LA COMEDIA DE MARAVILLAS de RAMÓN DE LA CRUZ y LLUÏSA CUNILLÉ dramaturgista XAVIER ALBERTÍ dirección LLUÍS HOMAR intérpretes MIGUEL ÁNGEL AMOR, MIKEL AROSTEGUI, PABLO BÉJAR, MARÍA BESANT, IGNACIO JIMÉNEZ, ARIANA MARTÍNEZ, CARLOS PÉREZ CLAUDIO, LAURA ROMERO, CAROLINA RUBIO, DAVID SOTO GIGANTO, RAQUEL VARELA, SAMUEL VIYUELA GONZÁLEZ, GEORGINA DE YEBRA en el TEATRO de la COMEDIA (SALA TIRSO DE MOLINA) de MADRID  Del 4 de noviembre de 2020 al 14 de febrero de 2021

Ramón de la Cruz hizo de este arte menor, como es el sainete, una de las joyas de la dramaturgia española del siglo XVIII. Lluïsa Cunillé ha cosido diversos sainetes de Don Ramón cuyo denominador común es mostrar el mundo de las compañías de teatro por dentro y nos ofrece una descripción minuciosa de sus personajes. Nos permite, a través de los tiempos, poder acercarnos al mundo de una compañía nacional de teatro clásico, integrada por actrices y actores que han sido formados a lo largo de los últimos años en sus escenarios. Quien se ha encargado de dirigir este especial Ramón de la Cruz es Lluis Homar, director artístico de la CNTC. Aunque en el Festival de Almagro ya había presentado un espectáculo de recital poético, Alma y Palabra San Juan de la Cruz, pero La comedia de maravillas es el primer espectáculo teatral propiamente dicho que dirige en la CNTC. 
 

FOTO: SERGIO PARRA

RECOGER LOS FRUTOS
DE LOS 10 AÑOS DE LA JOVEN COMPAÑÍA

Lluis califica este proyecto de "singular", ya que al llegar a la CNTC como director una de las preferencias era echar una mirada a las promociones de la Joven Compañía a lo largo de estos 10 años y ocuparse de ello. Se decidió que, terminada la 5ª promoción, en vez de crear una nueva promoción se planteó hacer

una especie de repesca de todas esas personas que a lo largo de más de 10 años habían pasado por la Joven. Se concretó en unos talleres que dimos  Oscar y yo en diciembre de 2019. Vimos a las 80 personas que habían pasado por las distintas promociones y la idea era en vez  de una nueva promoción, dedicarnos a esas personas. Son dos espectáculos: La comedia de maravillas que dirijo yo, y Las Troyanas que dirige Adriana Ozores. Es como si hubiéramos creado una bolsa de trabajo, ya que pertenecen al patrimonio de la casa. Ha habido una inversión en tiempo y formación y eso merecía aprovecharlo a  nivel humano y profesional.

12 INTÉRPRETES EN BUSCA DE OBRA

Esta idea de contar con actores de la Compañía Joven no acaba con estos dos proyectos, sino que se extiende, también, al montaje de El Príncipe constante. Para La Comedia de maravillas se eligió a seis actores y seis actrices, y, en este caso, no se eligió primero una obra y después los actores, sino  al contrario. Esa búsqueda transcurrió por el teatro que va del s. XVIII al XIX , entre sainetes, entremeses y género chico.

	SAINETES de DON RAMÓN de la CRUZ. ERNESTO CABALLERO MONTAJE FOTOGRÁTICO: www.madridteatro.net (CLICK)

Dimos con Don Ramón de la Cruz, Siglo XVIII, y fue tal la fascinación que nos cambió la idea que teníamos y decidió que fuésemos directamente a él. Coincidió el que tenía unos 10 sainetes dedicados exclusivamente al mundo del teatro. Era algo insólito y nos sugería la posibilidad  de que al ser los mismos personajes los que están en estos sainetes, en nuestro montaje también. Ya Ernesto Caballero en la CNTC, había hecho una incursión en con cuatro sainetes de Don Ramón de la Cruz (CICK). En nuestro caso pensamos armar una sola obra tomando como referencia estos distintos sainetes ya que los personajes eran los mismos y se lo ofrecimos a una autora de prestigio  como es Lüisa Cunillé, la cual cosió esos sainetes y nos entregó La comedia de maravillas que es uno de los sainetes de los que hacen referencia al mundo del teatro.

A propósito del vocablo "sainete" Lüisa Cunillé, recuerda que

¿Saben en qué coinciden las palabras ensaimada y sainete? ¡Pues sí! En la manteca de cerdo, o saïm que es como se le llama en catalán. El sainete emula la recompensa que se daba a las aves de caza cuando cobraban una presa: un pequeño trozo de grasa de cerdo. Y a los espectadores se les recompensaba con una pequeña obra que separaba las diversas jornadas de la obra principal.

Entre los sainetes escogidos están: El entierro de  la Compañía, El teatro por dentro, La competencia de graciosos y La comedia de maravillas, que acaba dando título al espectáculo.

EN LA TRASTIENDA DE LOS CORRALES

LLUIS HOMAR FOTO: www.madidteatro.net

Lo que ha provocado escoger estos títulos fue el "cómo se hace el teatro" y que da título a El teatro por dentro. Otro título sugerente es

El entierro de la compañía, donde se plantea la crisis del teatro y, de repente, hay un velatorio y descubrimos que no se ha muerto nadie en concreto sino una compañía de Teatro. Esto tiene unas lecturas más allá. Hay una reflexión por parte de Don Ramón. En aquella época el teatro era como un Madrid-Barça hoy, con una relevancia social, y competencia. Trabajando con nuestro dramaturgista, Xavier Albertí, sobre si el teatro puede modificar a una sociedad, aparece en ese sainete y pensamos que esa reflexión es trasladable del siglo XVIII al siglo XXI. Todo este trabajo nos ha llevado a hacer una inmersión en el siglo XVIII, que es un siglo convulso, involucionista, y que viene después de la grandeza del siglo XVI y XVII, pero que parece que se viene abajo, y ha sido apasionante para poder hacer un paralelismo y ver de qué manera resuena ese teatro del XVIII en el del XXI. Es evidente que si el siglo XVIII es Goya en la pintura, el autor del siglo XVIII sería Ramón de la Cruz. Esto cumple con la misión de la CNTC que pone su mirada sobre el siglo de Oro pero también sobre el siglo XVIII y XIX.   

TRABAJAR DESDE UNA VEDADERA COMPAÑÍA            

	FOTO: SERGIO PARRA

Al hablar de actores y actrices, y sus vicisitudes engendra la palabra "compañía" de la cual Lluis confiesa ser devoto.

uno de mis reclamos para aceptar la dirección del CNTC, era el que acudía a una Compañía a diferencia de acudir a un Centro Dramático o un Teatro Nacional. Tal vez sea porque desde que empecé en el Teatre Lliure de Barcelona a los 19 años, es mi formación y busco el hecho de que algo  se produzca entre las personas que tiran adelante un proyecto. Más allá de los actores y actrices y el oficio que tenemos que aprender, es que las personas estemos presentes y comprometidas con lo que hacemos y dispuestos a abrir ese espacio de vulnerabilidad que el mundo no nos pide, porque va a otra cosa. Esto forma parte de lo que estamos intentando hacer, en un sentido global, como es un trabajo en equipo, pero, también, se trataba de hacer tangible qué quiere decir trabajar desde una verdadera Compañía. Ramón de la Cruz, en este caso, nos lo sirve en bandeja.

DON RAMÓN DA UN SALTO DE SIGLO
SE MARIDA CON FEDERICO CHUECA

Es sabido que los sainetes del XVIII se aliñan con partes musicales. Xavier Albertí, músico, compositor y director de escena, ha sugerido un salto de siglo. Los entremeses pertenecen al siglo XVII, los sainetes al XVIII y el género chico al XIX. Así pues Xavier da ese salto de siglo y musicalmente opta por el género chico para los sainetes y en concreto por Federico Chueca. Al tener la misma raíz, ya que el género chico música sainetes, se ha podido comprobar que el sainete de Don Ramón y la música de Chueca se fusionaban muy bien.  

PREJUICIOS CONTRA DON RAMÓN

Los sainetes ha, sido considerados como un género menor, con lo cual un escollo a salvar era el combinar "ligereza y profundidad".

	FOTO: SERGIO PARRA

Alguien puede pensar que Don Ramón son sainetes al estilo Lope de Rueda, cuyos personajes son arquetipos y poco más. No obstante lo que te enamora de ese tipo de material es que, en efecto, es ligero, pro, al mismo tiempo, está describiendo a unos seres humanos y una sociedad que va más allá. El que Don Ramón teatro breve no quiere decir que haga teatro menor. En este sentido reivindicamos en el sitio que le corresponde a un autor de esa envergadura. Nos remite a Carlo Goldoni que también es del siglo XVIII. Uno puede pensar que los argumentos son como muy livianos, pero está describiendo seres humanos y ahí está ese equilibro, nada sencillo, de encontrar esa ligereza y a esos seres humanos  a los que podamos reconocer y amar. A mí me remite a Valle Inclán en cuanto a estos seres populares. También es, quizás, la primera vez en que el público se siente reflejado en el escenario, pues a esos personajes les pasan cosas que puede entender, ya que, de alguna manera,  son las mismas que les pasan a ellos. En esto hay una cualidad por parte de Don Ramón, que hace que nos fascine su mundo.  

En su época Leandro Fernández de Moratín odiaba los sainetes y escribía: "Representan las heces asquerosas de los arrabales de Madrid". Curiosamente posteriormente los sainetes inundaron los teatros, sobre todo con el género chico en el siglo XIX.  Según Lluis, Don Ramón tuvo que convivieron con esos grandes autores y

ese teatro popular suscitaba muchas envidias donde estaba el éxito. También había materiales de distintas calidades, por la necesidad de entretener. De lo que no tenemos ninguna duda es la calidad de Don Ramón y que el autor de teatro del XVII por excelencia, me atrevo a pensar que es Don Ramón. ¿Por qué no escribió alguna obra de extensión larga? Eso es un misterio. Nosotros hemos hecho una obra de una hora y cuarto y ahí la labor de Luïsa Cunillè ha sido fantástica, como si fuera de Don Ramón. El 98% o el 99% del texto que decimos es Don Ramón. Creo que es un autor de una altura importante. 

EL GRACIOSO

Desde siempre en el teatro la figura del gracioso es indestructible, incluso en las tragedias. Interpretar al "gracioso" no es fácil. Don Ramón tenía asegurada la interpretación del gracioso  porque

VICENTE FUENTES /LLUIS HOMAR / OSCAR VALSECCHI FOTO: CNTC

escribía para actores determinados. Lo que me ha fascinado desde el primer momento es que los personajes tienen el nombre de los actores. Esos son los personajes que se repiten, porque había ese culto a esas personas que eran populares y conocidas. La gente se sabía vida y milagros de los que hacían con quien estaban, con lo cual creaban tendencias. En nuestro país esa figura del gracioso ha ocurrido más en el terreno cinematográfico como lo hemos podido ver en el cine: La Escopeta Nacional (Berlanga), Amanece que no es poco (José Luis Cuerda), …o personajes como López Vázquez, Pepe Isbert, Lina Morgan, Alfredo Landa…y un largo etcétera. Siempre es un personaje característico que hace que el público lo haga suyo. No somos un país de grandes actores en cuanto buscan la singularidad de lo bello, sino la singularidad de la cercanía. Creemos que eso nace con Ramón de la Cruz en el siglo XVIII.

Uno de los problemas es no tener referencias a aquellos actores y por ello Lluis da las gracias al entusiasmo que ha puesto la Compañía. En el trabajo desarrollado ha comprobado que Valle Inclán, Jardiel, Mihura y muchos otros vienen de don Ramón.

En aquellas Compañías, así como en el teatro posterior,  el escalafón era inevitable: Primer Actor, Primera Actriz, Característica, cómico etc… En este montaje aunque se ha investigado no se ha tenido en cuenta tal escalafón. Por otro lado el mismo Ramón de la Cruz trastocaba dichas categorías en los distintos sainetes, ya que siempre eran los mismos actores.

EL TANDEM LLUIS-OSCAR
EL TRABAJO DEL CUERPO DESDE
EL PRINCIPIO DE LOS ENSAYOS

Desde hace muchos años Lluis trabaja junto  al italiano Oscar Valsecchi, al que conoció en una película haciendo de robot. También han impartido talleres juntos, por lo cual "tenemos una mirada de complicidad y no una mirada única".    

	OSCAR  VALSECCHI FOTO: www.madidteatro.net

Oscar subraya el papel de los actores como Compañía en cuanto que

cada uno  se puede sentir con un soporte: el de los otros actores y actrices, y así se siente libre de expresar, probar, ensayar y equivocarse en el proceso de creación de un personaje de la obra en  sí. Yo vengo de un teatro físico de París y Londres, y mi trabajo es desde el cuerpo. Cada día con los actores se introduce el trabajo del cuerpo desde el principio de los ensayos, y no como sucede en muchas Compañías donde el trabajo del cuerpo viene más adelante, y durante una semana se busca cómo se mueve este actor o esta actriz. Es como pegarle encima un vestuario que no ha tenido tiempo de ajustarlo a su talla, y por lo tanto el actor no ha tenido tiempo de absorber este trabajo.

Este trabajo se desarrolla por etapas.

La primera etapa, que es la más importante, es la de crear esta Compañía con un lenguaje común. Una escucha y un respeto hacia los compañeros. Con esta base es cuando se puede introducir el trabajo sobre los personajes: la postura del personaje: cómo se mueve, cómo camina en escena. En esta obra ha sido un reto porque tenemos a seis actrices y seis actores, y entre los 12 hemos tenido que repartir 34 personajes. Cada uno hace 2 ó 3. Con cada personaje hemos trabajado como si fuera el personaje principal, a pesar de que hay personajes que salen muy poco. Dicen una frase o do, pero hemos visto que esos personajes son muy importantes para la situación. Por eso las dos primeras semanas de ensayo, que era análisis de texto no hemos dado los personajes. Cada actor o actriz no conocía su personaje. Los personajes ya estaban divididos por grupos para cada actor, y poníamos 12 papelitos en una gorra y de ahí cada uno, cada día, elegía el papelito y los personajes que le tocaba leer en la obra.      

Este método pretendía transmitir que lo importante era hacer la obra, y para hacer la obra eran necesarios todos los personajes, aunque fuera un personaje menor de una sola frase.

Esto fue exitoso, y luego al volver al personaje que ya le tocara interpretar, la visión de la obra era global y no solamente a través de su personaje.   

LA PALABRA ES VICENTE FUENTES
DON RAMÓN ES UN MODERNISTA

Otro elemento crucial al que Lluis llama "el maestro de la palabra" es el asesor del buen decir Vicente Fuentes.

Es la voz  y la palabra que ha estado trabajando. No invento nada si digo que es monumento Nacional. Poder contar y trabajar con él, que es importante en la creación de la Compañía Joven y el seguimiento personalizado de cada una de estas 80 personas. Las conoce y las quiere. Es un hombre que vive por la palabra y, para mí, es un privilegio. Ha estado todos los días en los ensayos.
 

VICENTE FUENTES FOTO: www.madridteatro.net

Vicente Fuentes comenzó a trabajar con Lluis en Alma y Palabra de San Juan de la Cruz y le habló del proyecto con 80 componentes de las distintas promociones de

actores jóvenes y menos jóvenes, todo hay que decirle. Esla Compañía Joven, pero no tanto. Es un proyecto que se crea también como cantera y pueda nutrir a la Compañía (CNTC). Me contó ese proyecto de Don Ramón de la Cruz, un autor que estaba un poco a la sombra. Siempre habíamos trabajado, principalmente, Lope con la Compañía Joven. Recientemente Calderón. Don Ramón me ha tendido una mano, durante la Pandemia en mi casa de Salamanca, para leer otra de las obras y entender el trabajo de Luïsa Cunillè. Aparentemente la oralidad de Don Ramón en sus versos octosilábicos, romance, parecía fácil, pero cuando empezamos a trabajar como rescatar esa oralidad "captiva" del papel y hacerla oral otra vez, veíamos que había versos con un ritmo endiablado, con ciertas palabras que no conocíamos, y mucho hipérbaton. No tiene mucho lenguaje figurado, pero sí hipérbaton, y mezclaba diferente estilos según los personajes. Es fascinante. Creo que la elección de Don Ramón es extraordinaria, porque escucharlo va a ser un gozo para nuestros oídos. Ha habido momentos estupendos y reveladores y otros menos fáciles, porque tanto yo como los actores, que ya nos conocíamos, era un desafío durante todo el tiempo. Necesitaba un compromiso y una humildad porque de primeras "Entiendo esto en general", pero luego no lo entendíamos. Es un autor que estudié en la Universidad, pero como he dicho estaba en la sombra, y se le comparó con Don Leandro Fernández de Moratín. El señor Galdós también lo cita en sus novelas y escritos y el fabulista Tomás Iriarte. Yo diría que Don Ramón es modernista. Supuso una revolución y dio acceso a unas capas sociales que el señor Leandro Fernández de Moratín, quizá,  no estaba dispuesto a hacerlo. Una vez más me congratulo de esta elección y espero que estemos en cartel mucho tiempo, y que vengan, sobretodo, estos nuevos espectadores, porque la Compañía Joven, entre otras cosas, teníamos pensado en generar nuevos espectadores, cuyos hijos fueran espectadores en el tiempo. Espero que lo podamos hacer felizmente.

Vicente destaca el trabajo de Xavier Alberti, ya que

con la música de Chueca el montaje resulta extraordinario, pues sin esa música no se puede concebir este trabajo que hemos hecho, y eso dice mucho.

LOS DOCE INTÉRPRETES EN BOCA DE RAQUEL VARELA Y PABLO BÉJAR RAQUEL VARELA DON RAMÓN ABRE LA PUERTA A UN UNIVERSO     RAQUEL VARELA FOTO: www.madridteatro.net Raquel Varela interpreta a Paca, Soldado y Espectadora 2. Da las gracias como portavoz de todo el reparto. Estamos felices de poder estar trabajando dignamente. Es triste decir esto, porque nuestro sector siempre ha tenido muchas dificultades, y ahora más aún, porque se está magnificando todo esto. Gracias a esta casa y de poder estar de la mano de Lluis, porque el trabajo siempre ha sido basado en el cuidado, el respeto y eso es primordial. Más ahora. Estamos sintiendo esa Compañía basada, también, en el cuidado,  como si fuera una familia. Siempre lo hemos sido. Estamos varias promociones y de repente ha habido una conexión brutal como si estuviéramos estado siempre juntos. Para Raquel lo que más le fascina de la obra es que no solamente cuenta una historia, sino que abre la puerta a un universo. Es un universo del teatro. No nos cuenta sólo las vicisitudes por las que pasa el actor para sobrevivir en el siglo XVIII y ahora, sino que también los autores, Eusebio y Joaquina, plantean el nuevo teatro; cómo luego los actores también piensan cómo puede hacerse mejor. Una palabra que se utiliza mucho es "aplicación", que, para mí, tiene muchísimo sentido, porque hay algo de trabajo y esfuerzo, lo cual hace que esto sea un oficio. Aparte de todo esto nos hace ver el punto de vista del público. Eso me parece superinteresante, porque habla de que abre un universo teatral. Habla de los que trabajamos y de por los que trabajamos. Plantea también todos los conflictos de todas las clases sociales. Esa parte de la función es de una gran riqueza. Va a ser una función bastante divertida. PABLO BÉJAR EL TEATRO MUERE PORQUE LA SOCIEDAD ESTÁ AVANZANDO     PABLO BÉJAR FOTO: www.madridteatro.net Pablo Béjar interpreta a Estoracio, Ponce y Majo, y hace hincapié en la impronta que ha supuesto Ramón de la Cruz en los actores. Estamos acostumbrados en la Casa a trabajar a Lope, Calderón, Tirso, pero adentrarnos en Ramón ha sido un descubrimiento por lo que plantea tan potente: hacer una nueva forma.  De hecho el teatro que se está haciendo es un teatro que ya no sirve. Muere en sí porque la sociedad está avanzando. Me toca especialmente porque ahora mismo estamos viviendo una situación en la que somos afortunados porque estamos haciendo teatro en mitad de una Pandemia y no sabemos hasta dónde y hasta cuándo. Por el lado del los actores estamos haciendo distintas formas de teatro a través de las plataformas: streaming…, intentando llevar el teatro, como se pueda, al público, porque ese público necesita cultura y sin ella qué somos. Esto que Ramón de la Cruz plantea ante la sociedad que avanza, me emociona particularmente. Van pasando los siglos y las cosas se repiten. Otro aspecto que destaca en Don Ramón es el de la sociedad en cuanto que el pueblo está harto de unas situaciones establecidas mediante capas sociales. De repente irrumpe un dramón en el texto. Esa manera que crea de hacer sociedad, me parece superinteresante. También, y hablo en nombre de todos, agradecer al equipo de Lluis el trato exquisito y la libertad y escucha que se nos ha dado, para poder debatir, investigar y  opinar. Me parece interesante el debate porque no somos actores que vamos a hacer un texto al uso, sino que debatimos en la situación actual con un texto que es pasado, algo interesante cuando se rescata un texto de siglos atrás, y por qué lo hacemos.      ¿VALE EL ACTOR POPULAR? En la actualidad se prodiga poco el actor popular y cómico o encasillado en un tipo de personaje de otras épocas. Es más, no se ve con buenos ojos entre el gremio de actores. Raquel declara no haber caído en la cuenta de ello, pero   FOTO: SERGIO PARRA   no me importaría esa popularidad, porque si hay actores que conocemos es porque hacen un buen trabajo y en un perfil ¿por qué no aprovecharlo y trabajar en esa línea? No creo que sea peor que un actor que puede dar muchos perfiles.  Se ha puesto como una cosa peyorativa - precisa Pablo - cuando a un autor se le define de una manera por aquello del cliché. Pero bendito cliché, también. Si tiene esa potencias y forma de hacer y se le contrata por ello, pues bien. Lo que es verdad es que en las Escuelas con  todo el avance y las corrientes europeas, hacen que el actor tenga distintas posibilidades y no quedarse en una sola cosa. Es una manera de abrir un poco el mercado. También creo que cada uno tiene una manera personal de hacer que destaca en ello. Uno es bueno en una cosa  y eso está todavía en los actores, aunque no tan específico como anteriormente. Este es un debate que merecería la pena alargarlo- añade Lluis. También es verdad que aquellos actores eran muy autodidactas. Era su personalidad la que se imponía y eran ellos los que marcaban esa tendencia. Como ha dicho Pablo han venido las Escuelas y han ampliado el campo. Es mejor que el actor sepa hacer el gracioso y otro tipo de materiales. En eso de que sepa hacer de todo, sí se ha perdido lo genuino de cada uno. Actores, actrices y todas las personas tenemos algo que nos hace únicos. Eso es lo que podemos aportar sobre un escenario. A veces eso se ha diluido un poco y es importante que debatamos sobre ello y vayamos a buscarlo. Eso importa porque tiene que ver con su biografía y su manera de ser y se ha diluido un poco en el tiempo.  El género del sainete como teatro ha desaparecido actualmente, no obstante podría encontrarse en la televisión en la llamada Comedia de situación (Sit com). Lluis opina que sí. Comedias como La que se avecina, Aida … están cerca de que sean seres reconocibles y tienen esa cercanía que llevan a lo popular.

EL ESPACIO ESCÉNICO: UNA TARIMA CON CORTINAS
UN VESTUARIO DE ÉPOCA PARA SALIR  A LA CALLE

	FOTO: SERGIO PARRA

Elisa Sanz y su ayudante Carlos Brayda han concretado el espacio escénico en una tarima en el centro, con lo cual es teatro a cuatro bandas. Se ha trabajado "desde los mínimos". Evoca el llegar a una plaza, colocar la tarima, unas cortinas y unos cuantos taburetes.

Elisa Sanz y Pier Paolo Alvaro diseñan un vestuario muy personal y sugerente que Lluis define como

vestuario de época contemporánea. Tomando todo el recorrido a lo largo de los siglos es un vestuario que nos remite al siglo XVIII y XIX, pero, al mismo tiempo, es un vestuario que te puedas encontrar en la calle , a una persona vestida de esta manera. Es un trabajo maravilloso, si no lo veo , no lo creo. Es una filigrana que abarca un arco: comenzamos en un vestuario más de época y como la calle es muy rica, ellos han tenido en cuenta de cómo salir disfrazados. Una ciudad como Madrid es un punto de encuentro de muchas procedencia, y ellos han sabido recoger elementos que son de la época, pero puestos todos juntos tienen una relación con la calle.  Este trabajo suma a esa idea de hacer teatro contemporáneo con autores clásicos. Es lo que buscamos en la casa desde el logo: contemporaneidad y un sello del pasado. me quito el sombrero ante el trabajo que han hecho Elisa y Pier Paolo.  Las luces de Pedro Yagüe consigue una sintonía de espacio y vestuario, que es fantástica.
 

LA ACTUALIDAD DE DON RAMÓN Aparte de lo dicho en cuanto a la cercanía de este teatro en su tiempo, no se oculta cierta cercanía a los tiempos que corren.   FOTO: SERGIO PARRA   Está el sainete El entierro de la Compañía- recuerda Lluis. Don Ramón, en el siglo XVIII, se pregunta "¿el teatro que hacemos es útil? ¿Por qué se muere ese teatro? ¿Es fruto de una inercia? ¿de una manera de hacer? Tiene su espacio pero, de verdad ¿tiene la capacidad de transformar la sociedad?" Eso nos sirve ahora. Yo pienso que sí. Tiene esa capacidad, pero para ello hay que ver los condicionantes, tanto las resistencias externas como internas. Externas, sólo tenemos que mirar afuera. el momento en que vivimos que es  la ley del más fuerte, el quítate tú que me pongo yo. Internas desde el teatro nosotros somos reflejo de eso. ¿Qué saco yo de esto? Por eso el contrapunto de la palabra Compañía. ¿Somos capaces de no pensar en el Yo y pensar en el Nosotros? El teatro puede ser ese espacio. Por eso la palabra Compañía, más allá de lo que contemos, es lo que podemos irradiar. Si hacemos ese ejercicio de verdad, podemos ser útiles a nuestra sociedad. Yo tengo ya 63 años y de mi recorrido sólo me interesa esto si siento que estoy intentando desde el teatro, desde la cultura ser útil, pero para que eso sea así tenemos que cuestionar lo que pasa fuera y a nosotros mismos. En la función hay un momento en que se muere la Compañía y hay que decir: "¡Sí!, venga, vamos a hacer otro teatro", pero después ellos mismos no tienen dónde comer, las cosas que le pasan…Una cosa es que queramos y otra que podamos. Que sea difícil no quiere decir que no sea posible. Eso pide más que nunca un compromiso muy a fondo. Entonces la obra no sirve para eso, porque no termina dando respuestas sino dejando una pregunta abierta del  sentido del teatro que nos tenemos que responder los que lo hacemos y los que lo vemos. Para nosotros es fundamental esa conexión del siglo XVIII y el siglo XXI. LA COMEDIAS DE MARAVILLAS / EL RETABLO DE LAS MARAVILLAS El título La comedia de Maravillas  induce a pensar en otro título: El retablo de las maravillas, un entremés de Cervantes. Podría pensarse que hay cierta relación. Lluis confirma que nada tiene que ver. Dudamos en el título, pero ha sido un feliz hallazgo el haber elegido La comedia de maravillas. Otro de los títulos era El teatro por dentro y hubiera sido muy acertado, pero en el de La comedia de maravillas hay algo que explota, y, como ha dicho Raquel, hay un Universo en el que caben muchas más cosas y no solo el teatro. Es la dimensión del hombre, de la sociedad, del teatro…Está el juego de la maravilla, de la ficción, para qué puede servir eso y luego la realidad…

EXPOSICIÓN

Exposición en el hall sobre el siglo XVIII, dedicada a Don Ramón y un siglo convulso donde está el motín de Esquilache, que, según Lluis,  podría ser una premonición de la Revolución Francesa; el Madrid de aquellos momentos 

FUNCIÓN
Del 4 de noviembre de 2020 al 14 de febrero de 2021
Encuentro con el público
10 de diciembre de 2020

PRECIO
25 €
Cert. Disc.,Familia Num, Mayores 65 Años, Menores 30
50%
 

	FOTO: CNTC

Título: La comedia de las maravillas
Texto: Ramón de la Cruz
Adaptación: Luïsa Cunillé
Dramaturgista: Xavier Albertí
Escenografía: Elisa Sanz (AAPEE)
Iluminación: Pedro Yagüe
Vestuario: Elisa Sanz y Pier Paolo Alvaro (AAPEE)
Voz y palabra: Vicente Fuentes
Selección musical y arreglos: Xavier Albertí
Ayudante de Dirección: Rocío Vidal
Ayudante de Escenografía: Carlos Brayda
Ayudante de Escenografía y vestuario: Sofía Skantz
Ayudante de Iluminación: Antonio Serrano
Realización de Escenografía: Mambo Decorados
Realización de Vestuario: Pier Paolo Álvaro, Roger Portal
Producción: CNTC
Intérpretes: Miguel Ángel Amor (Callejo, Manolillo y Matute), Mikel Arostegui (Chinica, Mosquetero 3 y Mediodiente), Pablo Béjar (Estoracio, Ponce y Majo), María Besant (Robles, Joaquina y Barón), Ignacio Jiménez (Merino, Mosquetero 2 y Manolo), Ariana Martínez (León, Figueras y Mosquetero 1), Carlos Pérez Claudio (Pianista), Laura Romero (Ibarro y Maja), Carolina Rubio (Polonia, Tía Pepa y Remilgada), David Soto Giganto (Tadeo, Eusebio y Espectadora 1), Raquel Varela (Paca, Soldado y Espectadora 2), Samuel Viyuela González (Espejo, Alonso y Tía Chiripa), Georgina de Yebra (El mudo, Mariana y Marquesa)
Dirección adjunta: Óscar Valsecchi
Dirección: Lluís Homar
Duración aproximada: 1 hora y 15 minutos (sin descanso)
Estreno en Madrid: Teatro de la Comedia (Sala Tirso de Molina), 4 - XII - 2020

Más información      El teatro por dentro en el siglo XVIII. CNTC         José Ramón Díaz Sande Copyright©diazsande

TEATRO DE LA COMEDIA Directora: Lluis Homar C/ Príncipe 14 28012 - Madrid Metro: Sevilla, Puerta del Sol Parking: Santa Ana, Sevilla, Jacinto Benavente,