El desdén con el desdén. Moreto- Rikarte - Africa Imprimir

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EL DESDÉN, CON EL DESDÉN

autor
AGUSTÍN MORETO

dirección
IÑAKI RIKARTE

intérpretes
LA JOVEN COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO
NICOLÁS ILLORO
MARIANO ESTUDILLO
IRENE SERRANO
ANTEA RODRÍGUEZ
ALBA RECONDO
AISA PÉREZ
PACO ROJAS
PAU QUERO
JOSÉ LUIS VERGUIZAS
JUAN DE VERA

en el
TEATRO DE LA COMEDIA
(SALA PRINCIPAL)
(CNTC)

Del 12 marzo al 7 abril de 2019

Esta temporada, la quinta promoción de La Joven CNTC (Compañía Nacional de Teatro Clásico) ha debutado con el programa Préstame tus palabras que a lo largo de dos meses ha recorrido en gira dieciséis Institutos de Enseñanza Superior de seis Comunidades Autónomas, concluyendo la gira en Madrid, en la Biblioteca Nacional de España, coincidiendo con los actos programados en la exposición Lope de Vega y el teatro del Siglo de Oro. A este espectáculo pedagógico que incluye textos de Calderón de la Barca y de Lope de Vega y se ha consolidado a lo largo de las ediciones anteriores como cita obligada con un público escolar, sigue el estreno del montaje El desdén, con el desdén de Agustín Moreto con dirección de Iñaki Rikarte.

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  IRENE SERRANO / NICOLO ILLORO / MARIANO ESTUDILLO
FOTO: www.madridteatro.net

Este es el primer espectáculo grande que representa esta Joven Compañía CNTC, que parte de una selección de 870 personas. Queda un equipo que se refuerza, para este espectáculo, con actores de mayor edad como Paco Rojas en el papel de Padre, el conde de Barcelona.  Le queda otro espectáculo y luego la gira. Es la quinta temporada de la Joven Compañía.

Se ha elegido El desdén con el desdén por el 400 aniversario de Agustín Moreto, su autor y por programarlo junto a Rojas Zorrilla, con Entre bobos anda el juego (CLIKEAR), porque

  • Ambos forman un dúo en la comedia y porque no eran tan fáciles como Lope. Tienen una estructura y sintaxis más complicada. Han hecho un trabajo extraordinario  - señala Helena Pimenta, directora artística de la CNTC.  Ya no se puede hablar de espectáculos menores, pues con la Joven Compañía estamos espectáculos muy solventes. Llevamos 15 años con equipos jóvenes y una gran relación con el público.

IÑAKI RIKARTE, dirección
NECESITAMOS AL PÚBLICO
PARA ENTENDER LO QUE HACEMOS.

Iñaki Rikarte,licenciado por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid en Interpretación Textual, ha trabajado como actor en más de diez producciones del Centro Dramático Nacional y de la Compañía Nacional de Teatro Clásico. En Euskadi ha participado en espectáculos de otras compañías entre las que destaca la colaboración regular con la compañía Tanttaka. Ha dirigido una decena de espectáculos teatrales para distintas agrupaciones: Kulunka (Andre y Dorine, Solitudes), Teatro Paraíso (Pulgarcito), Vaivén (Happy End), El gato negro (Ildebrando Biribó, La lengua de las mariposas), Ganso y Cía (Babia), KatuBeltz (SísifoB), Tanttaka (El sueño de una noche de verano)... También es autor de varias versiones y textos teatrales.

Entre sus premios y nominaciones destacan Espectáculo Revelación de Euskadi en los Premios Max 2008 (GrisMate), Premio Barroco Infantil del Festival de Almagro (Pulgarcito), Mejor espectáculo Internacional Festival de la Habana 2011, Mejor dramaturgia y Premio del Público BeFestival Birmingham 2012 (André y Dorine) Premio Max a Mejor Espectáculo Teatral 2018 y Premio Ercilla a la Mejor Producción Vasca (Solitudes),  Premio Ojo Crítico de RNE 2018 (Kulunka), Finalista en los Premios Max 2018 a Mejor Actor Protagonista (Soka).

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IÑAKI RIKARTE
FOTO: CNTC
 

Iñaki subraya que es importante que el equipo creativo sea de una generación cercana a la de los actores porque

  • algunos de los que estamos aquí han tenido la oportunidad de trabajar en teatros importantes, pero otros no la hemos tenido. Por ello estamos muy agradecidos. Con los espectáculos pasa que uno quiere hacer algo y luego sale otra cosa. Desde que uno escribe una cosa y otro la lee ya no es lo que uno ha imaginado. En El desdén con el desdén ha sucedido así. Ahora ya tiene su propia inercia y no hacemos lo que queremos sino que el espectáculo pide. Se dice que el teatro es un espejo y el público se refleja en él, pero también es un espejo en el que los creadores nos reflejamos. Necesitamos al público para entender lo que hacemos.

"EL PÚBLICO DISFRUTA CUANDO ENTIENDE"
HACER UN ESPECTÁCULO DIVERTIDO

Cuando se tuvo la primera previa  vino ese reflejo, que Iñaki define como "sorprendente", y cuando llega tanta información no le resulta fácil describir el proceso de creación. En la primera lectura Iñaki recordó lo dicho por Paco Rojas en 2005 con motivo de El viaje del Parnaso (director Eduardo Vasco), una producción de la CNTC, siendo asesor de verso.

  • El público disfruta cuando entiende. Es una obviedad, pero, a veces, lo olvidamos. El reto que  nos pusimos tanto con Carolina África que hace la versión o Mónica Boromello con la escenografía, Ikerne con el vestuario, con Rolando que ha sido un  cómplice fundamental en la creación, con Vicente Fuentes en la asesoría del verso, con Luis Miguel Cobo en la música y con todos, el reto era clarificar. Que el público no estuviese preocupado por entender sino relajado para  disfrutar. El desdén con el desdén es una comedia con una estructura perfecta buscando la comedia a toda costa. La comicidad está en que como seres humanos somos cómicos por las contradicciones que hay en nuestro espíritu. La función se basa en una paradoja: el desdén puede  provocar amor. Es una contradicción, lo cual es incomprensible para el ser humano y de ahí parte toda la función. Es divertido porque partimos de un enamorado que tiene que fingir su amor par enamorar a una mujer. Nosotros sabemos que está enamorado, aunque se dedica a decir a todo el mundo que no lo está y cuando está solo vemos lo enamorado que está. Siempre está a punto de ser desvelado, lo cual es divertido.

A ello se une otro factor encarnado por Diana.

  • Vemos a una vanidosa ser vencida por el amor. Moreto se encarga de decirnos desde el minuto uno que eso va a suceder. Sabemos cómo va a acabar la función. lo divertido está en ver cómo sucede. Diana se resiste, pero va cayendo por su propia pie. Ese es el fuerte. Había que quitarle la patina que, a veces, tienen estos textos de alta cultura, para hacer un espectáculo, fundamentalmente, divertido, lo cual no quita que tengamos puntos de vista sobre lo que hacemos. Esa ha sido la pauta y creo que lo hemos conseguido.    
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  FOTO: CNTC

El resultado Iñaki piensa que es

  • un espectáculo claro, legible. Una estructura que sustenta el divertimento. A la hora de clarificar,  desde el punto de vista de la escena, queríamos no depender absolutamente de las palabras, sino ayudar al espectador, mediante la generación de imágenes que ilustrasen literalmente partes fundamentales que el texto decía. En otro tipo de teatro ilustrar no es una buena opción, porque se puede considerar que subestimas al público, pero en este caso va a favor de la comprensión y del puro juego. Esa ha sido la pauta fundamental.     

UN ESPECTÁCULO MÁS CORAL

A nivel de reparto Iñaki se lamenta del desequilibrio en la participación, ya que tenemos 10 actores maravillosos y todos merecen tener su oportunidad y su responsabilidad en el trabajo. Se ha encontrado una solución en esa acciones paralelas de ilustrar el texto.

  • Se ha repartido el texto y hemos hecho un espectáculo más coral en la medida de lo posible. También hemos hecho algunas  escenas sin texto, pensando en la trama contextual que consiste en que el Conde Barcelona quiere casar a su hija, la cual no se quiere casar porque ha estudiado filosofía y ha llegado a la conclusión de que el amor es el origen de todos los males del mundo. La obra comienza "in media res", contando todo lo que ha pasado anteriormente. Aquí cuando por ejemplo el narrador dice lo que el conde ha dicho, se lo hacemos decir al propio Conde. El texto se mantiene igualmente, pero da la posibilidad de hacerlo con un lenguaje más cercano al contemporáneo, pues cuesta mucho oír hablando a un personaje en verso durante un cuarto de hora.

DEL SIGLO XII A LOS SESENTA DEL SIGLO XX

Al buscar la identificación del espectador con esta trama y los conflictos e los personajes, se pensó acercar el tiempo.

  • Moreto sitúa la función en un confuso siglo XII o XIII, y pensamos que era mejor traerlo a algún lugar del siglo XX. Seguramente por sacudirnos nuestros propios prejuicios. No quiero decir que no se pueda situarla en el tiempo que Moreto propone. Desde luego que sí, pero pensé que me gustaría verla en un tiempo más cercano. En todo esto hay una imagen primigenia: Según Moreto el Conde organiza unas justas de caballeros entre Príncipes. El que gane se llevará a la hija del Conde, Diana, que es la protagonista. Estas justas nos resultan alejadas y apareció la imagen de un "podium", que representa la imagen de la trama contextual de estos tres Condes que lucha por Diana, sin olvidar otra  idea de la función: El amor vence a la vanidad, representada en el "podium" por la necesidad de ser el primero, en cualquier ámbito de la vida. La lucha entre Carlos y Diana es una lucha entre vanidosos y el "podium" representaba eso.

A partir del "podium" y ubicarlo en una participaciones de hípica, apareció la posibilidad de llevarlo a los años sesenta

  • Son varios los motivos. El primero es un espíritu de ruptura. Diana decide no casarse, enfrentarse a su padre y no seguir la tradición. Los años sesenta pueden representar a los años de ruptura. Ansia de libertad  que a ojos de hoy se ven con cierta ingenuidad, y la función tiene también un aspecto ingenuo que queríamos resaltar y da pie a la comedia. Son unos años sesenta no muy estrictos, porque, en realidad, en los años que Moreto coloca la función es casi un decorado. No afecta de manera fundamental a la trama, y para nosotros ha sido igual. De todos modos son los sesenta no reales sino como nosotros los vivimos ahora, como un espíritu de lucha contra lo establecido.

DEL PALACIO A VARIOS ESCENARIOS

Al ser una comedia palatina la acción sucedía dentro de  Palacio con alguna escena en el Jardín.

  • Aquí hemos sido más libres. Hay escenas en el hipódromo, otras en Palacio, en un plató, un vestuario donde se cambian los jinetes, un baño y mucho "glamour". La pieza habla de las cloacas del ser humano como son los celos, la vanidad, el diferencia amor verdadero y amor propio cuya línea es muy fina. Ubicar todo esto en ese contexto que tiene que ver con lo privado, era una manera de ponerlo de relieve. Era buscar la contradicción entre el espacio y  lo que los personajes representan. Ver a una persona noble hundirse en el barro es muy gozoso para el espectador. Todo deseamos que le suceda, que es lo  que le pasa a Diana. Al ser la princesa de Barcelona es más grave que  si le sucede a una persona corriente.   

CAROLINA ÁFRICA, versión
REPARTIR LOS MONÓLOGOS
EN OTROS PERSONAJES
Y UNA PODA IMPORTANTE

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CAROLINA ÁFRICA
FOTO: www.madridteatro.net
 

Quien se encarga de la versión es Carolina África, Licenciada en Interpretación por la Real Escuela Superior de Arte Dramático, es dramaturga, directora, actriz, docente y productora (socia fundadora de La Belloch Teatro)

Entre sus obras - escritas y dirigidas - destacan Verano en diciembre (Premio Nacional Calderón de la Barca 2012), Vientos de levante (Programa de Desarrollo de Dramaturgias Actuales INAEM 2014, Premio Nacional de Directoras de Escena de Torrejón 2017), La penúltima (Premio Encinart 2013), Modërna (coescrita y codirigida junto a Julio Provencio -Frinje 2016-) y Mi hermana y yo.

Ha colaborado en la dramaturgia colectiva de varios proyectos para el Festival de Almagro, Teatro Español y Centro Dramático Nacional. Sus espectáculos han girado por varios países y algunas de sus piezas han sido traducidas a diversos idiomas.

Como docente ha impartido seminarios de interpretación y dramaturgia en distintas ciudades de España, Uruguay, Italia y Guinea Ecuatorial. Como actriz ha trabajado entre otros con José María Flotats (Beaumarchais) (CLIKEAR). y con Magüi Mira (Festen (CLIKEAR). Ha participado en varios largometrajes como actriz.

El desdén con el desdén es su primera incursión en la adaptación de teatro clásico, por lo que manifiesta su agradecimiento. Ha sido un placer absoluto y ha aprendido muchísimo.Desde su visión de autora y directora entiende que la versión no podía escribirla fuera de la propuesta de Iñaki Rikarte. De ahí que  fueran muy de la mano entendiendo qué imágenes eran el punto de partida. Esa era la premisa. A partir de ahí

  • ha habido un duro y arduo trabajo de intentar estos términos polisémicos que hoy están en desuso y poder limpiarlos. La obra arranca con un largo monólogo de Carlos (Nicolás Illoro) de 8 páginas, en el que se narran muchas situaciones. Cambiando los tiempos verbales y con un pequeño trabajo de orfebrería se podían poner en boca de otros personajes y vemos escenas que abren con lo cual se proporciona teatralidad y ritmo al espectáculo. Ha habido una labor de poda importante  y de tratar sutilmente esas referencias a la hípica eliminando lo que aparece sobre las justas, buscando el verso adecuado para estar en ese contexto elegido. En la descompensación del texto del que ha hablado Iñaki, como es el que Diana tiene grandes parlamentos en los que explica muy bien todo su proceso interno, había unos momentos de la función que permitían poner  en boca de las damas ese diálogo interior de Diana, de modo que la interpelaban, y, a la vez, tenían ellas más texto.  
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  FOTO: CNTC

También se ha pretendido dar una dimensión más profunda a los personajes.

  • En la acción única del conflicto de los protagonistas, entendíamos que había daños colaterales que, a veces, padecen otros personajes. Ellos para dar celos al otro utilizan algunas de las damas o los caballeros. ¿Qué pasa hoy en día si tratamos de poner un poco la mirada contemporánea? ¿Qué pasa con esos personajes si no aceptan ser utilizados como peón? Podemos ver un poquito de esa opinión modificando una palabra y, desde luego, Iñaki desde la puesta en escena.

Este reajuste del texto no quiere decir que se hayan reescrito escenas o se hayan cambiado palabras, ya que se han respetado el 97 % del texto original.

A parte del trabajo en sí, uno de los alicientes ha sido reencontrarse con Vicente  Fuentes, profesor suyo en la RESAD, cuyo trabajo en los ensayos ha sido muy especial. Al ver en escena lo que ella escribió en los papeles se dio cuenta que el resultado

  • es un trabajo maravilloso con una dirección genial y que no había mejor elenco con ese pulso de la juventud para encarnar esas palabras y creo que el público va a disfrutar mucho.

VICENTE FUENTES, asesor de verso
LO UQE ME INTERESA ES CÓMO FUNCIONA
EL VERSO EN CADA PUESTA EN ESCENA

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VICENTE FUENTES
FOTO: www.madridteatro.net
 

Vicente Fuentes que se encarga de asesorar en el verso desvela que por ver primera

  • no quería versos y me tembló el cuerpo, porque se supone que yo era el hombre de los versos. Veía que, con esta obra, el verso era restrictivo. No ha pasado eso con El Castigo sin venganza(CLIKEAR) o con Calderón.  Si el verso es ya una lengua elevada, me interesaba la necesidad de hablar y que llegásemos al verso, que es lengua con esa necesidad de expresarla por encima de todo. Cuando me preguntan "¿Qué es el verso?", en realidad lo sabemos: tiene métrica, rima…, pero por encima de todo lo que nos interesaba y me interesa es que cada puesta en escena demanda una investigación de cómo funciona el verso en este autor o en este pasaje y en este equipo, porque vienen con ideas aprendidas. Con una enseñanza filológica del verso. Eso es lo que  llamo restrictivo, porque no nos dejaba ser humanos. Desde que entré en la compañía he intentado sacarlos del neorromanticismo con el que se decía el verso que era una actitud alejada, pero ¡cuidado! que  yo les doy las gracias a mis antepasados. Se trata de ponerlo al día de hoy. Las reglas están para nosotros, no nosotros para las reglas. Traer, como diría José Luis Borges, "lo ayeres de entonces que nos sirven para el hoy". Si empezamos por el verso, la sintaxis,..no salimos de ahí y no creamos las ganas de hablar.  
  • Vicente trabajo conjuntamente con el director- precisa Helena. Eso es uno de los avances que hemos tenido en estos últimos años. Cada uno defiende un aspecto de la palabra y por eso el texto está tan vivo. Si cuentas con unos actores que tienen su modo de hacer, también se tiene en cuenta. Aquí se junta un autor nuevo, una joven compañía nueva, un equipo de  la generación anterior y una experiencia de muchos años. En escena se les ve a los actores muy vivos, porque hay un trabajo de gran rigor.        

LOS ACTORES

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  NICOLÁS ILLORO
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  ALBA RECONDO
FOTOS: www.madridteatro.net

Nicolás Illoro (Carlos),  Mariano Estudillo (Polilla),  Irene Serrano (Diana),  Antea Rodríguez (Cintia), Alba Recondo (Laura), Aisa Pérez (Fenisa), Paco Rojas (Conde de Barcelona, padre de Diana), Pau Quero (Gastón, Conde de Fox), José Luis Verguizas (El príncipe de Bearne), Juan de Vera (Periodista/Presentador/Cupido).  Como representación del grupo hablan Nicolá Illoro y Alba Recondo

NICOLÁS ILLORO, Carlos el conde de Urgel
CARLOS ES UN "PRINGAO"

Nicolás Illoro interpreta al protagonista, el conde de Urgel. Se reafirma en que el trabajo principal ha sido clarificar todo y lo prueba con el testimonio de los espectadores en la previa

  • "Lo hemos entendido todo". Esa fue la premisa desde el principio: "no preocuparos nada más de que se entienda y podamos seguiros". Parece sencillo, pero no es nada fácil. La última semana ha sido dura, con lo cual estamos muy cansados, pero muy contentos. Cuando leí el personaje de Carlos me gustó muchísimo porque no es el típico galán. Lo vi como un galán muy ridículo, lo cual me hace mucha gracia. Muy humano. No es el caballero de Olmedo. Es un "pringao".

ALBA RECONDO, Laura
IÑAKI SE HA PARTIDO LOS CUERNOS
PAR QUE LA OBRA SEA INTERESANTE

Alba Recondo interpreta a Laura y confirma un cansancio, aunque se siente muy contenta.

  • Ha sido un proceso, no sé si largo o corto, pero muy "guai". Iñaki se ha partido los cuernos en que la obra sea interesante para el espectador. Creo que lo ha conseguido. Ha sido genial el clima de trabajo que ha habido siempre con él y todo el equipo. Hemos disfrutado mucho y estamos muy contentos.  

 FUNCIÓN
Martes y domingos: 19:00 hrs
Miércoles a sábados: 20:00 hrs
Lunes, descanso

PRECIO
25 €
Descuentos
Abono Clásico: 50%
Jueves, día del espectador: 50%
Mayores de 65 años: 50%
Carnet joven: 30%
Familia numerosa: 50%
Situación de desempleo: 50%
Grupos 20-29 personas: 25%
Grupos 30 o más personas: 50%
 

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  FOTO: CNTC

Título: El Desdén, con El Desdén
Texto: Agustín Moreto
Versión: Carolina África
Asesor de verso: Vicente Fuentes
Iluminación: Felipe Ramos
Música: Luis Miguel Cobo
Escenografía: Mónica Boromello
Vestuario: Ikerne Giménez
Ayudante de Escenografía: Marta Gueden
Ayudante de vestuario: Beatriz Robledo
Ayudante de dirección: Rolando San Martín
Realización de escenografía: Readest Ola López
Realización de vestuario: Ropa Farándula Presumida Creaciones
Producción: CNTC (Compañía Nacional de Teatro Clásico)
La Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico
Intérpretes (por orden de intervención): Nicolás Illoro (Carlos),  Mariano Estudillo (Polilla),  Irene Serrano (Diana),  Antea Rodríguez (Cintia), Alba Recondo (Laura), Aisa Pérez (Fenisa), Paco Rojas (Conde de Barcelona, padre de Diana), Pau Quero (Gastón, Conde de Fox), José Luis Verguizas (El príncipe de Bearne), Juan de Vera (Periodista/Presentador/Cupido)
Dirección: Iñaki Rikarte
Duración: 1h 45 min
Estreno en Madrid: Teatro de la Comedia (Sala Principal), 12 - III - 2019

Más información

José Ramón Díaz Sande
Copyright©diazsande

 

 

 

TEATRO DE LA COMEDIA
SALA PRINCIPAL

Directora: Helena Pimenta
C/ Príncipe 14
28012 - Madrid
Metro: Sevilla, Puerta del Sol
Parking: Santa Ana, Sevilla, Jacinto Benavente,