A.K.A (Also know as), estrenado en 2018 en Barcelona,  viene avalado por los tres Premios Teatre Barcelona (mejor texto, mejor dirección y mejor interpretación), cuatro Premios Butaca (espectáculo de pequeño formato, texto, dirección y actor) y dos Premios Max (autoría revelación y actor protagonista). Se ha presentado en tres teatros de Barcelona: Sala Flyhard, el Teatre Lliure y la Sala Villarroel. Críticas y publico continuaron avalándolo.  Se trata de un espectáculo de pequeño formato con un solo intérprete: Albert Salazar.

Daniel J. Meyer es el autor, quien ha escrito el texto de un tirón. A estas alturas 15.000 espectadores han asistido a este  monólogo acerca de la identidad y la diferencia. Un adolescente de 15 años, sensible y solitario, reflexiona sobre su historia y surgen una serie de preguntas.

Carlos es un buen alumno, se aburre, está enfadado, está bien, sale con sus colegas al parque, baila hip-hop. Es una persona feliz y un día conoce a Claudia. Y… ¡magia! A.K.A. nos habla de un periodo de la adolescencia de Carlos del que nosotros formamos parte. Nos relata su día a día a los 15 años: el instituto, la terapia, el rechazo, la rabia y el miedo, los amigos, el amor y el deseo, la relación con sus padres… Un momento en el que la experiencia más traumática de su vida hace temblar sus cimientos, sus raíces, su identidad. Y es que Carlos es adoptado…

EMPATÍA, BASE DE LA OBRA

	DANIEL J. MEYER FOTO: www.madridteatro.net

Una palabra que ha definido a esta historia es la de empatía por su contenido, por el actor  y por la manera de contarla.

Daniel J. Meyer es el autor y confiesa que el nacimiento de esta obra no lo puede concretar, ya que comenzó sin saber  lo que iba a escribir, aunque había muchos temas preocupantes desde hacía tiempo. Uno de ellos que prevalecía era el de la identidad. Mi origen es múltiple: argentino, judío, de abuelos alemanes, polacos, rusos…lo tengo todo. Lo escribí en una noche y como no sabía lo que había escrito le pedí a un actor amigo mío, Quim Davila,  al que yo había dirigido, y que también Montse había dirigido, "Si la lees me haces un favor". Nos fuimos a un bar, la leyó. Con Montse me había cruzado veces y había visto cómo había dirigido a Quim Davila y pensé que era una buena directora. La llamé con todo el morro. "Tengo un texto y me gustaría que lo dirijas". Aún no tenía título la obra. Tardó una semanita y me dijo  "Sí, sí, quiero hacerla". Nos juntamos.

NECESIDAD DE UN ACTOR JOVEN

Surgió un gran problema: necesitaba un actor joven que pudiera hacer de 17 años, que tenga unas condiciones físicas muy específicas.

Que se mueva físicamente hablando, bailando muy bien y con una técnica brillante. Que de mucha empatía y transmita una sensibilidad especial. Preguntamos a muchos amigos.  Tenía que ser buena persona porque había que trabajar mucho. Nos hablaron de Albert Salazar, la leyó y le encantó. Estuvimos trabajando varios meses en un Centro Cívico. Contactamos con la Sala Flyhard y el texto les gustó. Primero iban sólo a programarla, pero luego se envalentonaron y  dijeron que la producirían. A partir de ahí la obra fue creciendo.  Ganamos el Premio Dos Butacas, fuimos al Teatre Lliure, a la Sala Villarroel, ganamos un MAX, ganamos los del Teatro Barcelona. Este es el proceso.

ALBERT SALAZAR FOTO: www.madridteatro.net

El texto nació sin título y siguió sin título durante un tiempo, hasta que a Daniel se le encendió la bombilla de los comics y surgió A.K.A. (Also Know as) que alude al conocido "alias" (apodo o sobrenombre), y que por otra parte se usa entre los que  practican el Hip-Hop.  

Daniel J. Meyer (Argentina), estudió Artes del Teatro en COSATYC/ANDAMIO 90’ en dirección teatral e interpretación, además de cursos en el Obrador de la Sala Beckett, Eòlia y de hacer el Postgrado de producción y gestión de espectáculos. Profesionalmente ha trabajado como ayudante de dirección en Molt soroll per no res (Teatre Nacional de Catalunya), El petit príncep (Teatre BARTS) y Gerónimo Stilton, con dirección de Àngel Llàcer con quien ha trabajado en más montajes. Ha participado, también como ayudante de dirección en el espectáculo Boeing Boeing con dirección de Alexander Herold (Teatre Apolo); Èdip 1, 2, 3, 4 como ayudante de dramaturgia y dirección, con dramaturgia de Pablo Ley y dirección de Josep Galindo (Versus Teatre); Sin noticias de Gurb de Eduardo Mendoza, regiduría y ayudante de dirección, con dirección de Rosa Novell (Sala Club Capitol). También dirigió Tothom diu que està bé en el Teatre Gaudí.
Ha dirigido y escrito todas las obras de la compañía DescartableTeatre: Descartable (Nau Ivanow y gira, 2011), Daian & Giggy Live Sex (Fora de temporada, Girona 2011), Deflaccionable (Nau Ivanow, 2012), Cola con anís (Café Salambó, 2013), Nestea con Vodka (Café Salambó, 2013), Fusells (Almería Teatre, 2016), Abans (Maldà Teatre, 2016), La Malena - historia de una reventada, dramaturgia a partir de textos de Alejandro Urdapilleta y de textos propios.

MONTSE RODRÍGUEZ,
ME "FRAPÓ" CUANDO LA LEÍ
Y POR ESO QUISE DIRIGIRLA  

	MONTSE RODRÍGUEZ CLUSELLA FOTO:  www.madridteatro.net

Montse Rodríguez Clusella se encarga de la dirección. Profesionalmente se ha movido como actriz, directora. Precisa que el personaje Carlos se mueve entre los 15 y 16 años  y en los veintipocos en lo que cuenta la historia. El precisar la edad importa porque  es uno de los temas bastante  importante.

Hemos trabajado mucho sobre esas dos edades. A los 15 qué inquietudes tiene; cómo se relaciona con sus padres; qué necesita de sus amigos; cómo son sus relaciones amorosas y los impulsos de relaciones sexuales. Después la madurez de los veintipocos, tal vez no propia de la madurez del personaje, pero sí por las circunstancias que le hacen madurar más rápidamente. Este juego es de los temas que más me interesan al trabajar con el actor, en cuanto va cambiando de edad todo el rato.  

Se estuvieron trabajando casi un año los tres - autor, actor y directora -, para tirar adelante esta historia

que me "frapó" cuando la leí por primera vez y por eso quise dirigirla. Yo no tengo la habilidad de escribir, pero si algo me muevo necesito decir algo. No puedo darle palabras, pero sí forma y hacer que llegue al público. Empezamos a trabajar sin saber si iba a ver la luz. Eso nos dio la oportunidad de poder trabajar poquito a poquito, sin prisa, buscando el detalle y eliminando cosas que no funcionaban. Me gusta trabajar con el actor que tengo, algo obvio, pero, a veces, no lo es.  Sabes cómo es el personaje, pero el cómo se va a contar lo creamos entre todos. Eso requiere más tiempo. Sin tocar el texto nos comunicábamos con Albert por Skype para  ver cómo era el personaje, qué hace ese personaje, y cómo  recrear unos 7 espacios, porque hay un espacio único. Tenemos un skane , un altavoz, una estantería y dos sillas. Ese es el espacio. Este trabajo me interesa mucho. Con el poco material y el justo cómo crear todos los  espacios.

ALBERT SALAZAR FOTO: www.madridteatro.net

La obra  se estrenó en la Sala Flyhard, que posee 45 butacas. Tal espacio real dio forma espacial definitiva al espectáculo y con esta disposición se mueve por todos los teatros y salas. no se hace nunca la italiana, sino que está sobre el escenario con Albert, ya que Carlos cuenta esta historia a las personas que les estará mirando a la cara. Es un tú a tú ya que los espectadores van a ser también personajes.

Montse Rodríguez Clusella, actriz licenciada por el Institut del Teatre de Barcelona.

Como actriz ha trabajado con Sèmola Teatre, en ¿Bailamos? (Mercat de les Flors) y Esperanto (Teatre Nacional de Catalunya); con CorCia Teatre Figures d’aigua, de Jordi Arqués, Rinconete y Cortadillo de Cervantes, Retalls del Ter, La Celestina de Fernando de Rojas, Entremeses de Cervantes y Lope de Rueda, Cor de Montserrat Mas, todos dirigidos por Joan Roura; Precipici de Montse Albàs y La Minyona con texto de Santiago Rusiñol; con Agraïts d’aguantar-nos en Nits de Serrallonga de Marc Angelet; con el Teatre Nu en Abuelo Ramón de Víctor Borràs; con Marta Carrasco en Dies Irae; en el Réquiem de Mozart (TNC); con Lluís Danés en Nàufrags / La casa de l’ànima y Tranuites Circus (con Lluís Llach) (TNC); en (sin) Pecat de Víctor Borràs; y en Dance to Death de Alberto Velasco (La Caldera. Grec 2016).
En la dirección destacan los espectáculos Albert-Berta de Marc Rosich, Caixes de Marc Artigau (sala Flyhard); Ricard de 3r, de À trois teatre; Noè Hac, #Like_Unfollow, Sóc una máquina de Gerard Guix, y la dirección de actores de Salveu les nostres ànimes del mismo. Y en cuanto a ayudante de dirección en Ciutat de Carlos Mallol.
En audiovisuales ha participado como actriz en Delincuentes Torpesde Ángel de la Cruz para la TV Galega; Cubicles de Jaïr Domínguez y Sergi Prat; El sueño de Eleanor y Tranuites Circus de Lluís Danés; E-mental de Jordi Crusats; La conjectura y Con un seis y con un cuatro de Xevi Vila; entre otros. 

ALBERT SALAZAR, de 15 a veintipico años
EL MONTAJE ES MUY DINÁMICO

	ALBERT SALAZAR FOTO: www.madridteatro.net

Albert Salazar estudió en la escuela de Arte Dramático Eòlia de Barcelona durante 7 años. Continuó su formación en el estudio para el actor de Laura Jou con profesores como Isaac Alcayde, Marc Martínez, Laura Jou y Oriol Vila. En el mundo audiovisual encarnaba al personaje de Marçal en la serie La Riera de TV3. Su experiencia teatral profesional empieza en Mama Medea (2008) en el Teatro Romea dirigida por Magda Puyo. Actúa en El sueño de una noche de verano de Ivan Morales (Teatro Almería). En la actualidad actúa, además de en A.K.A. (Also Known As), en Paradise de Oriol Vila (Teatro Poliorama y en gira).

Albert Salazar tiene 23 años, y tras manifestar su deseo por estrenar en Madrid, destaca el trabajo durante ese año de preparación, en el cual la investigación era ¿qué hace ese chico cuando está solo en su habitación? pues no estaba muy especificado en el texto.

Solo ponía baila, canta… Durante  seis meses estuve yendo a clases de baile de Hip-Hop, y el chico que me daba las clases particulares, Guille Vidal, montó las coreografías que aparecen en la obra.

Cuando se representa ante chicos jóvenes en las funciones matinales, la cercanía del público y el baile hacen que los  jóvenes

se enganchen un montón. En esas funciones, con 200 jóvenes yo tenía un poco de miedo. Me acojonaba bastante la idea, pro te  das cuenta que el lenguaje que hablamos es muy parecido al que ellos hablan. El montaje es muy dinámico y constantemente ofrecemos imágenes que cambian, por lo que el público joven se engancha enseguida. La obra tiene dos partes. La primera genera la empatía con el público, y la segunda es donde se pega fuerte. El público joven empatiza más con Carlos que la gente mayor. Se siente más identificado.

HAY MUCHAS COSAS
DE LAS QUE HACE CARLOS
QUE LAS HACÍA YO CON 15 AÑOS

ALBERT SALAZAR FOTOS: www.madridteatro.net

Albert siente al interpretar a Carlos que tiene una empatía con su personaje

Hay muchas cosas de las que hace Carlos que las hacía yo con 15 años. Incluso nombres de amigos como es Martín o Claudia la novia. Mi primera novia se llamaba Claudia, mi mejor amigo Martínez. Parecía que me estuvieran pillando con cámaras mi adolescencia. Leía el texto y veía a mi hermano que tiene esa edad de Carlos, y hablaba exactamente igual que Carlos. Danielha sabido copiar al cien por cien el mundo adolescente.    

Como anécdota a este conectar con la obra Montse recuerda la declaración de un señor de 80 años en uno de esos encuentros con el público.  

Yo me he reconocido en Carlos cuando era adolescente.  

A veces han venido adolescentes con los padres, y ello genera una satisfacción en el equipo, ya que los padres manifiestan

no sé cómo hablar de estos temas con mi hijo - declara Montse -, y a través de la obra he podido hablar con ellos o entender lo que puede hacer su hijo en la habitación. Esto nos interesa porque deseamos que al final del espectáculo se pueda hablar de ello o los temas de que habla la obra y generar otros temas y conversaciones.

Daniel añade que resulta

muy divertido, porque vemos que mucha gente joven que, quizás, es la primera vez que vienen al teatro. Luego repiten trayendo ellos a sus padres. Eso es maravilloso. Es uno de los  éxitos el que venga mucha gente joven. Me emociona que será la primera obra que recordarán.  

LA IDENTIDAD
MUCHAS VECES ESTIGMATIZAMOS
AL PONER UNA ETIQUETA
AUNQUE SIN MALA VOLUNTAD

Tras este proceso, y las exitosas representaciones tenidas, Daniel cree poder especificar lo que quería contar.

Yo soy un emigrante de lujo. He venido aquí con papeles de ciudadanía almena, soy blanco, soy hombre y tengo muchos privilegios. Aún así el otro se confronta con una serie de etiquetas y suele preguntarte y decirte quién eres. Y eso es lo que quiero contar: me molesta mucho que  la gente decida quién soy. ¿Qué es más importante? ¿Lo que yo creo que soy, la identidad que yo construyo o lo que el otro ve en mí? Creo que hay que defender siempre lo que uno construye y lo que uno cree que es. Uno no es una etiqueta, sino un líquido fluido. Yo aquí me comporta de un forma y si me veis en un bar a las dos de la madrugada será otra. Es lo normal y no soy  ni como soy aquí o allí a las dos. Soy las dos cosas a la vez. Por lo tanto lo que quería ahondar era en eso. Muchas veces estigmatizamos al poner una etiqueta aunque sin mala voluntad. En el caso de Carlos al poner una etiqueta es joder un vida. Hay que ser muy cuidadosos, sobre todo con los adolescentes, qué etiquetas estamos poniendo como sociedad porque podemos joderle la vida a alguien.

¿YO SOY EL QUE USTEDES CREEN QUE SOY?

	ALBERT SALAZAR FOTOS: www.madridteatro.net

El problema de la identidad personal, de alguna forma, ya lo trató Luigi Pirandello en Asi es si así os parece. Una mujer llega a una comunidad de vecinos y se disparan las opiniones sobre ella. Al final ella se levanta el velo que la cubría y se muestra ante los vecinos. Le preguntan: "¿Quién es usted?". Ella responde: "Yo soy la que ustedes creen que soy"  Pirandello apunta a un relativismo de la verdad, pero también a la imposibilidad de que me vean como yo creo que soy. Sobre esta reflexión Daniel ve una esperanza de  solución en la misma puesta en escena de Montse:

Carlos explica su historia mirando a los ojos de los espectadores que están muy cerca. Si tu  mieras a los ojos de la gente, expliques lo que expliques, como ser humano, genera empatía y hay que ser muy mala persona para no empatizar cuando te miran a los ojos. Le ponemos etiquetas como sociedad, pero son muy absurdas porque, al final, es una historia humana que tiene muy poco que ver con etiquetas o prejuicios.

No se trata tanto de  luchar contra lo que los demás vayan a pensar de ti - añade Montse -, y, quizás, es muy difícil cambiar lo que los demás piensen de ti, pero tú sabes quién eres y tú te defines quién eres a pesar de que esté a mucha distancia de los que demás piensan o dicen de ti, pues a lo mejo esto te calma. Yo soy quien quiero ser. El conflicto en la función se crea cuando  Carlos se explica. "Me habéis juzgado a sí. Tú así, el otro así" , según lo recibe cada uno, y ahora viene y cuenta "mi realidad, mi identidad es ésta. Os la voy a contar". No lo hace dando una lección, sino mostrando todo aquello que no ha podido decir en su momento y que después los demás lo juzguen como quieran.

En estos últimos tiempos la identidad catalán o español se ha intensificado. No es necesario detallar más algo que es de sobras conocido. Si ha influido a la hora  de escribir la obra, Daniel declara que

No, porque se habla de la identidad personal y no de identificación política. En mi caso personal, aunque vivo en Barcelona, es un tema que está allí, pero nada más.

HIJO ADOPTADO e HIJO ÚNICO
LOS MIEDOS DE LOS PADRES

Una de las características es el ser un hijo adoptado, circunstancia que Montse piensa que es importante en el aspecto de la identidad en cuando que

Carlos piensa que soy de aquí, aunque nací en otro lugar. Me siento bien aquí. Soy de estos padres, que son mis padres adoptivos y no hay necesidad de repetirme que soy de otro lugar. Vine cuando tenía 3 años y conozco esta realidad y es con la que yo me identifico.

Tengo muy claro que  ponemos muchas etiquetas a lo adoptados - añade Daniel. Socialmente les obligamos a que tengan que encontrar su identidad en los orígenes. Que  tengan que hacer esa búsqueda personal o si no lo hace lo vemos con recelo. Puede no interesarle. Hay muchos matices. Esta etiqueta de ser adoptado y por lo tanto tendrá que seguir el camino A ó B, es una cosa que socialmente nos hemos impuesto, pero no tendría por qué ser así. A mí me preguntan ahora ¿de dónde eres?, pues de Barcelona. Hoy en día parte de mi identidad es ser de Barcelona. Tengo parte de mi historia personal que he vivido en Argentina, pero también hay otra parte de mi padre en Israel, donde siento cierto comodidad. Quiero decir que esto es muy rico.

El hecho de ser hijo único agrava la situación en influye en su psicología. De toda la multitud de personajes que salen hay dos importantes: la madre y el padre.

La madre expresa mucho su miedo. Los padres que han adoptado tienen muchos miedos, los cuales se transfieren en la convivencia. Mi madre era hija única y sé cuál era la relación de ella con sus padres. Es bastante más posesiva, férrea, y los miedos suelen ser más exacerbados.  

LA DELACIÓN O DENUNCIA
ARRANQUE  DE LA HISTORIA

En la obra hay una denuncia basada en la identidad del personaje y se juzga por un tema de edad. Montse precisa que

es un tema de abuso porque él tiene 16 años y ella tiene 15 años. En el texto hemos añadido más coletillas para hacer más hincapié en ello. Se desenvuelve la obra a partir de ese hecho, pero es un tema de edad el que hace que le juzgue, aunque al principio sea una denuncia racista, pero para poderla llevar a cabo se utiliza la edad.

Cuando se ve la obra es una denuncia racista - añade Daniel - y con muy mala leche. De todos modos no es el tema central

Más bien es el tema de la injusticia, por cómo se aferra el racismo en cuanto al origen el personaje para  conseguir juzgarlo y removerle la vida. Es algo injusto y de racismo puramente - concluye Montse.  

ACOMODACIÓN A LOS LUGARES
CATALÁN, CASTELLANO, INGLÉS

La versión desde el inicio nació en catalán y castellano. En Madrid es toda en castellano. A nivel de traducción al inglés para un posibilidad de representarla en el área anglosajona, se cambian ciertos condicionamientos sociales como es el origen de los padres. En cada sitio se adapta la contexto social. En Madrid se basó en una persona que Daniel conoció  hace tiempo. De eso resulta que la madre es vasca  y el padre de Murcia. En Cataluña la madre era catalana y el padre de Murcia. Es tratar  de  ver cómo funciona cada sociedad internamente.

FUNCIÓN
De martes a sábado: 20:30 h.
Domingos: 19:30
Encuentro con el público: 12 de noviembre 2019
Funciones escolares: 8, 14 y 15 de noviembre 2019

PRECIO
De 15 € a 5 €
Descuentos
Día del espectador (martes): 8 €
Sábado: 8 €
Tarifa joven (martes, miércoles y jueves): 5 €
Tarifa reducida (miércoles y jueves): 12 €
Tarjeta de fidelidad 2019-20 (todas): 11 €
Convenios (miércoles y jueves): 12 €
Personas dependientes (todas, según disponibilidad): 2x1
Tarjeta FNAC (todas, excepto sábado): 14 € 

	FOTOS: ALBERT SALAZAR

Título: A.K.A. (Also know as)
Texto: Daniel J. Meyer
Ayudante de dirección: Daniel J. Meyer
Diseño y construcción escenografía: Anna Tantull
Vestuario: Equipo A.K.A
Diseño de iluminación: Xavi Gardés
Espacio sonoro: Daniel J. Meyer y Xavi Gardés
Coreografías: Guille Vidal-Ribas
Cartel: Quim Àvila i Roser Blanch
Fotos del espectáculo: Roser Blanch
Producción ejecutiva: Roser Blanch, Sergio Matamala y Clara Cols
Distribución: Eli Riera y Mery Delorenzi
Comunicación: Clara Cols
Administración: Mario Berlinches y Sergio Matamala
Redes Sociales: Daniel J. Meyer, Eli Riera
Jefe técnico sala: Xavi Gardés
Jefe técnico gira: Fernando Portillo
Una producción de Flyhard Produccions / Sala Flyhard
Con el apoyo de ICEC - Institut Català de les Empreses Culturals i ICUB
Institut de Cultura de Barcelona
Con el patrocinio  de  Gramona y la collaboración de  Llibrería Montseny
Agradecimientos: Quim Àvila, Àgata Casanovas, David Solans, Ivette Torrent, ESART, EMAV, Ana Peña, Col·legi Sant Marc de Sarrià, Jordi Bas
Intérprete: Albert Salazar
Duración aproximada: 75 min.
Dirección: Montse Rodríguez Clusella
Estreno en Madrid: Teatro de la Abadía (Sala José Luis Alonso), 6 -  XI - 2019

Más información           José Ramón Díaz Sande Copyright©diazsande

Teatro de la Abadía Sala José Luis Alonso Director: Carlos Aladro C/ Fernández de los Ríos, 42 28015 – Madrid Tel.: 91 448 11 81 Fax.: 91 448 61 32 Metro: Quevedo, San Bernardo, Argüelles, Moncloa, Canal, IslasFilipinas Bus: 2/16/37/61/202