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Viento es la dicha de amor. A. Lima. T. Zarzuela. Crítica PDF Imprimir E-mail
Escrito por José R. Díaz Sande   
Lunes, 03 de Junio de 2013 10:56

VIENTO, ES LA DICHA DE AMOR
PICTÓRICO POEMA DE AMOR
 
FOTO: FERNANDO MARCOS
En más de una ocasión Albert Boadella ha confesado que cuando en uno de sus espectáculos todos los asistentes están de acuerdo le intranquiliza, y le lleva a poner en duda si ha sabido transmitir lo que él pretendía. En el Siglo de Oro tenemos los famosos "chorizos y polacos", que eran dos grupos de espectadores a favor de dos Teatros : el del Príncipe (actual Teatro Español) y el de la Cruz (en la calle Cruz, hoy desaparecido), cuya misión era boicotear el espectáculo contrario fuera bueno o malo. Asenjo Barbieri ha dejado huella de ello en su zarzuela Chorizos y Polacos (1876), estrenada a finales del siglo XX en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, en 1984, dirigida por José Luis Alonso. Esta contienda, actualmente, se ha recluido en el deporte y en el Parlamento. En el teatro ha ido a menos y no son frecuentes los abucheos. El desagrado ante el espectáculo se suele manifestar con aplausos de cortesía. Bueno, pues Viento, es la dicha de amor ha resucitado el ¡Fuera! ¡Fuera!, y ha creado una clara disensión de opiniones.
 
Tal discrepancia surgió casi al final, cuando nuestro querido Céfiro se desnuda integralmente y persigue a su, también, desnudo amor Liríope, componiendo, al fondo del escenario, figuras inspiradas en la mitología nudista de cuadros clásicos. Hasta ese momento la velada transcurría tranquila. En cuanto nuestro Céfiro exhibió las "joyas de la familia", se levantaron una señoras, y pasillo adelante, una de ellas, profería: ¡Esto es una vergüenza! Al poco, otros espectadores las imitaron. Llegados los saludos, los aplausos y algunos ¡Bravos! resonaron en el local. Grupos de espectadores abandonaron la sala, aún en medio de la oscuridad. Es posible que tuvieran prisa. Todo el elenco y el director musical Alan Curtis fue aplaudidos con generosidad, pero cuando salió a saludar Andrés Lima, el director de escena y responsable de la dramaturgia, se reprodujo lo de los "chorizos y polacos". A los aplausos ¡Bravo!, se contraponía el ¡Fuera!¡Fuera! El rechazo podría ser motivado por la obra en sí misma, o por la generosidad anatómica de Céfiro (el actor Víctor Massán). Sea cual fuere el motivo, alguna espectadora contrarrestó los ¡Fuera! por ¡Fuera el conservadurismo!, dirigido a la platea y no al escenario.
 
Esta anécdota enjuicia la obra de Andrés Lima de tres formas: el montaje no gustó como tal montaje, el montaje gustó por lo novedoso y la música, y el montaje no gustó por el "despelote" final, que no es digno de aparecer sobre un escenario como el del Teatro de la Zarzuela, y menos para un público que como decían, después otras señoras en el autobús: "Nosotras somos abonadas a la Zarzuela y esto..." Olvidando ya el desnudo Céfiro, desde luego Viento, es la dicha de amor no es Luisa Fernanda o La del Soto del Parral.
 
Viento, es la dicha de amor, de José de Nebra es una zarzuela barroca del siglo XVIII (CLIKEAR), y por lo tanto, alejada de lo que actualmente el público medio entiende por Zarzuela, tanto desde el punto de vista musical como argumental. Esto puede explicar que algunos espectadores no conectasen con lo exhibido en el Teatro de la Zarzuela. Argumentalmente privaban los temas mitológicos, y el público de entonces estaba más avezado hacia ellos, que el nuestro. Captaban mejor ciertas referencias. Por eso, el narrar una historia mitológica podría tener poco interés, amén de resultar algunos pasajes ininteligibles. Andrés Lima ha cortado por lo sano, literalmente. Ha eliminado todo el texto hablado, y lo ha sustituido por una serie de poemas eróticos de autores que van desde el siglo XVII al XXI. Respetando la música y los cantables, ha ido intercalando tales poemas, bajo el prisma del deseo erótico, tan enraizado en la naturaleza humana. De ahí que Viento, es la dicha de amor, la haya subtitulado Poema lírico sobre el deseo basado en la zarzuela de Antonio Zamoral, quien escribió el libreto, y de su vena literaria, en esta versión, sólo ha quedado en los cantables ("lirycs" según los anglosajones).
 
De todos modos, la esencia de la mitología griega, llena de personajes secundarios triscando por los bosques, queda reflejada escénicamente. Se pueden distinguir varios planos de personajes: los protagonistas, desdoblados en cantantes y actores, los huéspedes del Balneario (el coro), y lo que equivaldría a duendecillos, propio de la mitología y de las pinturas que reflejan tal ambiente erótico, que son interpretados por figurantes y bailarines. Ello da pie a diversos estilos: uno tendente al realismo "sui generis" como es el balneario y sus habitantes tanto en vestuario como en interpretación; otro más lírico, la historia de Céfiro y Liríope, que cuentan las empleadas del balneario, del que forma parte la música y los poemas, y, por último, el respirar erótico de los bosques frondosos de ninfas, duendecillos y floresta. Tal diversidad de planos suceden simultáneamente: mientras los protagonistas cantan, los bailarines acompañan con su movimiento y ritmo la partitura, así como, con discreción, la historia central se desarrolla a través de los actores.
 
Andrés Lima ha conseguido, con acierto, "pintar" uno de esos cuadros a los que nos tiene familiarizados los museos, cuando tratan lo mitológico amoroso. Si se me apura no hay exactamente una historia al modo narrativo, sino una serie de impresiones sensoriales en torno a la historia de Céfiro y Liríope. Tales sensaciones nos llegan a través de la música y los poemas eróticos. Situados en esta línea, Andrés consigue emocionarnos.
 
El protagonismo de esta versión lo logra la música y su interpretación por parte de los cantantes, entre las que sobresalen, por su mayor protagonismo, Yolanda Auyanet (Liríope), Clara Mouriz (Marina) y Beatriz Díaz (Amor). La partitura se puede definir como expresiva en lo que se refiere a caracterizar a los personajes. Juega con parejas serias y parejas cómicas, pero, al contrario de lo habitual en el mundo lírico, en el que las coplillas se reservan para los cómicos, mientras que la arias de capo pertenecen a los personajes serios. Nebra utiliza indistintamente los diversos estilos, así como los recitativos, para unos y otros personajes. El estilo musical barroco lleva a unas bellas repeticiones de los cantables, que seducen musicalmente. La experiencia de ponerse en contacto con un tipo de zarzuela alejada de lo que sucedió después en el siglo XIX y primera mitad del s. XX., e interesante y nos acerca a bellas melodías y virtuosismo del "bel canto".
 
Clara Mouriz impacta por su potencia y modulación en su tesitura de mezzosoprano, que combina bien con el lirismo de Yolanda Auyanet, la cual ataca los bajos, que su partitura posee en ciertos momentos, con limpieza. Beatriz Díaz sobresale, sobre todo, en su última aria Guerra publique, guerra. El dueto cómico resulta familiar, pues está muy cerca de lo que después será el dueto cómico de la zarzuela decimonónica. Conviene llamar la atención sobre alguna parte no cantada correspondiente a los cantantes. Salen muy bien parados, hasta llegar a preguntarnos que, a lo mejor, Andrés podría haberse arriesgado encomendar los poemas eróticos a ellos.
 
La orquesta la componen instrumentos barrocos. Alan Curtis, director musical y especialista en música barroca, dirige la orquesta con gran delicadeza y los diversos instrumentos se potencian gradualmente, así como nos transmiten un nuevo sonido. Se les premió - a él y a la orquesta - con enfervorizados aplausos.
 
El original distingue entre cantantes y actores como son Antenor y Tiresias. En esta versión no siempre los nombres de todos los personajes coinciden y hay algunos de más, repartidos entre ninfas y duendes.  Los personajes centrales se desdoblan, unos para el canto y otros para la acción, quienes, a medida que avanza la historia,  consiguen fundirse en uno. El que los poemas - la parte hablada - se encomiende a actores es para salvar la parte interpretativa, de la cual salen bien parados. No obstante, algo restalla. Funcionan a medias. Se pierde la emoción e intimidad que posee la poesía del poema. No nos llegan a emocionar. Y aquí se plantea un interrogante : si se suprimen ¿pasaría algo? Es tan expresiva la música y la plástica del espectáculo que ambas dimensiones artísticas transmiten, ya, un gran poema de amor.
 
Título: Viento (Es la dicha de amor) (a partir de la poesía amatoria de los siglos XVII al XXI)
Texto original: Antonio Zamora
Música: José de Nebra
Dramaturgia: Andrés Lima Edición crítica:  José Máximo Leza
Consejería de la Educación de la Comunidad de Madrid - Instituto Complutense de Ciencias Musicales, 2009
Escenografía y vestuario: Beatriz San Juan
Iluminación: Valentín Álvarez
Coreografía: Sol Picó
Nueva producción del Teatro de la Zarzuela
Intérpretes:
Cantantes: Yolanda Auyanet (Liríope), Clara Mouriz (Marina), Beatriz Díaz (Amor), Ruth González (Marsias), Gustavo De Gennaro (Ninfa), Mercedes Arcuri (Ninfa).
Actores: Isabel Rodes (Fedra), Marta Megías (Delfa), Silvia Álvarez (Liríope), José Juan Rodríguez (Marsias), Alberto San Juan (Antenor), Víctor Massan (Céfiro).
Bailarines: Mar López Martínez, Nacho Vera, Joaquín Abella, Marchu Lorente, Vero Cendoya, Carlos Fernández.
Orquesta Barroca de Sevilla
Coro del Teatro de La Zarzuela
Director del coro: Antonio Fauró
Dirección musical: Alan Curtis
Dirección de escena: Andrés Limas
Estreno en Madrid: Teatro de la Zarzuela, 17 - V - 2013
 
 FOTO: FERNANDO MARCOS
 


José Ramón Díaz Sande
Copyright©diazsande


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Última actualización el Lunes, 03 de Junio de 2013 11:39
 
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