Festival de otoño 2008. XXV Edición. Teatro II. Imprimir
Escrito por www.madridteatro.net   
Domingo, 14 de Marzo de 2010 16:28

FESTIVAL DE OTOÑO 2008 - TEATRO II
[2008-11-07]

 CAÍDOS DEL CIELO - LA SECONDE SURPRISE DE L'AMOUR - THE MONKEY TRIAL - THE DYBBUK - WARUM WARUM (POR QUÉ POR QUÉ) - CAHIER D'UN RETOUR AU PAYS NATAL - EL PERSEGUIDOR - VERSUS - PARIS BUKAREST - DIE ZOFEN (LAS CRIADAS) - SO HAPPY TOGETHER


 

FESTIVAL DE OTOÑO 2008
TEATRO

 
CAÍDOS DEL CIELO
LA SECONDE SURPRISE DE L’AMOUR
THE MONKEY TRIAL
THE DYBBUK

WARUM WARUM (POR QUÉ POR QUÉ)
CAHIER D´UN RETOUR AU PAYS NATAL
EL PERSEGUIDOR
VERSUS
PARIS BUKAREST

DIE ZOFEN (LAS CRIADAS)
SO HAPPY TOGETHER

CAÍDOS DEL CIELO

ESPAÑA (COMUNIDAD DE MADRID)
ESTRENO ABSOLUTO

TEATRO

TEATRO DEL ALMA
AUTORA. PALOMA PEDRERO
DIRECCIÓN: PALOMA PEDRERO

Madrid
Teatro Fernán Gómez.
Centro de Arte
Del 30 de octubre al 1 de noviembre: 20:30 h.
Día 2 de noviembre: 19:00 h.

Actores sin techo ensayan una obra. La vida y la muerte de la indigente Rosario Endrinal, asesinada por tres jóvenes en el cajero de un banco. La improvisación es su método. Las dificultades de los intérpretes y la presión de la fecha de estreno, su reto. Luz es la directora del taller, dispuesta a intentarlo todo. Pero será precisamente Charito, la actriz protagonista, la que caerá del cielo y resolverá con espíritu burlón los escollos de los ensayos y el bloqueo de la autora.

A partir de entonces, ese espíritu burlón se convertirá en musa e irá no sólo dictando la obra de la autora, sino resolviendo los múltiples conflictos que irán surgiendo con los actores en los ensayos.

Paloma Pedrero refleja en esta obra la experiencia de ocho años de trabajo junto a un grupo de teatro de personas sin hogar creado por la Fundación RAIS (Red de Apoyo a la Inserción Sociolaboral) de Madrid. Un proyecto compartido por

intérpretes y equipo artístico profesional con actores sin hogar, miembros del grupo Pacientes Ambulantes.

Mensaje social sin moraleja patrocinado por la Fundación Coca-Cola Sáenz de Vicuña en esta puesta en escena que aborda teatralmente el universo vital de los sin techo en España.


SOBRE LA COMPAÑÍA

Paloma Pedrero es actriz, directora y una de las autoras teatrales españolas más representadas internacionalmente. Licenciada en Sociología por la Universidad Complutense de Madrid y diplomada en Psicología Gestaltica por el Instituto de Florencia, ha publicado y estrenado una treintena de obras, entre ellas La llamada de Lauren, El color de agosto, Besos de lobo, Invierno en luna alegre, Noches de amor efímero, La isla amarilla, Locas de amar, Una estrella, Cachorros de negro mirar, En el túnel un pájaro, Ana el once de marzo y Beso a Beso.

Ha recibido numerosos premios como el Tirso de Molina, el de la Crítica del Festival Internacional de Roma Actores en busca de autor, o el de la Crítica Villanueva en Cuba. Paloma Pedrero colabora en distintos periódicos y es columnista semanal del diario La Razón. Además, desde 1992 imparte talleres de interpretación y escritura teatral y desde el año 2000 dirige un taller de teatro para personas sin hogar, dentro de la Fundación Rais.

Ayudantes de Dirección: Raúl Barrio Y Pilar Rodríguez
Intérpretes: Rocío Calvo, Ana Chávarri, Paloma Domínguez, Blanca Rivera, Manuel Fernández, Manuel Mata, Carlos Piñeiro, Felipe Pérez, Ramón Linaza, Cristobal Anaga, Salvador Borrego, Yolanda Sola, José Manuel López, Francisco Velasco, Mercedes Lur, José Luis Álvarez, Luisa Fernanda Y Francisco Velasco
Escenografía: Llorenç Corbella
Iluminación: Juan Gómez-Cornejo
Idioma: Español
Duración: 2 horas (sin intermedio)
www.esmadrid.com/teatrofernangomez

LA SECONDE SURPRISE DE L´AMOUR

SUIZA
ESTRENO EN ESPAÑA

TEATRO

THÉÀTRE VIDY-LAUSANNE
AUTOR: MARIVAUX
DIRECCIÓN: LUC BONDY

Nacional
Teatro Valle-Inclán
Día 31 de octubre: 20:30 h.
Día 1 de noviembre: 20:30 h.
Día 2 de noviembre: 19:30 h.

“MARIVAUX ES, COMO TODOS LOS GRANDES AUTORES
QUE HAN MARCADO NUESTRA VISIÓN DEL MUNDO,
UN ESCRITOR MODERNO Y ANACRÓNICO...”
Luc Bondy


FOTO: RUTH WALZ
 

Todo empieza con los suspiros de una dama. “No hay consuelo para mí”, dice la Marquesa viuda. También el Caballero ha perdido a la mujer que ama. Ambos se encuentran, se hablan, se compadecen y por uno de esos deslices tan comunes a la especie humana, se enamoran… De la mano de Marivaux - autor dieciochesco - y Bondy - director contemporáneo -, más allá del tiempo y las modas, llega un espectáculo en el que dos seres heridos se reconocen en su dolor y lanzan al aire una pregunta, ¿de dónde nace, exactamente, el amor?... La pieza, tocada de una luz espectral, consigue una comicidad que revela cómo, a pesar de la civilización y el refinamiento, en lo más profundo de nosotros mismos reinan irreductibles los instintos, las pulsiones y los deseos.

Las risas, los llantos y las confusiones del texto que Pierre Carlet de Chamblain de  Marivaux - el gran filósofo de los malentendidos amorosos - escribió en 1727, resucitan en este montaje, esbozando un inmenso paisaje emocional, lleno de lucidez y modernidad. Esta versión de La seconde surprise de l´amour (La segunda sorpresa del amor) - estrenada en noviembre de 2007 en París-Nanterre - marca la vuelta de Bondy a Vidy-Lausanne, después de John Gabriel Borkmann y En attendant Godot.

SOBRE LA COMPAÑÍA

De renombre internacional, el Théâtre Vidy-Lausanne se ha constituido desde hace años como una de las principales instituciones culturales de Suiza. Construido por Max Hill, es uno de los raros vestigios de la Exposición Nacional de 1964.

Sus cuatro salas presentan una treintena de espectáculos al año, ofreciendo un amplio repertorio de registros, con un total de cuatrocientas representaciones anuales.

Desde septiembre de 1999 a junio de 2004, las producciones del Vidy-Lausanne se han presentado en más de treinta países diferentes, en Europa, Asía y América.

Peter Brook, Heiner Goebbels, Joel Jouanneau, Matthias Langhoff, Lukas Hemleb, Josef Nadj, James Thiérrée, Jacques Lassalle, Omar Porras, Beno Besson o Irina Brook han presentado sus espectáculos en Vidy-L, “el más hermoso teatro del mundo”, según Michel Piccoli.

Dramaturgia: Dieter Sturm
Decorado y luces: Karl- Ernst Herrmann
Asistente de decorado y Luces: Claudia Jenatsch Y Jean-Luc Chanonat
Sonido: André Serré
Vestuario: Moidele Bickel
Colaboración Vestuario: Amélie Haas
Maquillaje Y Peluquería: Cécile Kretschmar
Colaboración Artística: Geoffrey
Layton Accesorios: Yann Dury
Coordinación Técnica: Eric Proust
Asistente de Dirección: Sophie Lecarpentier
Interpretación: Pascal Bongard, Audrey Bonnet, Roger Jendly, Roch Leibovici, Micha Lescot Y Marie Vialle
Idioma: Francés (Con Sobretítulos En Español)
Duración Aproximada: 2 Horas (Sin Intermedio)
www.vidy.ch
http://Cdn.Mcu.Es

THE MONKEY TRIAL

BÉLGICA
ESTRENO EN ESPAÑA

TEATRO

Tg STAN
AUTOR: a partir  de la transcripción del JUICIO SCOPES
ADAPTACIÓN: ROBBY CLEIREN
CREACIÓN: ROBBY CLEIREN, JOLENTE DE KEERSMAEKER,
DAMIAAN DE SCHRIJVER y FRANK VERCRUYSSEN

Madrid
Sala Cuarta Pared
Del 31 de octubre al 2 de Noviembre: 21:00 h.

”DESPUÉS DE TODO, LA RELIGIÓN HA ESTADO PRESENTE
DURANTE MUCHO MÁS TIEMPO QUE EL DARWINISMO...”
George W. Bush


FOTO: MARTIN NORDSTRO

Por primera vez en Madrid - después del éxito cosechado durante años en festivales como el Theaterfestival de Bruselas y el Festival d´Automne de París - la compañía belga tg STAN presenta The Monkey Trial, un espectáculo teatral basado en las transcripciones del “Juicio Scopes”, también llamado “Juicio del siglo” o “Juicio del mono” por la prensa de la época. El 10 de julio de 1925 el estado de Tennessee llevó a los tribunales a John Scopes, un joven profesor de Biología que, a pesar de las restricciones legales, acercó a sus alumnos las teorías evolucionistas de Darwin, incluyendo el parentesco entre el ser humano y el mono. El caso desembocó en una lucha titánica entre fundamentalismo y evolucionismo, entre religión y ciencia, entre dogma y libertad intelectual. Esta confrontación emocional entre evolución y creación fue también el primer proceso jurídico retransmitido por radio en Estados Unidos.

En la acusación, el candidato presidencial William Jennings. En la defensa, el fiscal anticlerical Clarence Darrow. En el escenario, actualidad, sátira, polémica, comicidad, papeles cambiantes y un desarrollo argumental casi cinematográfico, con momentos de clímax que recuerdan a clásicos del género como Twelve Angry Men (Doce hombres sin piedad).

“No es Scopes quien comparece ante el tribunal, sino la civilización entera”, dice Clarence Darrow en uno de los momentos culminantes de esta pieza. The Monkey Trial se estrenó, en su versión inglesa, el 1 de noviembre de 2007 en el Kulturhuset de Estocolmo.

SOBRE LA COMPAÑÍA

Jolente de Keersmaeker, Damiaan De Schrijver, Waas Gramsery Frank Vercruyssen se graduaron juntos en el Conservatorio de Amberes en 1989. Alejándose de la línea de las compañías ya existentes, a las que consideraban imbuidas de un excesivo esteticismo, experimentalismo y sometimiento a la voluntad de los directores, decidieron crear Toneelspelersgezelschap STAN (tg STAN). Después de unas cuantas producciones, Waas Gramser abandonó el grupo y fue sustituido por Sara de Roo. Dos pilares definen tg STAN: el actor como núcleo del proceso teatral y la heterodoxia. Esta huida de los dogmas se refleja en el mismo nombre de la compañía S(top) T(hinking) A(bout) N(ames), en español, “deja de pensar en los nombres”, así como en su repertorio. Una híbrida colección de textos (Chéjov, Bernhard, Ibsen, Wilde, Shaw y Diderot, entre otros) que invariablemente expresan una crítica social. Algunos de los últimos trabajos de la compañía - representados, aparte de en flamenco, en inglés o francés son My dinner with André, Alles is rustig, La carta, In Real Time, vandeneedevandeschrijvervandekoningendiderot, Poquelin, Berenice y Het was zonder twijfel een ongeluk.

Iluminación: Thomas Walgrave
Escenografía: Dirk Ceulemans Y Raf De Clerq
Interpretación: Robby Cleiren, Tiago Rodrigues Y Frank Vercruyssen
Idioma: Inglés (Con Sobretítulos En Español)
Duración Aproximada: 3 Horas (Con Intermedio)
www.Stan.Be
www.cuartapared.es

THE DYBBUK

POLONIA
ESTRENO EN ESPAÑA

TEATRO

TR WARSZAWA
AUTOR: basado en textos de SZYMON ANSKI
y HANNA FRALL
DIRECCIÓN: KRZYS
ZTOF WARLIKOWSKI

Madrid
Naves del Español/ Matadero Madrid
Día 1 de noviembre: 20: 00 h.
Día 2 de noviembre: 18:00 h.
Día 3 de noviembre: 20: h.

DYBBUK CONDUCE A UNA CRISIS QUE DESEMBOCA EN ORDEN...”
Krzysztof Warlikowski


FOTO: STEFAN

Escribe Tadeusz Sobolewski, crítico de la Gazeta Wyborcza, que el Dybbuk de Warlikowski es la negación del senti­mentalismo oscarizado de las películas sobre los judíos y el holocausto, de esas escenas que permiten al espectador derramar una lágrima y volver tranquilamente a su realidad cotidiana. Es una voz honesta y dura, imbuida en su propia sensibilidad y carnalidad. Una voz que parte de la experiencia de la generación que tiene ahora cuarenta años y también de su no experiencia de la Fatalidad y de Dios. Una no experiencia que, sin embargo, también es perturbada por el dyb­buk judío, ese espíritu condenado que según la tradición hebrea toma posesión del cuerpo de las personas vivas para expiar sus pecados o subsanar las injusticias que sufrió en vida.


FOTO: KRZYSZTOF BIELINSKI

Para el propio Warlikowski - alumno de Krystian Lupa, colaborador de Peter Brook, referente en los grandes festivales europeos y ganador de la última edición (2007) del X Premio Europa a las Nuevas Realidades Teatrales - "The Dybbuk es la continuación de la vida. Es también el testimonio de la transmigración de las almas. Hoy, el dybbuk encarna la memo­ria de la que no nos queremos librar, que queremos cultivar, la memoria que tiene el poder de salvarnos".

La obra se basa en tres textos diferentes: el primero está compuesto por siete cuentos cortos, el segundo es Dybbuk de Szymon An-ski y el tercero es el cuento del mismo titulo escrito por Hanna Krall. The Dybbuk se estrenó en octubre de 2003 en el Midzynarodowy Festiwal Dialog (Festival Internacional de Teatro Dialog) en Wroklaw.

SOBRE LA COMPAÑÍA

Krzysztof Warlikowski (Szczenin, Polonia, 1962) estudió Historia, Filosofía y Lenguas Romances en la Universidad de Cracovia e Historia del Teatro Griego en la Sorbona de París. Alumno de Krystian Lupa en el Ludwik Solski State Theatre School, también asistió a talleres impartidos por Ingmar Bergman, Giorgio Strehler y Peter Brook, con el que colaboró en el montaje de Impressions of Pelleas para el Bouffes du Nord de París. A lo largo de su carrera, ha dirigido espectáculos de, entre otros, Canetti, Dostoievski, Shakespeaere y Labiche, aunque las principales fuentes de inspiración de su universo creativo son el mundo clásico y la Biblia.

Para el Stary Teatr ha dirigido The Marquis of O., de Heinrich von Kleist y para el Teatr Nowy, Roberto Zucco, de Bernard Marie Koltès, montaje que le valió su fama de provocador. En 1999 comenzó su colaboración con TR Warszawa. También ha presentado proyectos en el Theater der Welt y el Hebbel y participado en los más prestigiados festivales del mundo, como el de Avignon y el BAM Next Wave. Es Oficial de la Orden de las Artes y las Letras, galardón que le fue otorgado por el Gobierno de Francia en el año 2004.

Idioma: polaco (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 2 horas y 20 minutos (sin intermedio)
www.trwarszawa.pl
www.mataderomadrid.com

WARUM WARUM (POR QUÉ POR QUÉ)

SUIZA
ESTRENO EN MADRID

TEATRO

PETER BROOK
TEXTO: PETER BROOK Y MARIE-HÉLÈNE ESTIENNE
DIRECCIÓN: PETER BROOK

Madrid
Teatro de La Abadía
Del 4 al 8 de noviembre: 20:30 h.

“EL TEATRO NUNCA TIENE RESPUESTAS...”
Peter Brook


FOTO: LEONARD ZUBLER

Por qué el teatro. Por qué por qué. Sobre el escenario, una mujer. Los pantalones grises, demasiado anchos, demasiado largos, amarrados a la cintura con una bufanda roja. Alrededor del cuello, un talismán; sobre la cabeza, un turbante. A su lado, un músico toca un misterioso instrumento. Dos paredes desnudas les arropan.

Warum Warum (Por qué Por qué), el último espectáculo de Peter Brook y el segundo de sus trabajos en lengua alemana, constituye una búsqueda casi litúrgica sobre el origen y desarrollo del proceso teatral. De la mano de la actriz Miriam Goldsmichdt, la pieza se desarrolla a partir de los textos de los más importantes pioneros de la dramaturgia moderna, Antonin Artaud (1896-1948), Edward Gordon Craig (1872-1966), Charles Dullin (1885-1945), Wsewolod Emiljewitsch Meyerhold (1874-1940), Zeami Motokiyo (1363-1443) y William Shakespeare (1564-1616). Un proyecto que empezó siendo una disquisición sobre Meyerhold y terminó por convertirse en una investigación sobre la esencia del teatro. Una investigación que busca, en palabras del propio Brook, “crear un mosaico en el que la voz de Shakespeare reverbere junto a la de otros grandes, como un eco en el presente” para hacer visible lo que está presente, para materializar en escena lo que está vivo.

Warum Warum se estrenó en la Schauspielhaus de Zúrich el 17 de abril de 2008.

SOBRE LA COMPAÑÍA

Peter Brook (Londres, 1925) es una de las figuras más influyentes del teatro europeo contemporáneo. Desde que dirigió en 1943 su primera obra, ha llevado a escena más de setenta piezas en Londres, París y Nueva York. Su trabajo con la Royal Shakespeare Company incluye Love´s Labour´s Lost (1946), Measure for Measure (1950), Titus Andronicus (1955), King Lear (1962), US (1966), A Midsummer Night´s Dream (1970) y Antony and Cleopatra (1978). En 1971

funda el Centro Internacional para la Investigación Teatral en París y tres años más tarde establece su base permanente en el Théâtre des Bouffes du Nord, donde ha dirigido obras como Timon of Athens, The IK, Conference of the Birds, The Mahabharata, The Tempest, Tierno Bokar, The Grand Inquisitor, Sizwe Banzi est Mort y Fragments. También ha dirigido óperas para el Covent Garden de Londres y el Metropolitan Opera House de Nueva York y películas como El señor de las moscas o el Mahabharata. La autobiografía de Brook, Hilos de tiempo, se publicó en 1998 y se unió a otros títulos como The Empty Space (1968), Evoking (and Forgetting) Shakespeare (2002) y There are No Secrets (1993), traducidos a quince idiomas.

Traducción al Alemán: Miriam Goldschmidt
Colaboración Artística: Lilo Baur
Música: Francesco Agnello
Iluminación: Philippe Vialatte
Asistente de Dirección: Julia Heinrichs
Asistente de Diseño: Marlene Baldauf
Asistente de Vestuario: Verena Lechenmeier
Gerentes de Producción: Eric Bart Y Matthias Wyssmann
Tour Manager: Reinhard Bichsel
Interpretación: Miriam Goldsmicht y Francesco Agnello
Idioma: alemán (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio
www.teatroabadia.com

CAHIER D’UN RETOUR AU PAYS NATAL

FRANCIA
ESTRENO EN ESPAÑA

TEATRO

LE COMPAGNIE DE LA COMÉDIE NOIRE
AUTOR: AIMÉ CÉSAIRE
DIRECCIÓN E INTERPRETACIÓN: JACQUES MARTIAL

Madrid
Teatro del instituto Francés
Del 6 al 8 de noviembre: 20:30 h.

“CAHIER… ESTÁ MARCADA POR LA IMPACIENCIA DE UN JOVEN DE 25 AÑOS,
POR SU REBELDÍA ANTE EL PREJUICIO Y LA ESTUPIDEZ,
ANTE LA VIOLENCIA SUFRIDA POR TODOS LOS PUEBLOS DOMINADOS”
Jacques Martial


FOTO: JAMES HERCULE

Poema fundamental de la obra de Aimé Césaire, Cahier d’un retour au pays natal (Cuaderno de un regreso al país natal) tiene profundas raíces en la realidad social, histórica y geográfica de las Antillas Francesas de entreguerras. En aquella

época, Francia, y Europa en general, reinan como amos sobre sus imperios coloniales, especialmente en África y las Antillas. Los únicos países negros libres eran entonces Haití y Liberia. En aquella época, las tesis racistas del Conde de Gobineau, diplomático y escritor francés, sobre la desigualdad de las razas alimentaba la filosofía del III Reich. En aquella época, Josephine Baker, la Reina de París, se despojaba de su cinturón de plátanos. En aquella época, Aimé Césaire, Léopold Sedar Senghor y Léon Damas inventaron la negritud y devolvieron a la mujer y al hombre negros su dignidad como seres humanos. Cahier d’un retour... se inscribe dentro de esta realidad. Si André Breton escribió que “este poema no es más que el más grande monumento lírico de nuestra época”, resulta obligado reconocer que su mensaje humanista ha sobrepasado su época y continúa alertando nuestras conciencias. El lenguaje de Césaire necesita ser hablado tanto como ser escuchado. Una poesía viva, rica, exuberante a la vez que precisa, afilada, incluso cuando juega a sorprendernos por la inventiva de su música. Pues aquí, el inventor es claramente un genio. “Mi boca será la boca de los desgraciados que no tienen boca, mi voz, la libertad de los que se hunden en el calabozo de la desesperanza”.

SOBRE LA COMPAÑÍA

Aimé Cesaire nació en La Martinica en 1913, donde murió en 2008. A los 26 años publica Cahier d’un retour au pays natal, primera de las obras que harán de él uno de los más grandes poetas en lengua francesa del siglo XX. Cahier... se convertirá en un texto fundamental como símbolo del orgullo y la dignidad recuperadas de los pueblos negros de todo el mundo. La Compagnie de la Comédie Noire, creada en el año 2000, tiene como objeto favorecer la representación de personas pertenecientes a minorías visibles. Para conseguirlo, desarrolla los medios que permiten la creación, producción, promoción y difusión de acontecimientos culturales, especialmente de obras de teatro y cine. Otros espectáculos presentados por la compañía han sido la obra de teatro Cannibales, de José Pliya, y la ópera para público a partir de cinco años Hansel y Gretel según Engelbert Humperdinck. Jacques Martial, muy conocido en Francia por su participación en la serie de televisión Navarro, ha desarrollado una importante parte de su carrera en el teatro, así como en la enseñanza y en la dirección. Es presidente del Parque de la Villette de París desde 2006.

Escenografía: Pierre Attrait
Pintura: Jerôme Bouttterin
Iluminación: Jean-Claude Myrtil
Asistente de Dirección: Tim Greacen
Regiduría: Marc Martinez
Idioma: francés (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio)
www.ifmadrid.com

EL PERSEGUIDOR

ESPAÑA (CATALUÑA)
ESTRENO EN MADRID

TEATRO-MÚSICA

BARCELONA AD LIBITUM
DRAMATURGIA: ANDREU MARTÍN
DIRECCIÓN: LURDES BARBA

Madrid
Teatro Pradillo
Del 7 al 9 de noviembre: 20.30 horas.

“UNIR PALABRA Y MÚSICA RESULTA TERRIBLEMENTE GRATIFICANTE CUANDO
EL PUNTO DE PARTIDA ES UN TEXTO DE JULIO CORTÁZAR Y EL JAZZ DE CHARLIE PARKER”
Lurdes Barba

Julio Cortázar y Charlie Parker, palabra y jazz en busca de la eternidad. La vida delprotagonista, Johnny Carter - el propio Parker -, su dependencia del alcohol y las drogas. Su obsesión por traspasar el tiempo, por conseguir la inmortalidad a través de la música. Carter interrumpe la secuencia espacio - tiempo y choca una y otra vez con la frustración de no poder ganarle la partida a la muerte. Frente a él, Bruno, el crítico, testigo privilegiado de la genialidad y la autodestrucción, representa la comodidad de la vida material, más cercano a la tierra que a los sueños. Julio Cortázar vive entre los dos, entre la exploración de nuevas formas y la búsqueda de bienestar y reconocimiento. Los temas musicales componen un puzzle, una mirada distorsionada de algunas piezas de Parker, más algunas composiciones de Dani Nel.lo inspiradas en el espíritu del Be-bop, movimiento del que Charlie Parker fue máximo representante; una gran revolución del jazz, no del todo accesible, sobre todo para el público blanco. Fue entendida por los críticos del momento como un ejercicio de aislamiento y defensa de los músicos afroamericanos. Según algunos historiadores y musicólogos, la combinación de sustancias psicotrópicas y música suponía la búsqueda de un nuevo estado de consciencia, la entrada en un espacio mental al que no se accede siempre que se quiere. Johnny Carter persigue a la vez que es perseguido, aunque nadie sabe lo que persigue. Quizás, un universo absoluto a través de la música. El perseguidor es una creación de Barcelona ad libitum para su ciclo Música de Libros.

SOBRE LA COMPAÑÍA

Barcelona ad libitum es una división de la Agencia Literaria Carmen Balcells S.A. cuyo afán es estimular el talento musical y la búsqueda de nuevas ideas que aporten una visión original del formato y la puesta en escena.

Entre los espectáculos que ha producido se encuentra el ciclo Música de Libros cuyo principal objetivo es tender un puente sonoro entre lector y oyente, entre silencio de la lectura y la música que se esconde tras las palabras. El ciclo se inició con el espectáculo La música que Cervantes habría escuchado en la radio, coincidiendo con el cuarto centenario de la publicación de El Quijote. En 2005 se puso en escena El pianista basado en la novela homónima de Manuel Vázquez Montalbán con Juan Diego, el pianista Jordi Masó y dirección de Xavier Albertí.

Lurdes Barba inició sus estudios teatrales en la escuela Nous Estudis de Albert Boadella. Ha colaborado con conocidos directores, como Rafael Durán y Carme Portacelli y ha obtenido varios premios en su doble faceta de intérprete y directora.

Dirección Musical: Dani Nello y Jordi Prats
Músicos: Jordi Prats, Dani Nel.Lo, Ramón Ángel Rey Y Miguel Ángel Cordero
Diseño de Iluminación: María Doménech
Escenografía: Max Glenzel Y Estel Cristiá
Ayudante de Dirección: Daniela Corbo
Interpretación: Gonzalo Cunill Y Pedro Gutiérrez
www.barcelonaadlibitum.com
www.teatropradillo.com

FACTORY 2

POLONIA
ESTRENO EN ESPAÑA

TEATRO

NARODOWY STARY TEATR
TEXTO, DIRECCIÓN Y ESCENOGRAFÍA: KRYSTIAN LUPA

Madrid
Centro Dramático Nacional,
Teatro Valle-Inclán
Días 8 y 9 de noviembre: 12: h.

“HACER LA PELÍCULA QUE ANDY WARHOL NO HIZO...”
Krystian Lupa


FOTO: KRZYSZTOF BIELINSKI

Factory 2 es una fantasía colectiva, un proyecto coral inspirado en los trabajos de Andy Warhol y liderado por el gran director polaco Krystian Lupa, que ya en la edición anterior del Festival de Otoño de Madrid presentara Wymazywanie (Extinción). El montaje - con un elenco de diecinueve intérpretes - lleva a escena un momento histórico y una biografía a la vez real y mítica, utilizando para ello las mismas técnicas que Warhol usó en sus creaciones. En escena, discusiones, improvisaciones, experimentos fílmicos y una cámara que acompaña todo el proceso. Reunidos en la Silver Factory, el estudio de creación de Warhol en la East 47th de Nueva York, artistas, modelos, directores de cine, pintores, publicistas y The Velvet Underground. Una tribu de personajes divergentes, extravagantes, coloridos, unidos por el arte y alejados de lo que la sociedad ratifica como racional y aceptable. Y más allá de la bohemia neoyorquina, llenando el escenario, sobrecogiendo al público, la presencia del icono y la soledad del hombre.

En definitiva, un trabajo híbrido que sintetiza en un sorprendente binomio a Warhol y a Lupa - conocido principalmente por sus trabajos basados en la obra de Thomas Bernhard - y que se estrenó el 16 de febrero de 2008 en el Stary Teatr de Cracovia

SOBRE LA COMPAÑÍA

El Stary Teatr de Cracovia, fundado en 1781 por el actor Mateusz Witkowski, es uno de los más antiguos teatros públicos polacos. Su repertorio se caracteriza por la variedad en la elección de obras clásicas y contemporáneas y la cooperación con los grandes directores de la escena europea. Desde 1945, el Stary ha presentado 573 producciones y participado en festivales como el Edinburgh International Festival, el Holland Festival o el Festival d´Automne de París, entre otros. En España, ha presentado espectáculos como Karamasov Brothers, Ritter, Dene, Voss - en el año 2006 en el Festival de Otoño de Madrid - y Kalwerk.

Krystian Lupa (Jastrzebie Zdroj, 1943), figura fundamental del teatro polaco contemporáneo, hizo su debut profesional en 1976, con una producción de Slawomir Mrozek, Rzeznia (Matadero).

Condecorado con la Cruz al Mérito de Austria y la Orden de las Bellas Artes y Humanidades de la República Francesa, es considerado un maestro en la creación de realidades internamente coherentes. A menudo traduce y adapta los textos que lleva a escena, simultáneamente diseñando la escenografía y dirigiendo los montajes.

Asistencia a la dramturgia: Iga Ganczarczyk y Magda Stojowska
Vestuario: Piotr Skiba
Materiales audiovisuales: Łukasz Banach
Arreglos musicales: Mieczyslaw Mejza
Interpretación: P. skiba, Z.W. kaleta, K. Zawadzki, A. Nawojczyk, I. Bielska, S. Korzeniak, M. Hajewska-Krzysztow, U. Kiebak, P. Polak, K. Warnke, B. Brzyski, I. Budner, J. Drodzda, M. Zawadzka, M. Ojrzynska, T. Wygoda y S. kaczmarekm L. Holuj y R. Libner.
Idioma: polaco (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 7 horas y 50 minutos (con 3 intermedios)
www.stary-teatr.pl
http://cdn.mcu.es

VERSUS

ESPAÑA (ASTURIAS)
ESTRENO EN MADRID

TEATRO

RODRIGO GARCÍA
IDEA Y DIRECCIÓN: RODRIGO GARCÍA

Madrid
Naves del Español /Matadero Madrid
Del 12 al 15 de noviembre: 20:00 H.

“DECIMOS QUE LA ESCLAVITUD FUE ABOLIDA, PERO ESO ES FALSO,
YO SÉ DE MILLONES DE PERSONAS QUE TIENEN UNA HIPOTECA
Y NIÑOS EN EL COLEGIO,
Y TIENEN METIDO EN LA CABEZA
QUE HAY QUE CAMBIAR CADA RATO DE COCHE...”
Rodrigo García


FOTO: J. MARQUERIE

“Una serie de apuntes, imágenes y acciones, que versan sobre la guerra por la independencia… por independizarse la gente de sus compromisos con los bancos; de los hijos cuando se convierten en nuestros jueces y carceleros y dejan de ser encantadores; de una vida que se repite estúpida y desafiante cada minuto; del precio de la gasolina y de la ofensa constante de la televisión. También sobre las contiendas perdidas frente a la costumbre, y sobre las hostilidades silenciosas en el desayuno, y de la guerra de los camiones de la basura. No faltarán comentarios acerca de la cruzada que la clase dirigente tiene en marcha contra las nociones más elementales de filosofía, ética y conocimiento. Pero en el fondo, la obra cargará sus tintas sobre la lucha íntima por independizarnos de las opiniones que los otros escupen acerca de nosotros sin el menor reparo; meros espejismos, teniendo en cuenta que cada cual morimos solos y ahí es nada... a ver cómo nos apañamos para vivir juntos en paz”. Es el planteamiento de Rodrigo García, autor y director teatral que concibe su obra por y gracias a los actores. Un particular método le hace imaginar las cosas y contárselas a los intérpretes de la peor manera posible, para que nadie pueda copiar su propuesta. La sensibilidad, personalidad, el pasado y las ideas de cada cual perfilarán el aspecto final de la pieza. Sus creaciones están sometidas a una estructura teatral y a unas convenciones que constituyen su propio juego: crear tensión, estirar el modelo teatral para ver hasta dónde aguanta.

“Mi obra habla de educación y de la dificultad de vivir juntos sin hacernos mucho, mucho daño. Habla de la necesidad de trascendencia que hay en todo ser humano, mi obra clama por una espiritualidad... laica”.

SOBRE LA COMPAÑÍA

Rodrigo García es uno de los más notables dramaturgos-directores del cambio de siglo en España. Nacido en Argentina, pero afincado desde muy joven en Madrid, su acercamiento al teatro comienza con obras como Acera Derecha ( 1989), Prometeo ( 1992) o Notas de cocina (1995). Él mismo dirigió los estrenos de sus piezas con su compañía La Carnicería. Desde sus primeras puestas en escena, resultó evidente su interés por las artes visuales, especialmente la instalación, así como por la música, las canciones y la gestualidad de los actores. Tras el éxito de Conocer gente, comer mierda (1999) y Haberos quedado en casa, capullos (2000) en el circuito de salas alternativas, Rodrigo García estrena Aftersun (2001). Autor de una dramaturgia corporal que logra un amplio reconocimiento internacional, sus siguientes espectáculos, Compré una pala en Ikea para cavar mi tumba, La historia de Ronald Macdonalds y Jardineria humana han sido presentadas en los principales teatros y festivales europeos, convirtiéndolo también en uno de los artistas con mayor protagonismo de la escena internacional del momento.

Iluminación: Carlos Marquerie
Animación: Cristina Busto
Vídeos: Ramón Diago
Música: Tape, Chiquita Y Chatarra, David Pino Y David Carpio
Intérpretes: Patricia Álvarez, David Carpio, Amelia Díaz, Rubén Escamilla, Juan Loriente, Nuria Lloansi, David Pino, Daniel Romero, Víctor Vallejo, Isabel Ojeda
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)
www.rodrigogarcia.es
www.mataderomadrid.com

PARIS BUKAREST
NATHALIE JOLY CANTA A MARIA TANASE

FRANCIA
ESTRENO EN ESPAÑA

MÚSICA -TEATRO

MARCHE LA ROUTE
DIRECCIÓN Y COMPOSICIÓN: MAURICE DUROZIER
INTERPRETACIÓN, IDEA Y ADAPTACIONES: NATHALIE JOLY

Madrid
Teatro del Instituto Francés
Día 13 de noviembre: 20:30 h.

“ME PARECIÓ ESENCIAL TRABAJAR SOBRE UNA PIEZA
QUE ABORDARA LOS TEMAS
DE LA MEMORIA Y LA TRANSMISIÓN...”
Maurice Durozier


FOTO: MARCHE LA ROUTE
Maria Tanase (1913-1963) era una niña cuando aprendió las canciones que entonaban los trabajadores cíngaros de Bucarest, contratados por sus padres agricultores. Tenía treinta y cinco años cuando su voz se escuchó por primera vez en la radio rumana. Y treinta y siete cuando todas sus grabaciones fueron destruidas y vetadas del panorama escénico por causas políticas. Murió con cuarenta y nueve años y aún hoy es idolatrada en Rumanía como la memoria cantada de la vorágine histórica del siglo XX y conocida popularmente como la Edith Piaf del este de Europa.

Rememorando el Bucarest cosmopolita de los años treinta y cuarenta, la cantante francesa Nathalie Joly lleva a escena un repertorio cíngaro de baladas y leyendas populares. Canciones que hablan de la opresión, de los grandes amores, del dolor de la pérdida, de los destinos trágicos y las existencias épicas.


FOTO: MARCHE LA ROUTE
Sobre el escenario, una mesa, una silla y un acordeón. Un espectáculo lleno de melancolía, recuerdos del cabaret y diversidad para testimoniar el punto de encuentro, pero también de fractura, entre Oriente y Occidente. Tal y como dice su director, Maurice Durozier, “es a la vez la sabiduría y el conocimiento afi lado de los miedos y las pasiones humanas de los pueblos nómadas rumanos lo que me ha llevado a restituir esta evocación de Maria Tanase.

Paris Bukarest - del que también se ha publicado un CD y que ha sido distinguido con un Label Francophonie - se estrenó en el Instituto Francés de Casablanca en el año 2006 y ha estado de gira en el Festival de Avignon, el Festival Underground de Transilvania, el Instituto Francés de Bucarest y en la capital de Afganistán, entre otros muchos lugares.

SOBRE LA COMPAÑÍA

A lo largo de su carrera artística, Nathalie Joly se ha inspirado en la combinación de narración y música para crear espectáculos en los que alternan composiciones inéditas y canciones de repertorio de los años treinta y cuarenta. Entre sus piezas encontramos Je sais que tu es dans la salle, sobre Yvonne Printemps y Sacha Guitry; J´attends un navire y Cabaret de l´exil, sobre Kurt Weill y Cafés Cantantes, con canciones de superstición andaluzas. Acaba de crear con motivo del ciento cincuenta aniversario del nacimiento de Freud y por encargo de la Société Psychanalytique de París, Je ne sais quoi, que se representará en noviembre y diciembre de este año en el Théâtre de la Tempête de París. Entre otros  galardones, esta actriz y cantante ha obtenido por unanimidad el Primer Premio de Canto en el CNR de Boulogne Billancourt. También ha trabajado con directores como P. Adrien, M. Rostain, A. Françon, M. Durozier y L. Wurmser, así como con compositores como M. Ohana, C. Sebille y P. Legoff. Sus espectáculos, en la frontera entre el teatro y la música, llevan a escena a personajes que recuerdan la tradición del cabaret. Su búsqueda abierta a las culturas del mundo ha dado lugar a una película documental titulada Tashakor, realizada en Kabul, Afganistán.

Acordeón y Arreglos: Thierry Roques
Técnico: Bishop
Idioma: francés y rumano
Duración aproximada: 1 hora y 15 minutos (sin intermedio)
www.ifmadrid.com

DIE ZOTEN (LAS CRIADAS)

ALEMANIA/AUSTRIA
ESTRENO EN ESPAÑA

TEATRO

VOLKSBÜHNE AM ROSA-LUXEMBURG-PLATZ/
WIENER FESTWOCHEN (COPRODUCTOR)
AUTOR: JEAN GENET
DIRECCIÓN: LUC BONDY

Madrid
Centro Dramático Nacional
Teatro María Guerrero
Días 14 y 15 de noviembre: 20.30 h.
Día 16 de noviembre: 19:30 h.

“¿QUÉ SIGNIFICA EL CRIMEN EN EL CONTEXTO DEL TRABAJO DE GENET?
¿QUÉ METAFÍSICA ESCONDE?
¿HASTA QUÉ PUNTO SE CRUZA EL LÍMITE ENTRE EL BIEN Y EL MAL?”
Luc Bondy. Profil


FOTO: RUTH WALZ
Año 1933. Las hermanas Papin, criadas de profesión, matan a su patrón y a la hija de éste. El asesinato conmociona a  Francia. Jean Genet se inspira en el caso para crear uno de los textos fundacionales del teatro del siglo XX: Las criadas (1947). Una historia de dos seres atormentados que se debaten entre el amor y el odio hacia su señora, una mujer grandiosa, mezquina y contradictoria. Entre las tres mujeres se construye una relación pivotada en la falsa sumisión y la ternura fingida. Las dos hermanas simulan, en ausencia de la señora, que una es dueña y otra criada y reproducen en su imitación la distancia existencial entre amo y esclavo, al mismo tiempo que representan la erótica y el poder soterrados en todas las relaciones privadas y públicas de nuestra cultura.


FOTO: RUTH WALZ

La inercia de la autodestrucción empuja a Claire y Solange a tejer una trama que, tras ser descubierta, acelera los acontecimientos: una denuncia falsa, un envenenamiento, un suicidio.

La Volksbühne y el director Luc Bondy – que también en esta edición del Festival de Otoño dirige La seconde surprise del´amour, de Marivaux, llevan a escena un texto que, mediante la inversión de papeles y la provocación moral, nos acerca a la lucha de clases, la locura y la subversión del bien y el mal.

El lenguaje distinguido y marginal, la confusión de lo real y lo ficticio, el abismo entre la realidad y el deseo se solapan y sintetizan en Die Zofen (Las criadas), espectáculo coproducido por Wiener Festwochen y estrenado el 4 de junio de este año en Viena.

SOBRE LA COMPAÑÍA

La Volksbühne, situada en el centro de Berlín, nació en 1914 como resultado de un movimiento espontáneo y popular. Erwin Piscator en 1920 y Benno Besson en 1970 ejercieron una gran influencia sobre el teatro. Después de la caída del muro de Berlín, Frank Castorf se convirtió en su director artístico y la Volksbühne en el quizás más exitoso y controvertido teatro de la Alemania reunificada. Con el paradójico objetivo de erigirse al mismo tiempo en institución elitista y popular, pretende dinamitar los límites clásicos del teatro a la vez que los confirma a partir de una reflexión iconoclasta. La Volksbühne practica un entendimiento muy amplio del teatro, incluyendo entre sus proyectos películas, música rock, vanguardia electrónica, internet, literatura, política y economía, así como los cada vez más conocidos “Fines de semana temáticos”, que contribuyen al concepto de “teatro expansivo”.

Sus producciones se han presentado en teatros y festivales de todo el mundo, difundiendo su imagen, asociada a las investigaciones sismográficas de Frank Castorf, la obra de Christoph Marthaler y el redescubrimiento del teatro de Dimiter Gotscheff.

Asistente De Dirección: Geofrey Layton
Escenografía: Bert Neumann
Vestuario: Tabea Braun
Dramaturgia: Dieter Sturm
Iluminación: Dominique Brugère
Interpretación: Edith Clever, Caroline Peters Y Sophie Rois
Idioma: alemán (con sobretítulos en español)
Duración aproximada: 2 horas y 20 minutos (sin intermedio)
www.volksbuehne-berlin.de
http:
//cdn.mcu.es

SO HAPPY TOGETHER

ESPAÑA
ESTRENO EN LA COMUNIDAD DE MADRID

TEATRO

APATA TEATRO
AUTORES: YOLANDA PALLÍN, LAILA RIPOLL,
JOSÉ RAMÓN FERNÁNDEZ Y JESÚS LAIZ
DIRECCIÓN: JOSÉ BORNÁS

Madrid.
Centro Cultural Paco Rabal
Día 15 De Noviembre: 20:30 h.

“DEBEMOS SEGUIR PREGUNTANDO PORQUE,
HOY EN DÍA, EL OTRO SOY YO...”
Apata Teatro


FOTO: ESTHER CANDELA
“Estoy confuso. Me he salido del guión y me siento perdido. Intento tranquilizar mi conciencia, me repito una y otra y otra vez que yo no puedo hacer nada, y que los que pueden hacer algo tampoco lo hacen, que éste es un mundo ciego, sordo y mudo, que yo no tengo ojos, oídos ni boca pero, ¿es esto lo que quiero? ¿Es así como quiero vivir?”. Así se  acerca la compañía Apata Teatro a So Happy Together (Tan felices juntos), una ficción basada en hechos reales, un grito descarnado que permite escuchar la voz de judíos y musulmanes a través de las palabras de cuatro autores contemporáneos.


FOTO: ESTHER CANDELA
Para escuchar su eco e impedir que caiga en el olvido, esta compañía madrileña se ha apoyado en los testimonios de personas de carne y hueso, creando una estructura de tramas cruzadas que se traduce en un texto comprometido, directo y dolorosamente contemporáneo. Cuatro monólogos, cuatro historias desgarradoras que demuestran, una vez más, que la realidad supera a la ficción, poniendo en tela de juicio el mundo en que vivimos, un mundo gobernado por la política del miedo. Una joven palestina que trabaja realizando labores humanitarias en la Media Luna Roja ve cómo, en la franja de Gaza, soldados israelíes impiden el paso de una palestina embarazada. Pasado el tiempo, uno de los soldados que impidió el paso de la embarazada reconoce en un centro comercial a la joven palestina de la Media Luna Roja. La muchacha detona sus explosivos y provoca una masacre...

SOBRE LA COMPAÑÍA

Apata Teatro se creó en mayo de 1999 de la mano de un conjunto de profesionales de las artes escénicas que decidieron unirse para elaborar proyectos teatrales a su medida. Todos provenían de Escuelas Superiores de Arte Dramático de distintos puntos de la geografía española y compartían un mismo objetivo creativo: favorecer un teatro accesible, popular y comprometido que indagase tanto en las nuevas dramaturgias como en los nuevos lenguajes escénicos para buscar su propia voz. Siguiendo la trayectoria iniciada con Borja Órtiz de Gondra y continuada con Pedro Rivero y Jesús Laiz, la compañía sigue apostando por la colaboración con autores de la dramaturgia española y este año junta a cuatro voces  contemporáneas: Yolanda Pallín, Laila Ripoll, José Ramón Fernández y Jesús Laiz. Además de estos proyectos, Apata Teatro no pierde de vista sus raíces teatrales: en el 2006 presentó Tito Andrónico, de William Shakespeare y este año No puede ser, de Moreto, actualmente de gira por España. Espectáculos anteriores de esta compañía madrileña son Fobos y Zona Cero, ambas con dirección de José Bornás.

Escenografía: Alejandro Andújar
Vestuario: Silvia Tello
Asesora De Movimiento: Paloma Sánchez De Andrés
Iluminación: Manuel Maldonado
Interpretación: Delia Vime, Eduardo Velasco, Elena Octavia Y Alejandro Sánchez Sigüenza
Idioma: español
Duración: 1 hora y 35 minutos (sin intermedio)
www.apatateatro.com
www.madrid.org/teatro_rabal

 

Última actualización el Sábado, 15 de Mayo de 2010 09:55