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COMEDIA SIN TÍTULO
texto FEDERICO GARCÍA LORCA
versión y dramaturgia JOSÉ MANUEL MORA Y MARTA PAZOS
dirección MARTA PAZOS
música original HUGO TORRES
Coreografía y dirección de movimiento GUILLERMO WEICKERT
intérpretes GEORGINA AMORÓS, MARC DOMINGO, ALEJANDRO JATO, CRISTINA MARTÍNEZ, MARÍA MARTÍNEZ, CLARA MINGUEZA, KOLDO OLABARRI, MABEL OLEA, CARLOS PIERA, MARÍA PIZARRO, CHELÍS QUINZÁ, LUNA SÁNCHEZ, PAULA SANTOS y CAMILA VIYUELA
en el TEATRO MARÍA GUERRERO (CDN) (SAA PRINCIPAL) de MADRID
Del 12 de noviembre al 26 de diciembre de 2021
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- Comedia sin título es un drama social inconcluso, inacabado, del que Federico García Lorca solo dejó por escrito su primer acto. Poco tiempo después el poeta fue asesinado.
- Este primer acto acontece en un teatro, después transcurrirían el segundo en la morgue y el tercero el cielo.
- Comedia sin título habla de la revolución, del "no hay marcha atrás". Habla de la pasión por el arte y el amor por la vida. Es una puerta hacia un teatro nuevo, una invitación a recorrer nuevos caminos.
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España, años 30. Federico García Lorca trabaja en una nueva pieza teatral. Al poeta le mueve la obsesión por el reflejo de la vida real sobre el teatro, que considera caduco y autocomplaciente. Las tablas han abandonado la crítica social y no aceptan la vanguardia. Lejos de Nueva York, el artista granadino desea abrazar la modernidad y la innovación. Anhela romper con los convencionalismos de la escena española del momento, dominada por la estética y valores burgueses. Con La Barraca, con sus textos, Lorca quiere devolver el teatro al público. Al pueblo.
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FOTO: LUZ SORIA |
Alfredo Zanzol, director artístico del Centro Dramático Nacional, invitó a Marta Pazos a montar un texto del repertorio español. Llevaba consigo una condición: trabajar con una compañía menor de 30 años. Así pues
el primer material que tengo yo es la juventud. Por lo tanto este repertorio español conecta con el espíritu de pasión, de revolución. De ir hacia un sitio que no sé dónde es, pero tengo la certeza de que no me puedo quedar en el mismo sitio. Enseguida pienso que es Lorca con el Teatro Imposible, teatro irrepresentable que, para mí, es la esencia de este espíritu. De ahí la Comedia sin título. Ahí comienza esta periplo.
EXPLOSIÓN DE COLOR Y VIDA
En principio Marta no entendía por qué hacerlo ahora con una Pandemia de por medio. Un hallazgo fue descubrir
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MARTA PAZOS FOTO: TÁMARA DE LA FUENTE FOTO 2: www.madridteatro.net |
los espacios en que iba a desarrollarse. Había un material de Margarita Xirgu desde su recuerdo: el primer acto, que es el que conocemos, transcurre en el Teatro; el segundo transcurriría en la Morgue, el depósito de cadáveres, y el tercero en el cielo. Esta triada me llevó a la puesta en escena y a la dramaturgia. Este teatro-Morgue-cielo lo conecté con la palabra-cuerpo-espíritu. También la puesta en escena está muy conectada con el Lorca como artista holístico, es decir Lorca como pintor, el Lorca músico, el Lorca profundamente hedonista. Por eso la puesta en escena es una explosión de color y vida, muy conectada con la parte simbolista y lo mágico.
La obra se presenta en el Teatro María Guerrero, con lo cual es un personaje más. Es lo que Marta llama trabajar de "fondo y figura", la cual es su forma de trabajar conectada completamente con la pintura.
Las figuras son estos 14 intérpretes jóvenes de un talento impresionante que han sabido encarnar unas expresivas pinceladas de una forma muy radical con la complicidad de todo el equipo: la escenografía de Max Glaenzel, que trabaja con un juego de escalas, con lo cual la escenografía parte de algo muy pequeño que es la marca espacial del actor y de la actriz, para saber dónde tenemos que colocar al intérprete. Estas pequeñas marcas son de colores fluorescentes.
Elegir esta fluorescencia viene motivada por ser el fluorescente un color imposible para el teatro.
La pequeña marca se expande y, de repente, hay un destierro absoluto del negro. Así pues hemos construido un teatro dentro del teatro. Después está toda la eclosión de la plástica escénica como es el vestuario de Rosa Tharrats que conecta con una estética isabelina porque se está representando El sueño de una noche de verano, que curiosamente fue el primer espectáculo que dirigí en el en el 2018 CDN (CLICK). Rosa es una artista plástica que trabaja con la superposición de tejidos. Hace como veladuras del propio tejido y trabajo con colores fluorescentes. Como yo tenía muy claro que iba a hacerlo desde la fluorescencia, por eso la llamé. Aparte de eso, ella trabaja con Andergraum, la productora de Montse Triola y Albert Serra, que ha desarrollado en su cinematografía un vestuario isabelino y me interesaba eso. Como había El sueño de una noche de verano y la conexión el Teatro María Guerrero, pues es un espectáculo hecho para aquí, entonces hay piezas y materiales del vestuario real del Teatro María Guerrero. Incluso hay técnicos y técnicas que trabajaron en el estreno, el año 1989. Es un dialogar con el pasado y también sobre el oficio del teatro, una declaración de amor al teatro, por mi parte, rotunda. De hecho en el tercer movimiento quien toma la palabra es el Teatro María Guerrero.
MUNDO SONORO Y MUSICAL TRES MOVIMIENTOS COMO TRES CITAS MUSICALES: NARRATIVA LINEAL, FRAGMENCIÓN Y TEMPO ETERNO
Después está la sonoplastia (mundo sonoro y musical) de Hugo Torres que hace un trabajo de temperaturas cinematográficas que acompañan este viaje de palabra-cuerpo-espíritu, junto a la luz de Nuno Meira.
Este completar Marta lo expresa mediante
una imagen muy gráfica: le disparan a la cabeza y sus ideas se disparan. Lo que hacemos es recoger las ideas esparcidas por el suelo, o hay una fosa y sacar los huesos desmembrados y ponerlos encima del escenario. Es el trabajo de abrir una cicatriz para sanearla; de excavar una herida… Hay algo en Lorca que habla mucho de los agujeros y de atravesar. Eso está también aquí. Lo que estoy haciendo es que a través de las palabras que escuchas en el primer movimiento - que es como llamamos a los actos y es un hallazgo de José Manuel Mora: primer movimiento, segundo movimiento, tercer movimiento como en las citas musicales -, las imágenes más contundentemente poéticas y más difíciles materializar las coges y son como flashes de la vida que pasan antes de que te mueras. Es algo que tiene mucho más que ver que con una dramaturgia asociativa como acontece en los sueños. Para mí la forma tiene que estar relacionada con el contenido, por eso el no entiendo de los intérpretes cuando comenzamos, pero es lo mismo que cuando te asesinan de esa manera tampoco tu no entiendes por qué. Hay una especie de una amnea, en este caso 85 años desde que lo asesinaron, y es conectar con ese momento como de suspensión, de incomprensión y que este contenido empape toda la forma. Se trabaja desde un sitio de absoluta vulnerabilidad y de una herida abierta.
En esos tres movimientos hay como un paradigma -añade José Manuel Mora. El primer movimiento es una narrativa absolutamente lineal porque es la línea que marca el poeta en el acto que conservamos; el segundo es una dramaturgia fragmentada porque esa vida interrumpida se ha fragmentado y lo que recogemos son deshechos, como decía Marta, y el tercer movimiento es cíclico porque volvemos, al lugar de origen, al tempo eterno.
Además estas partes están conectadas con una triada poeta-rojo-maricón - abunda Marta - Esta es la dramaturgia de ¿por qué mataron a Lorca? está conectado con palabra-cuerpo-espíritu: palabra política=teatro; cuerpo=morgue, maricón; espíritu=cielo, poeta. Esto de una forma grande o de una forma más pequeña está todo el tiempo circulando en una parábola. Entonces en cada uno de los movimientos aparece y se refleja. Eso no es explícito y supone un trabajo muy de filigrana. La obra es un diálogo con el imaginario de Lorca que plantea las 15 páginas de la Comedia sin título. Esta obra lo contiene todo. Es como si fuera un destilado, una esencia y el trabajo ha sido como si esa revolución explotara de alguna manera, inconclusa por otra parte.
COREOGRAFÍAS Y MOVIMIENTOS
Así como en el primer movimiento existe la palabra hablada, en los dos siguientes no, y se reduce a movimiento. De ahí que una parte importante es la coreografía y dirección de movimiento de Guillermo Weickert en cuanto que es "una resonancia de la palabra y la vida."
Quería que cuando suena el disparo y cae en la fosa no existiera la palabra hablada y trabajar la presencia desde la ausencia, aunque sí el sonido. Todos estos tres movimientos tienen un diálogo entre sí. Ya vas viendo cómo se muerden en cosas muy pequeñas. Hay una voluntad en la sonoplastia por recoger de forma deconstruida la palabra que se ha escuchado en el primer movimiento. Es una revolución de los materiales, los cuales se rebelan: se rebela la luz, el espacio, la sonoplastia, la palabra desde su ausencia. En este último aspecto HugoTorres crea un universo sonoro trabajando desde las frecuencias que no percibes conscientemente pero que está percutiendo dentro de tu cuerpo. También recoge los sonidos del propio teatro ya que ha estado en los ensayos. El sonido es un traje a medida que se construye todo en la Sala de Ensayos. Yo dirigiendo y Hugo va componiendo a la vez. Recoge los sonidos de la vida, de la construcción del espectáculo.
JOSÉ MANUEL MORA, versión y dramaturgia: SOMETERNOS A LA PALABRA DE LORCA Y MOSTRAR SU CARÁCTER INCONCLUSO
José Manuel Mora se ha encargado de la versión y dramaturgia que, según la ficha artística, ha contado con la colaboración de Marta. José Manuel se reitera que la intención de Lorca con Comedia sin título es
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JOSÉ MANUEL MORA FOTO 1: ARCHIVO FOTO 2: www.madridteatro.net |
cuestionarse el verdadero sentido del teatro. En la obra hay un carácter político muy fuerte en tanto y cuanto piensa que la única manera de hacer una revolución posible, comienza por decir la verdad de uno mismo y decirla en público.Esto es lo que el poeta (Lorca) está intentando continuamente de decir y de decirnos. A la hora de abordar la dramaturgia, Marta tenía muy claro que no teníamos que completar la pieza. Esto fue un hallazgo y la brújula. Veía que su mayor valor era mostrar el carácter inconcluso, porque así dejamos claro que la pieza no fue terminada porque fue asesinado. Eso lo tenemos muy asumido, pero me parecía importante huir de de completar esa pieza. De hecho yo metía alguna frase o palabrita y Marta, muy lista, la dejaba unos días y luego volvía atrás. Entendí que teníamos que someternos a la palabra de Lorca y mostrar su carácter inconcluso.
El trabajo se encauzó por depurar ese primer acto y luego vino un trabajo de dramaturgia consistente en
bucear en ese primer acto para ir reconstruyendo todo ese recorrido que proponía Marta de teatro-morgue-cielo/palabra-cuerpo-espíritu. Marta es casi una pintora del renacimiento en el momento de trabajar. Es una alquimista en cuanto va combinando los símbolos hasta hacer emerger esa parte sacra oculta en ellos. Va trabajando con todos los creadores y va enriqueciendo el material de todo el equipo creativo, pero luego tiene una fuerte conciencia de la parte sacra, y esto en Lorca es fundamental y en esta pieza todavía más.
El resultado lo califica de "montaje maravilloso y debe verlo todo el mundo, porque cuanto menos es de insólita belleza".
LOS INTÉRPRETES DIFUMINAR LAS FRONTERAS ENTRE PALABRA Y DANZA
En cuanto a los intérpretes se podrían clasificar entre intérpretes de la danza e intérpretes del texto. Un binomio que Marta enseguida corrige porque no gusta de estas divisiones y lo deja simplemente como un modo de hablar, ya que
es un espectáculo que difumina fronteras. Los intérpretes de la palabra se han puesto a bailar y los intérpretes que venían más del cuerpo se han puesto a hablar. Así se forma una compañía totalmente diversa y muy interesante.
Como representantes de los 14 intérpretes están María Pizarro y Alejandro Jato.
MRÍA PIZARRO UN RETO HABITAR EL IMAGINARIO DE MARTA PAZOS
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MARÍA PIZARRO FOTO 1: ESMERALDA MARTÍN FOTO 2: www.madridteatro.net |
María Pizarro define a esos 13 intérpretes como increíbles. (Se excluye de los 14 por mor de no piropearse a sí misma como "increíble"). A nivel personal como "intérprete" califica esta experiencia como
incomparable a ninguna otra experiencia anterior, porque ha supuesto un reto importante, no sólo porque se trabaja la palabra de Lorca, sino en el sentido de habitar el imaginario de Marta: el espacio, la iluminación…, es decir todos los elementos que, al final, todos se retroalimentan. En todo eso es un reto encontrar tu lugar junto a esos cuerpos. También ha supuesto un reto de no entender, porque siempre tu mente quiere explicar continuamente todo lo que está sucediendo. veces sientes que no está entendiendo lo que estás haciendo. Te pones a hacerlo y, de repente, empiezas a comprender algo que no está hecho desde lo racional. Es algo mucho más abierto. Entonces como intérprete descubres que tienes más libertad para poder habitar esos espacios y encontrar mi sitio.
ALEJANDRO JATO EL NO ENTENDER TIENE QUE VER MUCHO CON LA POESÍA
Alejandro Jato confirma que como intérpretes se colocan en un sitio de mucho riesgo y vulnerabilidad.
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ALEJANDRO JATO FOTO 1: ASOCIACION CTORES de GALICIA FOTO 2: www.madridteatro.net
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Trabajar desde el no entender y no comprender todo el rato, puede ser, a veces, complicado, pero tiene que ver mucho con la poesía y con lo que es la poesía que se entiende más desde el cuerpo que de la cabeza y desde las sensaciones. Creo que la función va un poco por ahí. Me pareció un sitio muy acertado para trabajar un texto tan poético que no tiene que ver tanto con lo racional. A pesar de que hay un argumento y unas cosas que tienen que ser contadas. Hay una parte de la poesía que está este texto, que se entiende desde otro sitio, y las dos partes que no están en el original que se han tratado de completar desde el cuerpo y desde el espíritu, van mucho por ahí. Entonces es un espectáculo que me gustaría mucho ver y es una suerte poderlo hacer. Mi madre, siempre que viene al teatro, me pregunta si es una obra de las raras. Entonces he creado un discurso y le digo: "Es como una canción en francés. No tienes que entenderla desde la cabeza sino dejarte llevar ". Esto es muy acorde con lo que es este texto.
Alejandro muestra su contento y agradecimiento por actuar en este teatro que es cuando se estrenó Comedia sin título por primera vez en 1989, así como el haber reunido a 14 intérpretes menores de 30 años.
Animo a que se siga haciendo, porque las voces que tenemos ahora no las vamos a tener cuando tengamos 35 años, ni el punto de vista, ni las cosas que tenemos que contar, tanto los intérpretes como los creadores, con todo el panorama que hay aquí de gente joven que tiene mucho que contar y necesita un espacio.
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FOTO: LUZ SORIA |
COMEDIA SIN TÍTULO
El título Comedia sin título, le sugiere, según Marta que primero es una "comedia" y utilizamos la matemática de la comedia, que, por otra parte, sigue teniendo esta regla de tres. El "sin título" nos lleva a "inconclusa".
Referente al título José Manuel Mora precisa que
Comedia sin título es una situación que una estudiosa francesa le pone a la obra puesto que no tenía título. Era una pieza de teatro sin título, pero bien es cierto que el funcionamiento de esa primera parte tiene muchos elementos de la maquinaria de la comedia que hemos trabajado muchísimo. También hay una parte de elementos de tragedia que tiene que ver con esa muerte y ese fin. Yo diría que hay elementos de Comedia pero no es una comedio al uso.
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FOTO: LUZ SORIA |
FUNCION (El viernes 24 de diciembre no habrá función) De martes a domingo: 20:00 h. Encuentro con el equipo artístico Jueves 18 de noviembre de 2021 Funciones accesibles Jueves 16 y viernes 17 de diciembre de 2021
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Título: Comedia sin título Texto: Federico García Lorca Versión y dramaturgia: José Manuel Mora y Marta Pazos Escenografía: Max Glaenzel Iluminación: Nuno Meira Vestuario: Rosa Tharrats Coreografía y dirección de movimiento: Guillermo Weickert Música original: Hugo Torres Colaboración artística: Montse Triola Documentalista Paloma: Lugilde Ayudante de dirección: Laura Ortega Ayudante de Escenografía: Pablo Chaves Maza Ayudante de Iluminación: Leyre Escalera Ayudante de Vestuario: Mónica Teijeiro Fotografía: Laura Ortega / Luz Soria Tráiler: Bárbara Sánchez-Palomero Diseño de cartel: Equipo SOPA Producción: Centro Dramático Nacional Dirección: Marta Pazos Intérpretes (por orden alfabético): Georgina Amorós, Marc Domingo, Alejandro Jato, Cristina Martínez, María Martínez, Clara Mingueza, Koldo Olabarri, Mabel Olea, Carlos Piera, María Pizarro, Chelís Quinzá, Luna Sánchez, Paula Santos y Camila Viyuela Duración: 2:00 h. (aprox.) Estreno en Madrid: Teatro María Guerrro (CDN) (Sala Prncipal): 12 - XI - 2021
Más información
José Ramón Díaz Sande Copyright©diazsande |
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Centro Dramático Nacional Teatro María Guerrero Director: Alfredo Sanzol C/ Tamayo y Baus, 4 28004 – Madrid Metro: Colón, Banco de España, Chueca. Bus: 5,14,27,37,45,52,150 RENFE: Recoletos Parking: Marqués de la Ensenada, Pz de Colón, Pza del Rey. Tf. :91 310 29 49 |
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