MADRID EN DANZA XX EDICION DEL FESTIVAL INTERNACIONAL Del 4 al 24 de abril de 2005 Un total de 26 espectáculos, además de ocho largometrajes, seis videos – creaciones y una exposición, repartidos entre 14 compañías españolas y 8 extranjeras. Además de los espacios de Madrid capital, se cuenta con 20 municipios de la Comunidad. Esta XX Edición es también un pequeño homenaje al propio Festival, en cuanto desde sus comienzos se dedicó a la danza contemporánea madrileña.

PROGRAMACIÓN
 

COMPAÑÍA MARÍA PAGÉS COMPAÑÍA RESIDENTE EN TORRELODONES CANCIONES, ANTES DE UNA GUERRA

Coreografía: María Pagés

Madrid
Teatro Albéniz

del 6 al 9 de abril - 20.30 H
10 de abril - 19 H
 

FOTO: BEA SANCHO

En El bazar de las ideas hemos encontrado unas viejas canciones. Las hemos escuchado y hemos decidido bailarlas. Los tonos de esos sonidos son evocativos, pacíficos y divertidos, como se divierten los niños; el sentido de esas palabras-versos, tan simples, tan solidarios, nos ha provocado la reflexión que origina este experimento coreográfico. En particular, dedico Nanas de la cebolla a mi hijo Pancho y a todos los adolescentes que empiezan a alejarse del maravilloso mundo de la infancia, ya en la frontera de la comprometida jurisdicción de los adultos, para que nunca olviden que la fantasía, los sueños, la sonrisa y la tolerancia son las herramientas más apropiadas en ese taller, donde los adultos tenemos que trabajar para la construcción del equilibrio social más justo para todos.

Coreografía: María Pagés
Dirección: José María Sánchez
Intérpretes: Maria Fagés, María Morales, Sonia Fernández, Mar Jurado,
Cristina Torné, Guadalupe Torres, José Barrios, Emilio Herrera,
Noé Barroso, Josá Antonio Jurado y Joaquín Mulero
Cante: Ana Rarnón
Guitaras: José A. Carrillo “Fyty” e Isaac Muñoz
Percusión: Cherna Uriarte
Coreografía Alegrías: José Barrios
Escenografía: You - Olivares - Sánchez
Diseño de vestuario: Miguel Crespi
Iluminación: José Maria Sánchez y Dominique You
Concepto y guión: María Pagés y José M Sánchez
Compañía María Pagés.
Dirección: Maria Pagés

Estilo: (flamenco)

Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
Estreno en Madrid capital
País: España (Comunidad de Madrid)
 

COMPAÑÍA RAFAELA CARRASCO UNA MIRADA DEL FLAMENCO

MADRID
TEATRO DE MADRID

8 Y 9 DE ABRIL – 20.30 H.
10 DE ABRIL - 19 H.
 

FOTO: JESÚS VALLINAS

Una mirada del flamenco, mi mirada, mi visión, la libertad de poder contar mi propio concepto, mi manera de expresarlo. En este espectáculo no existe la necesidad de ceñirse a un argumento para contar (o que queremos, porque sólo pretendemos mostrar distintas y, a veces, arriesgadas, propuestas coreográficas y musicales que nacen y se basan en palos tradicionales del flamenco. Rafaela Carrasco

Coreografía y dirección: Rafaela Carrasco
Colaboración coreográfica: Daniel Doña, Manuel Liñán y Marco Flores
Intérpretes: Olga Ramos, Concha Jareño, Daniel Doña,
Manuel Liñán, Marco Flores y Rafaela Carrasco
Guitarra: Fernando de la Rúa y Jesús Torres
Violonchelo: José Luis López
Tablas: Sudhi Rajagapal
Piano: Pablo Suárez
Cante: Manuel Gago y Miguel “Picuo”

Programa: Encuentros (Buleria), Solo un solo (Malagueña), Falduca (Farruca),
Entre dos (Tarantos), De antaño (Martinete), Soledad acompañada (Soleá)

Composición Musical: Jesús Torres, Pablo Suárez, José Luis López y Fernando de la Rúa
Iluminación: Gloria Montesinos
Sonido: Jorge Diaz “Roy”
Vestuario:Pepa Carrasco
Fotografía: Jesús Vallinas
Producción ejecutiva: Alejandro Salade
Distribución: Chácena

Estilo: (flamenco)

Duración aproximada: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio)
Estreno en la comunidad de Madrid
País: España (Comunidad de Madrid)
 

DANI PANNULLO, DANCETHEATRE CO. ORDEN DE APARICIÓN

Dirección: Dani Pannullo

MÓSTOLES
CENTRO CULTURAL DE LA VILLA DE MÓSTOLES
(TEATRO DE MÓSTOLES)
8 de abril - 21 H

GETAFE
TEATRO AUDITORIO FEDERICO GARCÍA LORCA
9 de abril - 20 H

SAN MARTIN DE VALDEIGLESIAS
TEATRO CINE MUNICIPAL
15 de abril -20 H

MAJADAHONDA
CASA DE CULTURA CARMEN CONDE
16 de abril - 20.30 H
 

Dani Pannullo Dancetheatre Co. estrenó en el Teatro Lliure de Barcelona el montaje Orden de aparición en el año 2003 como un recorrido de su obra desde el año 1998. Poeta de) eclecticismo, Dani Panríullo vuelve a demostrar que es posible fusionar tendencias y escuelas (aunque él mismo prefiera hablar de “difusión” más que de fusión) a priori tan alejadas como el break-dance, la Danza Contemporánea, el butoh japonés, el cabaret o el circo, apoyándose para eso en sonidos tan estéticamente dispares como el hip-hop, la música abstracta, la clásica o los ritmos populares de India o Brasil. Orden de aparición aporta una hora de pequeñas “piezas de la danza de hoy”, tal y como las califica su creador. Partiendo de la rabia y el desenfado de las manifestaciones de la calle, abarca su propia visión de la danza contemporánea, hasta desembocar en los movimientos de la danza del vacío, el butoh japonés. Claudia Morgana

PROGRAMA Home.- Intérpretes: toda la compañía Música: Gotas Kaifes Raider.- Intérprete: Fernando Baiona Música: B. Bartók Dúo.- Intérpretes: Carlos Beltrán Melo y Daniel Ruíz Másica: La Mala Rodríguez Danny Soy.- Intérprete: Michiyasu Furutani Música: lohnny (asti Bedda at home.- Intérprete: Laura Biesna Música: tul Scott Nudos.- Intérprete: Carlos Beltrán Melo Música: Mahler / Came Sólo uno.- Intérprete: ltsasto Alvarez Música: M. Herbert Raider 2.- Intérprete: Fernando Balote Música: 8. Bartok Blues & Butoh.- Intérprete: Michíyasi Furutani Música: Koko Taylor Batuque.- Intérprete: Daniel Ruíz Música: Escola da luz The key (La llave) .- Intérpretes: Elias ABuirre e ltsaso Alvarez Música, Terrrj Callier La playa.- Intérprete: Sergio Romero Música: Frank T Krishna, el Dios azul.- Intérpretes: Michiyasu Furutani, Miguel Ángel Bolado e lsrneni Espejet Música: Bollywood Fsnk Raíder 3.- Intérprete: Fernando Baiona Música: 8. Bartok Gir/s!!.- Intérpretes: Laura Biesna, lsmeni Espejel e ltsaso Alvarez Música: Quincy iones Little pleca...- Intérpretes: Laura Biesna Pozo, Carlos Beltrán y Sergio Romero Música: Dimítri frarn Paris BB.- Intérpretes: Carlos Beltrán, Daniel Ruic, Elías Aguirre,Fernando Baloria, Michiyasu Furutani, Miguel Ángel Bolado y Sergio Romero Música: Amp Fiddler Final.- Intérpretes: Laura Biesna, Carlos Beltrán, Daniel Ruiz, Elias Aguirre, Fernando Baiona, Ismeni Espelel, ltsaso Alvarez, Michiyasu Furutani, Miguel Ángel Bolado y Sergio Romero

Coreografía: Dani Pannullo Dancetheatre Co.
Intérpretes: Laura Biesna, Carlos Beltrán, Daniel Ruiz, Elías Aguitre, Fernando Sajona,
lseteni Espejel, ltsaso Alvarez, Michiyasu Furutani, Miguel Ángel Bolado y Sergio Romero
Colaboración: Humana Cultura y Comunicación, Nike y Danzas del Mundo
Vestuario: David Delfín y Nike
Iluminación: Maxi Gilbert
Sonido: Toni Rox
Diseño Gráfico: Zeta
Logos: Nike y David Deltín

Dirección: Dani Pannullo

Estilo: (danza urbana)

Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)
País: España (Comunidad de Madrid)
 

LARUMBE DANZA. (COMPAÑÍA RESIDENTE EN COSLADA)

MÁS O MENOS UN DÍA (20 AÑOS NO SON NADA)

Coreografía: Cesc Gelabert / Daniela Merlo / Juan de Torres

Colmenarejo
Teatro Municipal
9 de abril - 20.00 H

Alcorcón
Teatro Municipal Buero Vallejo
15 de abril - 21 .00 H

Coslada
Centro Cultural La Jaramilla
16 de abril - 20.00 H

Madrid
Centro de Nuevos Creadores
20, 21 y 22 de abril - 20.00 H

Collado Villalba
Casa de Cultura
23 de abril - 19.00 H

Torrejón de Ardoz
Teatro Municipal José María Rodero
24 de abril - 20.00 H

Las personas, lo queramos o no, estamos constantemente buscando un tipo de relación, ya sea verbal o física, real o fantástica, platónica o carnal, esporádica o estable, heterosexual u homosexual...

Más o menos un día (20 años no son nada) es un espectáculo en el que los tres coreógrafos parten de un tema tan universal como son las relaciones de pareja. Éstas rigen de manera inexorable la vida de las personas. Hemos querido vagabundear por diferentes aspectos de estas relaciones, Examinamos el miedo y rechazo a compartir un pedazo de la vida y de la propia libertad. Encontramos situaciones donde el mutuo acuerdo permite que la pareja encuentre su cauce. Miramos cómo se destruyen o reconstruyen las relaciones en función de los sinsabores que alcanzan a estos eternos protagonistas.

Daniela Merlo y Juan de Torres

Coreografía: Daniela Merlo y Juan de Torres
Coreógrafo invitado: Cesc Gelabert

Intérpretes: Juan de Torres, Daniela Merlo, Ingrid López, M’ Cruz Planchuelo y Salvador Masclans
Música original: Borja Ramos
Otras músicas: Lucio Battisti y Elvis Costello
Escenografía: Kike Blanco
Diseño de vestuario: Lydia Azzopardi
Diseño y realización de audiovisuales: Jorge Barriuso
Diseño y realización gráfica: Alma Digital

Diseño: Kike Blanco
Realización: Joan Manniqueyioaquin “TATIN” Revenga
Iluminación: Gustavo González
Codirección: Daniela Merlo
Dirección: Juan de Torres Larumbe

Estilo: (danza contemporánea)

Duración aproximada: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio)
Estreno en Madrid capital
País: España (Comunidad de Madrid)
 

COMPAÑÍA MEGALÓ - TEATRO MÓVIL MIEDO

Coreografía: Nicolás Rambaud

Madrid
Teatro Pradillo

9 de abril, 17.00 H
10 de abril, 12.30 H
 

¿Qué nos da miedo? El miedo siempre va asociado a lo desconocido. Aquello que ignoramos o no podemos explicar nos asusta y como consecuencia lo rechazamos o lo agredimos: otras personas, otras culturas, otra manera de pensar, disfrutar, sentir o valorar la vida. Pero, ¿por qué nos produce miedo, en lugar de curiosidad? ¿Por qué lo que no conocemos nos produce temor y rechazo en lugar de provocarnos interés y afán de conocimiento? Para contestar a estas preguntas, quizá deberíamos plantearnos si nuestro código de conducta y nuestros cimientos éticos no están demasiado cerrados y poco cuestionados. Este espectáculo habla de ese miedo. De ese temor que paraliza y violenta. Este espectáculo habla del modo de conjurarlo, de reconocerlo en nosotros mismos y en los demás, para finalmente conseguir, si no vencerlo, sí al menos aprender a convivir con él. Coral Troncoso

Dramaturgia y dirección: Coral Troncoso
Coreografía: Nicolás Rambaud
Música original: Scott A. Singer
Intérpretes: Leire Amonarriz, Carlos Barandalla, Nicolas Rambaud, Scott A. Singer y Coral Troncoso
Escenografía, vestuario y diseño gráfico: Emilio Valenzuela
Programación musical: Miguel Gil
Iluminación: Rafa Echeverz y Emilio Valenzuela
Video: Juan Valenzuela
Realización de escenografía y vestuario TEATREK: Taller de Costura Buena Visa

Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)
Estreno en España
País: España (Comunidad de Madrid)
 

ROBYN ORLIN City Theatre and Dance Group

When I take off my skin and touch the sky with my fose,
only then can I see little voices am use themselves...
(Cuando me quito la piel y toco el cielo con la nariz,
sólo entonces puedo percibir las voces que se entretienen...)

Coreografía: Robyn Orlin

Madrid
Teatro de La Abadía
(Sala José Luis Alonso)

9 de abril - 21 .30 H
10 de abril - 20 H
 

FOTO: OLIVER SCHMITZ

Una irónica y cómica visión de cómo África hace que cobre sentido la ópera y el arte del “primer mundo”, creando imágenes gracias a objetos simples y dando la vuelta al sentido de sus célebres arias. Se pregunta sobre el sentido de la ópera vista por una africana (aunque ésta sea de raza blanca). Otra forma de desembalar Europa apuntalando sus valores. Pero, también, una forma nueva de comprender África o un desempaque de Europa; o una forma de entender África. El teatro está desnudo, sin atrezo, sin accesorios. Una figura silenciosa, que luce un elegante traje de noche —que en su primera  vida fue un viejo jersey de una tienda de segunda mano del centro de Johannesburgo— aparece de la oscuridad llevando una pequeña vela posada sobre una tabla a modo de patíbulo, sobre su cabeza. La figura camina hacia el público, mientras balancea esta tabla, con una barra de pan blanco bajo su brazo. Se detiene en su camino, deja caer la tabla delante de ella y sitúa la barra de pan sobre su cabeza mientras canta el famoso solo tenor O Sole Mio. En esta pieza, When / take off myskin..., cantantes de ópera sudafricanos interpretan varios extractos muy conocidos de la ópera del “primer mundo”, como simple atrezo que ofrecerá un significado diferente a estas tan bien conocidas piezas. Robyn Orlin

Coreografía: Robyn Orlin
Intérpretes: Toni Morkel, Ano Masina, Mandlenkosi Mkhíze, Thamoanqa Mqaba,
Thamsanqa Khaba y Melissa Madden Gray
Asistente de Robyn Orlin: Marc Wagenbach
Ensayo de voz: Juan Burgers
Vestuario: Birgit Neppl
Escenografía: Maciej Fiszer
Iluminación: Robyn Onlin
Sonido: Alain Mahé y Thierry Guiot
Música: extractos de: Madama Butterfly, 11 Tabarro y La Pohéme,
de Puccini: O sole mio, de Di Capua; Carmen, de Bizet; L’Elisir dA more, de Donizetti;
Le nozze di Figaro, de Mtzart; Barbiere diSivigha, de Rossiei; Orfeo cd Eurrdice, de Gluck;
,4xdea Chenier, de Goirdano; y Senzenima, canción tradicional zulú.

Estilo: (danza contemporánea)

Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)
Estreno en España
País: Sudáfrica
 

ÁNGELS MARGARIT / CÍA. MUDANCES SOLO POR PLACER

Creación e interpretación: Angeis Margarit

Madrid
Sala Cuarta Pared

12, 13 y 14 de abril - 21 H
 

FOTO: ESTEL MARGARIT

Solo por placer es un trabajo pensado para un espacio pequeño donde la proximidad del público que rodea el escenario invita a compartir un espacio más intimo. La pieza parte del Pensamiento plácido n° 1, de Georges Perec, y se articula en dos partes más; Geoyrafies y Solo por placer que se suceden sin interrupción y al mismo tiempo se referencian y se interrogan.

Creación e interpretación: Angels Margarit
Violonchelo: Manuel Martínez del Fresno
Comosición musical original: Joan Saura
Música dibujada: Angels Margarit
Otras músicas: Johann Sehastian Bach, Sor María Keyrouz y Eliott Sharp-Eric Mingus
Colaboración artística: María Muñoz
Vestuario: Ariadna Papió
Iluminación: Maria Doménech

Video-escenografía: Dionís Encorna
Producción: Angels Margarit / Cia. Mudancen
Gato: Pintja

Estilo: (danza contemporánea)

Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)
Estreno en Madrid capital
País: España (Cataluña)
 

COMPAÑÍA FUEPALBAR MORDRE Á TRAVERS (MORDEDURA TAJANTE)

Coreografía: Fernando Martín

Madrid
Teatro Pradillo

13, 14 y 15 de abril - 20.30 H

Mordedura tajante, una obra en dos tiempos

A partir de la realidad (de la calle, de los ensayos, del teatro), Fernando Martín y su equipo se adentran en el proceso de la creación coreográfica, las metamorfosis que éste implica y las adaptaciones que reclama.

Un primer tiempo, de plena pureza, para una búsqueda de movimientos y de construcción, cuyos caminos se han esbozado con ayuda de las respuestas adivinatorias proporcionadas por el I Ching, famoso libro chino de las mutaciones.

Un segundo tiempo, más lúdico, donde el material de la primera fase se vuelve a definir, a enmarcar a través de una cierta teatralidad: Cuando la forma se transforma para alcanzar la ilusión,, y cuando el cuerpo toca algo distinto a la carne para respirar de otra manera...

Por definición, la metamorfosis implica movimiento: el que permite pasar de una forma a otra. Este movimiento —lo que sucede entre las formas— constituye el verdadero tema de este díptico, si bien existen matices entre la metamorfosis “evolutiva” de la primera parte y la de la segunda, vinculada a la ilusión y la mentira de la escena.

Fuepalbar Cie

Coreografía: Fernando Martín
Interpretación: Sarah Piccinelli, Barthélemy Manías y Fernando Martín
Asistente a la coreografía: Peter Maschke
Música original: Charo Calvo y George De Decker
Escenografía: Peter Maschke
Iluminación: Jean-Jacques Deneumoustier

Vestuario: Bert Menzel
Producción: Cm Fuepalbar 13 Ax asbl, en coproducción con el Teatro de la Balsamine (Bruselas)

Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)
Estreno en España
País: Bélgica
 

BALLET DE LA ÓPERA DE GÜTEBORG QUART # 10/ LEFT UNSAID / J. EDNA AND MOTHER TOLSON (CUARTETO N° 10 / SIN DECIR / J. EDNA Y MADRE TOLSON)

Coreografías: Órjan Andersson / Nicolo Fonte / Javier de Frutos

Madrid
Teatro de Madrid

14, 15 y 16 de abril - 20.30 H
 

El Ballet de la Ópera de Góteborg está formado por 40 bailarines de 16 nacionalidades. En sus giras, nacionales e internacionales, presenta una mezcla de clásicos contemporáneos y obras nuevas de los jóvenes coreógrafos más brillantes y prometedores de la actualidad. El propio Ballet explica su aproximación a la danza, como el “dar con el punto de encuentro entre la verdad y la belleza, lo visceral y lo cerebral. Poesía y prosa. Tal vez, forzar las viejas normas para crear otras nuevas”.

PROGRAMA

I

Se abre el telón y aparecen tres bailarinas. Después, el cuarto elemento entra en escena: un hombre. Quarfet # 10 es el segundo ballet en la trilogía de Shostakovich dirigida por Andersson. Cada ballet de la trilogía posee su propio color dominante, En este oso se ha optado por el color naranja. Además, es la única pieza escrita en tonalidad mayor.

Quarfet # 10 (Cuarteto nº 10)
Coreografía y vestuario: Orjan Anderoson
Música: Cuarteto n°10, de D. Shostakovich
Escenografía y diseño de iluminación: Jees Sethzman

Duración aproximada: 25 minutos

II

Originalmente, esta pieza fue interpretada por el Ballet Aspen/Santa Fe. Desde octubre de 2004, es recreado por el Ballet de la ópera de Góteborg. En esta coreografía, Fonte destaca la expresividad de la música de Bach mediante un solo de violín en un contexto muy sencillo. El componente dramático de la pieza es un resultado natural de comunicación con los bailarines, algo que, llegando al final del proceso podría incluso “quedar sin ser dicho”, y de ahí el titulo Left Unsaici

Left Unsaid (Sin decir)
Coreografía y escenografía: Nicolo Fonte
Música: J. S. Bach
Vestuario: Kathy Skoggins
Diseño de iluminación: Todd Elmer

Duración aproximada: 26 minutos

III

El estreno mundial de esta coreografía, tuvo lugar en septiembre de 2004, en la Opera de Góteborg. Con sus rápidos movimientos y estilo juguetón, J. Edna and Morfner Tolson tiene un acercamiento cómico a cuestiones muy serias como la persecución y la vigilancia. La música, los textos y el vestuario evocan a la América de los años 50, sin embargo, las cuestiones que se plantean son de rabiosa actualidad.

J. Edna and Mother Toíson (2. Edna y Madre Tolson)
Coreografía: Javier de Frutos
Música: Sing-Sing, de J. Edgar Floover, Eivis Eveiywísere, de Paul Robson,
y Told Me, de Michael Daugerfhy.
Vestuario y escenografia: Jean-Mars Fuissant
Diseño de iluminación: Anna Wemmert Clausen
Duración aproximada: 30 minutos

Intérpretes:
Solistas: Uta Gi)ttler, Owe Jonson, Annethe Kevin Almse, Patrick Migas y Daniel Varegal
Bailarines: Angelina Allen, Israel Aloni, KristofferArfvidson, Travis Birch, Rayco Cano Cortes,
Anthony Crome, Karin Dueli, Malgorzata Dzierzon, Isabel ForRes, Tyler Gledhill,
Andrzej Glosniak, Sóren du Hoffman, Maria Jennerholrn, Irene Joyce,
Maud Liardon, Tim Liljequist, Aniiika Lindquist, Fernando Melo, Monica Milocco,
Lilibet Niluson, Inés Nobre, Maria Nystritm, Dan Offerlind, Juan Carlos Requena,
Ioabelle Rune, Cecilia Selander Mons, Cbarlofla Stenstróm, Josefin Swedberg,
Heather Telford, Anandi Vinken, Dorota Wilczewska, David Wilde, Thomas Zamolo
KLARA QUARTET: Violin 1: Dieter Schóning,
Violin II: Wiveka Rydén Mártensson, Viola: Johanna Fridolfsson, Violonchelo: Lene Bergstrbm
Pianista: Bernard Matracki
Conductores: Berndt Stenholm y Peter Strand
Asitencia de Dirección: Liselott Berg
Dirección del Ballet: Kevin Irving

Estilo: (danza contemporánea)

Duración aproximada: 2 horas y 10 minutos (con dos intermedios)
Estreno en España
Pais: Suecia
Con la colaboración del Hotel Suecia.
 

BALLET BIARRITZ CRÉATION

Coreografía: Thierry Malandain

Pinto
Teatro Municipal Francisco Rabal

15 de abril - 21 H

Alcobendas
Teatro Auditorio Ciudad de Alcobendas

16 de abril - 20 H

FOTO: OLIVIER HOUEIX

Coreografíay dirección: Thierry Malandain
Intérpretes: Véronique Aniorte, Camille Aublé, Giuseppe Chiavaro, Analiza Cloifi,
Fréderik Deberdt, Gaél Dominger, Roberto Forleo, Cédric Godefroid,
Mikel Izurzun del Castillo, Silvia Magaihaes, Miguel Pla Boluda, Magali Praud,
Christophe Roméro, Rosa Royo, Natalie Verspecht
Música: Ludwig Van Beethoven
Diseño de Iluminación: Jean-Claude Asquié
Diseño de esenografía y vestuario: Jorge Gallardo

Estilo: (ballet neoclásico)

Duración aproximada: 1 hora y 10 minutos (Sin intermedio)
País: Francia

Coreografías: William Forsythe / Renato Zanella

Madrid
Teatro Albéniz

15 y 16 de abril, 20.30 H.
17 de abril - 19 H.

FOTO: WIENER STAATSOPER AXEL ZEININGER

Aunque en un principio fue creado en el siglo XVII para el disfrute únicamente de la corte vienesa, dado su inusitado éxito comenzó a representarse en escenarios públicos a comienzos del siglo XVIII. A partir de 1740 Franz Hilverding consiguió liberar el ballet de las limitaciones impuestas por la ópera, concepto que se llamaría “Ballet en acción’. En Viena fue donde Marie Taglioni y Fanny Elssler alcanzaron los éxitos más brillantes de la historia de la danza. El ballet con grandes escenografías se puso de moda a partir de 1850, para lo que se inauguró en 1869 la Real Casa de la Ópera, hoy denominada Ópera Estatal de Viena. Sus directores fueron Paul Taglioni, Josef  Hassreiter y Gustav Mahler.

En 1942 Erika Hanka logró dotar a la Compañía de una personalidad propia, aunando con éxito el estilo clásico con la estética de esa época. En los años 60 se montaron obras de coreógrafos de renombre mundial, como Léonide Massine, George Balanchine o Ninette de Valois. Los grandes acontecimientos de la década fueron las puestas en escena de Rudolf Nureyev de sus versiones de El lago de los cisnes (1964) y Don Quijote (1966).

Entre 1976 y 1990 se hizo cargo de la Dirección del Ballet Gerhard Brunner, quien incorporó al repertorio de la Compañía obras emblemáticas del neoclasicismo y coreografías seleccionadas de la era Diagbilev, además de creaciones de Hans van Manen, John Neumeier y un Kylián.

Desde 1991 hasta 1993, Elena Tschernischova dirigió la compañía, y desde 1993 hasta 1995, Anne Woolliams ocupó su puesto. A partir de 1995, Renato Zanella dirige el Ballet de la Ópera Estatal de Viena.
 

• Slingerlandpas de deux

Se trata de un estracto del ballet de cuatro actos de William Fomythe, creado para el Ballet de Frankfurt entre 1 9B9 y 1990. Basado en el estilo tradicional del siglo XIX, principalmente en la obra de Marius Petipa, este pas de deux resume el modernismo.

Coreografía: William Forsythe
Intérpretes: Shoko Nakamura y Eno Peci
Música: Gaeíe Bryars
Diseño de luces y vestuario: William Forsythe

Duración aproximada: 7 minutos

• Sensi

Esta coreografía trata sobre los sentimientos del ser humano, sobre ese “sexto sentido”, cualidad propia del nexo femenino. Según el coreógrafo, las mujeres poseen un aura especial y son capaces de tener sentimientos no experimentados por el seno masculino. En este pieza para seis bailarinas y tres bailarines, Renato Zanella, más que contamos una historia, crea climas y ambientes.

Coreografía: Renato Zanella
Intérpretes: Dagmar Kronberger, Michela Centin, MarieClaire D’Lyse, Beatrice Denes,
Barbara De Zotti, Patrida Tichy, Gabor Oberegger, Marek Ackermann y Mihail Sosnonnchi
Música: Giya Kantcheli
Diseño de luces y vestuario: Renato Zanella

Fue representada por primera vez por el Ballet de la Ópera Estatal de Viena, el día 22 de junio de 2003, en Bonn.

Duración aproximada: 11 minutos

• Beethoven Opus 73 — 2° movimiento

A partir de su nombramiento como director del Ballet de la Ópera Estatal de Viena, uno de los objetivos principales de Renato Zanella fue crear coreografías sobre música vienesa. Después de trabajar con obras de Wolfgang Amadeus Mozart y Johann Strauss, encogió una partitura de Ludwig van Beethoven, el Concierto para piano N°5, opus 73, a manera do homenaje a la danza neoclásica.

Coreografía: Renato Zanella
lntérpretes: Shoko Nakamura y Wolfgang Orascher
Música: Ludwig vas Beethoven (Piano concerto N° 5, op. 73, 23° movimiento)
Vestuario: Johan Engels
Fue estrenada por el Ballet de la ópera Estatal de Viena, el dia 11 de marzo deI 2000, en Viena.

Duración aproximada: 8 minutos

• Bolero

El Bolero de Maurice Ravel, una de las partituras más importantes del siglo XX, ha inspirados innumerables coreógrafos. En la versión de Renato Zanella, la atmósfera in crescendo de la partitura está expresada en la yuxtaposición de los sexos, con una alta carga de tensión ambiental. La bailarina, rodeada por cuatro solistas masculinos, parece aislada y concentrada en sí misma, representando un juego de seducción, Iluminada únicamente por una luz, a través de la oscuridad envía señales secretas, cuya sensualidad puede ser percibida a través de la reacción de los cuatro bailarines que la rodean.

Coreografía: Renato Zanella
Intérpretes: Karina Sarkissova, Mikel Jáuregui, Kírill Koudaev, Eno Peci y Mihail Sosnovschi
Música: Maurice Ravel
Vestuario: Magdalena Gut
Fue estrenada por el Ballet de la ópera de Viena el 9 de noviembre de 1998, en Viena.

Duración aproximada: 15 minutos

• Alles Walzer

Alles Walzer fue estrenada por el Ballet de la Ópera Estatal de Viena el 18 de marzo de 1997, en Viena.
Vals: movimientos giratorios que nos elevan a otros estadios. Nos excitan la imaginación, prestándole alas para volar, las mismas alas que han prestado a los vieneses, a los austríacos desde hace siglos y que, aún hoy, siguen haciéndolo. Los coreógrafos también entramos en la magia de estos movimientos, incluso los que se sienten totalmente dedicados al “aquí y ahora” son seducidos para que se entreguen a ellos, a saborearlos al máximo, y el vals len inspira para experimentar con una nueva creatividad.

Renato Zanella

Coreografia: Renato Zanella
Intérpretes: Eva Petters, Júrgen Wagner, Kathrin Czerny, KiriIl Kourlaev,
Dagmar Kronberger, Eno Peci, Michela, Centin, Marie Claire D’lysn,
Beatrice Dones, Barbara De Zorti, Karina Sakissova, Alba Sempere, Patricia ltchy,
Marek Ackermann, Mikel Jáuregui, Gabor Oberegger, Mihail Sonnovschi y Rudolf Wátcher
Música: Johann Strauss II, Joseph Strauna y Gustav Mahier
Vestuario: Jordi Roig

Duración aproximada: 38 minutos
 

Coreografía: Diego Arias

Madrid
Centro Cultural Paco Rabal
Palomeras Bajas

15 de abril - 20 H

Madrid
Círculo de Bellas Artes
(Teatro Fernando de Rojas)

16 y 17 de abril - 19 H

FOTO: CARLOS LANCHAS

Buenos Aires, la ciudad y su bullicio, donde la única ley es el tango, todo es un dos por cuatro, como alguien dijo por allá, dos cuerpos enamorados y cuatro piernas peleadas, ruido de tacones y destellos de charol, encuentros y desencuentros de un fuelle rezongón, desde la ciudad todo huele a tango... La obra se divide en cuatro momentos del día (mañana-mediodía-noche- tarde), en cuatro momentos del año (primavera-verano-otoño-invierno), en cuatro lugares del barrio (la vereda-el conventillo-la milonga-la calle) que se comparten, donde se entrecruzan historias y personajes a lo largo de una línea de tiempo en el cual surge y crece aquella cultura del tango... El alma de Buenos Aires, su color, su sonido, la esencia del barrio y su gente.

Bailarines: Andrea Grassi, Vanessa López Alvares, Ximena Carneeale,
Clara Gallardo, Lupa Arias, Diego Arias y Ramiro Sora
Figuración: Juan Arias, Federico Melgarejo y Luciaso Carneeale
Música: Che Camerata:Ariel Hernández (bandoneón, dirección y arreglos
(Juan Bacca Fernández (contrabajo), Lorenzo Tresiño (violín), Miguel Pérez (piano)
Músico invitado: Chico Fargas (percusión flamenca)
Idea: Jupa Adas - Diego Arias
Coreografía: Diego Arias
Música original: Ariel Hernández
Escenografía: Juan Arias
Vestuario: Norma Garcia
Iluminación: Antonio Arrabal
Sonido: Miguel Molina
Maestra de contemporáneo: Vanessa López
Maestra de clásico: Ximena Carneeale y Andea Grausi

Duración aproximada: 1 hora y 20 minutos (sin intermedio)
Estreno absoluto
Países: Argentina /España
 

Dirección y coreografía: Chevi Muraday

Pinto
Teatro Municipal Francisco Rabal

15 de abril - 21 H

Leganés
Centro Cívico Rigoberta Menchú

23 de abril - 19:30 H

FOTO: JESÚS VALLINAS

Coreografías al minuto pertenece a un programa interno de la compañía, “Acércate”, impulsado por la necesidad de dar a conocer la danza a un público no habitual. Así, se crearon cinco piezas cortas con una duración de 10 minutos (De tripas corazón, Blanco, Cambio de roll, Sin antídoto, y Por la pata abajo, con música original de Diego Alvarez “El negro”), todas con enfoque de ironía y humor. El objetivo es que el público pueda sentirse identificado con algunas de las piezas, ya que todas están relacionadas con el momento en el que vivimos. Recorrido... Recorrer una línea que se pierde en lo más lejos sale de mí espalda y a mis pies un punto que determina el momento en el que estoy. Deshacerme de toda carga acumulada para que el siguiente paso sea más firme y preciso. Correr, no parar. Caminos cruzados y puntos de luz suspendidos. El tiempo que tardo en  darme cuenta. Cinco que se encuentran. Cantos rodados que me hacen ir más lento. Un nuevo obstáculo. Barreras, que las cabronas me hacen cambiar de rumbo... Estas son algunas de las frases con las que he trabajado durante proceso de creación y que explican el contenido y sentido de la nueva producción. Chevi Muraday

Coreografías al minuto
Coreografía: Chevi Muraday
Intérpretes: Sara Mogarra, Paloma Saiz, lker Arrue y Chevi Muraday
Música: Varios autores y Diego Alvarez
Vestuario: Losdedae y Total
Iluminación: David Pérez
Duración aproximada: 30 minutos

Recorrido, recorrer
Coreografía: Chevi Muraday
Intérpretes: Sara Mogarra, Paloma Saiz, lker Arrue, Sara Sampelayo y Chevi Muraday
Música: Varios autores
Escenografía: Lucas Barranco
Mezclas música: Miguel Mendoza
Vestuario: Nuria Barrio
Iluminación: David Pérez
Estreno absoluto
Duración aproximada: 1 hora

Coreografía: Carmen Werner

Madrid
Sala Cuarta Pared

19, 20 y 21 de abril — 21 H

FOTO: JAVIER CASTEDO

7 de agosto de 1945, Hiroshima. Me pregunto si el verdadero horror fue para los que rieron, sin tener nada que ver en esa guerra, o para los que quedaron, sin nada, ni siquiera u explicación. The End (Hiroshima), es un homenaje a los supervivientes de cualquier guerra. Sólo somos gente que quiere olvidar.

Coreografía: Carmen Werner
Intérpretes: Enmanuel Eggermont, Hirotsugu, Óscar Lozano, Janet Novas, Vicky R Miranda, Ricardo Santana, Masumi Yanase y Carmen Werner
Música: A. Scarlati, K. Penderecky, E. Neubautem, Maite Martín y Systems Layers
Asesor cinematográfico: Diego Ortiz
Diseño de luz: Gloria Montesinos
Video: Diego Ortiz
Fotografía: Javier Castedo
Dirección artística: Carmen Werner

Estilo: (danza contemporánea)

Duración aproximada: 1 hora (Sin intermedio)
Estreno en España
País: España (Comunidad de Madrid) y Japón

Dirección y coreografía: Blanca Li

Madrid
Teatro Albéniz

21, 22 y 23 de abril - 20.30 H

• Alarme

FOTO. MICHAEL O’BRIEN

En nuestro universo actual, a pesar del desarrollo de la comunicación, los seres humanos estamos más y más controlados y aislados por razones geográficas, políticas, étnicas, sociales o económicas. Una imagen simbólica de la transformación que todos necesitamos, para que nuestro planeta no se vuelva un mundo hostil y amenazante.

Coreografía: Blanca Li
Intérpretes: La compañía
Música: François Esdes Chanfrault
Vestuario: Françoise Yapo

• Doble paso

La vida profesional de muchas mujeres modernas transcurre bajo un lema esencial; no perder nunca el tipo, bajo ningún pretexto. Una fantasía sobre lo que nos obliga a hacer la mirada exterior.

Coreografía: Blanca Li
Intérpretes: Géraldine Fournier y Blanca Li
Música: Tao Gutiérrez y Wolfgang Amadeus Mozart
(Aria de la Reina de la Noche)
Vestuario: Laurent Mercier

• Electró

De noche, bajo la luz urbana y en las sombras, circula la energía que nutre los cuerpos, los renueva. Un poema de la ciudad nocturna, de sus impulsos y de sus fuerzas subterráneas.

Coreografía: Blanca Li
Intérpretes: Cyril Lot, Bruno Péré y Raphaél Rodríguez
Música: Tao Gutiérrez
Vestuario: Françoise Vapo

• Pochette Surprise (Piñata)

Porque so debemos olvidar que hemos sido niños, y que aús somos capaces de jugar..

Coreografía: Blanca Li
Intérpretes: La compañía
Vestuario: Françoise Yapo

• Made di china (Hecho en China)

La tecnología no necesita ser sofisticada para emocionar y sorprender.

Coreografía: Blanca Li
Intérpretes: Stéphanie Andrieu y Géraldine Fournier.
Vestuario: Françoise Yapo

• Promenade (Paseo)

Un paseo por el universo de la seducción, donde nacen los recuerdos inolvidables de la pasión. La contradicción entre el poder de la naturaleza y de la razón,

Coreografía: Blanca Li
Intérpretes: Marjorie Hannoteaux, Emmanueíle, Huybrechts, Cyril Lot
y Raphaél Rodríguez
Música: François Eudes Chanfrault y Tao Gutiérrez
Vestuario: Mr. Pearl
Imágenes: Michael O’Brien

• A Minuit (A medianoche)

En el momento en el que la medianoche ya es un recuerdo lejano, y el alba aún queda en un futuro incierto, un viaje a los fondos del alma femenina. La búsqueda del absoluto, del instinto vital, del desgarro sensual.

Coreografía: Bianca Li
Intérpretes: Stéphanie Andrieu, Géraldise Fournier,Marjorie Hannoteaux,
Emmanuelle Huybrechts y Yana Maltseva
Música: Goldfrapp (Oompa-Radar) y Matthew Herbert (Simple Minds)
Vestuario: Laurees Mercier

• Dame Over (Fin del juego)

La representación luminosa de la música descompone los cuerpos y nos lleva al interior de las entrañas de la máquina

Coreografía: Blanca Li
Intérpretes: La compañía
Música: Françoís Eudes Chanfrault
Vestuario: René Zamudio

Coreografía y dirección artística: Blanca Li
Asistente: Ana Guffanti

Intérpretes: Stéphane Andrieu, Géraldine Fourniet Marlorie Hanncrteaux, Emroanueíle Huybrechts, Blanca Li, Cyril Lot, Yana Maltseva-Le Gac, Bruno Péré y Raphaél Rodríguez
Creación Video: Charles Carcopino
Fotos: Michael O’ Brien
Vestuario: Laurent Mercier, Mr. Pearl y Françoise Yapo
Iluminación: Jacques ChteIet
Asistente iluminación: Sylvie Debare
Músicas originales: Tao Gutiérrez y François-Eudes Chanfrault
Dirección técnica: Antoine Garry
Escenario: Ricardo Bobet
Luces: Sylvie Debare
Vestuario: Françoise Yapo

Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
Estreno en España
 

Coreografía: Itzik Gay

Madrid
Teatro de Madrid

22 y 23 de abril, 2030 H
24 de abril - 19 H

FOTO: KAREL ZWANEVELD

De vuelta a allí, o allí dentro, o allí fuera. Va hacia los límites de las extensiones del cuerpo, al extremo de las extremidades, incluso cuando pierdas el rumbo y empieces a moverte en círculos. Busca siempre la blandura de la articulación. Nunca lo fuerces. Sólo deja los movimientos fluir.
Me busca un lenguaje para la danza
Me traza imágenes-palabras que puedan reflejar movimientos musculares
Me sugiere diferentes formas de ver danza
Me insiste en nuestro pacto con la existencia y las ilusiones
Me expone la necesidad de ser recordado
Me confirma que lo que vemos no es necesariamente lo que pensamos que vemos

En octubre de 2003 Galili y el bailarín Jussi Nousíainen desarrollaron, usando como base la improvisación y la manipulación provocadora, un texto / solo que trataba de la búsqueda de confianza en uno mismo. Este material coreográfico se tradujo en Peeled (Galili Dance) y Hikarizzato (Ballet de Stuttgart), ambos estrenados a inicios del 2004.

Con Me, Galili avanzó en su búsqueda. El bailarín Jussi Nousiainen es la fuente de inspiración para ello, y la figura clave en el vocabulario del movimiento. Me presenta una fusión única de lenguaje, danza, música en directo y vídeo. Explora la existencia, las ilusiones y la necesidad de ser recordado. Quizás.

Concepto, coreografía y diseño de luces: Itzik Galili
Intérpretes: Nicole van Gent (Paises Bajos), Kirn de iong (Canadú),
Masahiro Yanagimoto (Japón), Jesús de Vega Gómez (España), Natalia Rsdina (Rusia),
Helena Volkov (Israel), Laura Lohi (Finlandia), Jussi Noussiainen (Finlandia),
Stephen Shropshire (Estados Unidos) y Philipp Stummer (Austria)
Film: Wobbe E. Konirrg
Guión y dramaturgia: Rnne Middelboe Christensen
Composición musical: Percossa (NieIs van Hoorn, René Spierings, Janwillern van der Poll)
Música en directo: Precosa
Escenografía: Janco van Barneveld
Vestuario: Natasja Lansen
Director artístico de la compañía: Itzik GaIiIi

Duración aproximada: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio)
Estreno en España
País: Países Bajos
 

Coreografía y dirección: Teresa Nieto

Madrid
Teatro de La Abadía
(Sala José Luis Alonso)

22 y 23 de abril - 21.30 H
24 de abril - 20 H

FOTO: MAFO PLATA

Este espectáculo, Consuelo, nace de la necesidad de enfrentarme con mis miedos y contradicciones respecto del amor y la pasión enfrentados al paso del tiempo, al miedo a envejecer, a las carencias, a la desesperanza, a las dudas acerca de nuestra capacidad para amar y ser amados.

Los años me han vuelto más escéptica, pero no por ello más cauta; más descreída, pero nunca resignada. Por eso necesito mostrar, para así intentar asumir, lo difícil que puede llegar a ser pactar con el paso del tiempo, con la pérdida de tantas cosas irrecuperables, sin estar por ello dispuesta a renunciar a ellas.

Consuelo viene a hablarnos de la pasión, del poder de la pasión, esa pasión, veneno y antídoto a la vez, que nos posee, nos arrebata, nos hace sentirnos vivos, jóvenes, poderosos. Esa pasión capaz de traspasarlo todo: el espacio, el tiempo e incluso a las personas a las que enreda en su locura.

“En algún lugar entre el sexo y el miedo está la pasión”.

Jeanette Winterson

La pasión de una mujer madura capaz de encarnar a la mujer joven que fue en el pasado y traerla al presente, a su lado, para ofrecer esa juventud al hombre que la amó y al que ella sigue amando, más allá de los confines del espacio.

“La memoria de la juventud, la memoria encarnada...”.

Carlos Fuentes

El hilo conductor de la obra es la superposición-desdoblamiento de dos mujeres que son una, de una mujer que son dos: la que es y la que fue, la que es y la que desearía ser, la que es y la que no se resignará nunca a no volver a ser.

“Volverá la traerá, la haré regresar...”.

Teresa Nieto

Dirección: Teresa Nieto
Intérpretes: Jesús Caramés, Claudia Faci y Teresa Nieto
Ayudante de Dirección: Claudia Faci
Música: F. Schubert, 1 Brahms, iacques Brel y Nicoló Paganini
Diseño de iluminación: Gloria Montesinos (A.A.I.)
Diseño de sonido: Albert Puig
Realización de vestuario: Estrella Baltasar
Diseño gráfico: Gara-Koan
Fotografía: Mafo Plata
Video: Diego Ortiz
Producción: Teresa Nieto en Compañía

Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)
País: España (Comunidad de Madrid)
 

Coreografía y dirección: María Pagés

Fuenlabrada
Centro Cultural Tomás y Valiente (Teatro)

23 de abril -20 horas

FOTO: BEA SANCHO

¡Hay tantas ideas inspiradoras que están siempre volando! Y, de vez en cuando, como si reclamaran que se les hiciera un poco más de caso, se te presentan y se te proponen. Probable mente, son esas ideas que nunca consideraste que fueran “la idea” para hacer una creación dedicada a ellas, pero creo que merecen ser recopiladas y, por fin, ser el centro de atención y las protagonistas de una creación, aunque sea corta. Así me decidí a agruparlas en este El bazar de las ideas. María Pagés

Coreografía: María Pagés
Intérpretes: María Pagés, María Morales, Sonia Fernández, Mar Jurado, Cristina Tomé,
José Barrios, Emilio Herrera, Noé Barroso y José Antonio Jurado
Cante: Ana Ramón
Guitarras: José A. Carrillo “Fyty” e Isaac Muñoz
Percusión: Chema Uriarte
Sonido: Kike Cabañas, Kermes Sonido
Dirección técnica y luces: Dominique You
Compañía María Pagés
Dirección: María Pagés

Estilo: (flamenco)
Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)
País: España (Comunidad de Madrid).

5 de abril

18:30 H

Conexiones. Programa de vídeo-creación

lratxe Arana: Uhandrea
Oscar Dasí: Phantasmata
Losquequedan: Soledades
Félix Fernández: Ensayo n°1: Sobre la Creación
Miguel Angel Melgares: +bata
lñaki Imaz: Dantza 1, Dantza 2, Dantza 3

Desde la década de los setenta la danza ha mantenido una relación muy estrecha con los medios de reproducción visual. Este diálogo ha producido multitud de obras híbridas en las que la danza se nutria de las posibilidades narrativas y formales del cine y del vídeo. También el vídeo retorna la mirada a la danza, siendo cada vez más fácil encontrar en la vídeo-creación referencias y guiños a la cultura dancística. Conexiones mostrará algunas obras recientes en las que el diálogo vídeodanza es muy claro y en las que se hacen evidentes los encuentros y coincidencias de los trabajos de artistas de ambas disciplinas.

SALÓN DE ACTOS
DE LA ESCUELA DE ARQUITECTURA
(Antiguo Convento del Carmen Calzado)
C/ Santa Ursula, 8

19:30 H

Cuatro por cuatro de Michelle Man
Duración: 45 m.
Coreografía: Michelle Man
Música: Zuriñe Guerenabarrena

Cuatro por cuatro es una obra creada para ser representada en un cuadrado que puede instalarse en cualquier espacio. Los bailarines situados en los cuatro vértices de la figura desarrollan un trabajo de movimiento a través del cual se exploran los límites espaciales y su transformación con la acción del cuerpo. Michelle Man and Friends nació en Madrid en 1996. Se formó a raíz de la complicidad de unas bailarinas y las inquietudes creativas de su coreógrafa. Su primer espectáculo fue resultado de una investigación sobre la mujer china a lo largo de la historia, un viaje hacia las raíces euroasiáticas de la coreógrafa. Se tituló Heng Tao: Heng significa perseverancia y Tao un camino. Actualmente la compañía está en proceso de investigación y creación junto a la diseñadora Natalia Lumbreras para su nueva producción, que se estrenará próximamente.

TEATRO LOPE DE VEGA
(Antigua capilla del Colegio
de San José de Caracciolos)
C/ Trinidad, sin

7 de abril

18:30 h

Se me escapa entre los dedos
de Daniel Abreu
Duración: 40 m.
Coreografía e interpretación: Daniel Abreu
Fotografía: Javier Castedo

FOTO: JAVIER CASTEDO.

“Creo que si se pudiera dar nombre a todo sobrarían las historias, ¿no?... Esta es mi manera de contarlas. Este trabajo nace de la nostalgia por las cosas que se sabe que nunca sucederán”. Daniel Abreu ha bailado en las compañías Lanónima Imperial, Provisional Danza, Larumbe Danza y Bethelius Danza. Como coreógrafo ha colaborado con Mónica García en Y eso que a mí tampoco me dejaban ver Dallas (2004), obra con la que recibió el primer premio de coreografía en el Certamen Coreográfico de Madrid. En 2004 estrenó Cuerpo a Tierra, dentro del festival En Pé de Pedra de Santiago de Compostela.

Cuadrado-flecha-persona que corre
de Cristina Blanco
Duración: 45 m.
Coreografía, idea e interpretación: Cristina Blanco
 

Cuadrado-flecha-persona que corre es una reflexión irónica sobre los si9- nos y el mundo de las señales que nos rodean. Al intentar interpretar los signos con los que se encuentra, Cristina Blanco se ve inmersa en distintas situaciones en las que la lógica implacable de las señales es llevada al absurdo. Cristina Blanco es licenciada en Arte Dramático por la RESAD. Estudia Danza Clásica y Flamenco con Concha Quesada, Claqué con Luca Vexi, Clown con Carlo Colombaloni y creación con Juan Domínguez y Cuqui Jerez. Ha participado en los espectáculos Desiertos de arena y gente (El Canto de la Cabra, 2004), Kafka Kabaret (Escena Contemporánea 2003) y Menú del día (Teatro Cervantes, Toledo, 2003). TEATRO LOPE DE VEGA (Antigua capilla del Colegio de San José de Caracciolos) Cf Trinidad, sin

Doble de Danza se ha diseñado específicamente para el Real Coliseo de Carlos III y supone una experiencia en (a que tres compañías de diferente naturaleza desarrollarán, a lo largo de tres fines de semana, un programa que, sobre todo, pretende la interacción con el público.

Cada compañía interpretará un programa doble los sábados dirigido a un público adulto y los domingos a un público familiar: y estará precedido por encuentros en los que las compañías y el público intercambiarán opiniones y experiencias. Serán las propias compañías las que expliquen “quiénes son, qué hacen y cómo lo hacen”.
“Doble de Danza” nace con (a intención de extenderse en futuras ediciones a otros teatros y municipios de nuestra Comunidad.

QUIJOTESCOS

Coreografía y adaptación coreográfica: Maria José Ruiz

Quijotescos se compone, en su primera parte, de varios episodios de la vida de Don Quijote (El palacio de los Duques, la estancia en casa de D. Antonio Moreno): mientras que el ballet - pantomima que compone la segunda parte, está basado en Las bodas de Camacho el Rico, libremente inspirado en el libreto de Meléndez Valdés. Carlos Boso

Estilo: (danza y música barroca)

Duración aproximada: 1 hora y30 minutos (con intermedio)
Estreno absoluto
País: España (Comunidad de Madrid)

LOS REYES BAILONES

Dirección coreográfica: César Casares
 

Tras siete años creando espectáculos para mayores con la Compañía de danza, veinte años como autora de coreografías para obras de teatro clásico, óperas barrocas y zarzuelas junto con directores teatrales, y más de veinte años de investigación coreológica plasmada en artículos, ponencias para congresos y entradas de enciclopedias, acariciaba la idea de proponer a los niños y jóvenes una nueva aproximación a la vida cotidiana y divertida de aquellos que estaban destinados a ser reyes, reinas, infantas, etc. Maria José Ruiz

Estilo: (danza y música barroca para público familiar)

Duración aproximada: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio)
País: España (Comunidad de Madrid)

Encuentro flamenco con el público
15 de abril - 18 H
El bazar de las ideas
16 de abril - 20 H
Las ideas de María sobre El bazar de las ideas
17 de abril - 12.30 horas (público familiar)
 

Coreografía: Asun Noales y Arancha Sagardoy

Encuentro rítmico con el público
22 de abril - 18 H

Tinajas
23 de abril - 20 H

Percudanza
24 de abril - 12.30 H (público familiar)

TINAJAS

Nos hemos inspirado en la mujer espiritual, desde las talibanes que conocemos por las noticias de la televisión, hasta las budistas que practican técnicas de meditación: la mujer femenina, la que establece un código de intimidad consigo misma: la mujer luchadora, que se enfrenta al caos: la mujer sensual que establece la comunicación con los otros con su sola presencia... Asun Nogales y Arancha Sagardoy

Estilo: (danza contemporánea y percusión para público familiar)
Duración aproximada: 55 minutos (sin intermedio)
Estreno en la Comunidad de Madrid
País: España (Comunidad Valenciana)

PERCUDANZA

En Percudanza la percusión y la danza se interrelacionan como instrumentos de comunicación del pulso de (a vida. Ambas, con sus posibilidades infinitas de expresión, nos muestran el ritmo de la creación de la naturaleza y los diversos matices de las relaciones humanas. En el programa que presentan la Cia. Patas Arriba y Amores Grup de Percussió, diferentes estilos de música, de sonoridades y de instrumentos conformarán las bases para que el cuerpo humano dialogue a través del movimiento.

Amores Grup de Percussió y Cia. Patas Arriba

Estilo: (danza contemporánea y percusión para público familiar)

Duración aproximada: 55 minutos (sin intermedio)
Estreno en la Comunidad de Madrid
País: España (Comunidad Valenciana)
 

Desde el punto de vista formal y estético, filmar danza significa realizar un doble ejercicio coreográfico: el del creador de los movimientos y el de la recreación de estos movimientos por la propia cámara, permitiendo así ángulos de visión distintos a los de un espacio escénico. Coreografiar para la cámara es un ejercicio complementario y distinto al de su realización para la escena.

El objetivo de este ciclo es aproximar a un público, probablemente más cercano a la cultura cinematográfica que a la danza, el festival como hecho escénico y reconocer la importancia de la industria cinematográfica en la difusión y el uso de la cultura coreográfica.

CINE ESTUDIO DEL CÍRCULO DE BELLAS ARTES

5 DE ABRIL

17.30 y 22.00 horas

Escuela de sirenas (1944)
Dirección: George Sydney
Intérpretes: Esther Williams y Red Skelton
País: Estados Unidos

19.30 horas

Los tarantos (1963)
Dirección: Francisco Rovira Beleta
Intérpretes: Sara Lezana, Daniel Martín y Carmen Amaya
País: España

12 DE ABRIL

17.30 y 22.00 horas

Nijinsky (1980)
Dirección: Herbert Rose
Intérpretes: George de la Peña, Alan Bates y Leslie Browne
País: Reino Unido

19.30 horas

The Company (2003)
Dirección: Robert Altman
Intérpretes: Neve Campbell y Malcom McDowell
País: Estados Unidos

CENTRO CULTURAL PACO RABAL. PALOMERAS BAJAS

8 DE ABRIL

19.30 horas

Billy Elliot (2001)
Dirección: Stephen Daldry
Intérpretes: Julio Walters, Jaime Beli y Jaime Draven
País: Reino Unido

22 DE ABRIL

19.30 horas

The Company(2003)
Dirección: Robert Altman
Intérpretes: Neve Campbell y Malcom McDowell
País: Estados Unidos

29 DE ABRIL

19.30 horas

Sevillanas (1992)
Dirección: Carlos Saura
Intérpretes: Rocío Jurado, Paco de Lucía, Manolo Sanlúcar y Camarón de la Isla.
País: España

6 DE MAYO

19.30 horas

Bailando en la oscuridad (2000)
Dirección: Lars Von Trier
Intérpretes: Bjbrk, Catherine Deneuve y David Morse
Países: Dinamarca y Suecia

19.30 horas

El otro lado de la cama (2002)
Dirección: Emilio Martínez Lázaro
Intérpretes: Ernesto Alterio, Paz Vega y Guillermo Toledo
País: España

Exposición fotográfica enmarcada dentro de la Red de Exposiciones ltinerantes de la Comunidad de Madrid, Red itiner.

Madrid
Teatro Albéniz

del 6 al 29 de abril H
 

Hace unos meses me entró la inquietud de intentar reflejar en imágenes fijas esta expresión cultural que tanto me atraía. Partí de dos decisiones: la primera fue que las fotografías serían en color, no quena perder la belleza del color de sus cuerpos y de sus ropas, e incluso la emoción que transmiten los colores. La segunda se refería a la intención de fotografiar el movimiento, pues no veo posible captar la belleza de la danza sin captar el movimiento.

La segunda parte de este trabajo nace como contraposición a la parte anterior: los danzarines parecen ángeles bailando, pero su perfección se basa en un trabajo muy duro de ensayos se refleja en sus pies. Me propongo, inicialmente, retratar las deformaciones, sus callos, sus juanetes... así empiezo el trabajo.

Elías Llamazares

www.madridteatro.net

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