Escena Contemporánea V. Programación. 2005 Imprimir
Escrito por www.madridteatr.net   
Lunes, 12 de Abril de 2010 09:35
ESCENA CONTEMPORÁNEA
V FESTIVAL ALTERNATIVO DE LAS ARTES ESCÉNICAS

[2005-01-29]

Del 23 de enero al 25 de febrero de 2005.

 

ESCENA CONTEMPORÁNEA
V FESTIVAL ALTERNATIVO
DE LAS ARTES ESCÉNICAS

 



Del 23 de enero al 25 de febrero de 2005


Compañía C. Loy / Cécile Loyer – Francia                               ¡MIRA!

ROIS

PROGRAMACION - DANZA

Dirección, coreografía e interpretación: Cécile Loyer.
Asistente en escena: Jean-Baptiste Bernadet Ariztia.
Luces y escenografía: Jean-Baptiste Bernadet Ariztia.
Música: Claudine Longet y Jean Baptiste Bernadet Ariztia.
Fotografía: Jean-Baptiste Bernadet Ariztia.

 

Teatro Pradillo 25 y 26 de enero – 20:30 h.
La Nave de Cambaleo 29 y 30 de enero – 21 h.

Más información

           www.cecileloyer.com
           www.teatropradillo.com
           www.arrakis.es/~cambaleo/


 


Foto: Jean B. Bernadet
Cécile Loyer danza en Rois sus cuestionamientos sobre la actualidad, una actualidad que permite lo que Salman Rushdie denomina la “esperactomía” o la ablación de la esperanza.

Tema: El tiempo que vivimos nos sitúa frente a una enorme máquina, con algunos años pero perfectamente engrasada, en la que nos adentramos con inquietud, contrariados y obedientes. Mientras nos va royendo el silencio aprendemos a roernos mutuamente. La máquina está dirigida por los nuevos reyes que se confunden en la masa, pero que sólo piensan en acaparar, mientras el mundo se siente acabado y cura sus heridas.

Dentro de la pieza un personaje nos acompañará en el viaje, el bufón, el cual permite a la coreógrafa trabajar sobre el poder y la sumisión. El hombre moderno y cosmopolita es identificado con el bufón que, en este caso, es víctima y culpable, es el segundón, al que no se le permite llegar a todo. Esta impotencia le empuja a desarrollar una envidia que le hace odiar y a la vez ser complaciente. Esta conducta facilita el juego de poder / sumisión, el tirano sólo puede imponerse con al complicidad del esclavo, hay un estrecho lazo entre el servilismo y la arrogancia y soberbia del poder.

La coreografía se inspira en las marionetas tradicionales de Java, cuyas figuras tienen fijadas en la espalda unas varillas que permiten manipularlas desde atrás, metáforas del control actuales.

Se trata de un viaje, un desfile de sonidos, de colores, de olores extraídos de periplos imaginarios para descubrir una realidad que no es la nuestra. La bailarina es concebida como espacio que recoge todos los aspectos de las formas del mundo, imágenes muy simples y poéticas de un universo que se reduce.
 
Compañía Sommer Ulrickson – Alemania

CREATURES OF HABIT

PROGRAMACION - DANZA

Dirección y coreografía: Sommer Ulrickson y Ensemble.
Interpretación: Florian Bilbao, Ricardo de Paula, Felix Marchand, Carolina Picard, Anna Luise Recke.
Escenografía: Alexander Polzin, Andreas Greiner.
Luces: André Schulz.
Música: Moritz von Gagern.
Fotografía: Björn Reissmann.

Sala Cuarta Pared
27, 28 y 29 de enero – 21 h.

Más información

           www.cuartapared.com
           www.barbarafriedrich.de
 


FOTO: BJÖRN REISSMANN
Sommer Ulrickson investiga en esta pieza los tipos de comportamiento humano, los mecanismos de protección y defensa que ponen en práctica los individuos para sobrevivir.

Tema: Creatures of habit es un drama humano sobre el cazador y el cazado. En la obra cinco criaturas distintas buscan la perfecta supervivencia humana, el más sofisticado camuflaje, la mejor defensa y el ataque más rápido. Establecen un juego de resistencia en el que cada acción de los personajes oculta la realidad de su opuesto.

Los personajes mantienen una tensa relación con sus propias costumbres, estas “criaturas de hábitos” no pueden llevar a cabo las acciones que acostumbraban a hacer, las que reflejan su personalidad y que les mantendrían en la seguridad de la costumbre, en lugar de esto conviven con obstáculos que les desafían llevándoles más allá de esa zona confortable.

Los intérpretes no se relacionan entre sí, los brazos tendidos para el auxilio son rechazados, los personajes evitan el contacto. Cada uno cierra el cerco, cada personaje está inmerso en sus deseos, sueños y necesidades, siendo este aislamiento y la obsesión por uno mismo el que mejor define la intención de esta coreografía.

El montaje nos sitúa en situaciones decisivas y juegos que implican reflexiones y reacciones de vacilación y duda, de codicia y deseo, secreto, miedo, brutalidad y confusión.

En el aspecto coreográfico, el concepto de la obra no permite a los bailarines caer en un fácil juego de pasos donde uno sigue simplemente al otro y así sucesivamente, cada intérprete ha desarrollado el personaje por sí mismo. Es una pieza en la que el sentido de la danza y del movimiento se establece por sí mismo lentamente, sin necesidad de asociaciones.
 
COMPAÑÍA BALDO MARTÍNEZ GRAND ENSEMBLE - (Madrid) España,
con lacolaboración especial de Valentín Clastrier - Francia ¡MIRA!

PROYECTO MIÑO

PROGRAMACION - MÚSICA JAZZ

Formación Composición, dirección y contrabajo: Baldo Martínez.
Voz: Maite Dono.
Zanfoña, Buzuki y guitarras: Carlos Becerro.
Tuba: Chiaki Mawatari.
Trompeta y fiscornio: David Herrington.
Guitarra eléctrica: Antonio Bravo.
Saxos tenor, soprano y clarinete: Alejandro Pérez.
Batería y percusión electrónica: Pedro López.
Vibráfono, derbuka y percusiones: Carlos Castro.

Círculo de Bellas Artes
27 de enero 20 h. y 28 de enero 22 h.

Más información

           www.elcirculobellasartes.com
 


FOTO: ÓSKAR HENN

 

Dentro del Festival ¡MIRA!, con compañías de Francia y Portugal, se incluye como propuesta española Proyecto Miño.

El proyecto surge como encargo del Festival Internacional de Guimaraes’99 (Portugal) uno de los más destacados de Europa dentro de las corrientes del Jazz europeo actual. Este proyecto trata de la puesta en directo de nueve músicos que, con una variedad tímbrica sorprendente, desarrollan un lenguaje de jazz contemporáneo ensamblado con ritmos inspirados en las músicas tradicionales que surgen alrededor del río Miño, fuente de inspiración para Baldo Martínez. Desde su presentación en el mencionado Festival, donde obtuvo un notable éxito, el contrabajista no ha dejado de preparar nuevos temas y composiciones que ya se han puesto en escena durante su última gira por Alemania.

Proyecto Miño se construye sobre composiciones originales que unen la fusión del jazz contemporáneo y el imaginario popular de los ritmos basados en cancioneros de música tradicional del norte de Portugal, Pontevedra, Orense y Zamora.

El repertorio se completa con otros temas, unos basados en letras tradicionales y otros totalmente originales, trabajando en dúos así como la big band.

El resultado es una música personal enmarcada dentro de las corrientes actuales del jazz europeo con una raíz autóctona fuerte, para lo que se emplean textos y composiciones basadas en temas tradicionales.

Los músicos que han participado en la elaboración de este proyecto d estacan dentro del panorama del jazz internacional.
 
Compañía Marisa Carnesky Company – Reino Unido

JEWESS TATTOOESS

PROGRAMACION - TEATRO

Concepto, creación e interpretación: Marisa Carnesky.
Sonido: Dave Knight, Catherine Gifford,
James Johnson.
Film: Alison Murray.
Vestuario: Nicola Bowery.
Tatuajes: Alex Binnie.
Fotografía: Manuel Vason y Marcus Ahmad.
Idioma: Inglés.

Teatro Pradillo
28, 29 y 30 de enero – 20:30 h.

Más información

           www.marisacarnesky.com
           www.teatropradillo.com
 


FOTO: MANUEL VASON Y MARCUS AHMAD
En Jewess Tattooess Marisa Carnesky mezcla el primitivo melodrama del Teatro Judío con un espacio de feria de actuaciones de segunda. En su extravagante recorrido personal, Carnesky crea una performance con connotaciones rituales, donde la nostalgia por el viejo mundo se enmaraña con la ruptura de tabúes fuertemente enraizados en la tradición de una cultura.

Basándose en el precepto judío que en la Tora proscribe infligir cortes, tatuajes o marcas sobre la piel, la autora explora las implicaciones culturales y religiosas que se plantea una mujer judía que, por elección, tiene buena parte de su cuerpo tatuado. El cuerpo de Marisa Carnesky, dibujado casi por completo con tatuajes, se presenta como un cuerpo vivo reflejo de una contradicción, lleva la marca del desacato, de la prohibición incumplida, pero a la vez es judía. Esta paradoja le hace preguntarse sobre qué significa para ella pertenecer a esta cultura.



La obra se sitúa entre la performance y teatro, en ella Carnesky nos cuenta numerosos historias, anécdotas o citas que ha ido coleccionando sobre las acciones en la piel y su implicación moral.

El montaje, a través de la profanación del cuerpo, habla del holocausto y del género político, y fundamentalmente, busca estimular el diálogo y la reflexión sobre la identidad cultural.
 
COMPAÑÍA PAULO CASTROPortugal ¡MIRA!

CONGRATULATIONS

PROGRAMACION - TEATRO

Dirección: Paulo Castro y Jo Stone.
Interpretación: Paulo Castro, Jo Stone y Miguel Pereira.
Fotografía: Nuno Patinho.
Idioma: Portugués e inglés.

Casa de América
29 y 30 de enero – 20 h

Más información

           www.casamerica.es
 


FOTO: NUNO PATINHO
La pieza puede ser entendida como una metáfora de las relaciones de poder, el deseo de mandar sobre los demás y la voluntad de abusar de ese poder. Una intención conceptual que se articula a través de la frustración profesional de los personajes. Un sueño, lo que se quiere llegar a ser, frente a la aceptación de la situación real de los protagonistas que destilan su frustración en la cocina de un restaurante.

Dos personajes ambicionan conseguir trabajos mejores, ella quiere ser veterinaria o maquilladora de cadáveres, él desea ser un famoso director de cine; ambiciona rodar una película sobre Cristo, con la inspiración de Pasolini y el deseo de superar al maestro y de llegar a ser mejor. Todo el desarrollo de los personajes está vertebrado por el deseo de tener poder, la obsesión de mandar sobre los demás y de decidir.

El deseo de poder será llevado hasta la locura, la obsesión será elevada hasta el exponente máximo, representado en poder comprar la propia locura.
 
COMPAÑÍA SERGI FÄUSTINO(Catalunya) España

LA HISTORIA DE Mª ENGRACIA MORALES

PROGRAMACION - TEATRO

Dirección: Sergi Faustino.
Creación e interpretación: Ángeles Zamora, Joan Simó y Sergi Fäustino.
Entrevistadas y materia prima del trabajo: Mª Dolors, Margi Bernard y Mª Jesús Izquierdo.
Luces: Ana Rovira.
Powerpoint: José Ángel Magliarisi.
Fotografía: Pierre.

Teatro El Canto de la Cabra 3, 4, 5 y 6 febrero – 21 h.
La Nave de Cambaleo 12 y 13 de febrero – 21 h.

Más información

           www.elcantodelacanra.com
           www.arrakis.es/~cambaleo/
 


FOTO: PIERRE
Sergi Fäustino habla de la vejez, le interesan los viejos, su calma y el que para ellos casi todo sea relativo. En nuestros entornos urbanos los viejos o viejas apenas existen, están borrados, para emerger sólo cada cuatro años a propósito de la oportunidad de elegir a un presidente que rastrea su voto. Antes no era así, una persona vieja era valorada por su experiencia, era alguien que daba consejo al haber pasado por lo que los más jóvenes aún no se imaginan.

Algo ha cambiado y, puestos a cambiar, lo ha hecho todo o casi todo, habría que preguntar a los viejos qué es lo que opinan de los “brainstorms”. Este es el punto de partida de esta pieza, es una mirada al tipo de vida actual desde el punto de vista de una persona vieja.

Para desarrollar el montaje Sergi Fäustino ha realizado entrevistas a tres mujeres que están alrededor de los 65 años, y de su discurso ha extraído las ideas que quiere trasladar al lenguaje escénico. La información de estas entrevistas supone la materia prima para la comparación de las estructuras de la sociedad actual con las de hace treinta años. Al establecer esta comparación surge la reflexión de cómo funcionan ahora las cosas y por qué. De este modo el autor retoma las reflexiones que apuntaba en su anterior trabajo, Nutritivo, al reflexionar sobre lo que consideramos en la actualidad como algo normal o fuera de lo normal, y ver cómo esto es relativo, cómo depende del tiempo, de su paso y sus transformaciones.

“Es difícil hablar de la vejez a los 31 años. De hecho, siempre es difícil hablar de la vejez, tengas la edad que tengas. ¿Qué puede decir una persona joven, acompañada de casi toda su familia, con un cuerpo que responde y unas dosis de soledad que más o menos ha escogido? Quizá para hablar de la vejez lo único que se necesita es ser viejo. Quizá se necesita sentir lo que significa que no te queden muchos amigos vivos o haberte encontrado cara a cara con la soledad. O quizá se debe haber vivido y acumulado experiencia para poder así enfrentarse a cualquier situación que pueda deparar la vida con cierta elegancia”. Sergi Fäustino.
 
COMPAÑÍA SOFÍA SILVAPortugal ¡MIRA!

BRANCO

PROGRAMACION - DANZA

Coreografía: Sofía Silva.
Interpretación: Susana Nunes, Tiago Medeiros, Sofía Soromenho (funciones 3 y 4 de febrero) y Carolina Ramos (funciones 5 y 6 de febrero).
Editor de sonido: Carlos Arroja.
Música: Boozoo Bajou, Peter Gabriel, Tomás Gubitsch.
Fotografía: Eurico Melo.
Editor de sonido: Carlos Arroja.

Guindalera Escena Abierta 3 y 4 de febrero – 20 h.
La Nave de Cambaleo 5 y 6 de febrero – 21 h.

Más información

           www.guindalera.com
 


FOTO: EURICO MELO
Un encuentro con la pintura de Malevitch, más específicamente, con su Pintura Negra. Obra que implicó una nueva forma de expresión en la pintura moderna, en la que la propuesta era pintar sin objeto y con un impulso antiacadémico, supuso una radical oposición a la expresión plástica figurativa y naturalista.

La intención del espectáculo no es hacer el retrato de un pintor, una investigación sobre su trabajo y su vida, más bien persigue la huella de una afinidad conceptual que ha estado de manera insistente en el universo creativo de la coreógrafa. De este modo se establece un paralelismo de ideas entre la coreógrafa y el pintor, entrando en el particular universo conceptual de ambos artistas.

Sofía Silva busca un lenguaje no descriptivo y un movimiento que tenga su propia identidad. El cuerpo habla por sí mismo a través del movimiento que produce, por éste revela, condensadas en sus propias acciones, ambigüedades y expresión. La coreografía de Sofía Silva nos muestra un cuerpo que se mueve en el espacio y el tiempo, que toma la acción y reacciona de una manera singular, libre de estereotipos. Es un cuerpo que desea huir de la danza descriptiva y narrativa.
 
COMPAÑÍA L’ALAKRAN COMPAGNIE (LEGALEÓN)Suiza

CEREBRO MAGULLADO 2: KING KONG FIRE

PROGRAMACION - TEATRO

Dirección, puesta en escena y traducción: Oskar Gómez Mata.
Textos de Antón Reixa y Oskar Gómez Mata.
Interpretación: Fabien Ballif, Pierre-Isaïe Duc, Oskar Gómez Mata, Espe López, Delphine Rosay.
Escenografía: Jean-Luc Farquet, Oskar Gómez Mata y Serge Perret.
Luces y técnica: Luc Gendroz.
Música: Charles Wicki y Serge Amacker.
Técnico de sonido: Serge Amacker.
Vestuario: Juncal López.
Fotografía: Steve Iuncker.

Sala Cuarta Pared
4, 5 y 6 de febrero – 21 h.

Más información

           www.alakran.ch
           www.cuartapared.es
 


FOTO: STEVE LUNCKER
Este es el primer montaje que llega a Madrid de la antigua compañía vasca Legaleón – T, después de establecer su residencia en Ginebra.

En Cerebro magullado 2: King Kong Fire la compañía L’Alakran construye la historia de Valentín Sentías, el “ser humano tipo”. El personaje busca en el diccionario la palabra “puta”, este gesto inaugural hará que todo comience, que la existencia entera desfile delante de nuestros ojos admirados.

Todos lo hemos hecho, compartimos la experiencia de acercarnos a ese libro matriz que cataloga y coloca en anaqueles las palabras, que contiene todo lo que existe, porque sólo lo que está nominado tiene la categoría de ser, sólo lo que tiene nombre existe.

El montaje de L’Alakran es una creación presentada al público como una experiencia lúdica, basada en el desarrollo del tiempo presente de la representación. La compañía nos plantea un juego, “¿Quién es Valentín Sentías?”, cuyo sistema de reglas persigue encontrar al ser humano tipo. De este modo se construye la historia de un personaje que somos todos, porque todo el mundo hace el mismo personaje, que se levanta, se cae, ve, comprueba, manifiesta, dice sí, dice no, se maravilla, se pierde y se encuentra en el dédalo de las palabras.

“La manera de cada uno”, el desarrollo de las particularidades de cada actor en relación al sujeto interpretado es lo importante para L’Alakran y una de las características de sus espectáculos.

Los actores entran en el juego e interpretan las reglas cada uno a su manera, los intérpretes desarrollan sus propios lenguajes, sus “alter egos” escénicos. El misterio sobre la escena viene para provocar la capacidad de auto-narración que cada persona trae en sí misma.

Para el director y coautor de la obra, Oskar Gómez Mata, la unión del texto y la escena, cada una con su poética particular, produce la espectacularización de los sentimientos humanos, implica un acceso al tiempo de la mirada que nos permite ver lo inesperado.

Para él “ver de otro modo” es un acto político y, tal vez, la única esperanza del ser humano. Persiguiendo este objetivo, el director busca conectarse con un público que mira activo, inquieto y deseoso de sorpresas, su lucha se dirige contra la indiferencia y la hipocresía.
 
COMPAÑÍA NONAME RADAR(Comunitat Valenciana) España

ESPECULACIONES

PROGRAMACION - DANZA

Dirección: Ximo Flores.
Textos: Arturo Sánchez Velasco.
Coreografía: Rafael Linares.
Interpretación: Rafael Linares y Cristina Núñez.
Voz: Magda Casanova.
Ayudante de dirección: Sonia Ortiz.
Asesoramiento escenografía: Martina Botella y Ximo Flores.
Luces: Ximo Rojo.
Diseño sonoro: Rubén García Villaplana.
Audiovisual: Marcos M. Martí.
Textos Audiovisual: The Play Room.
Vestuario: La Cantante Calva.
Cartel y fotografía: Miguel Ángel Altet.

Teatro Pradillo
4, 5 y 6 de febrero – 20:30 h.

Más información

           www.teatropradillo.com
 


FOTO: MIGUEL ANGEL ALTET
Especular: Mirar una cosa con atención para reconocerla.

La observación del entorno en el que desarrollamos nuestra vida, la especulación que implica ese mirar atento hace descubrir a la compañía de Rafael Linares, Noname Radar, la dificultad de reconocer algo de lo que nos rodea, lo extraño que es nuestro entorno y las extrañas condiciones que lo construyen. Esta falta de reconocimiento e identificación, la confusión del momento en el que vivimos, es el eje vertebrador de Especulaciones.

La frágil frontera que separa lo público de lo privado, la continua transformación de la realidad en espectáculo y la acentuada sensación de impotencia frente a los acontecimientos que se producen en el mundo, genera frustración en los individuos. Éstos se ofrecen dóciles a un universo de hedonismo y diversión patética, propia de las peores pesadillas de Goya o Valle Inclán.

Esta condición confusa, la desorientación, la satisfacción saturada de los sentidos por las luces del espectáculo invitan a la violencia, siendo ésta una de las ideas que planea en el montaje. La violencia de una pareja se convierte en el epicentro de todos los desastres bélicos del mundo.

Este trabajo no plantea una negación absoluta de todo lo existente, no es una mera exposición de la angustia social exacerbada, el montaje no plantea una situación que está por encima de nosotros, para el director ofrecer tales soluciones sería una ingenuidad alarmante, desconfía de aquellos artistas que intentaran dar soluciones y, para reforzar esta postura, evoca una cita de J.Genet: “lo único que puede una obra de arte es suscitar ansia de otro estado del mundo, y tal ansia es revolucionaria.”
 
COMPAÑÍA DE NOOIJERPaíses Bajos

NASPEL

PROGRAMACION - PERFORMANCE

Dirección, coreografía, instalación y vídeos: Paul y Menno de Nooijer.
Interpretación: Mariví Hinojosa y Claudia Faci.
Música y sonido: Gary Shepherd, Jerry King Musser, Stefan Smagghe y Jan de Nooijer.
Fotografía: Paul y Menno De Nooijer.

Casa Encendida
4, 5 y 6 de febrero – 22 h.

Más información

           www.denooijer.tv
           www.lacasaencendida.com
 


FOTO:PAUL Y MENNO DE NOOIJER
 
Una instalación de vídeo proyecta imágenes que servirán de marco para esta performance creada por Paul y Menno De Nooijer, de este modo el escenario donde las bailarinas danzan, va más allá de sus límites.

Paul, el padre (1943) y Menno, el hijo (1967) tiene sus raíces en Eindhoven donde Paul regía la Academia de Diseño Industrial en los años sesenta. Los dos artistas de cine y fotografía usan su performances filmadas para proporcionar a la audiencia una divertida ojeada por su fascinación por el film como una auténtica forma de arte.

Un importante número de ruidosos proyectores están distribuidos por todo el escenario, proyectan cortos films, ambos performers miran inquisitivamente a la cámara, a veces apareciendo simultáneamente en numerosas pantallas donde se desarrollan diferentes sucesos.

Son proyecciones antiguas y recientes que muestran repetidamente a Paul, a menudo junto a su hijo Menno, son dos hombres con un aspecto similar, con la diferencia de la apariencia que da la
edad.
 
COMPAÑÍA PÈ.TRA VERMEERSCHBélgica

BLONDES HAVE NO SOUL

PROGRAMACION - DANZA

Dirección, coreografía y concepto: Pè.tra Vermeersch.
Sonido: Pale Dählstadt.
Fotografía: Mark Hofclack.

Casa de América
11 y 12 de febrero – 20 h.



FOTO: MARK HOFCLACK

 

Más información

           www.zorongo.com
 


FOTO: PEDRO R. TROYANO
Paquita, trabaja como funcionaria de un Ministerio, es una mujer como tantas otras, sin vida social.

La rutina le conduce a una sala de bingo con el objetivo de provocar la oportunidad y el cambio. Las oportunidades son como las cifras, se suceden unas a continuación de las otras. Del mismo modo, con la misma cadencia, conocerá a tres hombres. Como las cifras en el bombo del bingo, el primer hombre le conducirá al segundo y éste al tercero. Tres hombres, tres situaciones distintas con un final común: la muerte.

La protagonista, mujer cómica y trágica, se mofa de la sociedad. Piensa que todos nosotros somos enfermos encerrados en un centro terapéutico, donde, finalmente, podríamos exorcizar nuestros herrajes psíquicos, sin miedos y sin complejos, para vivir al fin libres.

Libres como Paquita interpreta su papel, pudiéndonos convertir en actores y espectadores al mismo tiempo, como si nuestro turno para subir a escena fuera el siguiente.
 
COMPAÑÍA RACHID OURAMDANEFrancia ¡MIRA!

LES MORTS PUDIQUES

PROGRAMACION - DANZA

Dirección, concepto y creación: Rachid Ouramdane.
Luces: Yves Godin y Jean-Michel Hugo.
Sonido: Fanny de Chaillé.
Caracterización: La Bourette.
Vídeo: Sophie Laly.
Fotografía: Solenn Camus.

Teatro Instituto Francés de Madrid
11 y 12 de febrero – 20 h.

Más información

           www.ifmadrid.com


FOTO: SOLENN CAMUS

Rachid Ouramdane intenta con este proyecto continuar su diálogo artístico con las tecnologías e investigar los terrenos coreográficos que esta relación posibilita.

El autor toma como punto de partida para este nuevo proyecto Le jeune homme et la mort de Roland Petit.

La búsqueda se inicia en la escena a partir de una página de búsqueda en internet que, con las palabras claves de “el hombre joven y la muerte”, organiza la dramaturgia de la obra, siendo el resultado una narración no lineal.


Dentro de este viaje en la red nos encontramos con la obra de Roland Petit, pero las digresiones de la página de búsqueda nos llevan a diferentes temas de actualidad que vinculan la juventud y la muerte como, por ejemplo, la aplicación de la pena de muerte a menores en EE.UU., los atentados suicidas de jóvenes musulmanes o la eutanasia para jóvenes víctimas de enfermedades incurables.
La interpretación de la danza se apoya en los resultados de la búsqueda, expresado como una secuencia de constante cambio, de transformaciones corporales en escena que, al igual que un disco compacto regrabable, se construye de nuevo, se recompone según el flujo de información que recibe.

La base de este proyecto es una sospecha latente sobre la historia oficial, una desconfianza por aquellos que siempre nos han contado la historia, una duda hacia las instituciones y personajes que tradicionalmente construyen y cuentan el pasado y que confiscan nuestra propia aprehensión de la historia. Está en la base del proyecto una confrontación de historias particulares, frente a la historia de los Hombres, la oficial.

COMPAÑÍA HANS WERNER KLOHEAlemania

RISSE

PROGRAMACION - DANZA

Dirección y coreografía: Hans-Werner Klohe.
Interpretación: Su-Mi Jang, Jasna Vinovrski y Detlev Alexander.
Cantante: Christian Reiner.
Trompetista: Richard Koch.
Luces: Benjamín Schaelike.
Vestuario: Katharina Meintke.
Fotografía: Björn Reissmann.

Teatro Pradillo
17, 18 y 19 de febrero – 20:30

Más información

           www.teatropradillo.com
           www.barbarafriedrich.de

Riss: Fisura
 


FOTO: BJÖRN REISSMANN
 
Risse nos invita a mirar a través de las fisuras y las fallas personales para ver algo nuevo.

Los desgarrones y los resquebrajamientos determinan nuestra existencia, nuestro devenir diario. En la búsqueda de nosotros mismos llegamos a nuestros límites, nos acercamos a nuestras propias fronteras; en este proceso de conocernos más nos descubrimos como algo extraño, como extranjeros a nosotros mismos. Es entonces cuando las fallas personales emergen y, lejos de suponer una merma, son el espacio desde donde crece algo nuevo. Son las que nos permiten a nosotros mismos cambiar, son las que hacen vivirnos de diferente manera.

Risse trata de esta situación vivida por un individuo, que se proyecta como reflejo de la relación interhumana en la cual algo nuevo se obtiene. Risse es una red de encuentros donde los diferentes artistas, con sus específicos caminos de expresión (danza, música, voz...), pasan por el momento de cambio radical y crean nuevos campos de fuerza.

 
COMPAÑÍA NADAESCASUAL – (Madrid) España

NADAESCASUAL DOS

PROGRAMACION - TEATRO

Concepto: Rosa Manteiga, María José Ibargüren, Juan Loriente, Roberto Cerdá y Alberto Jiménez.
Interpretación: Pepe, Claudio, Viví, Lidia, Jorge, Antonio, Patricia, Rafa, Ana, Eloisa, Juan, Hilario, Isaías, Juan, Nekane, Pilar, Patricia, Nati y Susana.
Fotografías: Juan Ansótegui.

Teatro El Canto de la Cabra
17, 18, 19 y 20 de febrero – 21 h.

Más información

           www.elcantodelacabra.com
 


FOTO: JUAN ARISÓTEGUI
Con NadaEsCasual Dos, Alberto Jiménez nos propone continuar reflexionando y sintiendo la emoción de la vida a través de un escenario. Una representación en la que el actor en solitario se presenta como canal de expresión de las vidas de otros, de gente normal que ahora encontramos sobre el escenario.

Alberto Jiménez cuenta vidas y con estos relatos construye su identidad, elementos que construyen las de todos. El resultado es una identidad que fluctúa, se transforma y varía identidad que fluctúa, se transforma y varía según los días en su búsqueda por tener una vida inspirada. Un cambio constante, un acomodo difícil, porque sólo los peces muertos siguen el curso del río.

“En este instante en que camino, necesito reconocer mi huella escuchando el rastro que los demás graban en el aire. Necesito hacer desaparecer mi confusa figura y buscarme entre las figuras de otros. Salir al encuentro del otro, descubrir al otro, llorar gracias al otro. Construir una posible identidad poliédrica en la que imaginarse con cierta dignidad. Sin mensajería doctrinal, simplemente reflejando el dolor y la alegría de vivir cada instante. Decían que una posible definición del mal sería la incapacidad para la empatía con el otro. Lo terrible no es ser incapaz, lo verdaderamente terrible es ser capaz y no dar el paso. Pero ahí estamos todos, con miedo a movernos no vaya a ser que ese otro nos quite el sitio. l homo moderno ha pasado del bipedismo al bisentismo, de la mayor capacidad craneal a la gorra de Nike, de la pinza pulgar al pulgar a distancia. Hace miles de años nuestros antepasados asociaron sus voluntades para dominar el entorno, quizá hoy toque mirar al otro para resistirse a esa confusión.

A lo mejor sólo quiero descubrir cómo hacen los demás para mover el culo de sus asientos y caminar por la puta pasarela de la vida. Sí, no puedo evitarlo, quiero ser James Dean, pero también quiero ser Gloria y Pepe Molina y Patricia y Elena y Samuel y Susana y Pilar y Antonio.”
Alberto Jiménez

“Gente con vivencias contando al realidad. Contar, contar. Y bocas que llevan la vida del que lo cuenta grabada en los dientes, como el Homo Antecesor. Me gusta pensar que encontrando unos dientes y una mandíbula reconstruyen una identidad como si cada cosa que habló una persona hubiera dejado una marca en su boca Identidad en la boca.” Juan Ansótegui
 
COMPAÑÍA PASCOLI – Francia ¡MIRA!

LE ROI SE MEURT ET LA BASSE COURT

PROGRAMACIÓN - DANZA

Dirección y coreografía: Anne-Marie Pascoli.
Interpretación: Anne-Marie Pascoli, Delphine Dolce,
Fred Labrosse, Akiko Kajihara y Nicolas Hubert.
Directores técnicos: André Parent y Antoine Gélabert.
Vídeo: Lionel Palun.
Música: Patrick Reboud, extractos de "Water Music" de Haendel, Anne-Sophie Dubourg.
Fotografía: Lionel Palun.

Teatro Instituto Francés de Madrid
17 y 18 de febrero – 20 h.

Más información

           www.ifmadrid.com
 


FOTO: LIONEL PAULUN
La propuesta artística de esta creación es la de interrogar al cuerpo en su dimensión de patrimonio vivo y poético, contenedor de múltiples realidades. El cuerpo es concebido como patrimonio de la memoria, integrador de todas las herencias, las esperanzas y fragilidades, construido por el paso de la historia. Es, a la vez, el terreno virgen donde se vuelve a crear permanentemente toda la historia del ser del mundo, de sus elecciones, aspiraciones y tumultos. La obra defiende un cuerpo en peligro de perder el sentido, por la asepsia del pensamiento, de la aceleración trivial.

Desde hace varios años, en paralelo y complementado con la difusión en teatros, la compañía Pascoli desarrolla su actividad en lugares que tienen una historia propia como museos, galerías de arte, salas de exposiciones y espacios que forman parte del patrimonio histórico, así como espacios de “fabricación artística”, viejas plantas fabriles o lugares industriales.

Dentro de este enfoque la voluntad artística se forma, la intención de experimentar el cruce de diferentes universos artísticos, el del arte coreográfico y el de las artes plásticas, se confirman en los pasos de danza. Un enfoque de creación artística que interroga y propone contactos con públicos diferentes de los habituales, que busca la confrontación y el encuentro, las miradas sobre los procesos de creación basados en intercambios regulares.

El desarrollo de la creación artística parte de una escritura artística singular, basada en la improvisación dirigida y la composición instantánea, en adecuación con el espíritu del lugar, su arquitectura, su historia y su presente. De este modo . la creación es evolutiva, alimentada de materias exploradas en las intervenciones en distintos lugares.
 
COMPAÑÍA TEATRODE LOSMANANTIALES – (Comunitat Valenciana) España

ÁCARS

PROGRAMACIÓN - TEATRO

Dirección: Ximo Flores.
Texto: Xavier Puchades.
Interpretación: Maribel Bravo, Nando Pascual, Miguel Àngel Altet y Sonia Ortiz.
Escenografía: Martina Bot Flores.
Luces: Alex Rault.
Dibujos: Arturo Sánchez Velasco.
Fotografía: Miguel Ángel Altet.

Guindalera Escena Abierta
17 y 18 de febrero – 20 h.

Más información

           www.teatrodelosmamantiales.com
           www.guindalera.com
 


FOTO: MIGUEL ÁNGEL ALTET
Ácars podría ser un enfrentamiento entre dos familias, una en proceso de descomposición y otra que no acaba de conformarse. En su relación esconden un conflicto presente en la vida contemporánea, el choque entre lo privado y lo público, lo personal y lo político. En este enfrentamiento entran en duelo dos morales con valores opuestos, por un lado el sacrificio, la pertenencia a una familia y el trabajo responsable, y por otro, el individualismo, la autorrealización, el abandono de las cuestiones públicas y lo lúdico.

La compañía parte del presupuesto de que todas las familias son iguales, que la familia sobrevive y no se destruye completamente, se redefine y cambia refugiándose en valores reaccionarios o en el caos.

Los personajes de Ácars hablan demasiado y hacen muy poco, el suelo se llena de colillas y todo de ácaros. No es casual que esta familia viva con toda tranquilidad en medio de una guerra, han perdido la sensibilidad, la vista, el olfato, el gusto, el tacto, el oído, que son los que nos vinculan a la realidad. Para el director, el sentido de esta obra está en recuperar la capacidad de sentir en un momento en que la excesiva información atrofia los sentidos. La recuperación de esta posibilidad de sentir es lo que nos diferencia de un pedazo de carne despiezado en el matadero y comerciado en una carnicería.
 
COMPAÑÍA ATRA BILIS – (Madrid) España

Y COMO NO SE PUDRIÓ: BLANCANIEVES

PROGRAMACIÓN - TEATRO

Dirección: Angélica Liddell.
Interpretación: Gumersindo Puche, Angélica Liddell y colaboradores especiales.
Escenografía y vestuario: Angélica Liddell.
Luces: Carlos Marqueríe.
Vídeo: Salvador Martínez.
Banda sonora: José Carreiro.
Fotografía: Jaime Ortín.
 

La Casa Encendida
18, 19 y 20 de febrero - 22 h.

Más información

           www.lacasaencendida.com
 


FOTO: JAIME ORTIN
Y como no se pudrió: Blancanieves es el segundo acto de resistencia contra la muerte después de Y los peces salieron a combatir contra los hombres ("¿Se da cuenta, señor puta, de que este pescado tiene ojos de hombre? Se han ahogado tantos negros que los peces comienzan a tener ojos de hombre. Cualquier día aprenderán a hablar los peces".)

Una apuesta por el teatro político estrenado en el Festival Madrid Sur’03.
Se trata de defender el principio de la vida frente al principio del Estado. Este teatro busca de volver a la política su alianza con la filosofía y la poesía, convertir la obra de arte en Estado como generador del bien común “El problema de la política es ella misma, ha dejado de estar ligada a la filosofía y al pensamiento, para asociarse con el poder económico y mantener una relación permanente con la injusticia.” Angélica Liddell

Angélica Liddell ha utilizado el personaje de fábula infantil de Blancanieves para proyectar sobre él el horror de la guerra, la muerte, el castigo, la violación, el hambre y el odio. Ha convertido a Blancanieves en una niña soldado que, aún así, sigue siendo niña. Angélica escoge un personaje de cuento infantil, a partir del cual los niños de la prosperidad occidental conocen la crueldad y la maldad. Al contrario, los niños del resto del mundo experimentan la crueldad misma: ellos no aprenden lo que es el mal a través de la imaginación, sino que lo hacen a punta de machete o a cambio de un plato de comida.

Atra Bilis construye un tiempo y un espacio ficticios, donde la guerra ha evolucionado de modo que las victorias o derrotas no son luchas entre ejércitos, sino masacres infantiles, algo que, lejos de ser una ficción, ya está ocurriendo.
 
COMPAÑÍA CRISTINA MOURA – Brasil

LIKE AN IDIOT

PROGRAMACIÓN - DANZA

Concepto, dirección, coreografía e interpretación: Cristina Moura.
Asesor dramaturgia: Carmen Mehnert.
Luces: Sérgio Pessanha.
Música: Beat Halberschmidt, Cristina Moura con música de Mozart, Sainkho Namtchylak, Gilberto Gil y Lauryn Hill.
Coordinación técnica: Dalton Camargos.
Fotografía: Milla Petrilo.

Casa de América
18 y 19 de febrero – 20 h.

Más información

           www.casaamerica.es
 


FOTO: MILLA PETRILO
Like an idiot es un reencuentro, un cara a cara entre la intérprete y el público, donde lo emocional está siempre presente. Una investigación preformativa que surge de diferentes impulsos, a veces físicos, otras intelectuales y subjetivos.

La intérprete crea un dúo, en la que los dos miembros son ella misma; en este diálogo intenta adquirir la identidad de muchos otros, todos los que una persona contiene. Esta dinámica se sitúa en un contexto emocional, político e, incluso, irracional, que comunica su intención a través del camino claro y directo que proporciona el lenguaje de la danza.

En Like an idiot el cuerpo es entendido dentro de un proceso en transformación constante, como espacio de matamorfosis, como almacén de emociones. Es un cuerpo que comunica las paradojas, las incoherencias y las confusiones a las que el individuo se ve sometido por las emociones. Es un cuerpo que se enfrenta a la paradoja de desear ser otro y continuar siendo el mismo a un tiempo. Un cuerpo que siente la vulnerabilidad y la autenticidad, que recuerda, que cruza su límite procurando mantener la cordura.

La intérprete a través del lenguaje de la danza cuestiona su presencia en el mundo, un mundo roto, absurdo, incoherente, accidental, divertido y confuso.
 
COMPAÑÍA MAL PELO – (Catalunya) España

AN (EL SILENCI)

PROGRAMACIÓN - DANZA

Dirección: Pep Ramis.
Colaboración en la dirección: Andrés Corchero y María Muñoz.
Ayudante de dirección: Cristina Cerviá.
Interpretación: Constanza Brncic, Jordi Casanovas, Andrés Corchero, Enric Fábregas, María Muñoz y Pep Ramis.
Textos: Jean Cocteau / Mal Pelo.
Escenografía: Pep Ramis y Adrià Miserachs.
Luces: Ramón Rey y August Viladomat.
Sonido: Àlex Polls.
Técnico de sonido: Jaime Figueres.
Vídeo: Quelic Berga.
Asesoramiento vídeo: Núria Font y Toni Serra.
Música: Steve Noble.
Vestuario: Rosa Solé.
Fotografía: Ferrán Mateo y Jordi Bover.

 

Sala Cuarta Pared
19 y 20 de febrero – 21 h.

Más información

           www.cuartapared.com
           www.malpelo.org
 


FOTO: FERRÁN MATEO Y JORDI BOVER
La compañía Mal Pelo lleva 15 años creando un lenguaje propio caracterizado por un estilo intimista y humano que facilita una proximidad cómplice y una comunicación directa con el público. La mezcla de lenguajes es seña de identidad de la Compañía Mal Pelo, la integración de estas experiencias les permite llegar a una dramaturgia sólida basada en la fuerza de los intérpretes.

A esta característica se une el desarrollo de una construcción dramática que permite la lectura fluida de la obra por parte de los espectadores.

An (el silenci) es un espectáculo estructurado como un poema, siguiendo las líneas que proporcionó a los creadores el texto de Jean Cocteau Visite del libro Discours de Grand Sommeil. Escrito durante la Primera Guerra Mundial, el texto narra la visita de un hombre que, muerto en el frente y todavía en un estado especial de tránsito, visita a alguien amado, tal vez él mismo.

El montaje es un espacio para ser habitado, un lugar donde las referencias son los cuerpos de otros y la huella que dejan. Un juego entre los individuos de este grupo que casi no recuerdan por qué están donde están. An (el silenci) es un hombre, el visitador, y la memoria de una vida recuperada, un personaje al que reconocemos en cada uno de los intérpretes en escena.

El espacio escénico esta vez no es un contenedor estanco, no acaba en el espacio cerrado de la sala, sino que se proyecta al infinito gracias a la escenografía videográfica que se refleja sobre la pared del fondo del escenario.

An (el silenci) es un espectáculo en el que se produce un particular encuentro entre el lenguaje de Mal Pelo, María Muñoz y Pep Ramis, y el del bailarín Andrés Corchero. Es el encuentro entre tres bailarines y coreógrafos con una trayectoria profesional de más de quince años. Un recorrido consolidado, honesto con la danza, con ellos mismos y con el público.

Cuando se plantean el diálogo, Mal Pelo y Andrés Corchero intuyen que comparten una mirada poética sobre el tiempo y el uso del silencio, un espacio de percepción y complicidad que se atrevieron a revisar juntos. Ahora, después del proceso de creación, después de confirmar hipótesis y descubrir espacios de comunicación entre los dos, habitan ese lugar de complicidad que no pertenece a nadie porque es común.

El desarrollo del proceso creativo hace de An (el silenci) un trabajo peculiar, delicado y desnudo.
 
COMPAÑÍA MARTA GALÁN – (Catalunya) España

LOLA + MACHOS

PROGRAMACIÓN - TEATRO

LOLA

Dirección y escenografía: Marta Galán.
Interpretación: Santiago Maravilla.
Luces: Ana Rovira.
Música: Santiago Maravilla.
Arreglos musicales de los temas “Yo no soy esa” y “Lola espérame”: Alexis Borràs.
Video: Néstor Doménech y Santiago Maravilla.
Asesoría en el vestuario: MUAC.
Fotografía: Sonia Bosma.


MACHOS

Dirección y escenografía: Marta Galán.
Interpretación: Santiago Maravilla y Vicens Mayans.
Música: David DePheria, Fidel DePheria y Santiago DePheria.
Luces: Ana Rovira.
Videos: Roger LaPuente.
Asesoría en el vestuario: MUAC.
Fotografía: Sonia Bosma.

 

Teatro Pradillo
21 y 22 de febrero – 20:30 h.

La Nave de Cambaleo
19 y 20 de febrero – 21 h.

Más información

           www.teatropradillo.com
           www.arrakis.es/~cambaleo/
 


FOTO: SONIA BOSMA
 
Lola + Machos son dos espectáculos autónomos que forman parte de una trilogía que se concluirá con El Perro. Dentro del Festival, Lola se presentará antes de Machos, siendo ambos un tándem sobre la reflexión de la construcción cultural de los géneros.Se presentan, pues, seguidos y en un mismo espacio entre los cuales habrá un descanso de 10 a 15 minutos.

LOLA

Fue un primer paso en la reflexión sobre la identidad y la construcción de los géneros. Esta idea partió de Santiago Maravilla, él fue quien propuso a Marta Galán trabajar sobre el concepto de lo femenino. Él quería ser Lola, lo quería ser siendo Santiago Maravilla, quería volcar en este espectáculo todos los códigos estéticos y hacerlo desde la figura de un personaje femenino.

La obra demuestra que hay una permeabilidad entre lo estipulado como femenino y lo masculino, y a la inversa. Un cuerpo/textura masculino permeable a ciertos signos de feminidad. En el espectáculo se utiliza una estética influida por el punk, el trash y la canción ligera para dejar que se filtren reflexiones sobre cómo se construye social y culturalmente la identidad femenina.

MACHOS

Marta Galán en Machos se cuestiona el concepto de lo masculino y, como consecuencia de este planteamiento, dibuja un nuevo mapa de la masculinidad redefiniendo este concepto.

El montaje lo crea para ponerse a prueba. Convencida de que sus creaciones tienen
características femeninas, aunque no haya querido intencionalmente que las tuvieran, se aventura en la posibilidad de trabajar sólo con hombres para poner en juego conceptos esteriotipados de masculinidad con el fin de subvertirlos. Para ello deconstruye la idea de lo masculino como un concepto construido sobre la productividad, el poder, la dominación, el deseo y la acción. Para desmantelar el prototipo de lo masculino la autora sublimó este rol estereotipado, decidió mostrar los tópicos sin pudor y un mundo de machos desmedido.

“Me interesa una forma de devenir masculino de lo femenino, del devenir femenino de lo masculino. De metamorfosis, de transformación. Y, a partir de los tópicos que definen el concepto de “masculinidad”: el sexo, la competitividad, la violencia, el control de las emociones, la racionalidad...extraer esas metamorfosis, esos devenires” Marta Galán
 
COMPAÑÍA CUARTA PARED COMPAÑÍA DE TEATRO – (Madrid) España

CAFÉ

PROGRAMACIÓN - TEATRO

Dirección: Javier G. Yagüe.
Ayudante de dirección: Elvira Sorolla.
Interpretación: Frantxa Arraiza, Esperanza Elipe, José Melchor, Javier Pérez-Acebrón, Asunción Rivero.
Dramaturgia: Luis García Aráus, Susana Sánchez y Javier G. Yagüe.
Escenografía: María Luisa de Laiglesia.
Luces: Isabel Vega.
Vestuario: Cuarta Pared.

 

Sala Cuarta Pared
Fecha 22 y 23 de febrero – 21 h.

Más información

           www.cuartapared.es

Después de su premiada y aplaudida Trilogía de la Juventud (Las Manos, Imagina y 24/7) Cuarta Pared afronta su nuevo proyecto con la idea de abordar terrenos desconocidos que le obliguen a no repetirse y permitan continuar su proceso creativo. Para ello se plantea un radical cambio de registro para adentrarse en el territorio del humor. ¿Es posible plantearse un montaje cuya base sea el humor sin caer en la frivolidad, superficialidad o en ese humor-basura que nos invade? Ese es el reto que afronta Cuarta Pared: cómo seguir hablando de los temas que forman parte del debate social, con voluntad de intervenir y agitar esos debates, pero cambiando de tono y dando su visión desde el humor.

Café es una obra que habla de las adicciones, de la tolerancia y la represión. Una serie de personajes que ven alteradas sus vidas debido a una circunstancia excepcional, una restricción de café. En esta obra, la protagonista verá como los hechos afectan, como si de una onda expansiva se tratara, a su vida familiar y laboral e iniciará el descubrimiento de un submundo que desconocía.

Café nos hace reflexionar sobre la capacidad de ejercer la libertad, de decidir sobre el propio cuerpo, de la autonomía, de la autodeterminación, de la imposición de normas en nombre de intereses económicos y de control social; sobre la hipocresía, la contradicción de un Estado y una sociedad que prohíben y marginan, que restringen libertades para resolver los problemas que su propio funcionamiento genera y que plantean soluciones que agravan los conflictos que pretenden resolver.

La puesta en escena de Café pretende profundizar en las líneas que la Compañía Cuarta Pared viene desarrollando en sus últimos montajes: la búsqueda de la cercanía entre actor y espectador, la síntesis de palabra y movimiento y el encuentro de lo narrativo y lo escénico.

La dramaturgia está firmada por Susana Sánchez, Luis García-Aráus, representantes de las nuevas generaciones de dramaturgos, y Javier García Yagüe, director de la Compañía Cuarta Pared, aunque como es habitual en los procesos de la compañía, los actores tienen una intervención fundamental en los procesos trascendiendo el trabajo actoral hasta formar parte de la autoría de la obra.
 

COMPAÑÍA TEN PEN CHII – Alemania

I – KI

PROGRAMACIÓN - DANZA

Dirección, coreografía e interpretación: Yumiko Yoshioka.
Escenografía: Joachim Manger.
Música: Zan Jonson.
Fotografía: Michel Peters.

 

Teatro Pradillo
24, 25 y 26 de febrero – 20:30 h.

Más información

           www.teatropradillo.com
 


FOTO: MICHEL PETERS
La palabra japonesa iki significa “aliento” y, por otro lado, “vida” o “voluntad de vivir”.

Este montaje se desarrolla en la instalación de Joachim Manger. Un transparente sistema vivo de plástico hinchado de aire, una estructura con la que interactúa la bailarina. Primero se acerca con miedo y curiosidad, entra con cautela en este mundo de plástico, familiarizándose con él y comenzando a encontrarse confortable. Después toma conciencia de que el sistema tiene vida propia y que respira como un ser humano. Tan pronto como exhala el sistema, la bailarina afronta, con la pérdida del oxígeno que hincha el reducido mundo transparente, el vacío y el peligro de asfixia que se hacen reales sobre el escenario.

La performance busca reflejar la amenaza que constituyen para el hombre los sistemas tecnológicos, así como la imposibilidad de cohabitar con ellos. Esta intención refleja y afianza la línea conceptual de la compañía, basada en crear montajes que sean vías de expresión para la violenta relación entre los hombres, la naturaleza artificial y la tecnología.

El grupo parte de que el poder de la creación humana puede superar a su creador, de este modo, Ten Pen Chii ha desarrollado un lenguaje artístico que sirve de expresión para lo incontrolable y explora el hecho de que las cosas crezcan por encima de su proporción. La instalación de Joachim Manger y la coreografía de Yumiko Yoshioka buscan confrontar la sensibilidad humana con la impersonal severidad de la naturaleza artificial y su transparencia.

La labor artística de la compañía se basa en la vanguardia de la danza Butoh japonesa, Caracterizada por signos y movimientos donde un solo gesto construye un universo. Una danza en la que el lenguaje del cuerpo se ha desligado de su específica naturaleza humana, que trata al cuerpo como algo material, como masa flexible. Las reglas de la anatomía humana son transgredidas, las limitaciones y la expresión física descolocada.

Para Yumiko Yoshioka el cuerpo es el receptáculo del tiempo. Para ella, a través de una exploración hacia el espacio sin fondo de la memoria colectiva de nuestro pasado, podemos llegar a una veta de abundantes recursos con la que enriquecer nuestra vida. La coreógrafa quiere activar estas memorias olvidadas concentrando en nuestro código interno nuestra energía Ki (vital) y su circulación.

TEN PEN CHII

Ten es el cielo, Chi la tierra y Pen el cambio. I es la diferencia. La formación germano – japonesa lleva creando performances desde 1994. Sus trabajos zarandean al espectador con montajes que se construyen sobre la base de sonidos que se vuelven música, colores generados por las luces e instalaciones que crean la estructura de un mundo nuevo. Así llegan a lo que para ellos es el Conocimiento, o cuando todo está condensado, danza, espacio, luz, música…mientras el poder de las imágenes fascina nuestras mentes. Para ellos el caos es la matriz de la creatividad. El cuerpo es el receptáculo del espacio y el tiempo, memorias vibrando, estas vibraciones provocan una resonancia que expande y abre puertas al constante cambio en el mundo interior de cada uno y en el exterior.

El recorrido de la coreógrafa Yoshioka se basa en la vanguardia de la danza Butoh japonesa, en la que se educó. El hecho más inspirador y perturbador del Butoh es la renuncia a los valores morales y la deshumanización del cuerpo. Para la compañía los peligros en el trabajo con la danza Butoh son, por un lado, el de hacer un repertorio de movimientos cerrado y, por otro, integrar sus movimientos como un exótico ornamento dentro del propio lenguaje coreográfico.

Ten Pen Chii evita estas situaciones al transportar el productivo conflicto, propio del Butoh, dentro de un nuevo tipo de tensión preservando su expresividad y emoción originales.

El butoh de Yoshioka combina la danza, el teatro, la improvisación junto con influencias de las tradicionales artes escénicas japonesas y la danza expresionista alemana. "El butoh intenta romper estereotipos o patrones establecidos con una poética que se caracteriza por estar cargada de una profunda filosofía. Nunca ha sido una expresión fija o establecida, su autenticidad nace de su rechazo a lo completo y establecido, logrando sin embargo una estructura genuina”. Yoshioka
 
COMPAÑÍA SISYPHE HEUREUX – Francia ¡MIRA!

BACK UP

PROGRAMACIÓN - DANZA

Concepto, dirección y coreografía: Haïm Adri.
Asistente a la coreografía: Muriel Adri.
Interpretación: Rabeah Morkus, Yuval Goldstein, Saleh Bakri y Haïm Adri.
Música: Benoît Hillebrant.
Fotografía: Agathe Poupeney.

 

Teatro El Canto de la Cabra
24, 25 y 26 de febrero – 21 h.

Más información

           www.elcantodelacabra.com
           www.sisypheheureux.org
 


FOTO: AGATHE POUPENEY
 
Este montaje es la tercera parte de una trilogía titulada Bribes cuyas dos primeras partes fueron creadas en 2002 y 2003. Un proyecto más amplio en el que se incluyen imágenes filmadas de artistas palestinos e israelíes. Estas filmaciones son la base y constituyen el fondo imaginario para la escritura y construcción de los cuatro personajes de la pieza coreográfica que veremos en el Festival.

Back Up se cuestiona las conexiones entre territorio, identidad y memoria. La obra plantea la identidad y la memoria en una tierra compartida por israelíes y palestinos. Un lugar donde el recuerdo se ha convertido en una práctica obligatoria y donde los límites de uno mismo están definidos por la arbitraria fuerza de la memoria colectiva. Back Up no tiene como función revelarse contra el conflicto, sino intentar sobrevivir a él, la obra consiste en una función de resistencia a los acontecimientos.

Esta es una obra sobre una relación de identidades, la identidad es concebida por el autor como una protección que impone al individuo el inconsciente colectivo de la comunidad a la que pertenece.

El punto de partida del trabajo sobre la pieza coreográfica es un juego de correspondencias que se inicia entre los cuatro intérpretes israelíes y palestinos, la obra se genera en torno a las identidades de los cuatro sujetos filmados con la trama de la memoria como centro.

Con Back Up el autor quiere interrogarse por la interpretación como lugar de metamorfosis, y desarrollar la búsqueda de un más allá en la comprensión del otro.

La parte coreográfica de Back Up surge de una lectura de situaciones de Esperando a Godot, éstas se van a poner como base del encuentro de cuatro personajes, tres hombres y una mujer, israelíes y palestinos en un tipo de tierra de nadie que podía ser un encuentro en un Check point en el que cada uno se reapropia de la memoria de los otros y viceversa.
 
COMPAÑÍA OLGA DE SOTO – Bélgica ¡MIRA!

HISTOIRE(S)

PROGRAMACIÓN - DANZA

Concepto, dirección y puesta en escena: Olga de Soto.
Interpretación: Vincent Druguet y Olga de Soto.
Escenografía: Thibault Vancraenenbroeck.
Luces: Henri – Emmanuel Doublier.
Sonido y Vídeo: Olga de Soto.
Montaje de vídeo: Montxo de Soto.
Colabora Valencia Escena Oberta VEO 2005.
Fotografía:
Grégoire Romefort.
Idioma Francés con subtítulos en castellano.

 

Sala Cuarta Pared
25 y 26 de febrero – 21 h.

Más información

           www.cuartapared.com
 


FOTO: GRÉGOIRE ROMEFORT

 
Olga de Soto ha construido este espectáculo vídeo-performance coreográfico documental, sobre la base de los recuerdos de los espectadores que asistieron al estreno de Le Jeune Homme et la Mort, ballet mítico de Roland Petit sobre un argumento de Jean Cocteau, en el Teatro de los Campos Elíseos el 25 de junio de 1946.

En histoire(s) Olga de Soto reconstruye la memoria siguiendo el rastro que deja un espectáculo en la experiencia del público. A la creadora le intriga qué impresionó y marcó a los espectadores, especula con los recuerdos que puedan haber guardado o que puedan haber surgido de la estructura del montaje o del trabajo de los bailarines. La coreógrafa se cuestiona qué es lo que queda de una obra escénica cuando las personas que la han visto y las que la han hecho ya no están para recordarla.

Para ello busca a los espectadores que asistieron a la première del espectáculo y, entre ellos, piensa en los que pudieron ir al teatro en plena posguerra: actores, pintores, escultores, bailarines, directores de teatro, músicos, decoradores…, los busca en internet, pone anuncios en la prensa y comienzan a responder.

Durante el montaje sus preguntas fueron múltiples y complejas, concernían a los seres humanos y a su memoria. La apuesta más compleja fue cómo ordenar las voces, cómo articularlas y darles su ritmo, cómo pasar de la memoria colectiva a la historia particular.

En el concepto artístico de Olga de Soto, el punto de anclaje de sus reflexiones es la música de los cuerpos, de los espacios y de la mirada, su trabajo es la memoria.

Las personas que ofrecieron su memoria para la creación de este espectáculo han sido: Micheline Hesse, Suzanne Batbedat, Robert Genin, Brigitte Evellin, Julien Pley, Françoise Olivaux, Olivier Merlin y Frédéric Stern.
 
COMPAÑÍA RETOURAMONT – Francia ¡MIRA!

RÉFLEXION DE FAÇADE

PROGRAMACIÓN - DANZA

Dirección y coordinación: Isabelle Pinon.
Coreografía: Geneviève Mazin y Fabrice Guillot.
Interpretación: Odile Gheysens, Nicolas Lochu, Kimiko Otaka, Isabelle Pinon y Nathalie Tedesco.
Música: René Michel.
Fotografía: José – Miguel Carmona.

 

La Casa Encendida
25, 26 y 27 de febrero – 21 h.

Más información

           www.retouramont.com
           www.lacasaencendida.com
 


FOTO: JOSÉ M. CARMONA
Reflexión de façade, danza vertical propuesta para seis intérpretes, basada en actuaciones artísticas con tirolinas, a ras de suelo y acrobacia con cuerdas. La coreografía estará construida por varias secuencias de cinco a diez minutos cada una.

Este espectáculo gratuito se llevará a cabo en el patio de la Casa Encendida, pudiéndose ver desde el propio patio y las diferentes plantas del espacio. La función del domingo 27 de febrero clausura la V edición del Festival.

El montaje es una aventura urbana que nació en el año 1997, como respuesta a la inquietud de unir danza y arquitectura en una misma expresión artística. Desde entonces ha girado un centenar de veces en espacios muy diversos: iglesias y fachadas de monumentos históricos, puentes y autopistas, faros, piscinas olímpicas…

La arquitectura se vuelve soporte del movimiento. La propuesta supone un encuentro exitoso entre la danza vertical, los cuerpos que desafían la gravedad bailando las paredes y un objeto urbano. Estas propuestas permiten al espectador vivir su entorno de una manera diferente, le permiten experimentar un espacio cotidiano como un lugar donde tener un encuentro con la acción artística.

Desde 1995, la Compañía Retouramont, creada por los coreógrafos Geneviève Mazin y Fabrice Guillot, mantiene una reflexión sobre la materia, el uso del suelo y la gravedad. Bailan en la ciudad con el fin de explorar la condición de ciudadanos. Se inspira en el espacio arquitectónico y el objeto urbano para cuestionarse, de manera poética, la relación que mantiene el hombre con el entorno que él mismo ha creado, la del individuo con el otro y el objeto.

La danza nace de este acuerdo entre el bailarín y el objeto: una arquitectura, un cuerpo, un espacio, una danza escultura que da otra mirada a estos objetos.

A través de sus coreografías Retouramont lleva una reflexión en torno a la materia, la utilización del sol y la gravedad. Cómplices de la materia apoyados en un muro, pegados al suelo, los danzantes de la compañía construyen una arquitectura pasajera, verdadera danza escultórica que revela los objetos y los espacios donde se desarrolla.

Sus performances urbanas proponen una nueva relación entre el cuerpo y la ciudad, propone una trasgresión de los espacios funcionales que se convierten en terrenos de expresión lúdica.
 
DEPARTAMENTOS DE FALSOS HORIZONTES DFH – LA FRAGUA – (Murcia) España

BOEING BUS

EXPERIENCIAS - PEFORMANCE

Compañía: Departamento de Falsos Horizontes, DFH/la fragua.
Interpretación: Susanan Alcantud, Pablo Bermejo, pablo Gomis y Anders Restad.
Sonido: Pedro Guirao.
Vestuario: Cristina navarro.
Colabora Autocares A:L:S:A/ instituto de la
Juventud Region de Murcia.
Diseño y fotografía: David R.

 

Estación de Chamartín salida de esta estación de RENFE
y recorrido por la ciudad hasta el destino en “Isla Paraíso”.
Aforo limitado, reservas: 91 360 41 03.
5 y 6 de febrero – 19 horas.



FOTO: DAVID R.
Boeing Bus invita a reflexionar sobre la psicosis internacional surgida en torno al terror, la intención de ciertos sectores privados de sacar el máximo beneficio del miedo y el modo en que los gobiernos y la industria del transporte aéreo tratan la difícil cuestión de la seguridad de los viajeros. La propuesta surge de un interés real por la situación y una necesidad de analizar y compartir un diálogo sobre una realidad que, más que silenciarse, debe provocar respuestas.

La experiencia, de una hora de duración, propone un recorrido por la ciudad, manteniéndose en los márgenes entre la instalación y el espectáculo preformativo. El montaje recrea la ficción de un vuelo, los pasajeros estarán acompañados por la tripulación uniformada de Atta Airlines. La acción finalizaría con el aterrizaje en la isla Paraíso.

COMPAÑÍA OSLÚ – (Madrid) España

EXPOSICIÓN

EXPERIENCIAS - PERFORMANCE

Dirección y música: Oscar G. Villegas.
Texto: Luciana Pereyra.

Ago. Graffitis: Suso33.
Diseño perro: Santi R.
Vídeo: OsLú.
Voz Off: Susana Gil.
Entrevistados: Victoriano, Chon, Ester, Gregorio, Jesús, Mamen, Mariu, Santiago y Prado.
Fotografía: Ramiro e.

 

Fnac de Callao (Zona de lectura, 2º planta)
8, 9 y 10 de febrero – 19 h.

 


FOTO: REMIRO E.
La característica esencial de una fobia, es un miedo intenso y persistente a objetos o situaciones muy concretos. Un temor razonable puede llegar a convertirse en fobia a causa del aprendizaje o de las influencias culturales y sociales. La persona que lo sufre sabe perfectamente que esa reacción es exagerada pero no puede evitarla, y a medida que se aproxima al objeto de su temor aumenta la sensación de nerviosismo y alteración. La proximidad física con ese objeto o situación provoca casi de manera invariable una respuesta inmediata de ansiedad. Los síntomas son: sudores, pulso acelerado, nudo en el estómago, temblor de manos y de piernas, mareos, sensación de no poder respirar, ahogos; el sujeto observa la posibilidad de perder el control y empezar a gritar entre la gente; siente miedo de morir o enloquecer.

Hay angustias flotantes, en las que el miedo va a la deriva…

Ella completamente pegada aplastada al cristal. Unta, lo mancha con su maquillaje. El otro desde fuera hasta cubrirla con palabras. Pintar un tríptico. Pintarla a Ella. De perfil. Con abrigo y bolso. Pintar sobre el maquillaje.

Uno, con el ruido. El ruido dentro. No de su cabeza. Un latido se proyecta. El cristal se quiebra. Ella está en un escaparate Protegida, expuesta, admirada, vigilada.

No sabemos si quiere ser vista o intenta ocultarse Si contempla en mundo exterior, lo admira, lo teme o ignora lo que sucede al otro lado, quién mira a quién, quién está dentro y quién está fuera. quién compra, quién está a la ventana. Ella está en un escaparate, protegida, expuesta, admirada, vigilada…vulnerable.
 
COMPAÑÍA R.I.P.E. – Reino Unido

SHED*LIGHT

EXPERIENCIAS - INSTALACIÓN Y PERFORMANCE

Instalación:
Concepto: Marc Rees.
Diseño: Marc Rees, Benedict Anderson y Andrea Poessnicker.

Performance:
Dirección, coreografía e interpretación: Marc Rees.

 

Madrid.- XXIII Feria Internacional de Arte Contemporáneo
ARCO
9: solo profesionales con invitación.
10: de 17 a 21 horas
y 11 de febrero - 12 a 21 h.

Más información

           www.r-i-p-e.co.uk
 


FOTO: DARREN BTITENB
Esta instalación se llevará a cabo en las instalaciones de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCO, en el Parque Ferial Juan Carlos I.

Creada por Marc Rees, la Rees International Projects Enterprise (R.I.P.E.), ha desarrollado exitosos proyectos en colaboración con diseñadores, arquitectos, cineastas, compositores y coreógrafos de Europa y Norteamérica.

Sus proyectos exploran la identidad cultural con un estilo particular y creativo, suponen la fusión de diversas disciplinas artísticas como la coreografía, las imágenes, el film, el diseño y la arquitectura, entre otras. Estas Instalaciones/perfomance son conocidas por ser llamativas, cargadas de humor y exponer extremas interpretaciones de la historia, la cultura y las experiencias personales.

Shed*Light es un proyecto artístico interdisciplinar y multimedia, hecho en colaboración con el arquitecto Benedict Anderson. Marc Rees nos propone la reconstrucción de un antiguo cobertizo para dinamita del valle de Swansea, en el sur de Gales. La instalación explora la reconstrucción de la experiencia individual de espacio, lugar e identidad. Es una instalación que cuestiona la tradicional concepción de intimidad y exposición pública, esta propuesta supone un choque que redefine la noción de nuestro actual imaginario espacial.

Shed*Light es una vuelta a Gales, la reclamación y restauración estructural de un edificio abandonado representa la construcción de los propios personajes, de su identidad cultural.

Todo esto lo consigue a través del diseño arquitectónico, la construcción, las imágenes filmadas, la fotografía y la instalación sonora. Marc Rees, además, intervendrá en el interior del fuselaje de un avión que estará situado en las instalaciones de ARCO. Esta estructura albergará una instalación de Rees y en él exhibirá un solo de danza.
 
MERCEDES LIENAS - Huesca (España)

AVIÓN

EXPERIENCIAS - PERFORMANCE

Es un proyecto creado y dirigido por Mercedes Lienas, Pablo Álvarez de Lara, Eduardo Cajal y Héctor Crehuet Garayzábal.
Desarrollo: Tdi Taller de diseño industrial - Huesca equipo ten-t arquitectura

 

Madrid -XXIII Feria Internacional de Arte Contemporáneo
ARCO
9: solo profesionales con invitación.,
10: de 17 a 21 horas y
11, 12, 13 y 14 de febrero: - 12 a 21 h.

Para más información

           www.avion3puntos.net
 

Avión... es el fuselaje de un Dc-9, una infraestructura cultural móvil, para la creación y la experimentación. Accidentado en Granada el 30 de marzo del año 1992, sin víctimas ni heridos de gravedad, fue comprada como chatarra al peso.

Su recuperación como espacio artístico nace de la mezcla de múltiples disciplinas y propone el trayecto como acontecimiento. De este modo, Avión... podrá ser utilizado por todas aquéllas personas, colectivos o instituciones que sientan interés por él, esta el la base de su permanencia en el tiempo y el contenido de su memoria.

COMPAÑÍA LLORENÇ BARBER – (Madrid) España

SIC O LO QUE SEA SONARÁ

EXPERIENCIAS - MÚSICA

Dirección y concepto: Llorenc Barber.
Creación, dirección e interpretación: Llorenç Barber.
Fotografía: David Jiménez.

 

Teatro El Canto de la Cabra
10, 11, 12 y 13 de febrero – 21 h.

Más información

           www.elcantodelacabra.com
 


FOTO: DAVID JIMÉNEZ
Montaje de campanitas y cencerros que, mediante cuerdas, envuelven al público. Hacer llegar al intérprete la capacidad de vibrarlas, conformando así una maraña que rodeará al auditorio.

Disponer unas pocas sillas, tan sólo. Iluminar con los focos disponibles en la casa, discretamente el punto del interprete, que escondido tras su bastidor de 16 campanas cantará, moverá los hilos y con baquetas de distinto calibre y densidad hará sonar todo aquello. No habrá ninguna amplificación.

Texto de programa explicativo/poético: música bis a bis, es este un diminuto concierto concebido para darse en inmediatez e intimidad ante una audiencia tan reducida que puede incluso llegar al sesión, haya o no haya quién la perciba y atienda, siendo el máximo unas veinte personas por sesión.

Si la capacidad lo permite, se podrán escuchar tantos Sic o lo que sea sonará como se desee, pudiendo así degustar las mas diversas derivaciones de la idea. Además, tome nota y venga, si quiere, provisto del artilugio de captación del sonido que tenga más a mano.

El autor cede sus derechos a todo aquel que se acerque a degustar su música y su gesto, extendiendo a quien lo solicite una cédula acreditativa, numerada y firmada, que autentifique la cesión a perpetuidad de tal o cual versión. Efectuado el regalo, haga cada quién de su capa un sayo.

Sic tomó aire, cuerpo y lugar en el Almacenillo de la cuarta planta del Circulo de Bellas Artes de Madrid, los días 12 al 15 de febrero del 2001, de 18 a 20 horas, durante el festival Paralelo Madrid. Otras músicas, siendo atendido en aquellas fechas por un muy magnífico reducido número de público.

En el programa de mano de aquella ocasión figuran las siguientes notas del autor:
“es este un puro y personal largar ahí, mordiendo el sonar ante y con cada quién, sin distancias ni lejanías. En efecto, a solas con el son, somos aquí esponjoso compartir trasvases, armónicos, alientos, frotes y hasta carraspeos que buscan tarifar tu vecina escucha.” Llorenç Barber, músico.
 
COMPAÑÍA ANA BORRALHO Y JOAO GALANTE - Portugal ¡MIRA!

MISTERMISSMISSMISTER

EXPERIENCIAS - PERFORMANCE

Dirección: Ana Borralho y Joao Galante.
Concepto: Joao Galante.
Interpretación: Ana Borralho, Joao Galante y Miguel Moreira.
Luces: Ana Borralho y Joao Galante.
Sonido: Joao Galante.
Caracterización: Jorge Bragada.
Música: Platters, David Bowie, Beyonce.
Fotografía: Cristina Piedade.
 

El perro de la parte de atrás del coche
18 y 19 de febrero – 23 h.

Más información

           www.cal.com.pt
 


FOTO: CRISTINA PIEDADE
Mistermissmissmister es un proyecto performativo sobre el imaginario erótico, parte de las asimetrías que regulan las identidades sociales y las definiciones de masculino / femenino. Busca provocar en cada espectador una emoción fuerte mediante la confrontación y la comunicación directa, mediante personajes con una exposición externa y una ambigüedad sexual evidente. Los tres performers están totalmente desnudos y la caracterización de sus rostros provoca una ambigüedad con respecto a su sexo, éstos no se relacionan con su aspecto.

Es una performance con una duración de tres a cuatro horas, y para tres espectadores cada vez: Sentados frente a frente, los tres performers y los tres espectadores establecen una relación amorosa directa a través de la mirada, sin palabras y de tiempo indeterminado, mientras escuchan una canción de amor, a través de auriculares, dando así a la relación un carácter más privado dentro de una situación pública. Es el espectador el que define la duración de la performance, la relación que va a establecer, la elección de uno de los performers, y el momento de salida/corte de la relación, dando lugar a otro espectador. El resto de espectadores espera y, como es un juego vouyerista, asisten desde el exterior al espectáculo/relación.

La confrontación erótica directa y sensual recrea, casi en privado, una relación amorosa entre performer y espectador, teniendo éste la posibilidad de decidir el tiempo de la performance sentándose o no frente al objeto de deseo, teniendo siempre la posibilidad de asistir a la performance desde fuera de la relación, sin sentirse obligado a enfrentarse directamente con el performer.
 
COMPAÑÍA LABORATORIOS BACILÖ - (Madrid) España

ESPECTÁCULO EXPERIENCIA BACILÖ:
MEGA CENTRO TECNOLÓGICO- VIVENCIAL:
NUEVAS POSIBILIDADES PARA NUESTRO RECEPTOR 2

EXPERIENCIAS - PERFORMANCE

FUNCIONARIOS BACILÖ

Fnac Centro Comercial Plaza Norte
Fecha y hora 21, 22 y 23 de febrero - 10 a 22 h.



FOTO: L. BACILÖ

La intervención de los Laboratorios Bacilö se desarrollará en la sede de Fnac en el Centro Comercial Plaza Norte II.

Los Laboratorios Bacilö harán uso de este MegaEspacioCultural durante 72 horas de SúperEstancia para llevar a cabo en directo su Experiencia Bacilö: Mega Centro Tecnológico Vivencial: Nuevas Posibilidades Para Nuestro Receptor 2.
un estudio de campo basado en los grandes almacenes y el individuo medio de nuestra sociedad que encuentra en estos "centros" todo lo necesario para llevar una satisfactoria vida tecnológico-cultural sin siquiera salir de él para acceder a cualquier otro servicio que ya no se encuentre en éste.

Estos MegaAlmacenes ofrecen los servicios necesarios para poder realizar todas las compras, transacciones comerciales, culturales y de tecnología punta que el individuo actual necesita en su vida diaria, lo que favorece el mayor aprovechamiento de su tiempo y la satisfacción a sus necesidades desde un mismo punto sin tener que transitar, preguntar o consultar a lo largo del gran entramado urbano de nuestras ciudades, cada día más multitudinarias y desagradables
para el viandante.

Para los Laboratorios Bacilö, estos MegaEspaciosComerciales ya no son sólo benefactores de las necesidades del comprador, sino que el individuo utiliza esta gran superficie como espacio en el que desarrollar su vida diaria, en el que pasar la mayor parte del día, incluso del año, con la posibilidad de encontrar, consumir y/o adquirir todo lo necesario para llevar su vida satisfactoriamente, e incluso, poder realizar su trabajo desde allí mismo a través de las nuevas tecnologías.

Laboratorios Bacilö propone una experiencia colectivoIndividual de 72 horas de duración en el interior de uno de estos centros, donde sus Funcionarios Bacilö podrán consumir y llevar a cabo su vida diaria con todo el material que oferta este centro. Durante estas 72 horas irán variando las necesidades y acumulando los elementos adquiridos dentro del Laboratorio de Campo instalado para la ocasión, lo que originará una situación Saturo Claustrofóbica Individuo Colectiva ¿no es un ejemplo pues de nuestras propias viviendas?, ¿de nuestros Súper-Salones?

Estas situaciones cotidianas se sucederán ante la atenta mirada de los compradores que, desde el interior del centro o desde sus propias viviendas a través de la red electrónica global, podrán disfrutar de esta Experiencia Bacilö con carácter terapéutico o dicho de otro modo, asistir al espectáculo de acumulación y bienestar que ellos mismos representan.

Para las personas que sigan la intervención de los Laboratorios, los operarios Bacilö realizarán dos comunicados globales, que consistirán en sesiones informativas-documentales sintéticas (a las 12:30 h. Y 19:30 h.), de lo que está sucediendo en el centro durante los tres días.

CICLO PEFIL: EDDIE LADD

El Ciclo Perfil tiene como objetivo exhibir distintos montajes de una compañía o de un creador, con el fin de mostrar su recorrido artístico, de dar a conocer su línea creadora y acercar al público una retrospectiva de su trabajo que indague, de manera profunda, en su trabajo escénico.

Eddie Ladd es una creadora británica que desarrolla su trabajo en Gales y lo difunde por todo el mundo. Después de un primer trabajo con compañías de teatro experimental, la carrera de Eddie se ha desarrollado sobre la base de lo polifacético, que le ha llevado a ser cantante, bailarina, actriz y a presentar numerosos programas de televisión.

Participando en festivales por toda Europa, ha desarrollado performances en lugares inusuales que van desde granjas y campos abiertos a teatros de ópera.

BONNIE + CLYDE

COMPAÑÍA EDDIE LADD – Reino Unido

BONNIE + CLYDE

DANZA

Dirección y coreografía: Eddie Ladd.
Interpretación: Eddie Ladd y Gerald Tyler.
Director técnico: Trevor Turton.
Música: Dewi Evans y Jon Wygens.
Fotografía: Dewi Evans.
 

Templo de Debod
4, 5 y 6 de febrero – 19 h.

Más información

           www.eddieladd.com
           www.wai.org.uk
 


FOTO: DEWI EVANS
Bonnie + Clyde es un dueto de Eddie Ladd y Gerald Tyler. La narrativa surrealista argumenta a una pareja a emprender una fuga de ningún lugar a ningún lugar peor. El desarrollo de dos personajes fuera de la ley en la era de la Depresión.

La audiencia conduce sus coches hasta el lugar del espectáculo, los aparca y dentro de estos observan el espectáculo, mientras la banda sonora original y el diálogo serán escuchados a través de las radios de sus coches.

SCARFACE
 

COMPAÑÍA EDDIE LADD – Reino Unido

ESPECTÁCULO SCARFACE

DANZA

Dirección, coreografía e interpretación: Eddie Ladd.
Luces y sonido: Trevor Turton.
Vídeo: Steve Vearcombe.
Fotografía: Dave Daggers.

 

Sala Cuarta Pared
8 y 9 de febrero – 21 h.

Más información

           www.eddieladd.com
           www.wai.org.uk
           www.cuartapared.com
 


FOTO: DAVE DAGGER S
Es un montaje multimedia de danza basado en el film que, en 1983 dirigió Briam de Palma y que protagonizó Al Pacino. La intérprete busca acercarse lo más posible al prototipo de personaje masculino de Hollywood, un icono construido en el montaje con la imitación en los movimientos y el discurso del personaje. Scarface recrea una película en un espacio teatral, se basa en el cine y su actuación, estando fuertemente influido por la coreografía cinematográfica.

La performance se basa en la separación tecnológica de los colores sobre la escena. El espacio es dividido en dos por una pantalla CSO azul y una pantalla blanca. La performer trabaja delante de la pantalla azul, en algún lugar que es ningún lugar, no tiene orientación y no es un espacio “real”. La pantalla blanca muestra imágenes de vídeo sobre las que se proyecta la imagen de la coreógrafa bailando en ese mismo momento. De este modo, en la pantalla blanca se unen las imágenes de fondo, que crean el espacio “real”, y la imagen de la performer.

CLUB LUZ

COMPAÑÍA EDDIE LADD – Reino Unido

CLUB LUZ

DANZA

Dirección, coreografía e interpretación: Eddie Ladd.
Escenografía y luces: Trevor Turton.
DJ, música y sonido: Dewi Evans.
Fotografía: Dave Daggers.

 

Sala Cuarta Pared
11, 12 y 13 de febrero – 21 h.

Más información

           www.eddieladd.com
           www.wai.org.uk
           www.cuartapared.com
 


FOTO: DAVE DAGGERS
Un club con música electro, imágenes y coreografía. Doce números basados en la película de Sam Fuller, Shock Corridor (1963), en la que un hombre de color negro internado en una prisión mental, cree ser un hombre blanco y numerario del Ku Klux Klan. El montaje es un cautivador trabajo con música electrónica que habla del futuro de Gales, compuesta específicamente para el montaje por Dewi Evans. Un montaje donde la música es la base de expresión de la condición galesa ostcolonial.

El espectáculo reformula el film, la creadora lo usa como base para construir su intención expresiva. De este modo, el hospital recreado en la película es para la performer la metáfora de una nación y el protagonista, la expresión del propio aborrecimiento aprendido del colonialismo.

La protagonista canta con una estridente voz canciones que son expresión del desgarrado cerebro del colonizado, la alienación, la aspiración, la pena y, finalmente, el poder redentor del pop.
 

IX CICLO AUTOR
CARYL CHURCHILL: COMPROMISO, INTELIGENCIA Y CREATIVIDAD

PROGRAMA

Todas las actividades del Ciclo Autor se realizarán en el Teatro Pradillo, exceptuando las clases magistrales de la autora.

 

Entrada libre en conferencias y mesas redondas
Exposición sobre la autora en el vestíbulo del Teatro Pradillo.
20 horas

 

Día 7.- 20 HORAS
Conferencia de inauguración a cargo de Max Stafford Clark: “Caryl Churchill: Top Heart and Serious Girl”. Director artístico del Royal Court durante 14 años y actualmente director de la compañía “Out of Joint”. Ha dirigido numerosas obras de la autora.

Día 9.- 22 HORAS
Conversación con María Antonia Rodríguez Gago (profesora titular de literatura inglesa de la Universidad Autónoma de Madrid) y Pilar Zozaya (catedrática de literatura inglesa de la Universidad de Barcelona): epecialistas en teatro en lengua inglesa. Modera Vicente León. “El teatro de Caryl Churchill: del feminismo socialista a la abstracción formal”.

Día 12.- 22,30 HORAS
Conferencia a cargo de Enric Monforte (profesor titular de literatura inglesa de la
Universidad de Barcelona y especialista en teatro en lengua inglesa): “Caryl Churchill: el teatro como transgresión”.

Día 15.- 22,30 HORAS
Mesa redonda con los directores de escena: Magüi Mira, Jordi Prat, José Pascual, Darío Facal y Goyo Pastor, moderada por Vicente León: “Diversidad dramatúrgica en la obra de Caryl Churchill”. Presentación, a cargo de Luís Miguel González Cruz, de la primera edición en España que se hace de una obra de la autora. La editorial “Teatro del Astillero” publicará sus dos últimas obras: “A Number” (Un Número) y “Far Away” (Lejos).

Coproducción del “Ciclo”: Escena Contemporánea y British Council
 

COMPAÑÍA TEATRO DE LA ESQUIRLA – (Madrid) España

A NUMBER (UN NÚMERO)

TEATRO

Dirección y dramaturgia: Vicente León.
Interpretación: Francisco Vidal y Carlos Martínez Merón.
Escenografía y luces: Francisco Gutiérrez “Cata” (A.A.I.).
Caracterización: Lola Barroso.
Vestuario: Teatro de la Esquirla.
Traducción: Carla Matteini.

Teatro Pradillo
8, 9 y 10 de febrero – 20:30 h.

A Number nos remite a la desintegración, al vacío que provocaría en el individuo una repetición clónica de si mismo, al cúmulo de complicaciones que harían insoportable seguir viviendo de manera minimamente cuerdo esta, ya de por si, difícil vida.

Caryl Churchill eleva el tono poético-dramático de su magistral dramaturgia y nos regala una inquietante y esencial obra que nos provoca y sumerge de lleno en el problema de la identidad desde la locura espantosa de la posibilidad (no muy lejana al parecer) de clonar seres humanos.

La tragedia siempre es producida por una irresponsable toma de decisiones de algún ser humano, acostumbrado como género a errar y no calibrar suficientemente la trascendencia de sus decisiones.

Los avances científicos, a veces, sólo sirven para constatar el grado de la enfermedad que afecta a la humanidad.

COMPAÑÍA METATARSO PRODUCCIONES - (Madrid)

ICECREAM (HELADO)

TEATRO

Dirección: Darío Facal.
Ayudante de dirección: Leyre Bozal.
Interpretación: Ruth Díaz, Toni Bottaro, Alberto Huici, Marcos García-Barrero, Stella García y Maite Pastor.
Escenografía: Antoine Hertenberger.
Sonido: Eurico J. de la Peña.
Espacio sonoro: Thea Norsola.
Vídeo: Clockwork vídeo.
Diseño gráfico: Luis Úrculo.
Traducción: Gema Facal.

 

Teatro Pradillo
11, 12 y 13 de febrero – 20:30 h.

Bajo la aparente cotidianidad de una trama como la de Ice Cream, que se inicia con el viaje de una pareja de Estados Unidos a Inglaterra para conocer a unos parientes, se nos desvela la realidad opresiva y perturbadora de los personajes, a través de cómo ellos se enfrentan con los sucesos dramáticos que tendrán lugar. Los personajes intentan escapar, pero nunca podrán escapar de ellos mismos. De este modo, la cotidianidad va dejando paso a un thriller psicológico en el cual la pesadilla de los personajes nos da la entrada a un mundo sórdido e inquietante. El viaje de los protagonistas, tanto real como psicológico, les harán mirar hacia un lugar de ellos mismos al que jamás se han asomado.
 

COMPAÑÍA LA ENSEMBLE PRODUCCIONES – (Madrid) España

CLOUD NINE (EN UNA NUBE)

TEATRO

Interpretación: Goyo Pastor, Iñigo Rodríguez, José Padilla, Sol Montoya, Rocío León, Delia Vime y Javier Lara.
Escenografía: Juanjo de la Fuente y la ENSEMBLE.
Luces y espacio sonoro: Patricio Jiménez.
Música: Mercedes Díaz.
Diseño Gráfico: Jesús Hernández.

Vestuario: Inmaculada Cano, Vicente Rodríguez y La ENSEMBLE.
Traducción: José Padilla.

 

Teatro Pradillo
14 y 15 de febrero – 20:30 h.

Cloud Nine, nos guía, a través de un viaje en el tiempo, hacia la evolución o retroceso de unos personajes indecisos, llenos de culpa y dominados por el miedo a relacionarse. Caryl Churchill nos presenta el esteriotipado mundo sexual del que somos actores y víctimas; un mundo que tiene eco en cualquier aspecto de nuestras vidas: a nivel social, económico o político, y que por arraigado, jamás cuestionamos. El cómo destapa Churchill esos códigos asentados en nuestro interior, es la esencia de esta historia que comienza a desplegarse en el África colonial y que nos lleva de la mano hasta un paisaje bien reconocido por todos: cualquier metrópoli de las que habitamos y nos habita hoy día, y que la autora diseña como heredera de aquella otra jungla.

Una aventura entre Dios, patria, familia y un montoncito de Valiums. Bienvenidos al mundo de la desorientación.

Más información

           www.escenacontemporanea.com



Más información

         ESCENA CONTEMPORÁNEA 2005 EN LA SALA CUARTA PARED
         ENERO Y FEBRERO DE 2005 EN EL TEATRO PRADILLO
         ESCENA CONTEMPORÁNEA - V FESTIVAL ALTERNATIVO DE LAS ARTES ESCÉNICAS
 

Blondes have no soul se define como una instalación de cuerpo y voz, su danza tiene una fuerza estética pura y abstracta, propuesta como un trabajo de artes plásticas.

La bailarina danza desnuda, una desnudez despojada tanto de erotismo como de vergüenza, en un espacio alumbrado por una luz fuerte y blanca, y todo en silencio.

Blondes have no soul es para Pè.tra Vermeersch un trabajo radical y absoluto, radical por la busca y el desarrollo de una proposición de danza simple hasta un punto extremo y, absoluto por estar libre del apoyo de elementos performativos o teatrales que distraigan de la danza desnuda.

“Cada ser humano existe entre el cielo y la tierra, es el propósito de la danza conectar el cielo con la tierra y, a través de este proceso ofrecer la danza a la audiencia, de un modo despojado de pretensiones. No sé exactamente qué le doy a la audiencia, depende de cada uno de sus miembros. Sólo sé que cuanto más vivo, más ofrezco….Investigo lo que es maravilloso, espiritual, ritual, invisible… Intento hacer visible lo que es invisible, si no, la danza no tendría sentido…” Pè.tra Vermeersch

Este idea sobre la danza constituye una ambición existencial en la investigación coreográfica de la bailarina y coreógrafa Pè.tra Vermeersch. Esta línea conceptual se percibe especialmente en su solo de danza Blondes have no soul.

Para la coreógrafa la danza es una expresión condensada de vida, una materia viva que se desarrolla ahora y aquí; en su recorrido artístico busca asumir en sus movimientos la complejidad de la civilización, concentrándolo en un nivel corporal, lo que persigue es llevar la compleja existencia humana a la sociedad de la mano de la danza y de la manera más natural posible.

Este montaje Participó en el Festival en Pé de Pedra en junio de 2004, fue la primera vez que actuó en España.
 
COMPAÑÍA ZORONGOFrancia ¡MIRA!

STIMULANT, AMER ET NÉCESSAIRE

PROGRAMACION - TEATRO

Dirección: Luis F. Jiménez.
Texto: Sólo para Paquita de Ernesto Caballero.
Interpretación: Emmanuelle Marquis y Daniel Lobé.
Luces: Michel Ange Pecci.
Asistente de dirección: DanielLobé.
Vestuario: Laetitia Mirault.
Fotografía: Pedro R. Troyano.
Idioma: Francés.

Guindalera Escena Abierta
10 y 11 de febrero – 20 h.

 
 


www.madridteatro.net

 

 

Última actualización el Miércoles, 05 de Mayo de 2010 17:06