Teatro en el Festival de Otoño 2006 Imprimir
Escrito por www.madridteatro.net   
Sábado, 06 de Marzo de 2010 17:21

 



FESTIVAL DE OTOÑO DE MADRID
2006

[2006-10-16]

TEATRO


FESTIVAL DE OTOÑO DE MADRID
2006



TEATRO


LLUVIA EN EL RAVAL

Argentina

Pau Miró

MADRID
Sala Cuarta Pared.
Días 12,13 y 14 de octubre
21:00 horas.
C. C. Paco Rabal-Palomeras Bajas.
Día 21 de octubre
20:00 horas.

S. LORENZO DE EL ESCORIAL
Real Coliseo de Carlos III.
Días 4 a las, 20:00 horas
y 5 a las, 19:00 horas.

La obra refleja la vida vacía y desolada de unos personajes desvalidos que buscan compañía y pequeños afectos a costa de lo que sea. Son habitantes oscuros de las ciudades, espectadores perplejos del progreso que, teniéndolo tan cerca, ni les roza siquiera. Se refugian, ocultan y desnudan en un pisito miserable por cuya ventana se asoma la ciudad con sus ruidos, sus luces y sus sombras. Es verano, el calor y la humedad lo impregnan todo. Tres personajes y un barrio: una prostituta que quiere cambiar de profesión porque ha descubierto que otra vida es posible. Ella es el vértice de un triángulo que completan dos hombres. Uno vago y sin voluntad que vive con ella y de ella, y su cliente preferido: un librero poeta que le demuestra afecto y una consideración especial. Ambos, con estrategias diferentes, la condenan a continuar prostituyéndose. Para el director e intérprete Mario Vedoya, Barcelona y Madrid palpitan de modo muy diferente. Pero el Raval en Barcelona es como Lavapiés en Madrid, San Telmo en Buenos Aires o La Candelaria en Bogotá, un barrio semimarginal, bohemio y cosmopolita donde conviven progreso, postmodernidad y miseria.

La Compañía

El nombre de la compañía es un término deportivo que hace referencia al esfuerzo supremo del corredor de fondo cuando, ya exhausto y sin fuerzas para mover las piernas, consigue llegar hasta la meta gracias a ese aire, ese “segundo viento” que renueva nuestra energía y disposición. Esta aventura teatral comenzó hace poco más de un año de la mano de Mario Vedoya, director y actor, con Vacío, de José Sanchís Sinisterra. Vedoya considera “providencial” su encuentro con Florencia Saraví y Martín V. Asegura haber dado con los actores exactos, no sólo para encarnar a los personajes, sino también para facilitarle su propia integración como actor. Con todo Mal Producciones lleva diez años de trabajo conjunto, iniciado en Argentina.

Dirección: Mario Vedoya
Intérpretes: Florencia Saraví Medina, Martín V. y Mario Vedoya
Diseño de escenografía y vestuario: Emilio Valenzuela
Diseño de iluminación: Rafa Echeverz
Música original y sonido: Albert Llanas
Compañía: Mal Producciones
Estreno absoluto
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 25 minutos (sin intermedio)

 

ROMEO Y JULIETA

Lituania

Autor:William Shakespeare
OKT / Vilnius City Theatre

Madrid
Teatro de La Abadía
Días 12, 13 y 14 de octubre
19:30 horas y
15 de octubre
18:00 horas.



FOTO: D. MATVEJEV
Korsunovas escenifica el odio de Montescos y Capuletos en una pizzería de Verona. Las dos familias compiten en jovialidad e inventiva entre ollas y cucharones en un prólogo creado por el director lituano y sus actores, que no dudan en llevar al límite las emociones de sus personajes. La batalla, que la crítica ha comparado con un gag de Laurel y Hardy, se va tornando en confusión y odio. Korsunovas explora el humor y la tragedia de este clásico y juega con dos elementos, la masa y la harina, como metáforas a lo largo de toda la obra de la transformación, el pasado y la muerte. Su Julieta no se asoma al balcón en la célebre escena, sino que se balancea temblorosa sobre la estantería más alta.

Para el director, lo más interesante de esta tragedia es cómo el amor puede tomar forma y crecer en una atmósfera de odio o guerra. Nadie conoce las razones de la enemistad entre las dos familias, se han olvidado hace tiempo. Pero Tibaldo defiende esta rivalidad como una tradición a conservar. “Muchas veces alimentamos tradiciones que crean conflictos sobre supuestas diferencias”, reflexiona Korsunovas. “La búsqueda de enemigos externos se ha convertido en una táctica cada vez más utilizada para fortalecer a una comunidad. En esta producción he querido analizar la forma en que el odio moldea las diferencias y se convierte en territorio común”.

La Compañía

El Oskaras Korsunovas Theatre (OKT), creado en 1998, se propuso desde sus comienzos mantener la independencia; no apoyarse en subsidios ni en una sala permanente para, de esta manera, cortar toda conexión con el teatro existente en Lituania en ese momento. Comenzó a producir la más novedosa dramaturgia, ausente entonces de los escenarios del país, y a buscar su propia forma de comunicación con el público.

Tras afianzarse en el país báltico, comenzó a presentar sus trabajos en giras internacionales. Actualmente cuenta con quince actores permanentes y una nueva estructura, bajo el nombre de Teatro de la Ciudad de Vilnius. Por su parte, Oskaras Korsunovas, nacido en 1969 en esa ciudad, recibió el primer premio de su carrera en el Festival de Edimburgo por un montaje realizado siendo aún estudiante. El carácter innovador de su teatro sufrió durante años restricciones por parte de las autoridades de su país.

Dirección: Oskaras Korsunovas
Intérpretes: Gytis Ivanauskas, Giedrius Savickas, Rasa Samuolyte, Rasa Marazaite,
Dainius Kazlauskas, Tomas Zaibus, Dainius Gavenonis, Vaidotas Martinaitis y Dalia Micheleviciute

Escenografía: Jurate Paulekaite
Música original: Antanas Jasenkar
Coreografía: Vesta Grabstaite, Oskaras Korsunovas
Estreno en Madrid
Idioma: lituano con subtítulos
Duración aproximada: 3 horas y 10 minutos (con intermedio)

www.okt.lt
 

PLATAFORMA

España (Cataluña)

Autor: Michel Houellebecq
Compañía Teatre Romea

San Sebastián de los Reyes
Teatro Auditorio Municipal Adolfo Marsillach.
Día 13 de octubre
20:30 horas.


 


FOTO: DAVID RUANO
“Implacable subjetividad nihilista y visión tragicómica y lírica de la vida cotidiana”. Es lo que seduce a Calixto Bieito de Michel Houellebecq. “Nadie como él hurga en nuestras heridas más íntimas, en lo efímero de nuestra vida, en la segura caducidad de nuestros cuerpos, en los intentos vanos de prorrogar la existencia más allá de sus límites, en la ficticia prosperidad de una libertad liberal, capitalista, de una moral de Coca-Cola”. Plataforma es la historia de Michel, anodino funcionario parisino que viaja a Tailandia con la herencia que recibe tras la muerte de su padre. Allí disfruta del turismo sexual y entabla una intensa relación con Valérie, una mujer que trabaja en Nouvelles Frontières. Ya en París, ambos promueven un nuevo proyecto profesional: una oferta turística con el sexo como principal reclamo, completamente al margen de los principios morales de Valérie. Michel Houellebecq (Reunión, 1958) protagoniza el gran fenómeno literario de los últimos años en Francia. Desde la biografía de Lovecraft Contra el mundo, contra la vida (1991), pasando por Las partículas elementales (1998), Lanzarote (2000), Plataforma (2001) o La posibilidad de una isla (2005), sus libros han provocado grandes polémicas y vendido millones de ejemplares en todo el mundo.

La Compañía

Bajo la dirección artística de Calixto Bieitio, la compañía Teatre Romea se ha consolidado gracias a su compromiso con la innovación y el riesgo, constituyéndose en compañía estable con sede en el Teatre Romea de Barcelona. Entre sus montajes destacan La Presa, de Conor McPherson, dirigida por Manel Dueso; Tots eren fi lls meus, de Arthur Miller (1999-2000), con dirección de Ferrán Madico; o Mestres Antics, de Thomas Bernhard, bajo dirección de Xavier Albertí.

Calixto Bieitio es el director escénico español con más proyección internacional; su estilo queda definido por su sentido del espectáculo y la mirada contemporánea de sus puestas en escena. Para esta compañía ha dirigido, entre otras, El rey Lear (2004), Macbeth (2001-2002), La vida es sueño y La ópera de los cuatro cuartos, de Brecht/Weill. Compañía y director han recibido decenas de premios nacionales e internacionales.

Dramaturgia: Calixto Bieito y Marc Rosich
Dirección: Calixto Bieito
Intérpretes: Juan Echanove, Carles Canut, Roser Camí, Mingo Ráfols, Boris Ruiz y Lluís Villanueva
Coproducción: Teatre Romea, Festival Internacional de Edimburgo y Ajuntament de Viladecans.
Estreno absoluto
Idioma: español

www.teatreromea.com
 
ACERCA DE LA ESTRATEGIA MÁS INGENIOSA PARA AHORRARSE
LA PENOSA TAREA DE VIVIR

Argentina

Autor: Paula Giusti
Toda Vía Teatro

Madrid
Teatro Pradillo
18,19 y 20 de octubre
20:30 horas.

La Cabrera
Centro Comarcal de
Humanidades Cardenal Gonzaga
Sierra Norte
1 de octubre
20:00 horas

“Una intriga irónica en la que seres reales y ficticios asumen, por igual, su inexistencia”, así define la autora y directora Paula Giusti esta obra que aspira a ser una introducción a la vida y la obra de Fernando Pessoa, el poeta portugués más importante del siglo XX. Cuando Pessoa se dirige al hospital, algunos signos presagian su fin. En la antecámara de la muerte, el escritor portugués mezcla, como siempre, sueño y realidad. Pessoa muere y la cama está vacía. Un viejo abrigo queda entre las sábanas en lugar de su cuerpo. Un viejo abrigo y una pregunta: ¿quién era este hombre? Ahora se presenta en Madrid Acerca de la estrategia más ingeniosa para ahorrarse la penosa tarea de vivir, primer proyecto de la compañía argentina Toda Vía Teatro. La historia combina verdad y quimera, humor y tragedia, música y silencios, ahondando en lo más sugestivo de la obra de Pessoa: la creación de personajes ficticios. Los otros que habitan en Pessoa y que son también él mismo, se revelan en escena a partir de un inteligente juego polifónico. La voz envolvente de la relatora y actriz Daniela Villalba sirve de guía para el espectador y le acompaña en este espectáculo donde los personajes se relacionan entre sí para asomarse a la penosa tarea de vivir.

La Compañía

Los integrantes de este grupo de creación son jóvenes versátiles y comprometidos con esta aventura colectiva. Sus distintos caminos de búsqueda y creación, que abarcan no sólo la escena teatral, sino también la danza, el canto o la dirección de actores, se reencuentran en Toda Vía Teatro. La autora y directora Paula Giusti es, además, una experta en Fernando Pessoa y el más característico rasgo de su obra: las máscaras poéticas. Toda Vía Teatro ha comenzado su andadura artística con este trabajo sobre Fernando Pessoa. Acerca de... fue la única obra dirigida e interpretada por extranjeros seleccionada para formar parte del festival parisiense Premiere Pas - Enfants des Troupes, auspiciado por el Théâtre du Soleil, donde fue recibida con mucho entusiasmo.

Dirección: Paula Giusti
Asistente de dirección: Sebastien Brottet-Michel
Intérpretes: Daniela Villalba, Daniel Cabot, Marcos Acevedo, Pablo Delgado y Pablo Salas
Escenografía, iluminación y vestuario: Toda Vía Teatro
Estreno en España
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 25 minutos (sin intermedio)

 

EL CHICO DE LA ÚLTIMA FILA

España (País Vasco)

Autor: Juan Mayorga
Ur Teatro

S. Lorenzo de El Escorial
Real Coliseo Carlos III
Días 28 de octubre
20:00 horas
Día 29
19:00 horas.

Madrid
Círculo de Bellas Artes,
Teatro Fernando de Rojas
Días 3, 4 de noviembre
20:00 horas
Día 5
19:00 horas.

Un profesor de lengua y literatura y un ejercicio rutinario, la corrección de una redacción titulada Mi pasado fin de semana. Los textos de sus alumnos resultan cada vez más decepcionantes hasta que llega al firmado por el chico silencioso que se sienta en la última fila. Tras leerla varias veces para convencerse de que lo que tiene ante sus ojos no es fruto de su imaginación, entabla con su autor una relación especial. Intensa y peligrosa, tanto para ellos como para quienes les rodean. El chico de la última fila habla sobre maestros y discípulos, sobre personas que han visto demasiado y sobre personas que están aprendiendo a mirar. Una obra sobre el placer de asomarse a las vidas ajenas y los riesgos de confundir vida y literatura. Porque algunos prefieren sentarse en la última fila y poder contemplar a todas las demás. Juan Mayorga es una de las figuras más sobresalientes de la dramaturgia actual. Ha colaborado con diversas publicaciones teatrales y ganado importantes premios, entre ellos el Calderón de la Barca. Sus últimos proyectos han estado ligados a la compañía Animalario, con espectáculos como Las últimas palabras de Copito de Nieve o Hamelin, galardonado con el Premio Nacional de Teatro 2005. Además es profesor de Dramaturgia e Historia del Pensamiento y Sociología en la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD).

La Compañía

Ur teatro inicia su andadura en 1987 bajo la dirección de Helena Pimenta. Ambos son responsables de montajes tan celebrados como la trilogía de W. Shakespeare Sueño de una noche de verano (1992), Romeo y Julieta (1995) y Trabajos de amor perdidos (1998), por la que la compañía ha recibido más de 20 galardones nacionales e internacionales, como el Premio Nacional de Teatro 1993. Entre sus últimos trabajos destacan Luces de Bohemia (2002) de Valle-Inclán, Sonámbulo (2003) de Alberti Mayorga o La Tempestad (2004) de W. Shakespeare. La trayectoria de H. Pimenta está a su vez avalada por infinidad de premios. Además de para UR teatro, ha trabajado, entre otros, para la Compañía Nacional de Teatro Clásico, el Teatro Nacional de Cataluña, el Centro Dramático Galego y el Centro Andaluz de Teatro.

Dirección: Helena Pimenta
Intérpretes: Ramón Barea, Carlos Jiménez Alfaro, Susi Sánchez, José Tomé,
Ignacio Jiménez y Natalie Pinot

Escenografía y vestuario: José Tomé y Pedro Galván
Iluminación: Miguel Ángel Camacho
Sonido: Eduardo Vasco
Estreno absoluto
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 40 minutos (sin intermedio)

 

INFAMANTE ELECTRA

Chile

Autor: Benjamín Galemiri
Teatro Camino

Madrid
Sala Cuarta Pared
Días 17,18, 19 y 20 de octubre
21:00 horas.

Infamante Electra presenta la historia de Joshua Halevi, un ex senador chileno recientemente desaforado por reiteradas acusaciones de diversos delitos y fraudes fiscales. Este ex-honorable, que alguna vez fue paladín de la lucha contra la dictadura e inevitable galán, debe afrontar ahora el desprecio de todas las esferas del poder.

Como en una tragedia impura y espesa, sólo su hija -brillante abogada- acepta defenderlo. Está dispuesta a vengar y mitigar las acusaciones contra él, a enfrentarse al ataque de los medios de comunicación y a aclarar su propia sentencia sobre su – antes - displicente padre. Los personajes juegan en un mismo espacio escénico, donde confluyen mundos tan diversos como la religión judía, el Chile pícaro y el concepto de circo. Desde El escaparate (1977), hasta Los desastres del amor (2003), pasando por la celebrada El coordinador (1992), Benjamín Galemiri, considerado el “dramaturgo de la transición” en Chile, exhibe una sobresaliente producción dramática que ha recibido el elogio de crítica y público. Más que un desencantado, se considera un espectador que utiliza el distanciamiento: “es más, yo creo en el paraíso. Lo profano y lo sagrado están totalmente unidos en esta sociedad”, asegura el premiado autor chileno. Flamante

La Compañía

Raúl - o Raoul- Ruiz (Puerto Montt, 1941) ha sido un “enfant terrible” de la vanguardia parisina de los años 70 y 80, ciudad a la que llegó tras el golpe de Estado de 1973 en Chile. Intelectual erudito e incansable, es autor de un prolífi co trabajo teatral. A él se suman novelas y poesía, que constituyen la base estructural de su principal actividad: el cine. De estilo cultivado e irónico, destacan Diálogo de exiliados (1974) – su primera película en Francia - junto a La hipótesis del cuadro robado (1979) y Las tres coronas del marinero (1982), consideradas dos de sus mejores películas: Tres vidas y una sola muerte (1995) supuso, por su parte, la última interpretación de Marcello Mastroianni. Premiado y admirado como autor de culto por el Círculo de Críticos de Nueva York, su trayectoria ha recibido, entre otros galardones, el Oso de Oro del Festival de Berlín por su “aportación al arte cinematográfico de nuestro tiempo”.

Dirección: Raúl Ruiz
Intérpretes: Héctor Noguera, Amparo Noguera y Óscar Hernández
Diseño integral: Rodrigo Bazaes
Coproducción: Alstom Chile, Teatro Camino y el Instituto Chileno Francés.
Estreno en España
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 15 minutos (sin intermedio)

www.teatrocamino.cl
 

FAUST

Polonia

Autor: Goethe
Teatr Nowy

Madrid
Teatro Español
Días 18, 19, 20 y 21 de octubre
20:00 horas

Propietario de un taller abandonado, el personaje que encarna al propio Goethe desvela ante los ojos del público la historia de Fausto: su pacto con el demonio, su trágico amor por Margaret, su agonía en la búsqueda de la verdad, su iluminación y su muerte. Los espectadores serán testigos de la lucha entre Cuaresma y Carnaval, por la que desfila un grotesco cuadro de potente imaginería: dictadores a paso de ganso, payasos tocando la corneta, novios ancianos y emacrados...Situado en un mundo sin Dios después de la crucifixión de Cristo y antes de su resurrección, Faust, de Wisniewski, ofrece la visión de una Europa obsesionada por su propia avaricia. El diablo anda suelto y pronto el protagonista bailará a su son a cambio de recuperar juventud, belleza, placeres sensuales, riqueza material y poder terrenal. Las imágenes resultan sorprendentes, con coreografías y efectos especiales en los que flashes de luz dorada y fuego cruzan el espacio mientras aumenta la tensión entre lo sacro y lo profano. El dueño del taller, el director, hará que sus personajes corran “del cielo, a través del mundo, hasta el infierno”.

Considerada por la crítica una versión única y absorbente que “cruza la barrera del idioma y no puede ser descrita, ha de ser vista”, el Faust de Wisniewski ha recibido, entre otros galardones, el Premio Herald Angels en el Festival de Edimburgo Fringe 2005.

La Compañía

El Teatr Nowy fue creado en Poznan (Polonia) en 1923. Janusz Wisniewski colabora con la compañía desde 1979 y es su director general y artístico desde 2003. El repertorio de la compañía consta de 20 obras, clásicos internacionales (W. Shakespeare, A. Chéjov, Jean Genet) y polacos (A. Fredo, S. Wyspianski y Slawomir Mrozek). Cuenta con 31 actores fijos y un teatro para más de 600 espectadores. Obras como Ricardo III (2004), Panopticum à la Madame Tussaud (1984) o The End of Europe (1983) - todas ellas dirigidas por Wisniewski - han sido premiadas en festivales como el de Edimburgo, Belgrado o Nancy. Janusz Wisniewski es, además de director teatral, diseñador de escenografía y artista gráfico. Entre sus últimos trabajos encontramos The Goat’s Opera, basada en una novela de Horace McCoy, o The Wedding Reception, de S. Wyspianski.

Dirección y puesta en escena: Janusz Wisniewski
Música: Jerzy Satanowski
Diseño de vestuario: Irena Bieganska
Coreografía: Emil Wesolowski
Intérpretes: Witold Debicki, Miroslaw Kropielnicki, Mariusz Puchalski, Edyta Lukaszewska
Estreno en España
Idioma: polaco sin subtítulos
Duración aproximada: 1 hora y 15 minutos (sin intermedio)

www.teatrnowy.pl
 

SIZWE BANZI EST MORT

Francia

Autores: Athol Fugard, John Kani y Winston Ntshona
CICT-Théâtre des Bouffes du Nord

Madrid
Teatro de La Abadía
Días 19, 20, 21
19:30 horas

Día 22
18:00 horas.



FOTO: MARIO DEL CURTO
Sizwe Banzi ha muerto es una fábula política sobre una de las cuestiones clave en nuestra sociedad: la vida de un inmigrante ilegal, un “sin papeles” que busca una oportunidad. Un fotógrafo relata su trabajo en la producción en cadena de una fábrica de Ford de la ciudad surafricana de New Brighton. Gestualiza y emplea la mímica, estalla en carcajadas, discute consigo mismo. De repente, Sizwe Banzi llama a su puerta. Este hombre de traje blanco y aire inocente, que carga un gran saco, -”un sueño”-, pide que le haga una instantánea. Quiere enviársela a su mujer y a sus cuatro hijos, a quienes dejó en su tierra natal. A partir de ahí descubrimos todas las desgracias por las que ha pasado un hombre sin documentos en su intento de encontrar un sencillo trabajo. Un retrato feroz de la vida de los negros bajo el Apartheid. Sizwe Banzi tuvo que morir para continuar viviendo. Esta obra vio la luz por primera vez en la citada ciudad de New Brighton. Athol Fugard y su compañía de actores negros, The Serpent Players, recogieron en ella la rabia y las alegrías, el punto de vista de toda una población a través de improvisaciones en la calle. Para Peter Brook, “la conexión directa con el público es lo que hace al teatro diferente de cualquier otra forma artística. El teatro callejero surafricano es el ejemplo más precioso”.

La Compañía

El deslumbrante criterio creador de Peter Brook (Londres, 1925) es uno de los más influyentes del teatro contemporáneo. Ha dirigido más de 70 producciones en Londres, París y Nueva York. Su trabajo con la Royal Shakespeare Company incluye, entre otras obras, El Rey Lear (1962), Marat /Sade (1964) y Sueño de una noche de verano (1970). En 1971 funda en París el Centro Internacional para la Investigación Teatral; en 1974 establece su sede permanente en El Théâtre des Bouffes du Nord. Allí ha dirigido decenas de piezas, como The Tempest, The Tragedy of Hamlet, La Mort de Krishna o Le Grand Inquisiteur, muchas de ellas interpretadas tanto en francés como en inglés. Ha dirigido óperas para esta compañía y para el Covent Garden de Londres y el Metropolitan Opera House de Nueva York. Sus películas incluyen títulos como El señor de las moscas, Marat Sade, El rey Lear o The Mahabharata.

Dirección: Peter Brook
Adaptación: Marie-Hélène Estienne
Intérpretes: Habib Dembélé y Pitcho Womba Konga
Iluminación: Philippe Vialatte
Elementos escénicos: Abdou Ouologuem
Estreno en España
Idioma: francés con subtítulos
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)

www.bouffesdunord.com
www.peterbrook.net
 
FUNCIÓN BECKETT

España (Comunidad de Madrid)

sobre textos de Samuel Beckett
Compañía de Comedias de Manuel de Blas

Madrid
Círculo de Bellas Artes
Días 31 de octubre y 1 de noviembre
20:00 horas

San Lorenzo de El Escorial
Real Coliseo Carlos III
Días 21 de octubre
20:00 horas
22 de octubre
19:00 horas



FOTO: CARMEN CALVO
Aproximación al autor irlandés a través de tres obras en un acto que abarca un período de más de veinte años. La última cinta de Krapp, uno de sus primeros trabajos, se centra en una cinta magnetofónica grabada por un hombre – ahora anciano - a lo largo de su vida, símbolo de la fugacidad de la condición humana y de la identidad, dos de sus obsesiones. Nana, una arriesgada síntesis de la vida de una mujer, inmóvil pero con el alma llena de emociones y Fragmento de teatro II que presenta a tres personajes, dos de los cuales hablan sobre el tercero y discuten sobre la conveniencia de que se arroje o no al vacío. Una muestra del humor ácido y no exento de la poesía y humanidad que caracteriza el llamado Teatro del Absurdo, del que Beckett fue máximo representante.

Este montaje celebra el centenario del nacimiento del dramaturgo, poeta y novelista, cuyas obras escritas en inglés y francés lo convirtieron en la figura más influyente del teatro de la segunda mitad del siglo XX. Beckett dio voz al desamparo, la vejez, la enfermedad y la angustia existencial, temas que los escritores realistas del siglo anterior sólo habían sabido expresar desde fuera, como narradores espectadores.

La Compañía

La Compañía de Comedias de Manuel de Blas fue creada en el año 2000. Comenzó con Madrugada, una obra poco conocida de Buero Vallejo. Su segunda producción, Su juguete preferido, del autor, director y actor italiano Vittorio Franceschi, fue dirigida, al igual que ésta, por Antoni Tordera. Tordera ha sido director de los Teatres de la Generalitat Valenciana durante ocho años. Entre otras piezas, destacan El sueño de la razón, de Buero Vallejo, cuyas representaciones terminaron en el Teatro Dramaten de Estocolmo; El veneno del teatro, de Rodolf Sirera, con el Theâtre de l’Ancre, en Bélgica y De civilitate, según textos de Erasmo y Luis Vives. También ha escrito y dirigido En amores inflamada, su último trabajo, basado en textos de San Juan de la Cruz, Teresa de Ávila y Jorge Manrique Cruz.

Traducción: Jenaro Talens
Dirección: Antoni Tordera
Intérpretes: Jeannine Mestre, Manuel de Blas, Carlos Velasco y Morgan Blasco
Diseño de escenografía: Amadeo Lemus y Carmen Calvo
Vestuario: Amadeo Lemus / “Il Griffone”
Estreno absoluto
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 40 minutos (sin intermedio)

 

MABOU MINES DollHouse

EEUU

basada en “Casa de muñecas” de Ibsen
Mabou Mines

Madrid
Teatro Español
Días 25, 26, 27 y 28 de octubre
20:00 horas

Día 29 de octubre
18:00 horas.



FOTO: NANCY SANTOS
Mabou Mines Dollhouse convierte la tragedia burguesa escrita por Ibsen en alta comedia con matices de profunda mordacidad política. Se trata de la quinta “deconstrucción” de un clásico adaptada y dirigida por Lee Breuer - uno de los fundadores de la compañía -, dentro de una serie que incluye también obras de Shakespeare y Beckett. Podría decirse que esta versión de “Casa de muñecas” transforma el feminismo de Ibsen del siglo XIX en una ecuación de poder y escala. Helmer, Rank y Krogstad son interpretados por actores que miden entre 120 y 150 centímetros. Nora y Kristine son altas y Helene, la criada, supera el metro ochenta. Nada representa de forma más clara el patriarcado de Ibsen que la imagen de estos pequeños hombres dominando y dando órdenes a mujeres de casi el doble de su tamaño. La totalidad de la obra se desarrolla en el cuarto de los niños, donde Nora ha regalado por Navidad a “sus pequeños” -sus hijos- una casa de muñecas en la que poder entrar y jugar, decorada con muebles de época. La música de Eve Beglarian -basada en las obras para piano de Edvard Grieg- acompaña todas las escenas como si de una película muda se tratase, mientras la coreografía deconstruye las posturas melodramáticas y las sintetiza en danza.

La Compañía

Mabou Mines es una compañía teatral que funciona como cooperativa creada en 1970, con base en la ciudad de Nueva York. Los seis miembros que la componen actualmente toman todas las decisiones relacionadas con el repertorio y las giras, trabajando a veces simultáneamente como actores, escritores, diseñadores y técnicos, y siempre como productores y como miembros del Consejo de Directores. El grupo, que ha recibido más de cuarenta premios a lo largo de su trayectoria, ya era una compañía de performance años antes de que se popularizara esta disciplina; en los últimos tiempos ha ampliado su perspectiva artística gracias a la creación de obras radiofónicas y largometrajes, así como a la inclusión en sus trabajos de vídeos pregrabados y en directo, textos generados por ordenador, ordenador hologramas de cuerpo entero, etc.

Adaptación y dirección: Lee Breuer
Diseño de escenografía: Narelle Sissons Diseño de
Vestuario: Megane George
Intérpretes: Julie Archer, Lee Breuer, Sharon Fogarty, Ruth Maleczech,
Frederick Neumann y Terry O’Reilly

Estreno en España
Idioma: Inglés
Duración aproximada: 2 horas y media (con intermedio)

www.maboumines.org
 

VARIACIONES MEYERHOLD

Argentina

Autor: E. Pavlovsky
Eduardo “Tato” Pavlovsky

Madrid
Teatro Pradillo
Días 26, 27, 28 y 29 de octubre
20:30 horas.


 


FOTO: ANTONIO FERNÁNDEZ
Vsevolod Meyerhold (1874-1940) es uno de los nombres clave de la dirección de escena y la teoría teatral de todos los tiempos. Sus trabajos experimentales le llevaron a desarrollar la Teoría de la Biomecánica, un riguroso método de preparación del actor que intenta explotar al máximo sus posibilidades físicas y psíquicas; elaboró una dramaturgia revolucionaria e instauró los principios del moderno concepto de puesta en escena. Su esposa y él fueron asesinados por orden de Stalin bajo falsas acusaciones de espionaje al servicio de Alemania. Eduardo Pavlovski basa en su figura su último proyecto teatral, en el que habla de la libertad, la imaginación, la represión y los fundamentos del teatro. Una obra sorprendente, pues carece de texto escrito. Los actores han memorizado las líneas básicas, pero todo cambia en cada función. Peculiaridad relacionada precisamente con algunas orientaciones de Meyerhold sobre improvisación y el papel del público en la construcción del personaje. Una obra que queda en familia: su esposa Susana Evans interpreta a la mujer del teórico ruso y su hijo Martín la dirige, además de haber compuesto la música original. “Tuve miedo” - comenta Pavlovsky - de elegir a un director que no pudiera sacarle al espectáculo la impronta que yo quería darle”. El artista argentino se ha propuesto contribuir a la difusión de esta historia de genio y horror. “Lo mataron por un problema estético, lo cual es una aberración”.

La Compañía

Eduardo “Tato” Pavlovsky es una de las grandes personalidades de la dramaturgia y la interpretación, no sólo en su país, sino en la escena internacional. Sus obras más conocidas son Telarañas, Potestad, El señor Galíndez y Rojos globos rojos, las tres últimas llevadas al cine. Ha actuado en numerosas películas (Los herederos, El exilio de Gardel...), además de ser un prestigioso médico psicoanalista y un intelectual con una importante obra teórica y ensayística publicada. Paradójicamente, su gran carrera en el teatro, emprendida hace más de cuarenta años, no le ha permitido casi nunca vivir de los ingresos obtenidos por sus espectáculos. Se declara un artista marginal, pues considera que permanecer fuera de los circuitos oficiales es la única forma de mantener su función crítica. Por su parte, Martín Pavlovsky es compositor de música para danza, vídeo, teatro y cine, así como actor de teatro, cine y televisión.

Dirección, música original y dirección musical: Martín Pavlovsky
Intérpretes: Eduardo Pavlovsky, Susana Evans y Eduardo Misch
Diseño de vestuario: María Claudia Curetti
Diseño de iluminación: Leandra Rodríguez
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 10 minutos (sin intermedio)
Estreno en España

 
PEER GYNT

España (Cataluña)

Autor: Henrik Ibsen
Teatre Romea

Madrid
Teatro Albéniz
Día 27 y 28 de octubre
20:30 horas

Día 29 de octubre
19:00 horas.



FOTO: DAVID RUANO
Peer Gynt es un fanfarrón charlatán y provinciano que realiza un viaje para conocerse a sí mismo y autoafirmarse. Acabará regresando a su hogar y descubriendo que el egoísmo no es la respuesta. Ibsen lanza una ácida mirada a la estrechez de miras de las pequeñas comunidades, al tiempo que refleja la lucha del ser humano entre sus bondades - heredadas de la cultura judeocristiana - y las más escondidas pasiones y egoísmos mostrando cómo intentamos escapar de nuestras más salvajes pasiones, del infierno de los instintos. La obra fue escrita sin una voluntad clara de llevarla a escena, por lo que su autor gozó de una gran libertad al adentrarse en cuestiones como el tiempo y el espacio, la realidad y la fantasía, el consciente y el inconsciente. Para Calixto Bieito, director de esta versión, la vida de Peer en la última hora de la obra está reflejada en un espejo distorsionado. Las escenas de la boda y de los trolls parecen un sueño de un joven borracho que se debate entre la lujuria y su conciencia. “Ante la inmensidad de la pieza - con cuarenta escenas y más de cien personajes - uno no tiene más remedio que intentar un alarde de imaginación y libertad. No en vano estos son temas de la obra”.

La Compañía

Bajo la dirección artística de Calixto Bieito, la compañía Teatre Romea se ha consolidado gracias a su compromiso con la innovación y el riesgo, constituyéndose en compañía estable con sede en el Teatre Romea de Barcelona. Entre sus montajes destacan “La presa” de Conor McPherson (1999-2000) dirigida por Manel Dueso; “Tots eren fills meus”, de Arthur Miller (1999-2000), con dirección de Ferrán Madico; o “Mestres Antics”, de Thomas Bernhard, bajo dirección de Xavier Albertí. Calixto Bieito es el director escénico español con más proyección internacional. Su estilo queda definido por su sentido del espectáculo y la mirada contemporánea de sus puestas en escena. Para esta compañía ha dirigido, entre otras, “El rey Lear” (2004), “Macbeth” (2001-2002), “La vida es sueño” y “La Ópera de los cuatro cuartos”, de Brecht/Weill. Compañía y “La vida es sueño” y “La Ópera de los cuatro cuartos”, de Brecht/Weill. Compañía y director han recibido decenas de premios nacionales e internacionales.

Dirección: Calixto Bieito
Dramaturgia: Xavier Zuber
Intérpretes: Joel Joan, Roser Camí, Carles Canut, Javier Gamazo, Miquel Gelabert, Dani Klamburg, Amparo Moreno, Victòria Pagès...
Diseño de escenografía: Alfons Flores
Diseño de iluminación: Xavi Clot
Coproducción internacional: de Teatre Romea, Festival Internacional de Bergen, 30 Festival de Barcelona Grec y Ajuntament de Viladecans.
Estreno en Madrid
Idioma: catalán con subtítulos
Duración aproximada: 3 horas (con intermedio)

www.teatreromea.com
 
LE TARTUFFE ou l’Imposteur

Francia

Autor: Molière
La Comédie-Française

Madrid
Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD)
Dias 28, 30, 31 de octubre y 1 de noviembre
20:00 horas.

Día 29 de octubre
19:00 horas.



FOTO: LOT
Con esta obra Molière crea un espacio laico. La religión no es la única que detenta la verdad... Esta razón convierte a Tartufo en la primera obra moderna, según el director de la Comédie, Marcel Bozonnet. Pero, ¿qué denunciaba Tartufo para tener a tanta gente en su contra en la Francia no excesivamente inquisitorial del siglo XVII? Pues nada menos que la hipocresía moral de los falsos beatos, aquellos que utilizaban el nombre de Dios en su propio interés y que se permitían juzgar y condenar la actitud moral de los demás. Un tema universal e intemporal...La trama de la comedia es sencilla: dos jóvenes que se quieren y desean casarse, un padre que se opone y prepara otro matrimonio y ciertas personas “sensatas” que ayudan a que triunfe el amor. El enredo gira en torno a un protagonista central, Tartufo, alrededor del cual se mueven el resto de personajes: Elmira, la madre, y su hermano Cleantes, los hijos, Damis y Mariana, con Valerio, su enamorado y la doncella, Orgón, la señora Pernelle. Bozonnet ha confiado el rol de Orgón al actor negro Bakary Sangaré, descubierto por Peter Brook, debido a su gran capacidad interpretativa.

La Compañía

La Comédie-Française no necesita mucha presentación. Es la compañía más antigua del mundo occidental. Fundada por decreto de Luis XIV en 1680, nace de la agrupación de varias compañías entre las que se encontraba La troupe de Molière que actuaba en el Hotel de Guénegaud y que actuaba en el Hotel Bourgogne. Hoy en día La Maison de Molière está compuesta por 63 actores - sus estatutos prevén que puede acoger un máximo de 70 -. La obra más representada por este teatro estatal ha sido precisamente Tartufo, que superó las 3000 representaciones a lo largo del año 1997. Le siguen obras de Racine, Corneille, Beaumarchais, Musset, Regnard, Dancourt, Marivaux, Hugo... Desde 2001 Marcel Bozonnet es el Administrador General de la Comédie.

Director: Marcel Bozonnet
Intérpretes: C. Hiegel, G. Giroudon, É. Génovèse, F. Viala, L. Stocker, R. Mollien, B. Sangaré, M. Genet, A. Bonnet, M. Vuillermoz, D. Znyk, C. Corringer y A. Pereverzev
Escenografía: Daniel Jeanneteau
Vestuario: Renato Bianchi
Iluminación: Dominique Bruguière
Estreno en España
Idioma: francés con subtítulos
Duración aproximada: 2 horas y 55 minutos (con intermedio)

www.comedie-francaise.fr
 
TRES HERMANAS

Rusia

Autor: Anton Chéjov
Théâtre-Atelier Piotr Fomenko

Madrid
Centro Dramático Nacional,
Teatro Valle-Inclán
Días 1, 2, 3 y 4 de noviembre
19:00 horas

Tres hermanas, hijas de un general fallecido, vegetan en un pueblo perdido de provincias. Su único deseo es volver a Moscú, símbolo para ellas del amor y de la mundanidad, en suma, de la vida digna de ser vivida. La llegada de un regimiento militar que se instala temporalmente en la localidad les hace albergar esperanzas de que su sueño puede por fi n hacerse realidad. Pero es sólo un espejismo. Los oficiales, con los que habían establecido relaciones, acaban por marcharse. La desesperación es absoluta. Ahora ya saben con certeza que la vida no les dará otra oportunidad, ya nunca saldrán de aquel agujero en el que permanecen enterradas en vida. P. Fomenko hace en esta versión de la obra de Chéjov un guiño al propio autor, al representarlo como un personaje que se ríe de Stanislavski por interpretar todo desde una perspectiva trágica, pero llora ante la angustia de las protagonistas y pide a los actores que interrumpan la representación. Como telón de fondo, el tedio provinciano, reflejado en infinidad de pequeños detalles puntillistas. La casi inmovilidad de los actores caracteriza la acción, descrita mediante situaciones concretas de la vida cotidiana: las horas que suenan en el reloj, las muñecas que evocan la infancia o el viento que se oye soplar fuera.

La Compañía

Théatre-Atelier de Piotr Fomenko fue creado oficialmente por un decreto del alcalde de Moscú en 1993. Pero en realidad, actores y directores de escena llevaban trabajando y estudiando juntos desde 1988. La compañía ha realizado más de doce montajes, muchos de ellos presentados en giras internacionales. En 2004 participó con Guerra y paz y Noches egipcias en el Lincoln Center Festival de Nueva York, espectáculos con los que también participaron en el Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid. Piotr Fomenko es uno de los grandes directores teatrales europeos y uno de los líderes del teatro ruso contemporáneo. Célebre por sus habilidades pedagógicas, ha sido también director del Teatro de Leningrado y profesor de la Academia de Teatro Ruso. Entre sus más de 60 producciones se encuentran Tania, Tania (1996), Absolutely Happy Village (2000) de B. Vaktin, por la que consiguió el Premio Stanislavsky a la mejor obra.

Director: Piotr Fomenko
Asistente de dirección: MIvan Verkhovykh
Diseño de escenografía: Vladimir Maximov
Intérpretes: Galina Tunina, Polina Koutepova y Ksenia Koutepova
Vestuario: Maria Danilova
Iluminación: Vladislav Frolov
Coproducción: con el teatro Le Volcan de Le Havre.
Estreno en España
Idioma: ruso con subtítulos
Duración aproximada: 3 horas y 50 minutos (con 2 intermedios)

 

MAKBET

España (C. Valenciana)

Autor: Antonio de Paco
basada en “Macbeth” de William Shakespeare
Teatro de los Manantiales y Noname Radar-Rafa Linares

Madrid
Sala Cuarta Pared
Días 1, 2, 3 y 4 de noviembre
21:00 horas



FOTO: ALEJANDRO
SÁNCHEZ
Una historia de crímenes, brujas y dementes, una banda de hardcore en directo, 650 kilos de sal, una pecera con anguilas y una estética subversiva son algunos de los componentes de esta obra inspirada en Macbeth, de W. Shakespeare. Una versión que, a diferencia de otros precedentes, abandona la mera idea de rescatar a un clásico, centrándose en un discurso actual que traslada a nuestros días conceptos como el horror, el crimen, el insomnio o el remordimiento. Recrea un mundo de discordia y confusión moral en torno a la degradación irreversible de un hombre impulsado por la ambición y el ansia de poder. Sin embargo, aquí el héroe shakesperiano aparece como un asesino sin más, en un espacio que proyecta el origen del espanto en los propios acontecimientos de actualidad, como el feroz cerco a la inmigración o las guerras promovidas por intereses petrolíferos. Makbet es un espectáculo multidisciplinar que explora el movimiento físico a través de teatro, danza, vídeoarte, vídeoclips y spots publicitarios. La desnudez, el travestismo y las potentes imágenes sobre las que se articula el montaje contienen también reflexión y crítica social, en un intento de mostrar los límites de la sociedad del bienestar. Ésta es la primera entrega de la que será, según anuncia su director, una tetralogía clásica.

La Compañía

El Teatro de los Manantiales cuenta con diez años de trayectoria, nueve producciones propias y tres coproducciones, por las que ha recibido más de una decena de premios. Un espacio de creación comprometido que reúne a artistas procedentes de diversas disciplinas escénicas y artísticas y ofrece al público propuestas arriesgadas y heterogéneas. Bajo la dirección de Ximo Flores en casi todos sus trabajos, dedicó una primera etapa a la revisión de autores de referencia del siglo XX como Valle-Inclán o Samuel Beckett. En la actualidad se centra en la creación colectiva y la nueva dramaturgia española, en especial la valenciana. Por su parte, la compañía del bailarín Rafa Linares, creada hace cinco años, ha estrenado seis producciones propias (“NS/NC”, “Especulaciones”, etc.), consiguiendo también destacados premios.

Dirección y diseño de escenografía: Ximo Flores
Intérpretes: R. Linares, J. Horno, P. Miralles y C. Núñez
Música: Orquesta Heroína
Músicos: L. Albadalejo, F. Fernández, P. Fernández y R. Pérez
Iluminación: Ximo Rojo
Estreno en Madrid
Idioma: español
Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)

www.teatrodelosmanantiales.com
 

THE ANDERSEN PROJECT

Canadá

Autor: Robert Lepage
Ex Machina

Madrid
Teatro de Madrid
Días 4, y 6 de noviembre
20:30 horas

5 de noviembre
18:00 horas



FOTO: ÉRICK LABBÉ
Un compositor de canciones quebequés llega a París para escribir el libreto de una ópera para niños basada en un cuento de Hans Christian Andersen. Durante su estancia conocerá a mucha gente: un famoso manager de ópera de gustos extraños, un artista de graffitis de origen norteafricano y un perro, que bien podría haber sido el narrador de la historia. The Andersen Project se inspira en un relato escrito por Andersen La Dríada y en anécdotas de los viajes a París del autor danés. La obra recuerda algunos de los temas recurrentes de Lepage: la confrontación entre romanticismo y modernismo, entre el arte reconocido y las nuevas formas “underground”, entre el pasado y el presente. Pero en este nuevo trabajo en solitario, Lepage explora también terrenos más turbulentos: cuestiones sobre la identidad sexual, las fantasías insatisfechas y el ansia de fama y reconocimiento, temas extraídos de la vida y obra de Andersen y que sirven de filigrana al cuento actual. Una vez más, Lepage cuenta una historia que le define, le motiva y le inspira.

La Compañía

Robert Lepage (Quebec, 1957), creador y alma de la compañía multidisciplinar Ex Machina, es uno de los directores, escenógrafos, guionistas e intérpretes más aclamados de la escena internacional, influyendo en toda una generación de artistas y profesionales. Su originalidad y dinamismo mueven constantemente las fronteras de la actuación teatral, especialmente gracias al uso de las nuevas tecnologías. Entre sus trabajos destacan, Trilogía de los dragones (1985), The Seven Streams of the River Ota (1991), La cara lejana de la Luna (2000), La casa azul o La Celestina (2004), protagonizada por Nuria Espert. Actualmente trabaja en su próxima película y prepara su nuevo espectáculo, Lipsynch, que será presentado en 2007.

Escrita, dirigida, adaptada e interpretada por: Robert Lepage
Con la colaboración de: Peder Bjurman y Marie Gignac
Asistente de dirección y regidor: Félix Dagenais
Escenógrafo asociado: J. Le Bourdais
Iluminación: Nicolas Marois
Sonido: J.Sébastien Côté
Vestuario: Catherine Higgins
Imágenes: Jacques Collin, Véronique Couturier y David Leclerc
Coprodución: Bite: 06, Barbican, London. La Comète (Châlons-en-Champagne), Gran teatro de Québec, Teatro del Nuevo Mundo (Montreal), Teatro de Trident (Québec), Festival de Otoño de París, Maison des Arts (Créteil) y Fundación Hans Christian Andersen 2005.
Estreno en España
Idioma: inglés con subtítulos
Duración aproximada: 2 horas y 20 minutos (sin intermedio)

www.exmachina.qc.ca
 

RITTER, DENE, VOSS

Polonia

Autor: Thomas Bernhard
Stary Teatr

Madrid
Centro Dramático Nacional
Teatro María Guerrero
Días 5, 6 y 7 de noviembre
19:00 horas


 


FOTO: MAREK GARDULSKI
Dos hermanas y un hermano. Ellas, actrices, él, filósofo. Tres prisioneros de la tradición de una familia acomodada y todopoderosa. Ellas sufren neurosis y soledad, él la locura y una escritura pulsional y mórbida. Fruto de esta escritura, una retahíla de tratados fiosóficos ven la luz en un asilo para locos. En una de las visitas del hermano surge el enfrentamiento, que revelará verdades desconocidas y desconcertantes. Thomas Bernhard tomó el material para su drama de la biografía de Ludwig Wittgenstein y vistió a sus héroes con numerosos rasgos del pensador. De igual forma, los personajes fueron concebidos para los actores preferidos del dramaturgo (Ritter, Dene y Voss). El texto se encuentra plagado -en el más puro estilo Bernhard - de un intimismo extremo, determinado por sus temas obsesivos, sujeto a un ritmo hechizante, articulado en un lenguaje salpicado de redundancias y barroquismos. Forma, sin embargo, una obra de gran unidad; reviste el carácter de un estudio - refinado e incisivo- de la mutilación espiritual del hombre contemporáneo. Krystian Lupa nos introduce en el laberinto de las emociones humanas, intentando inspeccionar el alma hasta en sus detalles más oscuros. Tal y como ha señalado la crítica, el director polaco sabe cómo conjugar angustia y tensión en un espacio aparentemente corriente, descubriendo en lo cotidiano emociones que atrapan al público.

La Compañía

El Stary de Cracovia, creado en 1781, es uno de los teatros públicos más antiguos de Polonia. Consiguió sobrevivir a la división del país efectuada por Austria, Prusia y Rusia en 1795 y a la invasión alemana de 1939. En 1945, tras el final de la II Guerra Mundial, recuperó a su plantilla de actores fijos y creó una escuela de interpretación. Desde entonces ha sido una institución independiente con un estilo personal, único en Europa, caracterizado, por un lado, por la variedad de su repertorio: obras clásicas - especialmente grandes dramas europeos y dramas románticos polacos - y obras contemporáneas y por otro, por la colaboración con los grandes directores de la escena polaca. Entre ellos, precisamente, Krystian Lupa, que cuenta, entre sus muchas distinciones, con la Cruz al Mérito de Austria y la Orden de las Bellas Artes y Humanidades de la República Francesa.

Adaptación, dirección y diseño de escenografía: Krystian Lupa
Compositor: Jacek Ostaszewski
Diseño de iluminación: Adam Piwowar
Diseño de vestuario: Piotr Skiba
Intérpretes: Malgorzata Hajewska-Krzysztofik, Agnieszka Mandat y Piotr Skiba
Estreno en España
Idioma: polaco con subtítulos
Duración aproximada: 3 horas (con 2 intermedios)

www.stary-teatr.pl