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NORMA
102 AÑOS DE ESPERA
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| FOTO: JAVIER DEL REAL |
Dentro de la programación conmemorativa del Bicentenario del Teatro Real, se recupera Norma, de Vincenzo Bellini, ausente de este teatro desde hace más de cien años, cuya última representación tuvo lugar el 28 de diciembre de 1914. Se representará por primera vez, en versión escénica, desde la reapertura del coliseo madrileño.
En opinión de Joan Matabosch, director artístico del Teatro Real, Norma está considerada
- la obra cumbre de Bellini. Pasa por ser de las más populares de todo el repertorio italiano. Es legendaria. Por eso es sorprendente el hecho de que se vaya a poner en escena en el Teatro Real, después de 102 años de ausencia en su escenario. Es difícil de creer, pero es así. Cuando el Teatro Real era Sala de conciertos hubo una versión en concierto y luego cuando fue teatro de ópera. En los años setenta se ha puesto una versión estupenda en el Teatro de la Zarzuela. Esta ausencia tiene algo de acontecimiento.
ROBERTO ABBADO,
MI HISTORIA CON NORMA YA TIENE 25 AÑOS
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ROBERTO ABBADO
FOTO: www.madridteatro.net |
Roberto Abbado en la dirección musical y Davide Livermore en la dirección escénica se ocupan de esta versión, coproducida con el Palau de les Arts de Valencia y la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO). sta Norma se ha estrenado ya en Valencia.
Roberto Abbado está considerado como uno de los más respetados directores musicales de su generación. Recientemente ha dirigido Samson et Dalila en Valencia y Benvenuto Cellini en Roma. Es director musical del Palau de les Arts Reina Sofía en Valencia desde 2015. En el Teatro Real ha dirigido Rigoletto. Ha dirigido Norma en varias ocasiones: Bari, Turín y una vez en Houston (Estados Unidos). La califica como una gran ópera, sino como una obra maestra.
- Mi historia con Norma ya tiene 25 años. Empecé con una concepción más neoclásica, y ahora la veo como una ópera muy romántica. Toma las raíces en un mundo distinto y ello genera una gran tensión musical. Es una obra que tiene una respiración muy majestuosa. Aunque es muy dramática, se desarrolla lentamente. La historia acontece en la Galia, en la época de la dominación romana, y se comprende que son dos pueblos, dos culturas distintas, dos religiones distintas, aunque ambas son paganas. Todo eso ya genera tensión dramática. Los papeles principales, cada uno de ellos no son honestos. Están corrompidos en su interior. Todo eso genera otra tensión. Por supuesto la música debe desarrollarse siguiendo la historia y el libreto, que está muy bien escrito. Por eso una particularidad de Norma son los dos recitativos que van acompañados por la orquesta. Esos recitativos son de los más grandes, precisos y complejos de toda la historia de la ópera. Un modelo para todos los compositores que vendrán después.
DEL NEOCLASICISMO AL ROMANTICISMO
La raíz de la música se encuentra en el neoclasicismo, pero, según Roberto Abbado
- Bellini la desarrolla con una sensibilidad romántica nueva y moderna a pesar de la amplitud de las melodías muy largas. Por ejemplo, ahí tenemos Casta Diva, el aria más conocida de la ópera, que tiene un interesante toque de orientalismo, lo cual me gusta mucho porque supone una influencia árabe, tan importante en España y, también, en Italia, especialmente en Sicilia, donde Bellini nació. El temperamento siciliano de Bellini se nota en muchos pasajes, donde la música tiene mucho fuego, como si fuera el mismo volcán que vomita esta música muy apasionada. Norma ha sido una obra muy importante para los compositores que vendrán después y no sólo los italianos. Hay una evidente influencia de la música de Bellini en la música de Chopin en la manera de tratar la melodía, la manera de tratar la armonía y de utilizar el "tempo" musical, siempre muy flexible.
La mayor dificultad musical que Roberto Abbado encuentra en Norma es
- La respiración larga que hay que tener. Esta es la majestuosidad que esta ópera tiene. hay que hacerlo de una manera que todo se pueda desarrollar. Es decir poner los detalles en un proyecto muy amplio, porque es una ópera muy amplia.
RICHARD WAGNER RECONCILIADO
CON LA ÓPERA ITALIANA
GRACIAS A NORMA
Richard Wagner, visceral enemigo de la ópera italiana, se reconcilió con ella gracias aNorma.
- Se sabe que Richard Wagner dirigió muchas veces Norma - recuerda Roberto -, y recompuso la segunda escena del II Acto de Oroveso, padre de Norma, en Norma: un aria con coro masculino completamente nueva, y se inspiró muchísimo en el final de Norma, en esa música transcendental, para componer el final de Tristán und Isolda: la muerte de Isolda. Ambas obras musical tienen este concepto de ascensión continua, que es muy emblemático para presentar la transfiguración en Tristán a través del amor. En Norma es una escena de inmolación, que, también, será muy importante en Wagner. Entonces, en Norma, están todas las bases de la música romántica.
Esa composición de Wagner al estilo Bellini se interpretará en Enfoques el viernes 14 de octubre a las 20:00horas en la presentación de la ópera Norma, en la Sala Gayarre del Teatro Real.
DAVIDE LIVERMORE,
MI RELACIÓN CON BELLINI ERA DE PURO ODIO.
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DAVIDE LEVIRMORE
FOTO: www.madridteatro.net |
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Davide Livermore (Turín) se encarga de la dirección de escena. Davide es lo que se ha dado en llamar un hombre del renacimiento en lo concerniente a las artes escénicas, pues aglutina en su persona los menesteres de escenógrafo, diseñador de vestuario, iluminación, cantante, bailarín, actor, guionista y pedagoga, por enumerar algunas de sus facetas. Ha cantado en los principales teatros de ópera del mundo junto a Luciano Pavarotti, Plácido Domingo, Josep Carreras o Mirella Freni. Como director de escena ha trabajado en los principales teatros italianos. En España ha firmado los montajes de la Ópera de A Coruña, el Teatro Arriaga de Bilbao y el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Sus últimas direcciones han sido Il turco in Italia en el Festival Rossini de Pésaro y La forza del destino en Génova. Actualmente es director artístico del Palau de les Arts de Valencia desde 2015. Esta es la primera vez que se relaciona con Norma. Su relación anterior la define como
- de puro odio, porque tenía un tío que tenía en la cocina un retrato de Vicenzo Bellini y pienso que mi tío fue un asesino en serie, como el que durante 15 años come sólo sardinas. Escuchaba solamente Bellini. Todo lo que fuera antes o después de Bellini no existía. Mi primera actuación como cantante fue en La Fenice de Venecia con un Orfeo de Monteverdi. Le he dicho gozoso:"¡Tío, he estrenado el Orfeo de Monteverdi!", y me responde "¡Eh!, pero no es Bellini". Ese es mi problema con Norma.
CADA ÓPERA VIENE DEFINIDA
POR LA CALIDAD DE LOS CANTANTES
Como principio de dirección escénica, Davide parte de la base de que
- cada ópera viene definida por la calidad de los cantantes. Un director de escena puede tener ideas estupendas, pero si los cantantes no pueden desarrollar bien el canto, el director de escena no está haciendo bien su trabajo, sobre todo en esta ópera, porque si los cantantes no tienen la posibilidad de desarrollar esta gramática de afectos, que están incluidos en la partitura para el desarrollo psicológico y de la historia con todo el arte que necesitan. Se puede inventar cualquier cosa, pero todo lo que el director de escena tiene que imaginar es para ayudar a la comprensión de la historia y ayudar a los cantantes para que puedan expresarse en esta partitura especialmente difícil. Yo soy cantante y músico antes que director de escena, y me encanta trabajar con partituras tan difíciles, porque desde mi nacimiento he descargado una información: no poner lejos al cantante 2.0. Es como si un arquitecto de interiores dice "aquí está mejor si ponemos al fondo…". No, no aquí está mejor si los ponemos adelante y cantan, y, sobre todo, si actúan de una manera tan intensa.
LO IMPORTANTE SON LOS AFECTOS
Y LAS RELACIONES QUE SE PUEDEN DESCUBRIR
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MARÍA AGRESTA
FOTO: JAVIER DEL REAL |
Al situar a los cantantes adelante parece crear un problema de imposibilidad de un movimiento escénico más amplio y dramático. Para Davide ahí no está el problema
- En un escenario en cuanto comienzas a comprender lo que son las relaciones en escena: adelante, detrás, primeros hombros, segundos hombros… Este no es el problema. el problema es ¿se comprende quién ama, quién traiciona, quién sufre…Esa es la realidad. La gente ¿cree profundamente a lo que se está diciendo? Este es el trabajo de un director de escena: que produzca emoción. Ponerlo un metro delante o un metro atrás o tres detrás, es mantenerse en un planeta un poco "onanístico". Lo importante es que se comprendan las relaciones, que se transmitan. Aquí tenemos tres repartos estupendo y no dejaré de dar las gracias a este Teatro por ello. Son cantantes de primer nivel y es difícil encontrar en el mundo algo así. Al mismo tiempo, por mi parte, es necesario seguir la partitura y que la manera de actuar, un metro delante o dos metros detrás no es importante. Lo importante son los afectos y las relaciones que se pueden descubrir y que sean reales, para crear la comunicación. La emoción real y verdadera va a quitar en un segundo la idea de algo museístico, que tiene parte de la sociedad. Vicenzo Bellini ha escrito para su época contemporánea. Sabemos que cuando escribió par Capuleti e Montecchi en Venecia, una gran cantidad de venecianos cogieron al maestro y lo han llevado triunfalmente por toda Venecia. Era una fiesta compartida, algo que realmente ha emocionado profundamente por enganchar con lo contemporáneo. Nosotros tenemos esta responsabilidad: crear una relación contemporánea. No es un problema de vestuario o escena contemporánea. No se trata de un traje antiguo o contemporáneo. Es la capacidad de crear relaciones en escena. Contar la historia de manera emocional.
MI LABOR ES DARLE UNA MIRADA CONTEMPORÁNEA
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| FOTO: TEATRO REAL |
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Davide subraya en que esa es su labor como director de escena.
- Mi labor es darle una mirada contemporánea y eso entra profundamente en mi trabajo: cómo pueden mirarse a los ojos, cómo contar amor, desesperación de amor, que es increíble lo que tenemos en esta partitura, la cual es una revolución romántica pura. Si Giuseppe Verdi tuvo una sociedad abierta a nivel emotivo para mover su sociedad a nivel político, es porque antes existieron compositores como Vicenzo Bellini, que ha abierto el corazón a los italianos y ha descubierto la manera de cómo afectar al morbo de las emociones. Fue una revolución romántica impresionante. En una sociedad del siglo XIX , baste imaginar el impacto que podría tener el que una hija diga a su padre "Por favor ama a mis hijos, que tú crees que son hijos de la culpa. Ama" ¿Cuantas chicas están en la Sala y han vivido esta realmente historia? Esta es una de las tantas capacidades, que la ópera en Italia ha tenido, para abrir las partes oscuras de la sociedad, que por la cultura católica no se podía contar. No se podía contar que has tenido un hijo de una relación fuera de la normativa de la Iglesia o de tu familia, y que este niño fue entregado, de manera secreta, a un monasterio. La manera de que esta ópera fuera contemporánea en su época, fue el poder contar temas que estaban muy presentes en la sociedad.
Davide resume su labor con dos condiciones:
- Los cantantes delante y respetar profundamente la dificultad técnica. Al mismo tiempo obligar a los cantantes a creer profundamente en las palabras extraordinarias, esto es el "bel canto". Es decir tener una relación profundamente con la partitura, con las palabras, y la palabra al mismo tiempo tiene una relación extraordinaria con la melodía. Es como un dibujo tridimensional visual y auditivo del desarrollo de una historia, de unas almas y de unos sentimientos. No es fácil
Estamos en el año 50 a. Cristo, durante la ocupación romana. La sacerdotisa virgen Norma, hija de Oroveso jefe de los druidas, ama procónsul romano Polión, y de él cual ha tenido dos hijos secretos que custodia Clotilde, sin que el resto sepa nada del origen de esos niños. Polión ha dejado de amar a Norma y ama a Adalgisa, también sacerdotisa. El amor de Norma por Polión, le lleva a tratar por todos los medios acallar la rebelión contra Roma con la esperanza de llegar a la paz de ambos pueblos. Es el modo de no perder a su amado.
¿EXHIBIR LA PARTE VOCAL
O CONTAR UNA HISTORIA?
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FOTO: TEATRO REAL |
En el mundo de la ópera, hoy menos, existen dos tendencias. Hay quienes ponen como fundamental el contar la historia y otros piensan que la historia es secundaria y lo importante es el canto. De hecho durante muchas décadas a los cantantes se les perdonaba su deficiente interpretación. Para Davide tal problemática no exista
- Yo como cantante lírico que soy, también, no existe esta contraposición. Si se sitúa a un cantante lírico en la mejor manera para que pueda cantar y desarrollar su parte técnica, significa que estás desarrollando la historia, lo que está en la partitura. no veo contraposición. La contraposición que veo, a veces, como director de escena o intendente de un teatro, es que hay proyectos que usan la partitura para el Ego de un director de escena. Pasa. A mí me pasó. Hace muchos años que estoy "bailando el Mambo" sobre los escenarios. Cuando un cantante canta bien, y no me refiero a tener una experiencia "pornográfica de la voz", es decir muestro la voz y ya está, sino a cantar lo que ha escrito el señor Bellini "sforzato, trattenuto, ritenuto, corona, cadenza, piu sbelto, … significa que estamos llorando de emoción.
LA MAYOR DIFICULTAD:
CREAR ACCIÓN EN EL INTERIOR DE LA PARTITURA
Aclarado este discurso Davide reconoce que la mayor dificultad en Norma es
- crear acción verdadera en el interior de esta partitura. Por las producciones que visto y que he admirado en mi vida como artista lírico, la dificultad es cómo traducir una partitura llena de pasión en hechos. Esa ha sido mi más grande preocupación, en el sentido de que todo este tormento maravilloso no se podía reducir a una puesta en escena estática, donde, solamente, la interpretación vocal es maravillosa. Esa interpretación necesita un soporte corporal de acción, de sangre y pasión que está en la partitura. Para ello, al tener conocimiento de la partitura como cantante, he ido valorando lo que se podía pedir de acción, desde el punto de vista técnico-vocal, en cada parte: aquí sí y aquí no.
PARA HACER MÚSICA HAY QUE ESCUCHARSE
Uno de los problemas actuales de las orquestas es la tentación, a veces por brillantez orquestal, el atacar con fuerza los "fortes" de modo que de ahogue a los cantantes. Para Roberto Abbado hay un principio básico
- Para hacer música hay que escucharse. Cuando nos escuchamos todo sale bien. Los instrumentos se han desarrollado mucho y la orquesta de hoy día no es la orquesta de la época. Tampoco la manera de cantar es la misma. Si se puede oír y mantener un equilibrio entre las dos partes, todo es mucho mejor.
Por su parte Davide completa la opinión de Roberto
- Durante estos días, en este escenario lo que me encanta de los cantantes, de equipo técnico, de la orquesta del maestro Abbado y de mi participación es que todos estamos haciendo música conjuntamente. Para mí, como director de escena, la música es lo primero. Me encanta trabajar con el maestro Abbado, porque se hace música conjuntamente.
- A mí también me gusta trabajar con Davide - bromea Roberto Abbado
- Lo he dicho por eso -sigue la broma Davide. Es el número que hacemos en todas las ruedas de prensa. Somos una pareja cómica.
¿UNA ESCENOGRAFÍA AUSENTE?
PONER EL ENFOQUE EN UN OBJETO
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| FOTO: JAVIER DEL REAL |
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En esta versión los elementos escenográficos son muy discretos, y casi ausentes.
- Sería muy fácil decir - replica Davide - que está casi vacía porque estamos en un tiempo de crisis. Lo he oído decir y me he muerto de risa. La escenografía está muy presente y da una imagen impactante. Es un espectáculo hecho con medios super-modernos mediante video-proyección, realizados por un grupo de amigos míos que se llaman D-WCK, con los que he hecho aquí en España La forza del destino, que ganó el Premio Campoamor hace dos años, Otello y otra producción. La idea de esta Norma escenográfica es poner el enfoque en un objeto: el árbol sagrado, que llega a ser un objeto totémico. Me gusta siempre poner un punto focal en las escenografías, porque todo se cumple en ese objeto. Empieza la vida de una chaman, la sacerdotisa. Desde ese árbol puede crear la adivinación: ver el futuro e imaginar el final de toda su historia llena de contradicción, porque está llena de humanidad. Lo que se puede ver es un calidoscopio extraordinario de imágenes, hecho por un grupo de arquitectos, que han trabajado en El árbol de la vida. Trabajo muy bien con ellos. La idea de base es que se trata de una claustrofobia, porque los sentimientos giran, como decía Bernard Shaw: "Contar la historia de una ópera italiana es sencilla. Hay tenor que quiere follar a una soprano y ella no lo quiere, porque quiere al barítono". Es un triángulo que gira continuamente. En Norma el triángulo es un poquito diferente. No existe el barítono. Esta historia es claustrofóbica, y entonces tener un objeto que desarrolle todos los lugares me gustaba mucho, para no desviar la historia ni las relaciones entre los personajes.
CUANDO UN ESCENÓGRAFO TE DICE
QUE QUIERE UN ESCENARIO VACÍO,
LO QUE TIENES QUE HACER ES PONERTE A TEMBLAR
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MARÍA AGRESTA
FOTO: JAVIER DEL REAL |
A este respecto del escenario vacío Joan Matabosch añade
- Cuando un escenógrafo te dice que quiere un escenario vacío, lo que tienes que hacer es ponerte a temblar, porque quiere decir que hay una iluminación super-sofisticada, luego hay proyecciones de una complejidad brutal. Un escenario vacío es peor que le puede pasar para un presupuesto de teatro. En este caso tenemos una escenografía muy presente y potente. Si hay más funciones hace falta más reparto porque no queremos acabar con la carrera de los cantantes, ni tampoco podemos alargar las funciones de Norma durante un período largo que nos impida hacer otros espectáculos.
NORMA REQUIERE GRANDES CANTANTES
Norma es una ópera que requiere grandes voces. Al personaje de Norma le darán vida Maria Agresta, Angela Meade y Mariella Devia. Gregory Kunde, al que hemos visto en Otello encarnará al romano Pollione, papel que comparte con los tenores Roberto Aronica y Stefan Pop. Completan el trío protagonista las mezzosopranos Karine Deshayes, Veronica Simeoni y Ketevan Kemoklidze en el rol de Adalgisa.
El que hay un triple reparto viene impuesto por el número de funciones
- como en los últimos años se ha ido viendo que había una demanda muy considerable, pensamos que no era sensato programar menos de 12 funciones, y me parece que estamos en lo cierto. Norma hace muchos años que no se hace. En Madrid es menos conocida de lo que pensamos que es, pero a lo mejor no tanto y hay muchas ganas de verla.
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