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XXI
FESTIVAL DE OTOÑO
DEL 13 DE
OCTUBRE AL 14 DE NOVIEMBRE DE 2004
 
Como todos los años vuelve desde el 13 de
octubre al 14 de noviembre el Festival de Otoño de Madrid
en su XXI edición.
La presentación del Avance del Programa
se tuvo en el complejo regional El Águila, antiguo edificio de
Cervezas El Águila, totalmente remozado.
En la sala dos grandes pantallas, cíclicamente, iban proyectando
los nombres de directores, actores, autores y títulos de los
espectáculos programados, sobre un cambiante fondo de color, que
nacía por la extensión de una barra desprendida del total de las
que forman la carta de ajuste de color de un televisor.
La actriz Beatriz Bergamín abrió el acto y definió la
propuesta cultural del Festival como la
apropiada para este siglo XXI, en la que se combinaba la
tradición y la vanguardia.
La proyección de un Video, acertado resumen visual de los
diversos espectáculos, centró la temática del Festival.
El conjunto lo forman un total de 40
espectáculos de música, teatro y danza, de los cuales
39 son estrenos: 4 absolutos , 18
en España, 16 en la Comunidad de Madrid y 1 en Madrid capital.
El Festival tiene su extensión a 26 municipios de la Comunidad
de Madrid.
Once son los espacios escénicos en Madrid.
El criterio de elección ha sido la
Calidad y su filosofía el
dejar plena libertad a su director Ariel Goldenberg,
por aquello de que “no somos los políticos los que tenemos
que decidir” en estas cuestiones, subrayó Santiago Fisas,
consejero de Cultura y Deportes.
Ariel Goldenberg, una vez mas director del Festival.
“Es mi quinta edición y para mí es un honor”
y felicitó a quienes habían montado el Video con los
materiales de archivo de las Compañías y resaltó su
carácter ilustrativo. “No vivo en Madrid, pero
desde París olfateo que se auguran tiempos muy
nuevos. Volvemos a poner en pie el Teatro Español
- ausente de los Festivales como espacio escénico en
los años anteriores - en este Festival y espero
poder llevar a cabo proyectos en común (con el
mencionado espacio escénico)”.
Definió el Festival como una “constelación de
estrellas” que se ha conseguido reunir y expresó su
sentimiento de sentirse “optimista y orgulloso de la
programación y estoy convencido de que os va a
interesar”. |
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AVANCE DE LA
PROGRAMACIÓN |
Avanzamos la programación de Teatro y
Danza, según los espacios escénicos. Para una
información más amplia consultar sobre otras actividades del
Festival de Otoño consultar
http://www2.madrid.org/prensa.
La dirección del Festival advierte que la programación está
sujeta cambios que se irán dando a conocer en su debido momento.
Hamlet, La nona, Consuelo y
Homenaje a Alwim Nikolais, son títulos que
solamente se representan en los Municipios de la
Comunidad de Madrid.
En la página dedicada al
Festival en los Municipios se puede encontrar
una información más amplia sobre ellos. |
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PROGRAMACIÓN POR ESPACIOS ESCÉNICOS |
Teatro Fernando
de Rojas.
CADA
LOCO CON SU TEMA (EL OSO, LA PETICIÓN DE MANO Y EL ANIVERSARIO),
de Antón Chéjov (Teatro)
Compañía: TEATRO DE CÁMARA CHÉJOV
Intérpretes: Ana Hernández, Germán Estebas, Diego Santos,
Sonia Santos, Agustín Ramos, Alicia Cabrera y Ludmila Ukolova
Adaptación y dirección: ÁNGEL GUTIÉRREZ
Estreno en la Comunidad de Madrid
País: España (Comunidad de Madrid)
Idioma: español
Duración aproximada: 2 horas (sin intermedio)
29 de octubre - 1 de noviembre - 20
horas.
En
El oso, un terrateniente llega a casa de la
viuda Popova para reclamar una deuda que tenía
contraída su marido, pero se encuentra con que no va
a resultar tan fácil cobrarla como pensaba. La
hipocresía y el machismo se hacen presentes.
Por su parte, en La petición de mano,
Stepánovich, terrateniente solterón, se presenta en
casa de su vecina con la intención de pedir su mano.
Pero una serie de cómicos malentendidos le harán la
tarea algo complicada.
Y en El aniversario, Pamplinovsky, director
de un banco, ve como la celebración del aniversario
del mismo se convierte en un embrollo con la
inadecuada aparición de su mujer y de una clienta
muy insistente. (Ángel
Gutiérrez) |
EL
CANTO DEL CISNE, versión libre de Emilio del
Valle sobre la obra homónima de A. Chéjov (Teatro)
Compañía: PRODUCCIONES INCONSTANTES
Intérpretes: por determinar
Dirección: EMILIO DEL VALLE
Estreno en la Comunidad de Madrid
País: España (Comunidad de Madrid)
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 35 minutos (sin intermedio)
11 - 14 de noviembre - 20 horas
El viejo actor
Kalkax lo ha tenido todo o casi todo. Probablemente
le ha faltado tiempo para reposar y, ahora, cuando
lo hace, descubre que todo él no es nada sino un
amasijo de personajes que le han acompañado a lo
largo de su vida.
El apuntador, aprendiz de actor, por el contrario,
ve en el viejo Kalkax al actor que él quiere ser.
Sin saberlo, está recibiendo una lección magistral.
Si hay futuro, él es el futuro.
Pero parece necesario que lo viejo muera para que
verdezcan los brotes de la nueva primavera. El ciclo
de la vida nos puede ayudar a arrojar luz respecto
al lugar que debe ocupar el teatro en el futuro y,
naturalmente, el nuevo actor.
Entre los dos, el sueño de una mujer recorre el
espacio, liviana, casi volando. Es la musa. La
inspiración. El amor. La belleza. El dolor.
Inspiración, amor, belleza, dolor…, son elementos
que juegan de manera determinante en la vida de todo
artista. También en la vida de los personajes.
¿Imaginan el teatro sin relaciones de amor, sin la
inspiración de los intérpretes, sin belleza, sin el
dolor de la representación, que es a la vez placer?
(Producciones Inconstantes) |
SALA CUARTA PARED
QUANDO
L’UOMO PRINCIPALE È UNA DONNA (CUANDO EL HOMBRE PRINCIPAL ES UNA
MUJER)
(DANZA - TEATRO)
Compañía: JAN FABRE / TROUBLEYN
Coreografía: JAN FABRE y LISBETH GRUWEZ
Bailarina: Lisbeth Gruwez
Música original: Maarten Van Cauwenberghe
Música adicional: Nel Blu Dipinto di Blu (Volare), de
Domenico Modugno
Dirección: JAN FABRE
Estreno en España
País: Bélgica
Duración aproximada: 55 minutos (sin intermedio)
Una coproducción de Troubleyn (Antwerp - Bélgica) con Théâtre de
la Ville (París), deSingel (Antwerp - Bélgica). Con el apoyo del
Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá.
19 - 22 de octubre - 21 horas
Después del éxito
conseguido con su solo de danza My Movements are
alone like Streetdogs (Mis movimientos están
solos como perros callejeros), Jan Fabre crea
una nueva obra para un bailarín especial (la
intérprete, Lisbeth Gruwez, tiene un aspecto
andrógino, que es fundamental para su ejecución).
Como indica el título, el foco principal está en la
tensión entre hombre y mujer. Una noción adicional
es el conocimiento de que el hombre es parte de una
mujer hasta el momento de nacer. Por consiguiente,
Cuando el hombre principal es una mujer, es
una oda al poder y la fuerza de la mujer.
Durante las numerosas conversaciones conjuntas de
preparación, se decidió que se untaría a la
bailarina con aceite de oliva por su fluidez,
transparencia, poderes curativos, protección contra
el calor y las quemaduras solares, y por las
cualidades metafísicas que le atribuye la tradición
histórica. Fabre vincula el deseo de volar y la
presencia del aceite de oliva, como elementos
básicos, con el punto de partida temático: la
búsqueda de una androginia feliz, que se expresa
casi literalmente por medio del manejo de balones,
como si fueran parte de los genitales masculinos.
Teniendo en cuenta todos estos elementos, Quando
l’uomo… es un solo imbuido por una ligereza
extraordinaria. Asistimos a la anarquía suave del
deseo de escapar por una ruta que uno mismo escoge.
Y la ligereza de un cuerpo en movimiento, en
búsqueda, a medio camino entre hombre y mujer. El
salto desde un mundo hacia otro.(Hendrik
Tratsaert) |
LA
ÚLTIMA NOCHE DE LA HUMANIDAD, de Emilio García
Wehbi y Ana Alvarado (TEATRO)
Compañía: EL PERIFÉRICO DE OBJETOS
Intérpretes: Maricel Álvarez, Federico Figueroa, Emilio
García Wehbi, Eliana Niglia y Román Lamas
Dirección: EMILIO GARCÍA WEHBI, ANA ALVARADO y DANIEL
VERONESE
Estreno en España
País: Argentina
Idioma: español
Duración aproximada: 2 horas (con intermedio)
26 - 29 de octubre - 21 horas
La obra toma como
punto de partida Los últimos días de la Humanidad,
del autor austriaco Karl Kraus (1874 – 1936), a
partir de la cual elabora un espectáculo dividido en
dos partes complementarias.
En la primera, llamada Opereta apocalíptica e
hidrocefálica, los actores y muñecos se
encuentran enlodados en un páramo que se asemeja a
un espacio devastado y, allí, cantan estúpida y
despreocupadamente a la memoria de una especie, la
humana, ya extinta.
Y la segunda parte, llamada White Room, es
una suerte de espacio acotado (caja de experimentos
situada en un búnker o en una colonia en Marte o en
un psiquiátrico) en donde todo es blanco, inclusive
el vestuario de los actores, y en el cual cinco
¿supervivientes? responden con acciones forzadas a
una voz maquinal que los dirige u obliga a hablar en
inglés. (El Periférico de
Objetos) |
CARNEZZERIA
(CARNICERÍA), de Emma Dante (TEATRO)
Compañía: SUD COSTA OCCIDENTALE
Intérpretes: Gaetano Bruno, Sabino Civilleri, Enzo Di Michele
y Manuela Lo Sicco
Dirección: EMMA DANTE
Estreno en España
País: Italia
Idioma: italiano (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)
Una producción del CRT - Centro di Ricerca per il Teatro
(Milán).
3 y 4 de noviembre - 21 horas
Es la historia de
una de esas familias de carne de cañón; con sus
ataduras morbosas, sus fugas histéricas y
paralizantes, su aire estancado de olor a humo. El
clima es de fiesta, aparentemente alegre, pero con
un peligro inminente: belleza y pérdida son la misma
cosa.
Carnezzeria es la ceremonia realizada para
absolver a una mujer del pecado, para limpiar la
mancha, reparar el mal, remediar el deshonor del
hijo bastardo.
Nina, “la idiota”, esposa niña, está vestida de
blanco. Pero antes que el traje se ve otra cosa:
está encinta. Su corazón está perdido dentro de un
cuerpo enorme, deformado por el dolor y el pecado.
Nina está infectada, manchada. El vientre hinchado
es el lugar en el que se cumple su destino, con el
que se ceban sus hermanos -incapaces de comprender-
con la furia de los perdedores.
Tres hermanos y una hermana esperan que se cumpla el
rito para eliminar un hedor insoportable a
inmundicia. La boda está lista: el cura, la iglesia,
los invitados, el aperitivo, la banda, las flores,
el hijo de puta... (Emma Dante) |
MPALERMU,
de Emma Dante. (TEATRO)
Compañía: SUD COSTA OCCIDENTALE
Intérpretes: Gaetano Bruno, Sabino Civilleri, Tania Garribba,
Manuela Lo Sicco y Simona Malato
Dirección: EMMA DANTE
Estreno en España
País: Italia
Idioma: italiano (dialecto palermitano)
Duración aproximada: 55 minutos (sin intermedio)
5 y 6 de noviembre - 21 horas
Palermo. La
paradoja de un lugar que tiene aromas, sabores,
colores inconfundibles, pero que se escapa a
cualquier definición. Tiene voces lejanas que
proceden de calles sin salida; cánticos, ruidos e
historias gritadas por rostros perdidos, caras
sorprendentes en quienes no querrían sorprender
nunca. Pero su símbolo es el silencio.
En Palermo no se llevan a cabo acciones, sino
ceremonias; se actúa de forma retórica, citando,
haciendo guiños, aludiendo... Este teatro de lo
imposible, que convierte a esta ciudad en una
especie de representación simbólica del alma del
mundo -siempre ajetreada y siempre moribunda-, es
nuestra comedia.
Cinco actores sobre el escenario. Una familia. Cinco
familiares que obedecen a esa ley que les han
enseñado. Una obligación: actuar. Traspasar el
umbral, poner un pie delante del otro. Salir a la
calle. Andar. Resguardar el alma para que no se vaya
volando nada más abrir la puerta. Inventar mentiras
para destruir el sentimiento de insensatez que se
apodera de nosotros ante cada gesto. (Emma
Dante) |
SALA JOSÉ LUIS
ALONSO
EL
COMPOSITOR, LA CANTANT, EL CUINER I LA PECADORA (EL COMPOSITOR,
LA CANTANTE, EL COCINERO Y LA PECADORA), de Carles
Santos (TEATRO MUSICAL)
COMPANYIA CARLES SANTOS
Intérpretes: Carles Santos (piano), Clàudia Schneider
(mezzosoprano), Antoni Comas (tenor) y Alina Zaplatina (soprano)
Música: Gioacchino Rossini y Carles Santos
Dirección artística: CARLES SANTOS y MARIAELENA ROQUÉ
Estreno en la Comunidad de Madrid
País: España (Cataluña)
Idiomas: italiano, francés y latín
Duración aproximada: 1 hora y 5 minutos (sin intermedio)
14 al 17 de octubre - 20.30 horas
Es una pieza de
orfebrería musical en torno a la obra de Rossini y
alrededor de un elemento ínfimo: la gota de agua.
Con la imagen de la gota, Carles Santos nos
transporta a la esencia de la música de Rossini: su
ritmo. Las gotas son el equivalente escénico de la
nota.
Los fragmentos de Rossini y las composiciones de
Carles Santos se encadenan según una lógica musical.
Los diferentes caudales de agua permiten visualizar
el tempo de la música y, así, la escritura escénica
y musical se une intrínsecamente alrededor del
ritmo.
También hay una historia, claro: la pecadora es la
amante del cocinero, que no sabe que la pecadora es
su hermana. Ésta es hija de la cantante y de él
mismo, que también es hijo de la cantante -hecho que
tampoco sabe-. Realmente, el cocinero es hermano,
padre y amante de la pecadora y ex-amante e hijo de
la cantante. ¿Y el compositor? El compositor está
poniendo música a una lista de ropa sucia para la
lavandería. (Clémence
Coconnier). |
Foto: Bruno Wagner |
POURQUOI LA CUISINE? (¿POR QUÉ LA COCINA?), de
Mladen Materic y Peter Handke (TEATRO)
Compañía: THÉÂTRE TATTOO
Intérpretes: Damien Bernard, Paul Chiributa, Thierry Dussout,
Loreen Farnier, Emmanuelle Hiron, Cathy Pollini, Haris Resic,
Sodadeth San, Tihomir Vujicic, Josiane Wilson y Hugo Lehmann
Dirección: MLADEN MATERIC
Estreno en España
País: Francia
Idioma: francés (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
22, 23 y 24 de octubre - 20.30 horas
El fuego, el agua,
la mesa en la que comemos a solas o en familia, la
vajilla, la comida, la basura... Lujosa o modesta,
amarilla o azul, del siglo XVIII o de hoy, con
electricidad y agua corriente o sin ellas, en
Toulouse, Moscú o Vancouver, la cocina es el lugar
en el que se hace la vida cotidiana.
Desde que vivimos en casas y ciudades, es en ella
donde nos reencontramos con los elementos naturales,
las plantas y los animales; donde se toman las
grandes decisiones; donde se revela con más rapidez
y claridad nuestra relación con la sociedad y la
relación de la sociedad con nosotros. Es en ella
donde rendimos cuentas, a nosotros mismos o a
nuestros seres queridos, de los asuntos más graves.
Al instalar en el escenario una cocina habitada por
diversos personajes, en épocas y culturas
diferentes, se ponen en tela de juicio las
diferencias y las semejanzas, la simultaneidad y la
constancia de las situaciones humanas. (Mladen
Materic). |
EL
SUEÑO DE ANDERSEN (TEATRO)
Compañía: ODIN TEATRET
Intérpretes: Kai Bredholt, Roberta Carreri, Jan Ferslev, Tage
Larsen, Iben Nagel Rasmussen, Augusto Omolú, Julia Varley,
Torgeir Wethal y Frans Winther
Dirección: EUGENIO BARBA
Estreno en la Comunidad de Madrid
País: Dinamarca
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 20 minutos (sin intermedio)
3 al 6 de noviembre - 20.30 horas
Una cofradía de
artistas se reúne en un jardín de Dinamarca para
soñar con los ojos abiertos, en una peregrinación
que dura sólo un día. Aguardan la noche de comienzo
del verano, la noche de San Juan. Al alba, como
todos los años, el sol empezará a bailar durante
unos instantes. Están bien provistos de botellas,
suficientes para anegar los recuerdos de los
hermanos fallecidos.
Esperan a un amigo que viene de otro continente. Le
van a presentar el mundo encantado de Andersen, para
lo que se internan en el universo anárquico de las
fábulas. Europa está en paz. Por lo menos, su país.
O quizá sólo su jardín. En ese espacio cerrado, las
horas parecen detenerse. Los relatos macabros
adquieren la amabilidad de una mirada infantil. Los
cuentos (La caja de yesca, Las zapatillas rojas,
El soldadito de plomo, La sombra) se vuelven del
revés y pasan a parecer pesadillas.
El día de los sueños con ojos abiertos tiene el
ritmo y el espacio de un arabesco, avanza y
retrocede, contradice los relojes, los calendarios y
la geografía. Cuando la peregrinación se aproxima a
su meta, los soñadores se dan cuenta de que su día
de verano ha durado una vida. (Odin
Teatret). |
SALA JUAN
DE LA CRUZ
NI SOMBRA DE LO QUE FUIMOS,
de Eusebio Calonge (TEATRO)
Compañía: LA ZARANDA-TEATRO INESTABLE DE ANDALUCÍA LA BAJA
Intérpretes: Gaspar Campuzano, Francisco Sánchez, Enrique
Bustos, Fernando Hernández y Carmen Sampalo
Dirección: PACO DE LA ZARANDA
Estreno en Madrid
País: España (Andalucía)
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio)
28 al 31 de octubre 20.30 horas
| Todavía da vueltas
el carrusel. Aunque como música solo tenga el crujir
del moho, el rechinar de la herrumbre, como una voz
ahogada que nos hable de la soledad y el abandono.
Ahí quedó el viejo carrusel, entre el sepia del
daguerrotipo y lo renegrido de las intemperies. Y
girando con él, en este triste remolino de la
memoria, estos destinos: errabundos y levantiscos,
anónimos quijotes en un mundo que se desvanece.
Tienen la edad imprecisa de quienes hollaron todos
los caminos, saben de oscuridades y extravíos. Y
siempre dudan, si seguir para delante o si volverse,
si partir ahora o si esperar. Porque para alguna
parte hay que echar, en este tránsito, en estas
vueltas por el reloj del mundo, rueda aciaga de la
fortuna, veleta enloquecida, en la que giramos
siempre, carrusel de esperanzas y fracasos, buscando
entre las sombras que pasan fugaces una cara
conocida, alguien de quien ya olvidamos el nombre. (La
Zaranda). |
SANTA
JUANA DE LOS MATADEROS, de Bertolt Brecht (TEATRO)
Compañía: TEATRE LLIURE
Intérpretes: Nao Albet, Pere Arquillué, Ivan Benet, Joan
Carreras, David Cuspinera, Quim Dalmau, Daniela Feixas, Nathalie
Labiano, Áurea Márquez, Keith Morino, Alícia Pérez, Ana Roblas,
Eugeni Roig, Oriol Rossell (dj), Àngels Sánchez y Jacob Torres
Dirección y adaptación: ÀLEX RIGOLA
Estreno en la Comunidad de Madrid
País: España (Cataluña)
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 45 minutos (sin intermedio)
Una coproducción de Teatre Lliure, Salzburger Festspiele (Young
Directors Project powered by Montblanc) y Festival GREC de
Barcelona. Con la colaboración del Festival Temporada Alta 2004,
Teatre Bartrina de Reus y Teatro Central de Sevilla.
11 al 14 de noviembre 20.30 horas
| “ego ego ego
nos movemos pensando en nuestro beneficio ego ego
ego tenemos la sociedad que nos merecemos ego
ego ego pero no todo el mundo tiene la
posibilidad de escoger ego ego ego people killin
people dyin children hurt and you hear them cryin
ego ego ego a ellos les toca comerse nuestra
mierda ego ego ego revisemos entonces una vez
más ego ego ego cómo somos y hacia dónde
vamos ego ego ego para cagarnos otra vez en
nosotros mismos ego ego ego where is the love the
love the love ego ego ego aceptamos que vivimos
como maulers ego ego ego que somos mitad
slift y mitad juana ego ego ego que la
mayoría no estamos dispuestos a cambiar ego ego
ego and the fault is my own and the fault is my own
ego ego ego Mauler dice los hombres no me
conmueven no son inocentes son carniceros los bueyes
sí me dan pena, pero el hombre es malo y antes de
que el mundo cambie debe cambiar el hombre ego
ego ego y Santa Juana dice los que están abajo
son retenidos abajo para que los que están arriba
sigan arriba y la bajeza de los de arriba no tiene
límite y aunque fueran mejores no serviría de nada
porque el sistema que han inventado no tiene
parangón: explotación y desorden bestial y por tanto
incomprensible ego ego ego la puta condición
humana ego ego ego where is the love the love the
love...” (Àlex Rigola). |
LOS CUATRO ELEMENTOS
(flamenco)
(DANZA)
Coreografías y baile: CARMEN CORTÉS, ALEJANDRO GRANADOS, MAYTE
BAJO, BELÉN MAYA y ROCÍO MOLINA
Música: Gerardo Núñez
Dirección: RAMÓN OLLER
Estreno absoluto
País: España (Comunidad de Madrid)
Duración aproximada: 1 hora y 15 minutos (sin intermedio)
21, 22 y 23 de octubre - 20.30 horas
Cuatro artistas. Cuatro estilos que forman el mundo del
flamenco. Cuatro elementos, distintos e individuales, aunados
bajo el concepto escénico de Ramón Oller y la música de Gerardo
Núñez.
A partir de los cuatro elementos esenciales -agua, fuego, aire y
tierra- recorremos las diferentes formas de sentir el baile
flamenco. Del fuego racial de Carmen Cortés, al sinuoso y
fluyente baile de Belén Maya y Rocío Molina; del baile de raíz,
aferrado a la tierra, de Alejandro Granados, a la danza etérea
del Nuevo Ballet Español, interpretada por Mayte Bajo. (Los
cuatro elementos). |
EL REY LEAR, de William Shakespeare (TEATRO)
Compañía: TEATRE ROMEA DE BARCELONA
Intérpretes: José María Pou, Santi Pons, Pep Ferrer, Pep Cruz,
Carles Canut, Lluís Villanueva, Francesc Garrido, Dani Klamburg,
Boris Ruiz, Mingo Ràfols, Àngels Bassas, Roser Camí y Ana
Ycobalzeta.
Traducción al castellano: Joan Sellent
Dirección: CALIXTO BIEITO
Estreno en la Comunidad de Madrid
País: España (Cataluña)
Idioma: español
Duración aproximada: 2 horas y 30 minutos (con intermedio)
4 al 14 de noviembre (descanso el lunes 8) -
de martes a sábado: 20.30 horas; y domingos: 19 horas
Un rey decide repartir el reino entre sus tres hijas,
proporcionalmente al amor que cada una declare profesarle. Así
es como se inicia la acción de El rey Lear, pero Shakespeare va
mucho más allá de este esquema de cuento tradicional y nos
ofrece una reflexión profunda sobre la condición humana; la
crónica de un viaje del hombre por las turbulencias que sus
propios errores desencadenan y una incursión en los territorios
de la locura y la ceguera como peajes para poder acceder a la
lucidez.
De todas las tragedias de Shakespeare, quizás ninguna otra nos
presenta unos componentes de absurdo y de crueldad tan
claramente precursores de la vanguardia teatral de los últimos
cien años, ni una vigencia tan rotunda a la hora de exponer sin
concesiones las caras más sórdidas del mal. (Joan Sellent). |
Foto: Hugo Glendiniing |
THE DOG IN THE MANGER (EL PERRO DEL HORTELANO), de Lope de Vega
(TEATRO)
ROYAL SHAKESPEARE COMPANY
Intérpretes: Claire Cox, Rebecca Johnson, Katherine Kelly,
Melanie MacHugh, Emma Pallant, Joseph Chance, Julius D’Silva,
Joseph Millson, Oscar Pearce, John Ramm, Matt Ryan, Peter
Sproule, John Stahl, Simon Trinder, John Wark y Oliver Williams
Traducción al inglés: David Johnston
Dirección: LAURENCE BOSWELL
Estreno en España
País: Reino Unido
Idioma: inglés (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 2 horas y 45 minutos (con dos intermedios)
23 y 24 de octubre - día 23: 20 horas y día 24: 18 horas
Una comedia de amor, honor y ambición que transcurre en Nápoles.
La historia narra el dilema que a una condesa le plantea su
unión con un humilde secretario, por lo que conlleva de desafío
a lo socialmente aceptable para la época. El secretario miente y
declara ser el hijo perdido de un viejo y rico hombre de estado.
Entonces la condesa decide casarse con él. Pero justo antes de
la boda, él confiesa su engaño.
Tras muchas tribulaciones, la condesa decide casarse con él de
todas formas, acordando mantener el secreto. (Royal Shakespeare
Company). |
HOUSE OF DESIRES (LOS EMPEÑOS DE UNA CASA), de Sor Juana Inés de
la Cruz (TEATRO)
ROYAL SHAKESPEARE COMPANY
Intérpretes: William Buckhurst, Claire Cox, James Chalmers,
Julius D’Silva, Rebecca Johnson, Katherine Kelly, Joseph Millson,
Vinta Morgan, Emma Pallant, Oscar Pearce, Peter Sproule, Simon
Trinder y Joanna van Kampen
Traducción al inglés: Catherine Boyle
Dirección: NANCY MECKLER
Estreno en España
País: Reino Unido
Idioma: inglés (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 2 horas y 30 minutos (con dos intermedios)
26 y 27 de octubre - 20 horas
Es una farsa romántica. La historia de dos hermanos, enredados
en un lío amoroso junto con otros personajes.
Doña Ana, la hermana, adora a don Cristóbal, pero es perseguida
por su antiguo amor don Juan. El hermano asedia a doña Leonor,
quien también ama a Cristóbal, el objeto de deseo de doña Ana.
El hermano descubre que don Cristóbal está a punto de fugarse
con doña Leonor, por lo que decide raptarla y llevarla a su
casa.
Tras múltiples idas y venidas de la casa de doña Ana, ésta
reconoce que continúa enamorada de don Juan, mientras que don
Cristóbal y Leonor terminan por fin juntos. (Royal Shakespeare
Company). |
Foto: Robert Day |
TAMAR’S REVENGE (LA VENGANZA DE TAMAR), de Tirso de Molina
(TEATRO)
ROYAL SHAKESPEARE COMPANY
Intérpretes: William Buckhurst, James Chalmers, Joseph Chance,
Julius D’Silva, Rebecca Johnson, Katherine Kelly, Melanie
MacHugh, Vinta Morgan, Emma Pallant, Matt Ryan, Peter Sproule,
John Stahl, Joanna Van Kampen, John Wark y Oliver Williams
Traducción al inglés: James Fenton
Dirección: SIMON USHER
Estreno en España
País: Reino Unido
Idioma: inglés (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 2 horas y 50 minutos (con dos intermedios)
28 y 29 de octubre - 20.30 horas
Amón, hijo de David, escucha el canto de una bella voz femenina
de la que se enamora ciegamente. Más tarde descubre que la voz
pertenece a su hermana y comienza a obsesionarse con ella.
Urde una trama para seducirla, contándole que está sufriendo
grandes tormentos por el amor no correspondido que siente hacia
una misteriosa mujer. Trata de convencerla de que su única
posibilidad de curación reside en que ella consienta ser el
objeto de su amor.
Amón acaba siendo asesinado por uno de sus hermanos cuando se
descubre que ha forzado a su propia hermana. El lado oculto de
esta acción se encuentra en que el hermano fraticida no sólo
desea vengar a su hermana sino, además, socavar la autoridad de
su padre y ocupar así su lugar como cabeza de familia. (Royal Shakespeare Company). |
PEDRO, THE GREAT PRETENDER (PEDRO DE URDEMALAS), de Miguel de
Cervantes (TEATRO)
ROYAL SHAKESPEARE COMPANY
Intérpretes: William Buckhurst, Joseph Chance, Claire Cox, James
Chalmers, Julius D’Silva, Rebecca Johnson, Katherine Kelly,
Melanie McHugh, Joseph Millson, Vinta Morgan, Emma Pallant,
Oscar Pearce, John Ramm, Matt Ryan, Peter Sproule, John Stahl,
Simon Trinder, Joanna van Kampen, John Wark y Oliver Williams
Traducción al inglés: Philip Osment
Dirección: MIKE ALFREDS
Estreno en España
País: Reino Unido
Idioma: inglés (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 3 horas (con dos intermedios)
30 y 31 de octubre - día 30: 20 horas y día 31: 18 horas
Cuenta las andanzas de un pobre hombre, un adorable embaucador,
cuya finalidad es auxiliar a todo el mundo en sus lances
amorosos.
Ayuda a una mujer que padece mal de amores. Más tarde tropieza
con un grupo de gitanos a los que se une, enamorándose
perdidamente de una bella gitana que acaba casándose con un Rey.
Durante su viaje le asaltan dudas sobre su verdadera identidad
pero, finalmente, logra encontrarse a sí mismo. Sus aventuras
concluyen cuando conoce a unos actores y consigue realizarse
viviendo su auténtica vocación. (Royal Shakespeare Company). |
Foto: Eric Labbé |
LA CELESTINA ALLÁ CERCA DE LAS TENERÍAS, A LA ORILLA DEL RÍO, de
Fernando de Rojas, en versión de Michel Garneau (TEATRO)
Compañía: EX MACHINA
Intérpretes: Nuria Espert, Miguel Palenzuela, Carmen Arévalo,
David Selvas, Carmen del Valle, Pep Molina, Nuria Moreno,
Roberto Mori, Nuria García, Marta Fernández-Muro y Manuel
Puchades
Traducción al castellano: Álvaro García Meseguer
Escenografía: Carl Fillion
Creación y dirección: ROBERT LEPAGE
Estreno en la Comunidad de Madrid
Países: Canadá y España
Idioma: español
Duración aproximada: 2 horas y 20 minutos (sin intermedio)
Una coproducción de Ex Machina con La Fundación de la Comunidad
Valenciana, Ciudad de las Artes Escénicas (Generalitat
Valenciana); Forum Barcelona 2004; Teatre Lliure; Salamanca
2005. Plaza Mayor de Europa; y Teatro Cuyás de Las Palmas de
Gran Canaria.
Producción ejecutiva de Ex Machina (Canadá) e YSARCA, productora
delegada en España.
6 al 14 de noviembre (descanso el lunes 8) -
de martes a sábado:
20 horas; y domingos: 18 horas
En el maremagno de ideas y corrientes de finales del siglo XV,
en Burgos y Salamanca, el mundo estaba en efervescencia. Hoy día
nos encontramos de nuevo en un torbellino similar, en el cual
florecen culturas diferentes y se enfrentan convicciones
morales, políticas y religiosas de toda clase. Por esa razón
pienso que es ahora el momento oportuno para indagar en La
Celestina, esa magna fuente del drama mundial.
Para dar a luz a este ambicioso proyecto nos hemos tomado un
tiempo de maduración, con objeto de poder realizarlo en las
mejores condiciones posibles. Una peregrinación a Salamanca
-cuna del autor- nos permitió alimentarnos espiritualmente,
diversos encuentros nos han enriquecido culturalmente, muchas
lecturas nos han transportado a lugares hasta entonces
desconocidos. Y por casualidad llegó un día la revelación.
En el marco de otro proyecto de trabajo con doña Nuria Espert,
de repente me sentí fulminado: ¡tenía frente a mí, en pie, a la
Celestina! Al encontrarse uno así con su Celestina, no hay otra
cosa que hacer más que dejarse embrujar por el universo de
Fernando de Rojas. Tras el acuerdo con la muy estimada señora
Nuria Espert, tenía yo unas sólidas bases y un formidable apoyo
para iniciar esta maravillosa aventura.
¡Qué felicidad, poder vivirla hoy plenamente! (Robert Lepage). |
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TEATRO DEL INSTITUTO FRANCÉS |
Foto: P. Víctor/Maxppp |
CHARLES GONZALÈS DEVIENT CAMILLE CLAUDEL (CHARLES GONZALÈS SE
TRANSFORMA EN CAMILLE CLAUDEL), de Charles Gonzalès (TEATRO)
Textos: Camille Claudel, Paul Claudel y Auguste Rodin
Dirección e Interpretación: CHARLES GONZALÈS
Estreno en España
Países: Francia
Idioma: francés (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
4, 5 y 6 de noviembre - 20 horas
En 1987, con la aparición de la obra de Jacques Cassar,
Dossier Camille Claudel, el nombre de la artista salió del olvido en que
había caído desde el homenaje que le rindió su hermano Paul en
un texto titulado Mi hermana Camille (1951). Construir un
espectáculo a partir de las cartas de esta artista, en el año
2003, es querer seguir “haciendo revivir este noble y gran
recuerdo”, como escribía Mathias Morhardt, en 1929.
Este espectáculo no es una elaboración novelada de la vida de
Camille, sino la plasmación en voz, cuerpo y luz de una
selección de cartas dirigidas a Rodin, Paul, M. Morhardt,
Maurice Fenaille, Eugène Blot, el doctor Michaux, su madre...
Unas vinculadas al periodo creativo y amoroso; luego están las
de la persecución; y, por último, las dirigidas a su madre desde
Montevergues, el manicomio en el que Camille permaneció
internada más de treinta años.
Mi objetivo no es actuar como una mujer, ni adoptar actitudes
femeninas, sino, por el contrario, conservar mi físico de hombre
y mi voz de hombre para que la mujer desaparezca, borrada por la
artista. La intensidad de las palabras y la imagen permiten
olvidar que es un hombre el que interpreta el personaje de
Camille Claudel. Este espectáculo cuenta una vida interior
excepcional, bendecida, frágil; una vida entregada por entero al
arte… hasta la desgracia. (Charles Gonzalès). |
THE SONG OF SONGS (EL CANTAR DE LOS CANTARES) (TEATRO)
Compañía: MENO FORTAS
Intérpretes: Aldona Bendoriute, Salvijus Trepulis, Povilas
Budrys, Ausra Pukelyte, Diana Gancevskaite y Vaidas Vilius
Música: Mindaugas Urbaitis
Dirección: EIMUNTAS NEKROSIUS
Estreno absoluto
País: Lituania
Idioma: lituano (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 3 horas (con dos intermedios)
Una producción de Meno Fortas (Vilnius -Lituania) con
coproducción del XXI Festival de Otoño y el Baltic Theatre di
San Pietroburgo. Y la colaboración del Ministerio de Cultura
lituano y Aldo Miguel Grompone, Roma.
21 al 24 de octubre - días 21, 22 y 23: 20.30 horas y día 24: 18
horas
El carácter descriptivo de El Cantar de Salomón y el amor
místico -entre Dios y los hombres- exaltado con frases
pasionales que llegan al erotismo, han interesado desde siempre
a Nekrosius.
El cantar de los cantares no es, ni mucho menos, un simple
documento histórico sobre las prácticas nupciales o los cantos
de amor del pueblo judío. Es una celebración del amor humano
como gran símbolo (no como mera metáfora) de múltiples valores y
significados.
De las ocho partes en las que se divide el texto bíblico,
Nekrosius extrae versos para utilizarlos en este montaje
teatral. Pero transfiere la acción, del escenario rural
-descrito por Salomón- a un entorno urbano. No habrá viñedos ni
corderos, ni otras características de la vida en el campo.
Nekrosius va a hablar del amor, pero también del desarrollo y el
cambio de civilizaciones que está fundamentalmente relacionado
con la cultura urbana. (Meno Fortas). |
HOME AND HOME / FLUKE (DANZA CONTEMPORÁNEA)
Compañía: CULLBERG BALLET
Coreografías: JOHAN INGER / MATS EK
Bailarines: por determinar
Música: JS Bach, Amon Tobin, André Ferrari, Bogdan Raczinsky y
Flesh Quartet
Dirección artística: JOHAN INGER
Estreno en la Comunidad de Madrid
País: Suecia
Duración aproximada: 1 hora y 55 minutos (con intermedio)
27 al 30 de octubre - 20.30 horas
Johan Inger, que asumió la dirección artística del Cullberg
Ballet en 2003, crea por primera vez un ballet para la compañía
con Home and Home. Esta obra se sitúa en el terreno fronterizo
entre el significado y el vacío de significado, el sueño y la
realidad, el frente y la espalda, lo cierto y lo incierto, la
vida y la muerte.
En cuanto a Fluke, “es el título de un fragmento musical del
espectáculo, que dio nombre a todo el trabajo. Frente a dos
grandes cubos se producen una serie de acontecimientos,
situaciones y posiciones. La sombra abstracta, implacable,
proporciona una forma al pequeño cuerpo. Un tipo de matrimonio
dentro del que existimos todos nosotros, con casa, normas y
convicciones. Una unión que, junto con la música, aporta ideas
que podían haberse representado igualmente en el orden inverso
– y al mismo tiempo no.” (Mats Ek). |
COMEDIA TEMPIO (DANZA CONTEMPORÁNEA)
Compañía: CENTRE CHORÉGRAPHIQUE NATIONAL D’ORLEANS - JOSEF NADJ
Coreografía y dirección: JOSEF NADJ
Bailarines: Istvan Bickei, Denes Debreï, Peter Gemza, Kathleen
Reynolds ou Mathilde Lapostolle, Nasser Martin-Gousset, Josef
Nadj, Laszlo Rokas, Joseph Sarvari, Gyork Joseph Szakonyi y
Cécile Thiéblemont
Música : Stevan Kovacs Tickmayer
Estreno en España
País: Francia
2, 3 y 4 de noviembre - 20.30 horas
Geza Csath es una figura que representa el espíritu de
modernidad de comienzos del siglo XX. Y ahora siento una gran
necesidad de volver a las cuestiones esenciales que se debatían
en aquella época, a interrogantes que Csath se planteó y que
siguen sin respuesta.
Él, en su diario, elabora el esbozo de un proyecto teatral para
el que sólo quiere emplear música y movimiento, sin ninguna
palabra. Su muerte interrumpe esta investigación. Lo que yo hago
ahora es recuperar el hilo de esta utopía teatral. Necesitaba
culminar un proyecto por el que él dio su vida, hacer que su
destrucción no fuera en vano.
Csath está en una situación imposible de interpretar. La única
respuesta es el espectáculo burlesco, esa forma alucinada que
produce la risa a partir de una situación trágica. Y todo el
montaje de Comedia Tempio se desarrolla sobre ese único
registro. (Josef Nadj). |
Foto: David Baltzer/Agentur Zenit |
DIE ZEHN GEBOTE (LOS DIEZ MANDAMIENTOS), adaptación de Christoph
Marthaler sobre la obra Decálogo en verso, prosa y música, de Raffaele Viviani (TEATRO)
Compañía: VOLKSBÜHNE AM ROSA-LUXEMBURG-PLATZ
Intérpretes: Hildegard Alex, Rosemarie Bärhold, Susanne
Düllmann, Heide Kipp, Matthias Matschke, Sophie Rois, Jürgen
Rothert, Clemens Sienknecht, Ulrich Voss, Winfried
Wagner, Horst Westphal y Martin Wuttke
Dirección musical: Clemens Sienknecht
Dirección: CHRISTOPH MARTHALER
Estreno en España
País: Alemania
Idioma: alemán (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 2 horas y 30 minutos (sin intermedio)
7 y 8 de noviembre -
día 7: 18 horas y día 8: 20.30 horas
Christoph Marthaler, director del Schauspielhaus Zurich,
acompañado de su co-directora y escenógrafa, Anna Viebrock,
emprende un viaje, músico-teatral, de descubrimiento de los
estados existenciales y mentales de la Alemania unificada. Se
sumerge en una tarea de investigación teatral de la “paciencia
airada y la utilización improvisada de las cosas rotas; la
salvación de los gestos apaciguadores y los rituales mágicos de
las cosas y las palabras simples” (Thomas Hauschild).
Raffaele Viviani era el poeta de la gente corriente, que vive en
las callejuelas típicas del centro de Nápoles, y de su
catolicismo pragmático. Personajes e historias, que presentan
similitudes sorprendentes con nosotros. Y, así, en Die Zehn
Gebote, Marthaler se consagra al encuentro con una cultura que
está muy cerca de la nuestra y, a la vez, infinitamente alejada:
el estilo de vida del Mezzogiorno al sur de Italia. (Andrea Koschwitz). |
LE PONT DE SAN LUIS REY (EL PUENTE DE SAN LUIS REY), de Thornton
Wilder (TEATRO)
Compañía: THÉÂTRE VIDY-LAUSANNE
Intérpretes: Paula Brunet-Sancho, Jerry Di Giacomo, Daniela
Labbé-Cabrera, Christian Pélissier, Véronika Varga y Robinson
Stevenin
Música: Franck Frenzy
Dirección: IRINA BROOK
Estreno en España
País: Suiza
Idioma: francés (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: por determinar
Una producción de Théâtre Vidy-Lausanne E.T.E. y Les Gémeaux,
Scène nationale Sceaux.
12, 13 y 14 de noviembre - días 12 y 13: 20.30 horas y día 14:
18 horas
Irina Brook quiere abordar en su nuevo espectáculo el tema del
destino. Parte de una situación concreta para alcanzar una
dimensión mucho más amplia, sin excluir el humor. ¿Por qué una
persona se ve más afectada que otra? ¿Tienen una lógica los
accidentes?
Obsesionada por estos interrogantes, se acuerda de una novela
que le impresionó en su adolescencia: El puente de San Luis Rey,
de Thornton Wilder, un clásico de la literatura anglosajona.
En el libro, Irina ha reencontrado los temas que le atormentan.
La acción se desarrolla a comienzos del siglo XVIII en Perú: un
puente admirado por todos se viene repentinamente abajo y
arrastra a cinco personas al abismo. Al principio, un misionero
intenta hallar en los hechos y las vidas de esas personas una
“lógica divina”. Pero en vano. Entonces se abre un horizonte
extraordinario, lleno de reflexiones y resonancias. ¿Estaban
relacionadas entre sí las víctimas? ¿Tenían motivos concretos
para estar allí justo en el momento del accidente? ¿No será que
siempre se nos escapa algún elemento esencial que rige nuestras
vidas y nuestras desapariciones? "Se trata -dice Irina Brook- de
preguntarse sobre el milagro permanente que es la vida y, al
mismo tiempo, sobre la fuerza del amor entre seres humanos."
(René Zahnd). |
LOS MUNDOS DE FINGERMAN, de Inés Pasic (TEATRO VISUAL)
Compañía: GAIA TEATRO
Intérpretes: Inés Pasic y Gabriela Bermúdez
Dirección: INÉS PASIC
Estreno en la Comunidad de Madrid
Países: Perú y Bosnia
Idioma: sin texto
Duración aproximada: 55 minutos (sin intermedio)
20 al 23 de octubre - 20.30 horas
Es la historia de los viajes de Fingerman desde un mundo
perfecto, libre y con posibilidades infinitas, en el que nace,
hasta llegar a la tierra -el mundo de las consecuencias de la
caída-. Allí, el personaje crea su reino, con el trabajo, e
intenta hacerlo a imagen del mundo perfecto en el cual fue
concebido.
El lenguaje utilizado en este montaje consiste en figuras
corporales sostenidas por ritmos musicales y sin la palabra. El
cuerpo de Fingerman es la mano humana y el personaje descubre
que está hecho de la misma materia prima (cuerpo humano) que los
mundos por los cuales transita. Eso le confirma la imposibilidad
de una separación y que cada apariencia de su cuerpo es sólo un
alejamiento, doloroso y desastroso, para los que creen que es
real. (Gaia Teatro). |
TWIN HOUSES (ADOSADOS) (TEATRO- DANZA)
COMPAGNIE MOSSOUX / BONTÉ
INTÉRPRETE: NICOLE MOSSOUX
MUSICA ORIGINAL: CHRISTIAN GENET
DIRECCIÓN: Nicole Mossoux Y Patrick bonté
Estreno en la Comunidad de Madrid
País: Bélgica
Idioma: sin texto
Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)
Una coproducción de Mossoux / Bonté con Charleroi/Danses (Centre
Choréographique de la Communauté française Wallonie/Bruxelles),
el Atelier Sainte-Anne y Les Brigittines. Con el apoyo del CGRI
(Commisariat Général aux Relations Internationales de la
Communauté française Wallonie/Bruxelles), Théâtre Varia,
Bruselas.
1, 2, 4 y 5 de noviembre - 20.30 horas
Twin Houses, formado por una serie de cuentos breves (a veces
crueles y a veces burlescos), aborda la sensación de no estar a
solas, de sentirnos repentinamente invadidos por fuerzas ajenas,
por seres que se apoderan de una parte u otra de nuestro cuerpo
y empiezan a actuar en nuestro lugar.
Dichas presencias están encarnadas en cinco maniquíes que,
enganchados a la manipuladora como si se tratara de hermanos
siameses, mantienen complejas relaciones con ella. Comparten el
mismo cuerpo y, al tiempo, resultan mutuamente insoportables e
indispensables. Así que ¿cómo matar al propio doble, cuando cada
golpe engendra a nuestro alrededor una conspiración cuyo peligro
ignoramos? Esos seres que han tomado cuerpo, nuestro cuerpo,
saben y nosotros no sabemos. Además, ¿quién soy yo? ¿cuál de
ellos soy yo? ¿dónde acabo? (Mossoux / Bonté). |
2004 (PAISAJES, RETRATOS Y UNA NATURALEZA MUERTA), de Carlos Marquerie (TEATRO)
COMPAÑÍA LUCAS CRANACH
Intérpretes: Montse Penela, Emilio Tomé y Carlos Marquerie
Dirección: CARLOS MARQUERIE
Estreno absoluto
País: España (Comunidad de Madrid)
Idioma: español
Duración: por determinar
10 al 13 de noviembre - 20.30 horas
Al vincular teatro y pintura en el título no existe una
intención de simular o de huir de las convenciones teatrales
(aunque la obra no sea en ningún momento convencional). Es una
afirmación relacionada con la materia de la obra, su
construcción, su estructura; con la manera de mostrarse al
público, sin la envoltura espectacular que suele acompañar al
teatro y con la claridad del pintor al aplicar la materia sobre
el cuadro.
Hay pintura en la obra y también teatro, pero con un rechazo
frontal a la espectacularidad.
¿Cómo hacer espectáculo cuando
andamos saciados de la política-espectáculo, de la
publicidad-espectáculo, de la cultura-espectáculo, de la espectacularización de la vida con la consiguiente desilusión y
desesperación que supone la no-ficción y la realidad
político-social-económico-militar que impera en el planeta?
Esta obra habla de la memoria: de la memoria olvidada o
secuestrada y de la que debemos construir hoy para encarar el
futuro. Podríamos haber llamado a esta obra Paisaje de la
memoria o, para emplear otros términos, Geografía humana de la
memoria.
Un hombre camina y observa los paisajes de la memoria y los que
nos rodean en este 2004 (Madrid, Irak, Palestina, etc.).
Sumergido en el horror, y sin olvidarlo, emprende de forma
paralela su búsqueda personal de la belleza. Pero la idea de
belleza convencional muere ante la muerte e impera la necesidad
de restituirla, de rastrear aquello que trasciende la percepción
y encontrar como puede sobrevivir el espíritu en convivencia con
la destrucción. (Carlos Marquerie). |
Foto: Ramón Senera/Agence Bernard |
LE MALADE IMAGINAIRE (EL ENFERMO IMAGINARIO), de Molière
(TEATRO)
Compañía: COMEDIE FRANÇAISE
Intérpretes: Alain Pralon, Muriel Mallete, Catherine Sauval,
Christian Blanc, Alain Lenglet, Lauren Stocker, Nicolas Lormeau,
Julie Sicard, Daniel Znyk, Penélope Cellier, Nina Cruveiller,
Louisa Pili, Christian Silhol, Carole Segura-Kremer (soprano),
Jean-Christophe Hurtaud (tenor), Philippe Degaëtz (bajo) y
Anne-Laure Leliévre (clavecín)
Dirección: CLAUDE STRATZ
Estreno en España
País: Francia
Idioma: francés (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 2 horas y 10 minutos (sin intermedio)
15, 16 y 17 de octubre -
días 15 y 16: 20 horas y día 17: 18 horas
Cuando Molière escribió Le malade imaginaire, sabía que estaba
gravemente enfermo. Su última obra es una comedia, pero cada
acto termina con una evocación de la muerte. No podemos dejar de
ver, detrás del personaje de Argan, al autor moribundo que juega
con el sufrimiento y la muerte. Un tema que, trágico en la vida,
se vuelve cómico en el escenario, puesto que el autor utiliza su
propia desgracia para hacernos reír.
El enfermo real hace de falso enfermo. Toda la obra gira en
torno a la oposición entre verdadero y falso: verdadero o falso
maestro de música, verdadero o falso médico, verdadera o falsa
enfermedad. La verdad surge de la mentira.
Molière propone una partitura formidable, llena de rupturas y
contradicciones, en la que lo cómico y lo trágico están
estrechamente imbricados entre sí. Una gran comedia que
incorpora ciertos esquemas de la farsa. (Claude Stratz). |
WINGS OF WAX / WHEREABOUTS UNKNOWN / SIGNING OFF (ALAS DE CERA /
PARADERO DESCONOCIO / DESPEDIRSE) (DANZA CONTEMPORÁNEA)
Compañía: NEDERLANDS DANS THEATER I (NDT I)
Coreografías: JIØÍ KYLIÁN / JIØÍ KYLIÁN / LIGHTFOOT-LEÓN
Bailarines: por determinar
Música: Heinrich von Biber, John
Cage, Philip Glass, J.S. Bach, Antón Webern, Steve Reich,
Charles Ives y Michel de Roo, entre otros
Dirección artística: ANDERS HELLSTRÖM
Estreno en la Comunidad de Madrid
País: Países Bajos
Duración aproximada: 2 horas (con dos intermedios)
20 al 24 de octubre - del 20 al 23:20 horas y día 24: 18 horas
En el título, Alas de cera, Kylián se refiere a Ícaro, que ha
decidido volar tan alto que el sol hace que la cera de sus alas
se funda. La coreografía se inicia con una imagen dramática y
fascinante: un árbol desnudo, colgando del revés con sus raíces
al aire sobre el escenario.
En Whereabouts Unknown (Paradero desconocido) “hay una línea que
preside mi trabajo, que siempre se remonta al paradero de
nuestra existencia. En las danzas de los aborígenes australianos
o en los ritmos, rituales, las máscaras de los africanos, etc.,
el punto que me interesa es el mismo: las huellas que han dejado
las civilizaciones antiguas. “El intento consiste en viajar a su
mundo para descubrir el nuestro; para descubrir los que están
por encima y los que están bajo tierra.” (Jiøí Kylián)
La tercera parte del programa, la nueva coreografía del binomio
Lightfoot-León, “tiene un carácter melancólico, y un tono
resignado. Decir adiós es como morir un poco. La muerte tiene un
papel preponderante en este trabajo. Así, una joven de blanco
está sola de pie en el escenario hasta que tres figuras
angelicales se unen a ella junto con la propia muerte, vestida
de negro.” (Eddie Vetter). |
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