretación: Marie Michaud, Henri Chassé Y Tai Wei Foo

Escenografía: Michel Gauthier

Diseño de Accesorios: Jeanne Lapierre

Diseño de Sonido: Jean-Sébastien Côté

Diseño de Iluminación: Louis-Xavier Gagnon-Lebrun

Diseño de Vestuario: François St-Aubin

Asistente de Vestuario: Jessica Poirier-Chang

Concepción de las Imágenes: David Leclerc

Coreografía: Tai Wei Foo 

Dirección: Robert Lepage

Idioma: inglés (con sobretítulos en español)

Duración aproximada: 2 horas (sin intermedio)


EL MONTAJE:

 

Los personajes del quebequense Robert Lepage son viajeros incansables. Viajeros que recorren unos pocos pasos o miles de kilómetros para vivir experiencias reveladoras en las que descubrir al otro, al desconocido, al diferente. Pero a lo largo de los numerosos relatos que Lepage ha creado para la ópera, el cine o el teatro, sólo uno de estos personajes ha conocido el exilio permanente: Pierre Lamontagne quien, al final de la multipremiada Trilogía de los dragones, emprende un viaje a China para estudiar Arte.

Veinte años después, Lamontagne reaparece. En The Blue Dragon (El dragón azul) regenta una galería de arte en el corazón de Moganshan 50, un complejo de antiguos edificios industriales de Shangai. Allí, la joven artista Xiao Ling  expone su obra. Cuando Claire Forêt, una antigua compañera de estudios, reaparece en la vida de Pierre, el pasado común abre inesperadamente una brecha en el futuro de los tres. Porque en la  efervescente paradoja que es la China moderna, la colisión de estos tres caracteres implica cambios fundamentales para cada uno de ellos.

 

Robert Lepage, galardonado con el Premio Europa de Teatro 2007, firma con su colaboradora Marie Michaud (coautora de La trilogía de los dragones) un espectáculo que apela a la única fuente inagotable que el teatro posee: la inteligencia del espectador. Lenguaje cinematográfico, danza, efectos sonoros, canto lírico, vídeo y un completo arsenal multimedia envuelven al espectador en un viaje oriental profusamente elaborado. Una pieza versátil y poética que la crítica ha descrito como “ingeniosa e intensamente visual”.

 

LA COMPAÑÍA:

 

En 1993, cuando Robert Lepage (Quebec, 1957) le pidió a sus colaboradores que le ayudaran a encontrar un nombre para su nueva compañía, sólo estableció una condición: la palabra teatro no podía formar parte del nombre. Por tanto, Ex Machina es, desde su fundación, una compañía multidisciplinar que aglutina actores, escritores, escenógrafos, técnicos, cantantes de ópera, titiriteros, diseñadores gráficos, vídeo artistas, productores de cine, contorsionistas

y músicos.

 

El equipo creativo de Ex Machina cree que el teatro necesita sangre nueva. Que las artes escénicas - danza, ópera, música- deben mezclarse con otras disciplinas como el vídeo, las tecnologías multimedia y el cine. Que debe haber un encuentro entre científicos y guionistas, entre pintores y arquitectos, entre los artistas de Quebec y los del resto del mundo para propiciar el nacimiento de nuevas formas artísticas.

 

Ex Machina quiere responder a estos desafíos y convertirse en un laboratorio, en una incubadora de una nueva forma de teatro capaz de alcanzar y entablar un diálogo con la sensibilidad del público del nuevo milenio.

 

www.lacserne.net

www.epidemic.net

www.teatromadrid.com

 

PÉNÉLOPE Ô PÉNÉLOPE                                           Francia

Tera

Estreno En España

Teatro del Instituto Francés

Tel. 91 700 48 00

24, 25 y 26 de noviembre: 20.30 horas

 

 
 Foto: ANTOINE AGOUDJIAN  
Dirección y texto: Simon Abkarian

Colaborador Artístico: Pierre Ziadé

Diseño: Simon Abkarian Y Jeanmichel Bauer

Iluminación: Jean-Michel Bauer

Música: Jean-Christophe Parmentier

Vídeo: Gaëtan Besnard

Interpretación: Simon Abkarian, John Arnold, Georges Bigot, Sarajeanne Drillaud,

Jocelyn Lagarrigue, Catherine Schaub Abkarian

Idioma: francés (con sobretítulos en español)

Duración aproximada: 2 horas y 15 minutos (sin intermedio)

 

EL MONTAJE:

 

“Quería escribir una obra sobre mi madre. La historia de una mujer que espera el regreso de su hombre (…) quería dar vida a una reina del teatro, a una reina cotidiana, a una reina de hoy en día” dice Simon Abkarian, autor y director de Pénélope ô Pénélope, pieza en la que el sufrimiento de una mujer queda convertido en epopeya épica.

 

Una mujer que espera. Sentada delante de una máquina de coser, Dinah trabaja para llevar comida a la mesa, para sobrevivir a la soledad, para escapar de un anhelo interminable. Armada de paciencia, acompañada de su hijo Théos, protagoniza una fábula al tiempo universal e íntima. Una mañana, el mar escupe a un náufrago en la orilla del teatro. De su isla, no recuerda nada, ni las paredes, ni las calles, ni a su hijo, ni a su madre. Se gesta una tormenta. Los espíritus, los dioses y los hombres comprenden que nadie puede escapar a su destino. Mientras, la música insufla un aliento secreto a la tragedia.

 

Pénélope ô Pénélope se estrenó en París en mayo de 2008 y ganó el Premio del Sindicato de la Crítica Dramática de Francia al Mejor Espectáculo en Lengua Francesa. El texto de la obra ha sido ya publicado por Actes Sud-Papiers.

 

LA COMPAÑÍA:

 

El francés de origen armenio Simon Abkarian y su equipo se conocieron en los años ochenta cuando coincidieron en el Théâtre du Soleil de Ariane Mnouchkine. Con un pequeño grupo de actores, Abkarian – ACTOR Y DIRECTOR -ha formado una familia teatral unida por un espíritu común de investigacióny creación. Juntos, combinan drama, experiencia, danza y música en la creación de trabajos que recogen distintas influencias.

 

www.ifmadrid.com

 

HELVEROVA (La Noche de Helver) de Ingmar Villqist 

                                                            Bosnia y Herzegovina

Kamerni Teatar ‘55 Sarajevo

Estreno en España

Teatro de La Abadía

(Sala Juan de la Cruz)

24, 25 y 26 de noviembre: 20.30 horas

Escenografía: Kemal Hrustanovl‚

Dramaturgia: Ljubica Oostojl‚

Regiduría: Rade Jagllcl‚

Productor: Nusret ‚Eman

Gerente: Zlatko Topcl‚

Iluminación: Elvedin Bajraktarevl yNino Brutus

Sonido: Edin Hajdarevl‚

Tramoyistas: Mirsad Imamovl‚, Senad Besl y Milan Novl‚

Maquillaje: Jasmina Hadzl‚

Vestuario: Ramiza Sarl‚

Interpretación: Ermin Bravo Mirjana Karanovl‚

Dirección: Dino Mustafl

Idioma: bosnio (con sobretítulos en español)

Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)

 

 

EL MONTAJE:

 

Entre 1992 Y 1995, cuando Sarajevo era una ciudad sitiada por la guerra, el Kamerni Teatar '55 mantuvo su misión de "resistencia cultural a la agresión y la barbarie". Durante tres años, entre morteros y bombas, a veces con la única iluminación de las velas, el grupo se mantuvo fiel a sus principios y celebró hasta veintiocho estrenos de un repertorio sin suscripciones políticas, nacionales o religiosas.

 

Helverova Noc‚ (La noche de Helver) es un trabajo que habla elocuentemente sobre nuestra necesidad de comprensión y amor, mientras descubre las terribles verdades sobre el espíritu humano que pueden emerger durante una sola noche. En una ciudad sin nombre, en algún lugar de Europa, Helver y Caria se esconden. En realidad, podría tratarse de cualquier país, desde la Alemania nazi a Ruanda o la antigua Yugoslavia. La guerra civil asola todo y es sólo cuestión de tiempo que los encuentren. Helver, mentalmente discapacitado, se divierte con lo que para él es sólo un juego de soldados. Apenas se da cuenta del inminente peligro que acecha.

 

Helverova Noc, del polaco Ingmar Villqist, expone cómo el creciente militarismo que contamina las sociedades se filtra incluso en los asuntos más domésticos. Una visión sobre el comportamiento humano cuando se agotan las posibilidades de huida. Helverova no‚ se estrenó en Sarajevo en febrero de 2004.

 

LA COMPAÑÍA:

 

El Kamerni Teatar '55 Sarajevo ha tenido una influencia decisiva en una generación entera de artistas que han encontrado en su teatro producciones íntimas, honestas y que priman el trabajo actoral sobre otras cuestiones. De orientación vanguardista y experimental, la compañía ha ¡nterpretado piezas de autores muy diversos.

 

Desde su fundación ha llevado a los escenarios más de doscientos cincuenta estrenos y su labor artística no cesó ni siquiera durante la reciente guerra civil.

 

www.kamerniteatar.ba

www.teatroabadia.com

 

TRILOGIA DELLA VILLEGGIATURA de Carlo Goldoni     Italia

Piccolo Teatro di Milano/Teatri Uniti

Estreno en España

Teatros del Canal, Sala A

Tel. 91 308 99 99

25, 26, 27 y 28 de noviembre: 20 horas

29 de noviembre: 18 horas

 

   FOTO: FABIO ESPOSITO

Dirección y adaptación: Toni Servillo

Escenografía: Carlo Sala

Vestuario: Ortensia de Francesco

Diseño de Iluminación: Pasquale Mari

Maestro de Luces: Lucio Sabatino

Sonido: Daghi Rondanini

Asistente de Dirección: Costanza Boccardi

Interpretación: Andrea Renzi, Francesco Paglino, Rocco Giordano, Eva Cambiale, Toni Servillo, Paolo Graziosi,Tommaso Ragno, Anna Della Rosa, Chiara Baffi, Gigio Morra, Fiorenzo Madonna, Betti Pedrazzi, Mariella Lo Sardo, Giulia Pica Y Marco D’ Amore

Idioma: italiano (con sobretítulos en español)

Duración aproximada: 3 horas (con intermedio)

 

EL MONTAJE:

 

Mujeres enamoradas de quien no deben. Casadas con quien no quieren. Y todo, en nombre de un decoro social sustancialmente vano. De fondo, un grupo de burgueses preparan las vacaciones y experimentan, con la exquisita precisión goldoniana, una implacable transición de la ilusión al desencanto.

 

La pieza, que se compone de tres comedias (Le smanie per la villeggiatura, Le avventure della villeggiatura e Il ritorno della villeggiatura), fue escrita por Carlo Goldoni en 1761. En su conjunto, la trilogía conforma un fresco de la sociedad del Settecento y bucea en la triste educación sentimental de cuatro jóvenes a punto de empezar el veraneo.

 

Fue Giorgio Strehler quien, en 1954, unió en una sola  representación las tres partes de esta sátira costumbrista que mediante el pintoresco devenir de las estaciones meteorológicas refleja con sutilidad el destino de una clase ya en declive, incapaz de reemplazar eficazmente a la esclerotizada aristocracia. “La melancólica constatación de un mundo que cambia, a través de la lente de aumento de nuestra sensibilidad contemporánea”, dijo Sergio Escobar -director del Piccolo Teatro di Milano- de esta pieza ganadora del Premio Ubu 2008 al Mejor Espectáculo del Año.

 

LA COMPAÑÍA:

 

Fundado el 14 de mayo de 1947 por Giorgio Strehler, Paolo Grassi y Nina Vinchi, el Piccolo Teatro di Milano es el primer teatro estable de Italia. La idea que animó a sus fundadores era dar vida a una institución sostenida por el estado y las entidades locales, como un servicio público consagrado a los ciudadanos. “Teatro d´arte per tutti” es el eslogan que acompañó al Piccolo en sus inicios y que hoy todavía resume su finalidad: llevar a escena espectáculos de calidad dirigidos a un público lo más amplio posible. En la actualidad el Piccolo tiene como director general a Sergio Escobar y como director artístico a Luca Ronconi.

 

Teatri Uniti nace en Nápoles en 1987. Gracias a sus tres fundadores - Mario Martone, Toni Servillo y Antonio Neiwiller - se ha configurado como un laboratorio permanente para la producción de piezas de autores clásicos y contemporáneos con un lenguaje innovador que entrelaza teatro, música, vídeo y cine.

 

www.piccoloteatro.org

www.madrid.org/clas_artes

 

LA ÓPERA DE 3 PENIQUES de Bertolt Brecht y Kurt Weill

                                          España

(Comunidad de Madrid)

TEATRO MUSICAL

Marina Bollaín

Absoluto

Teatros del Canal, Sala B

Tel. 91 308 99 99

27 y 28 de noviembre: 20.30 horas

29 de noviembre: 18.30 horas

  

Escenografía: Mónica Boromello

Figurines: Josune Lasa

Diseño Gráfico: Laura Valdivieso

Iluminación: Olga García

Ayudante De Dirección: Cristina Otero  

Producción: Leticia Martín Estreno

Dirección Musical: Manuel Coves

Dirección de escena: Marina Bollaín

Idioma: español

Duración aproximada: 1 hora y 50 minutos             

(sin intermedio)

 

EL MONTAJE:

 

Un joven elenco de actores actualiza el clásico de Bertolt Brecht bajo la dirección escénica de Marina Bollaín (artífice de la dramaturgia y puesta en escena de las zarzuelas Noche de verano en la Verbena de la Paloma y Adiós Julián; de la ópera contemporánea Cuerpos deshabitados, con música de José María Sánchez Verdú; del espectáculo sobre la inmigración marroquí Harragas y del musical infantil Historia de Yuco; entre otros).

 

En la Alemania de los años 30, Brecht nos habla con Ópera de 3 peniques de corrupción, delincuencia, crisis económica, prostitución, miseria y abusos. En esta revisión de Marina Bollaín (Premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de  Gijón 1992) no faltan enredos amorosos, intrigas policiales y asesinatos. El popular gangster londinense Mackie Messer seduce a la hija del rey de los mendigos. Una boda en un viejo almacén es el detonante de una carrera vertiginosa en la que los mendigos, las prostitutas y la policía comparten protagonismo, audacias y un final sorprendente.

 

LA COMPAÑÍA:

 

Marina Bollaín (Madrid). Estudia canto y se licencia en Filología  Alemana en la Universidad Complutense. Entre los años 1993 y 2004 vive en Berlín y se licencia en la Hochschule für Musik Hanns Eisler en Dirección Escénica de Ópera y en Canto. Hochs chule.

 

Además de su trabajo como directora y dramaturga ha realizado asistencias de dirección para Albert Boadella en los Teatros del Canal de Madrid, con Francisco Nieva en el Teatro Real de Madrid, con Götz Friedrich en la Deutsche Oper de Berlín y en el Teatro de la Opera de Roma.

 

Ha cantado como soprano en la Komische Oper de Berlin, la Opera de Rostock y la Opera de Leipzig, realizado numerosos conciertos en España y el extranjero y grabado tres discos de música española. En la actualidad compagina su actividad concertística con la dirección de escena. También ha trabajado como actriz en distintas producciones televisivas y cinematográficas

 

www.madrid.org/clas_artes

 

FEED                                               Austria/ Estados Unidos

PERFORMANCE AUDIOVISUAL

Kurt Hentschläger

Estreno en Madrid

La Casa Encendida

Tel. 902 430 322

27, 28 y 29 de noviembre: 18 y a las 22 horas

 

   FOTO: KURT HENTSCHLAGER

Creación: Kurt Hentschläger

Max & Unreal Scripting: Michael Ferraro

Imágenes 3D: Francisco Narango

Duración aproximada: 40 minutos (sin intermedio)

 

  

EL MONTAJE:

 

Creada por el austríaco Kurt Hentschläger (alma del dúo Granular Synthesis, junto a Ulf Langheinrich) Feed es una performance audiovisual que dinamita el lenguaje escénico y estético actual y en la que el público experimenta los efectos sorprendentes que producen los cambios en un entorno artificial.

 

Al principio, sobre una gran pantalla, figuras protohumanas en 3D se mueven sincronizadas, flotando simultáneamente en un mundo de gravedad cero. Generando sonidos y zumbidos sinfónicos, estos robots futuristas - para crear Feed, Hentschläger se ha inspirado en Unreal Tournament, un juego online en el que los participantes usan avatares- se contorsionan, atraviesan el espacio y se multiplican. Después, la oscuridad. Los clones humanos se desvanecen. La niebla empieza a cubrirlo todo y las luces estroboscópicas inducen a una pérdida completa de la orientación espacial. Se extreman los límites de la percepción. La luz choca

con lo que es ahora un mundo físico lleno de humo. La realidad muta en una sopa primordial de sonido, niebla y luces de colores que resultan al mismo tiempo desasosegantes e inspiradoras. Como escribe Claudia Hart en su ensayo “somos transportados a un universo en el que las respuestas automáticas están fuera de nuestro control”.

 

Aprovechando la tecnología, Kurt Hentschlager - “creo que la reacciones dependerán completamente de la predisposición y del estado mental de cada uno”- presenta un trabajo que es, al tiempo, elegiaco y espeluznante. Feed es una creación para la Biennale di Venezia, donde se estrenó en septiembre de 2005.

 

LA COMPAÑÍA:

 

Kurt Hentschläger (Linz, Austria, 1960) vive y trabaja en Chicago. Es creador de performances e instalaciones que tratan de reflexionar sobre la condición humana. Empezó a exhibir sus piezas en 1983, con la construcción de artefactos surrealistas, para más tarde dedicarse al vídeo, la animación por ordenador y el sonido.


Entre 1999 y 2003 forma parte del dúo Granular Synthesis. Empleando proyecciones de imágenes a gran escala y estimulación sensorial, sus piezas buscan sorprender al espectador física y emocionalmente.

 

Su trabajo en solitario ahonda en la naturaleza de las percepciones y en el acelerado impacto de las nuevas tecnologías en la conciencia colectiva e individual. Hentschläger ha ganado numerosos premios. Además, ha representado a Austria en la Biennale di Venezia en 2001 y mostrado su trabajo internacionalmente durante dos décadas Entre sus instalaciones, se encuentran KARMA/ cell, Zee, Range y KARMA/X.

 

www.hentschlager.info

www.lacasaencendida.com

 

FEDRINA LJUBAV (EL AMOR DE FEDRA) de Sarah Kane                      

                                                                                      Serbia

Jugoslovensko Dramsko Pozorište

Estreno en España

Teatro Fernán Gómez.

Centro de Arte

Tel. 91 480 03 00

27 y 28 de noviembre: 20.30 horas

29 de noviembre: 19 horas

  FOTO: NENAN PETROVIC
Traducción: Olivera Milenkovic

Escenografía: Gorcin Stojanovic

Vestuario: Maja Mirkovic

Compositor: Vladimir Pejkovic

Preparación vocal: Lijljana Markic

Asistente de dirección: Jana Prentic

Asesor: Zoran Ilic

Director de producción: Nionela Taric

Interpretación: Mirjana Karanovic, Ermin Bravo, Andjelika, Simic, Slobodan Bestic, Goran Jevtic y Ljubomir Bandovic

Diseño de sonido: Dusan Radivanovic

Diseño de iluminación: Svetislav Calic

Apuntadora: Nina Odalovic

Regiduría: Dusan Milosavljevic

Dirección: Iva Milosevic

Idioma: serbio (con sobretítulos en español)

Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)

 

EL MONTAJE:

 

La inglesa Sarah Kane (1971-1999) reflexionaba en sus piezas sobre temas como el amor redentor, el deseo sexual, el dolor, la tortura -física y mental- y la muerte. La desbordante intensidad poética de sus obras, expresada con lenguaje sobrio y certero, la exploración de nuevas formas teatrales y el uso de la violencia extrema en escena (sobre todo en sus trabajos más tempranos) convirtieron a Kane en referente de las últimas décadas.

 

Esta especial estética y concepción del teatro, con inspiración en el expresionismo y la tragedia jacobina, atrajo el interés de la serbia Iva Milosevi  que se acerca a Fedrina Ijubav (El amor de Fedra) planteando preguntas -"donde están los límites de nuestra tolerancia al sufrimiento (…) en una sociedad de consumo que fomenta el culto a la juventud, el culto a la salud y el culto a la felicidad"- y también certezas - "tanto Mark Ravenhill como Sarah Kane creían que lo obsceno no proviene de la escenificación del sexo sino m s bien de una incomodidad causada por tener que enfrentar el sufrimiento y la soledad de los otros".

 

LA COMPAÑÍA:

 

El Jugoslovensko Dramsko Pozoriste (JDP) se fundó en 1947 cuando, tras la Segunda Guerra Mundial, las nuevas autoridades deciden crear una compa¤¡a ¡ntegrada por los actores más prominentes de los colectivos teatrales y culturales de la antigua Yugoslavia. El Teatro de Arte de Moscú fue el modelo elegido para seguir sus pasos en política artística.

 

Bojan Stupica, su primer director artístico, orientó el JPD hacia trabajos del más alto nivel literario, característica que se mantiene como rasgo distintivo de la compañía en la actualidad. A lo largo de las décadas siguientes, las nuevas tendencias se convierten en protagonistas de la compañía y reputados directores de otros países son invitados a presentar sus piezas.

 

Esta corriente de modernización se afirma con la llegada, en los años 80, del director artístico Jovan Cirilov.

 

En 1997 un incendio provoca el cierre de la antigua sede. Su reapertura en un nuevo edificio tiene lugar en el año 2003. En el JPD se han representado obras de autores de vanguardia, pero también de clásicos. El Jugoslovensko Dramsko Pozoriste ha participado en los más importantes festivales del mundo y es miembro de NETA (New European Theatre Action), de ETC (European Theatre Convention) y de UTE (Union des 'rh‚iltres de l' Europe).

www.jdp.rs
www.esmadrid.com/teatrofernangomez

 

 

  

Última actualización el Domingo, 16 de Mayo de 2010 19:09
 
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