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Madama Butterfly. Gas-T.Real. Entrevista PDF Imprimir E-mail
Escrito por José R. Díaz Sande   
Martes, 27 de Junio de 2017 07:56

MADAMA BUTTERFLY
200 AYUNTAMIENTOS ANTE LA PANTALLA

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 ERMONELA JAHO
FOTO: JAVIER DEL REAL

El 27 de abril de 2002 el Teatro Real estrenaba Madama Butterflye con una curiosa puesta en escena de Mario Gas. Una de las críticas del momento era bastante reticente (CLIKEAR). El 4 de julio de 2007, como cierre de temporada se reponía esta versión bajo la dirección musical de Plácido Domingo (CLIKEAR). Por tercera vez vuelve en fechas próximas a cerrar temporada en el Teatro Real. Consigo trae un despliegue audiovisual :  El viernes 30 de junio, como punto de partida de la Semana de la Ópera del Teatro Real, se llevará a cabo la retransmisión de la ópera Madama Butterfly en tres grandes pantallas ubicadas en la Plaza de Oriente de Madrid y en otras similares distribuidas por toda la geografía española. Más de 200 ayuntamientos de toda España abrirán sus locales, centros culturales y jardines para conectarse a la emisión y vivir juntos una noche de ópera: Esta dirección electrónica esta protegida contra spam bots. Necesita activar JavaScript para visualizarla . Se podrá acceder a la retransmisión a través del canal de Facebook del Teatro Real y compartir en redes la experiencia con #MadamaEnDirecto.

La concepción escénica se mantiene esencialmente intacta con la misma escenografía de Ezio Frigerio y vestuario de Franca Squarciapino (CLIKEAR). En esta ocasión la protagonizan la pasional soprano Ermonela Jaho – todavía en la memoria de todos su conmovedora Traviata en la retransmisiones de 2015 y la desgarradora Desdémona de Otello el pasado mes de octubre – y el tenor español Jorge de León, a quien se pudo escuchar interpretando a Cavaradossi en el Teatro Real en 2011 (CLIKEAR). Junto al resto del reparto y el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, la dirección musical estará a cargo de Marco Armiliato.

MARCO ARMILIATO
UN CASTING DE SUPERLUJO

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  MARCO ARMILIATO
FOTO: JAVIER DEL REAL

Marco Armiliato (Génova), inició sus estudios en Génova. Du debut profesional fue en Lima (Perú) en 1989 con L'elisir d'amore. Le siguió La Fenice (Venecia) con Il barbiere di Siviglia. En la actualidad está considerado como uno de los más prestigiosos directores musicales operísticos invitado regularmente desde la Metropolitan Opera House de Nueva York hasta la Ópera de Zurich. El Real ha participado en Tosca.

Tras manifestar al cariño del Teatro Real por su atención durante los ensayos Marco reseña que Madama Butterfly es

  • una ópera tan compleja, tan difícil, pues hay muchas referencias del pasado y mucha competición con tanto cantantes que la han cantando y tantos directores que la han dirigido. En Madrid tenemos la suerte de tener un casting de superlujo y una orquesta que tiene muchas ilusiones por tocar una ópera tan bonita.  El hecho de la retransmisión permite la divulgación de la ópera, lo cual es muy importante hoy en día. Tenemos la suerte de hacer un espectáculo completo para todos, pero el saber que nos están viendo es una presión más para la orquesta y para el resto, pero es una forma de divulgación increíble. La ópera lo necesita. Necesita que los jóvenes vean lo que estamos haciendo y no crean que la ópera es algo antiguo y aburrido. Somos todos jóvenes y disfrutamos cada momento, cada minuto y cada segundo del ensayo con toda nuestra pasión y devoción hacia lo que es la ópera.

En el caso de Madama Butterfly Marco  insiste en que

  • es difícil como los es siempre Puccini por varias razones. Primero tenemos que controlar nuestras emociones que nos afectan. En Madama Butterflye nos metemos en un mundo distinto de la realidad. Es otra cosa y esto es algo impresionante, porque estamos haciendo algo para nosotros, y, al mismo tiempo, disfrutamos con la gente de lo que estamos haciendo. Por eso subrayo el aspecto de la retransmisión, a fin de que todo el mundo participe  de nuestra pasión y de las ganas de hacer bien las cosas.

UNA DE LAS ÓPERAS MÁS COMPLEJAS

La partitura de Madama Butterflye no lo pone fácil a nivel de interpretación, según comentarios a lo largo de la historia. En opinión  de Marco

  • técnicamente es una de las óperas más difíciles porque es muy compleja. Nos lleva a un punto de pasión y, al mismo tiempo, hay que controlar la técnica para hacerlo fríamente bien. No es una ópera que se va a cuatro por cuatro, bien cuadrada todo el tiempo, sino que cada compás, como en todas la ópera de Puccini, tiene su detalle. Cada compás tiene su dificultad, los colores que hay que sacar de la partitura, las emociones de cada personaje, entre los cuales Madama tiene más porque canta mucho más. Es el papel más importante y por eso se llama Madama Butterfly. Puccini siempre subraya el momento de las situaciones. Lo que canta Butterflye está muy lleno de sonoridades; lo que  hace Pinkerton ya es distinto: lo que canta Sharpless es mucho más noble;… Es muy detallista en cada uno de los personajes, incluso en los pequeños papeles. Por ejemplo el momento del príncipe Yamadori, es el que está más lleno de orquesta, y siempre hay peligro de  cubrir a los cantantes. Por eso hay que tener mucho cuidado de lo que se hace con la masa orquestal, no es lo mismo, por ejemplo, cuando canta Ermonela que cuando canta Jorge.       

MARIO GAS,
LA PRODUCCIÓN SIGE MUY VIGENTE

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MARIO GAS
FOTO: JAVIER DEL REAL
 

Mario Gas se ha ocupado de la dirección escénica, cuya originalidad en el 2002, fue la de situar la ópera en un plató de rodaje de los años treinta. Mario confiesa que

  • siempre es agradable volver al Real, porque tiene un equipo fantástico en los diversos departamentos y encontrarse con ellos y ellas, tanto en oficinas como en el escenario es, siempre, muy agradable y te facilitan mucho el trabajo. Es agradable que una dirección artístico tan competente como la de Matabosch, considere que un montaje de hace 15 años y que pertenece al patrimonio de este teatro, sea susceptible de volver a ser puesta en escena para que siga interesando al público, no como un vestigio del pasado, algo vintage, sino como algo que puede seguir interesando.

Mario se sorprende a sí mismo, al ver que  la producción

  • sigue muy vigente. Tengo que agradecer la minuciosidad, la profesionalidad, el mimo y el cuidado con que los dos repositores Justin Way y Marco Berriel, han hecho con este montaje. Sólo hay una nota muy incrustada dentro de la melancolía sentimental de esta producción que es la ausencia definitiva de mi gran amigo y colaborador, como ayudante de dirección, José Antonio Gutiérrez durante muchísimos años, tristemente desaparecido, que, para mí, todavía se me hace extraño no verle ahí mi lado  cada vez que ponemos en marcha una ópera. Era un hombre de gran categoría escénica y gran calidad humana, y con unos conocimientos musicales y operísticos extraordinarios.         

PUCCINI VIAJA POR ENCIMA DEL TIEMPO

Al entrar a enjuiciar Madama Butterfly, Mario Gas reconoce que

  • soy un pucciniano desde mi más tierna infancia. Puccini es un gran músico y también de música escénica, es decir de ópera. La ópera es teatro, que como sustantivo tiene la música vocal y la instrumental, y todos juntos explicamos una historia que, muchas veces, puede haber quedado obsoleta como tanto, teatro , novela o expresión artística se pone para un momento determinado, y, luego, el tiempo  se encarga de decir si supera la barrera del tiempo o no.  Si es fruto de una sociedad determinada o viaja a través del tiempo. Puccini, en especial,  que viaja por encima del tiempo, así como otros compositores,  se convierten en un clásico, no porque vamos a mirarlo en un museo, sino porque han superado la barrera del tiempo, y nosotros nos seguimos emocionando y sintiendo unas sensaciones racionales y emotivas igual que el primer día, como ciudadanos del siglo XXI. Por lo tanto esa obra sigue vigente. Le pasa a Shakespeare, le pasa a Valle Inclán, a Velázquez, a Rembrandt, a los griegos, a Verdi, a  Mozart, a Bach… y a Puccini. Un hombre, para mí, extraordinario.        
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  ERMONELA JAHO/ ÁNGEL ÓDEAN / ENKELEJDA SHKOSA 
FOTO: JAVIER DEL REAL

Cuando un director, según Mario, se enfrenta con la dirección de escena mira a ver qué repartos hay. En esta ocasión lo califica de

  • lujo. Como punto de partida, siempre pienso que la ópera es teatro y hay que  ir a la esencia intentando  jugar con ella acercando lo más posible la unidad de música y texto a un público actual, a un público joven, dándole el máximo de contenido escénico, pero siempre trabajando en profundidad en la esencia en que ha querido trabajar el autor, y entendiendo las constantes de este género concebido con unas normas acústicas determinadas. Es decir me parece muy bien cambiar época y lo he hecho en muchísimos espectáculos míos, y me gustaría que en alguna ocasión pudiera tocar la música y cambiar algo del tercer acto al primero, pero no seré yo quien ponga a la soprano, al tenor, al bajo o al barítono cantando a 70 metros de la boca del escenario de espaldas, mientras75 o 100 sierras eléctricas van machacando la voz par que no se escuche. Quiero decir que entre una cosa y otra  está la esencia, que es lo importante.

UN METALENGUAJE  PARA
CONTAR MADAMA BUTTERFLY

En el momento de enfrentarse con Madama Butterfly, Mario en comandita con el escenógrafo Ezio Frigerio y la figurinista Franca Squarciapino, se plantearon el hecho de que

  • desde el siglo XVII y principios del XIX se instala en toda la literatura y arte europeo algo que se llama la "chinoiserí". Es la visión del mundo oriental visto desde Occidente, convertido en un jarroncito de porcelana. Todo eso va evolucionando, pero, de algún modo, esta Butterflye, basado en un cuento y en la obra de teatro de David Belasco, en manos de Puccini se transforma en otra cosa. Lo que hay que hace es rescatar esa fuerza de la obra, y, por otro lado, jugar al metalenguaje de cómo vemos desde Occidente una visión aparentemente oriental con una heroína que se llama Cio-Cio-San, pero qu tiene una pasión mediterránea en las venas impresionante. Por ahí se nos ocurrió la historia de ese metalenguaje  en el albor del cine sonoro y final del mudo (1929/1930), una versión de la Butterflye desde el Holywood que ve el mundo oriental pasado por el maquillaje y las actitudes más propias de Occidente que de  Oriente. De ello resulta un metalenguaje escénico bastante atractivo.

Tal propuesta permite  concentrar

  • la interpretación dramática y huir de la sensiblería  y sentimentalismo, y recuperar toda la fuerza sensible, emocional y brutal que tiene y posee la obra. Por ejemplo: hay una crítica velada del imperialismo americano que todavía seguimos sufriendo. El yanki va por todo el mundo, y cree que se puede saltar a la torera culturas milenarias, que, a lo mejor, está subyugadas bajo la bota militar yanki, pero que  tienen mucho que enseñar. No creo que el americano Pinkerton sea antipático, como se ha dicho. Le toca una partitura difícil. Canta a destiempo sin calentar la voz, pero es un personaje interesante como paradigma del americano que llega a una cultura, juega con ella y luego le vienen sus fantasmas que  le van machacando. Pensemos en la postguerra de la Segunda Guerra mundial: el chocolate, la leche en polco en Italia; la quinta flota en Barcelona…,y luego un dibujo fantástico de ese personaje. Con respecto a las sopranos  se ha dicho que Puccini las machaca, pero, también las ama profundamente, pensemos en Tosca, Manon Lescaut, en Musetta, en Mimí,…personajes de una riqueza escénica que  requieren sopranos con una técnica vocal, con un gusto para cantar y con una fuerza emotiva de la mejor clase para interpretar esos papeles. Nosotros quisimos desencializar esa historia a partir de ese metalenguaje, pero  esa mujer que empieza siendo una adolescente llena de ingenuidad, que en el segundo acto se convierte en una persona alienada, fuera de su cultura y que viste hábitos occidentales y que lo que quiere es irse a América y huir de su cultura, y es último acto donde ella asume la responsabilidad y permite que su hijo vaya hacia esa otra cultura, pero ella se vuelve sobre sí misma y adquiere el papel de heroína como es alguien que por vivir o dejar de vivir lo que ella cree que vale la pena, es capaz de inmolarse, configuran un personaje de una altura dramática y una intensidad fascinante.           

PERSONAJES MUY BIEN DIBUJADOS MUSICALMENTE

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ERMONELA JAHO / JORGE DE LEÓN
FOTO: JAVIER DEL REAL
 

El resto de los demás personajes Mario los valora como

  • muy bien dibujados. Sharpless, tanto en la música que canta como en la composición del personaje, es de una belleza impresionante. Es el hombre que avisa, que cree, que tiene la piedad. También el personaje del proxeneta que está entre las dos culturas y saca dinero o la fiel Suzuki…Dramáticamente están muy bien dibujados porque Puccini buscaba hacer ópera desde un punto de  vista teatral muy bueno. Felizmente hemos dejado de pensar que  Puccini es el antecesor de las bandas sonoras de cine, y es un hombre de un lirismo y una línea melódica, y de un tratamiento orquestal y de las voces fascinante, completo y complejo. Es un placer, pues, poner en marcha esta ópera. Nuestra intención era esencializar, comunicar  y, de algún modo, acercar la ópera mediante este metalenguaje. Ello permite, de algún modo, con las cámaras que tenemos, unas falsas y otras reales, tener una proyección arriba en primeros planos, planos medios y poco planos generales, utilizando la técnica cinematográfica del comienzo del sonoro y con un tratamiento del color similar y consabido óvalo de la época, rematar la esencia del metalenguaje par que no sea solamente un tick escénico. Las dos reposiciones que se han hecho hacen las delicias y alegrías de los del tercer y cuarto piso, lo cual es fantástico  porque lo ven todo muy amplificado.        

ALUSIÓN AL IMPERIALISMO AMERICANO

Al conjugar la ópera como la puesta en escena en un plató, en el momento del cine de Hollywood que comienza a dominar con el sonoro, amén de facilitar una interpretación narrativa, Mario Gas no oculta el que 

  • haya una alusión al imperialismo americano. Cuando la montamos hace 15 años y hablaba con Ezio Frigerio, imagino que salió el tema del imperialismo o del turismo sexual. Luego se olvida, se pone en escena la obra y el público es el que concreta muchas más flechas de las que tú has inventado cuando la planificabas. Está claro que sí, que  había un intento de metalenguaje a partir de la aproximación de Occidente-Oriente naciente, de esa visión un poco edulcorada, pero manteniendo la fuerza del drama jugando con esos dos grandes espectáculos del siglo XX: el cine y la ópera, y manteniendo la esencia de las grandes emociones, intentando huir de las pequeñas emociones para no caer en los sentimentalismos, en los aparatos "kitsh", sino  encontrar la raíz y esencia de ese conflicto, cuyo itinerario te lo marca la música. Esa música no miente. Es de una potencialidad desgarradora. A mí me ocurre. Conozco la ópera. La he puesto en escena. He visto otras muchas puestas en escena, he escuchado mil grabaciones y, de repente, te pones a oírla y el cabello se te eriza. Es una música que pega un golpeen el plexo solar, en el hígado y en los  recovecos de la sensibilidad.   

DOS SOPRANOS PARA CIO-CIO-SAN

A Madama Butterfly (Cio-Cio-San), la interpreta Ermonela Jaho (Albania) que se alterna con Hui He. A Ermonela la pudimos oír en La Traviata (CLIKEAR). Su primera Cio-cio-San fue en Filadelfia y desde entonces la ha interpretado muchas veces. Es una intérprete habitual de las óperas de Puccini. En el Teatro Real ha participado en La Traviata y en Otello. (CLIKEAR)

Hui He, soprano china, fue premiada en el concurso Operalia (2000) y en el de Voci Verdiane (2001). Ha cantando el personaje de Cio-Cio-San en los principales teatros de Europa y América. Recientemente ha interpretado a Tosca en la Deutsche Oper de Berlín. 

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  ERMONELA JAHO
FOTO: JAVIER DEL REAL

Una constante de Ermonela Jaho es su preocupación por equilibrar técnica y emoción al cantar

  • El papel de Butterflye es un reto importante para todas las cantantes. Es importante  desde el punto de vista de esa emoción pura que implica. La música de Puccini es puro teatro desde la primera hasta la última nota.  Las heroínas de Puccini lo tienen difícil, porque la paleta de color es tan rica, que, prácticamente, abarca los 360 grados. Hay tantos contrastes, tantos colores, tantos cambios de emoción que. siempre, es difícil para una cantante. Al principio es una niña de 15  años y la música contiene todos esos elementos: la frescura, la vulnerabilidad, la entrada tan fantástica tan delicada y pura. Hay que dar un alma muy pura en el papel. Se enamora perdidamente y piensa que su vida va a cambiar y dar un giro total. En el segundo acto todo el mundo sabe que la han abandonado, menos ella. Esta orquestación tan dramática es difícil par la cantante. Hay un contraste muy fuerte en este segundo acto, y la cantante tiene que tener una técnica evidentemente sólida para ser capaz de alcanzar el equilibrio de la voz con esa gran orquesta, pues es imposible proyectar la voz con esa gran orquesta. La verdad es que Puccini tortura un poco a las cantantes, porque hay una tensión y una emoción enorme en estos papeles.

Otra de las dificultades, destaca Ermonela es que

  • se recorre la vida de una persona en tres horas. la cantante tiene que saber cuadrar todos esos cambios, con lo cual necesita una resistencia enorme, unos pulmones llenos de oxígeno para llegar en plena forma a ese final en el que vemos a una madre joven, 18 años, con el dolor de esa madre por el hijo que va a dar. Hay que ver la fuerza de esa emoción final y ve cómo transmitirlas al público. Es verdad que hay que controlar las emociones, pero, por otro lado, yo soy muy apasionada y me digo "tengo que controlarme", pero no puedo. Cuando la emoción te transporta llegamos a un momento en que la artista tiene que transmitir esa experiencia. Es el final de esta ópera. Yo me digo, finalmente, que el público no busca una voz perfecta ,sino que valora más que transmita esa vulnerabilidad. Esa desesperación absoluta, ese momento. El público lo busca, aunque sea más cansado para la cantante, pero no me importa. Siempre digo que intentaré controlarme, y lo he dicho a lo largo de los ensayos, pero sé que me voy a dejar llevar por la desesperación.

ESTUDIO EMOCIONAL DE LA PARTITURA
Y TRABAJAR MUCHO SOBRE LA PALABRA

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ERMONELA JAHO / ENKELEJDA SHKOSA /SAÚL ESGUEVA
FOTO: JAVIER DEL REAL

 

El modo de preparar Ermonela el personaje en ese equilibrio entre la técnica vocal y la emoción, se basa en el estudio de la partitura.

  • Miro en la partitura dónde debo dar el máximo y dónde debo ser más austera. Después trabajo mucho sobre las palabras. Tienes que ser un estratega. Saber dar la vida de este personaje con diversos colores, sin repetir dos veces lo mismo. Es como la vida, aunque hacemos todos los días lo mismo, todos los días cambiamos. Estamos en continuo cambio. Así veo la lectura de un papel. Mentalmente el deber de una artista cuando sube al escenario, es dar esta emoción desde la primera hasta la última nota. Es un trabajo que se hace todos los días, para cumplir con su profesión de artista. Mi deber termina con el último acorde cuando cae el telón. El artista lírico es multidimensional como la ópera. No es sólo la voz. Hay que ser inteligente y conocer los propios límites, conocer musicalmente  y dramatúrgicamente su papel. De todos modos la última palabra la tiene el público, porque él capta enseguida si el artista es falso o sincero sobre el escenario. En la vida muchas veces no manifestamos nuestra verdad, pero sobre el escenario nuestra alma está abierta  y no podemos engañar al público.  Por eso nunca podemos ignorarlo. Me gusta mucho cantar. He cantado muchas veces Butterfly, pero siempre es como si fuera la primera vez. Con esta dirección del maestro Gas, es algo fantástico para nosotros. No eres el clásico cantante que tomas tu posición y cantas. Hay un reto. El que el público de la primera fila y el del gallinero ve la proyección de la cara del  cantante de ópera que es, repito, multidisciplinar, pues deber catar con la boca, los ojos y cierta vibración, termina por ser una escuela de teatro. De esta producción saldremos mejor como artistas y como seres humanos, porque descubrir ciertos papeles es una especie de catarsis que hacemos con nosotros mismos. Esto tiene una resonancia con el público, pues todo lo que digamos que sentimos, si no llega al público hemos fracasado como artistas. Cantantes, coro, orquesta, el equipo es como una familia y cuando se hace música en familia es imposible que no se llegue a la emoción.

TRES TENORES PARA  PIKERTON 

El personaje de Pinkerton lo interpretan el español Jorge de León (Sana Cruz de Tenerife), los italianos Andrea Caré y Vicenzo Costanzo.  Jorge de León viene de cantar en el Teatro de la Zarzuela La Villana. Debutó en el 2004 con Lucia de Lammermoor y su carrera ha ido en alza. Ha cantado en los grandes teatros de Europa y en el Metropolitan Opera House de Nueva York. En el Teatro Real ha cantado Andrea Chenier y Tosca.

Andrea Caré se formó en  el Conservatorio Giuseppe Verdi de Turín. En 2005 ganó el Concurso Internacional de Ópera de Spoleto y fue alumno de Pavarotti. Ha cantando en los grandes escenarios de Europa y en el Royal Opera House de Londres. Con un amplio repertorio recientemente ha interpretado a Radamés (Aida), Steva Buryja (Jenufa) y El conde Loris Ipanov (Fedora).

Vicenzo Costanzo se formó en el coro de niños del Teatro San Carlo de Nápoles. Fue ganador del New Generation Award Tenor en Doha (Qatar) (2014). Ha cantado en los principales escenarios de Italia y en el De Nationale Opera de Amsterdam. Recientemente ha interpretado a Ruggero (La rondine) en la Deutsche Oper de Berlín. En el Teatro Real participó en el 2016 en Luisa Miller (CLIKEAR).  

PINKERTON, LA PASIÓN POR LO NUEVO

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JORGE DE LEÓN
FOTO: JAVIER DEL REAL
 

El personaje de Pinkerton ha sido considerado como un aprovechado, al crear un equívoco entre la cultura americana y la japonesa. Por eso se ha hablado de imperialismo y de turismo sexual. Jorge de León es consciente de que Pinkerton puede aparecer como

  • el antipático, el personaje negro de la obra, pero hay que entender, para quien no conoce la obra que Pinkerton comienza con una superficialidad sobre la temática. Va a un país exótico y hace el contrato. El cónsul Sharples (Ángel Ódena / Vladimir Stoyanov / Luis Cansino) le advierte de la situación que se puede generar, pero su pasión por algo nuevo, genera una fascinación por esa personita que entra en escena. En la última versión de la ópera, que es en la que nos basamos, hay una presentación de los personajes, y ahí se nos aparece como un poco superficial. Por parte de Puccini creo que también quiere mostrar cierto imperialismo americano que es capaz de conquistar todo. Cuando queda fascinado por esta niña de 15 años y el ritual de la ceremonia inicial, para que el drama final tenga una garra importante y aparezca el personaje oscuro y antipático de la obra, a pesar que Pinkerton intente redimir su conciencia, tiene que hacer ese  dúo, uno de los más largos y difíciles de la ópera, con una pasión, con un cautivar y con una emoción en cuanto que  recibe señales de ella. Vivimos todos un momento maravilloso.

Ese dúo en opinión de Jorge de León no es falso

  • Descubre algo que le hierve y siente esas mariposas en el estómago de cuando estás enamorado. Ve que la dificultad que ella le pone y le va cerrando las puertas se convierte en algo más carnal y felino. El juego que  plantea Puccini es el de un mariposa que revolotea en torno a ti y cuando la vas a alcanzar se va. Se enamora en un primer momento, aunque no con un amor verdadero, porque ya deja dicho al principio que espera casarse con una esposa americana. Lo que sucede es que cuando descubre  a Cio-Cio-San le cambia y lo aniña. Ella le pide "quiérame, pero poquito, despacito, como a un niño, porque nosotros estamos hechos par las cosas pequeñas." Es un tipo de amor y, de hecho, hacen el amor.  

SER EL MALO TE APORTA MUCHOS COLORES

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  ERMONELA JAHO / JORGE DE LEÓN
FOTO: JAVIER DEL REAL

Jorge de León advierte que

  • Si la historia terminara en ese dúo de amor, sería la historia más bonita del mundo. Tendría un niño y todas esas cosas (risas)…  No podemos pintar al personaje malo desde el principio. Hay que enamorarse de ese encuentro entre ellos, poco a poco, lo cual hace que el drama sea mucho más grande. También es progresivo en los colores que la pasión pide. En mi caso, por mi tipo de voz,  contrasta con la finura y delicadez de la interpretación de Ermonela, y se logran unos colores y contrastes maravillosos. Es algo emocionante. Entonces llega el momento clave en el que él no va a volver, y ahí surge el drama. El protagonismo de Butterflye con su tragedia dura. Cuesta tanto que yo, entre bambalinas, cuando espero el final de la ópera par gritar las últimas frases llamándola es dificilísimo no estar con un nudo en la garganta ante la emoción de las palabras y la música que le dice al niño. Siempre me han gustado este tipo de personajes, porque ser un Cavaradossi (Tosca) o un Andrea Chenir, bueno desde el principio hasta el final es muy bonito. Es el chico de la película. Ser el malo, actoralmente te aporta muchos colores y matices, no para la vida personal, pero sí para el momento actoral y el crecimiento artístico del cantante y del intérprete. Butterfly es una de las primeras óperas que hago y con la que entro en Viena, y a la vez que voy madurando por edad y por las distintas versiones, vas sacando del personaje  matices que son maravillosos. El dúo es el momento importante del tenor, pues sólo sale en el primer acto, y ahí hay que darlo todo. En el segundo acto no aparece, y sólo volverá en el tercer acto para armar la de Dios.        

PINKERTON, DE LA FASCINACIÓN AL OLVIDO

Mario Gas apostilla que en este tema del amor de Pinkerton

  • sería muy fácil hacer de Pinkerton un pendenciero que finge, pero la complejidad del ser humano es que le da miedo lo desconocido, ya que está afincado en sus convicciones. Este hombre que va a hacer un ritual de juego se queda prendado, llámese pasión, amor en aquel momento absoluto, pero luego el tiempo pasa. Vuelve. Es cobarde. Está su tierra, su país y, probablemente si no supiera que tiene un hijo se olvidaría, pero eso le percuta, le persigue y eso es el pan nuestro de cada día de la conducta humana: el miedo, el no reconocerse a sí mismo, al amar muchas veces. Una cosa es que él tenga un amor continuado en el tiempo y responsable, y otro el que nuestro Pinkerton, en ese gran dúo final, él siente el calor, una fascinación que acabará con el "si te he visto no me acuerdo", pero en ese momento está implicado absolutamente. Lo creo porque la música nos lo marca así. Esa música no es una trampa.      

Según las propias palabras de Puccini, no trata de retratar héroes, sino seres humanos. Joan Matabosch recoge las palabras textuales del propio Puccini.

"No estoy hecho para las acciones heroicas. Me gustan los seres que tienen corazón como el nuestro. Que están hecho de esperanza y de ilusiones. Que tienen minutos de alegría y horas de melancolía. Que lloran en silencio y sufren con una amargura interior" Por lo tanto son seres humanos que tienen lados oscuros y debilidades.

EN TEATRO UN EXCESO DE PASIÓN
LLEVA AL EMBORRONAMIENTO

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ERMONELA JAHO
FOTO: JAVIER DEL REAL
 

En el tema de la emoción y la técnica Ermonela ha apuntado el equilibrio y el no pasarse. Según Marco Armiliato

  • todo lo que hacemos, lo hacemos con unas ganas tremendas de transmitir nuestras emociones a todo el mundo, y eso es empezar bien pero siempre está el peligro de  pasarse, porque lo hacemos con tanta pasión y emoción que nosotros mismos estamos contagiados.
  • Esa es una de las grandes cosas que tiene el teatro y , en este caso, la ópera, y, sobre todo, en tratamientos de una emotividad profunda - añade Mario Gas. Los intérpretes somos capaces, a un tiempo, de tener toda la pasión necesaria, pero saber al mismo tiempo que hay detrás toda una técnica narrativa que tiene que dominar esto. Es algo inconsciente.  De lo contrario Otelo mataría a Desdémona, Butterflye se suicidaría. Un exceso de pasión lleva al emborronamiento. Una ausencia de pasión lleva a la frialdad. Se persigue siempre la excelencia. Hay que conseguir la dos cosas. Cuando yo monto alguna obra de teatro de prosa les digo a los actores: ¡quiero que tengáis emoción, por supuesto, pero lo importante es que  esta emoción viaje hacia el público". No ganamos nada si un actor dice "¡Cómo me he emocionado!" si no ha pasado la batería. Eso es lo que se persigue. Cuando esto se consigue, y en esta ocasión es así, es un alto voltaje eléctrico que viaja como un rayo hacia el público.
  • Esto son vibraciones - añade Marco - que se siente en el aire y que pasa en algunos momentos, aunque no siempre desafortunadamente.

ERMONELA JAHO,
MI INSTINTO ME DICE QUE, TODAVÍA,
NO ESTOY PREPARADAVOCALMENTE
PARA CANTAR TOSCA

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  ERMONELA JAHO / ENKELEJDA SHKOSA /SAÚL ESGUEVA
FOTO: JAVIER DEL REAL

Las mujeres escénicas de Puccini son dramáticas, no obstante las escribe para voces líricas. Debido a ese dramatismo, últimamente, la interpretación se le ha encomendado a sopranos dramáticas o lírico-dramáticas. Un personaje como es Tosca, de tintes dramáticos pero de matices líricos en la partitura, hasta el momento Ermonela no lo ha interpretado. No es por falta de sugerencias del exterior sino porque

  • por el momento no pienso cantar Tosca. La encuentro en su vocalidad un poco distinta, muy dramática y yo soy muy lírica. Como no la he cantado nunca, tal vez, no lo podría afirma rotundamente, pero es distinta de la Cio-Cio San de Butterfly. Creo que Cio-Cio-San es una voz lírica, porque siempre hablamos del teatro, del drama de esa jovencita. Tiene 15 años cuando comienza la obra, es muy joven, y se suicida a los 18 años. Los colores que Puccini ha escrito son muchos y de una gran delicadeza. Hay pocos momentos en los que debe expresarse como una madre que se  transforma en una tigresa cuando le van a tocar a su hijo. El resto es muy lírico. Por lo poco que he leído que, históricamente, la que ha cantado la Butterfly ha cantado también La sonámbula. La Butterflye es una muchachita muy lírica que nos conmueve más. Su drama no hay que  gritarlo, sino que sufre internamente y lo expresa con un color y una manera muy delicada. De Tosca me gusta mucho cantar su aria  - "Visi d'arte…" -, esa oración, pero, por el momento, no he pensado en ello. Me han pedido cantar Tosca, pero mi instinto me dice que, todavía, no estoy preparada vocalmente. De todos modos en Butterfly su aria final es desgarradora y no hay lirismo, no obstante, no sé por qué pero me siento con más posibilidad de cantar Cio-Cio-San, en ese último registro dramático, que Tosca. Me gusta el drama de Puccini, porque lo siento muy cercano a mí, al ser mediterránea y pasional. siento como si mi alma se liberara en el canto de ciertos papeles, pero, repito, Tosca, La Fanciulla del West o Turandot no van con mi carácter, por el momento.          

MI PRIMERA BUTTERFLY, FUE EN COMPAÑÍAS POBRES,
CON POCAS  POSIBILIDADES, PERO AHÍ GANA LA PASIÓN

Lo curioso de Madama Butterflye es que a pesar de las dificultades de la partitura, es una obra que se encuentra, frecuentemente, en el repertorio de la llamada Ópera Popular, que a todos los niveles es inferior a las granes puestas en escena, grandes cantantes y directores. Parece una temeridad. Con todo el público acude y es título de éxito a esos niveles. Marco Armiliato advierte que

  • la ópera se puede hacer a todos los niveles. Yo estoy encantado que se haga hasta el más pequeño pueblo con las pocas posibilidades que tienen y con el poco dinero. Siempre es cuestión de pasión y de adorar lo que estamos haciendo, la ópera que es uno de los espectáculos más completos de la historia, aunque claro que es distinto hacerlo en el Real o en otros sitios más modestos. Por lo menos, yo que he empezado de cero, y mi primera Butterflye, fue en compañías pobres, con pocas  posibilidades, ahí gana la pasión. Nuestra fuerza es la pasión, el entusiasmo y hacerlo siempre como si fuera el Metropolitan de Nueva York o como si fuera el primer teatro del mundo aunque estés un pequeño pueblo de Italia, España o de Alemania. Con mayores medios, lógicamente se hacen las cosas bien, y con cantantes y orquesta como la del Real, la diferencia se nota.    

Más información
     Madama Buterfly. Gas-Armiliato T.Real

José Ramón Díaz Sande
Copyright©diazsande

 

 

 

 

 

 

 

Última actualización el Martes, 27 de Junio de 2017 17:15
 
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